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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Del laberinto en el que estuvo sumida la Castilla del siglo XV surgió otro, ahora en verso, que Juan de Mena presentó en 1444 al entonces monarca Juan II como un plan de acción política para la reforma del reino. Ese ''Laberinto de Fortuna'' constituye una pieza mayor en el canon de la literatura española, que se mueve entre las últimas inercias medievales y un primer Renacimiento propiamente hispánico. Mena lo concibió con una conciencia humanística y una decisiva dimensión experimental. En su afán por imitar la epopeya clásica, diseñó una lengua poética que se alejaba del uso común para dotar al castellano de una dignidad pareja a la del latín. Su éxito fue enorme y se mantuvo en el tiempo, como muestran los numerosos manuscritos en los que la obra nos ha llegado, los comentarios de Hernán Núñez o el Brocense o su presencia, aún viva, en la polémica gongorina. Esta edición crítica y modernizada pretende ofrecer una lectura clara y accesible de ese ''Laberinto'', que se presenta como un desafío sugestivo y extraordinario para los lectores del siglo XXI.
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La ganadora del Premio Cervantes 2018 nos brinda una selección de artículos que abarca más de 50 años de crítica literaria. Desde sus comienzos en La Gaceta de Tucumán, pasando por sus numerosas colaboraciones, durante el exilio mexicano, en revistas emblemáticas como Vuelta y Babelia (El País), hasta su regreso a Uruguay donde dirigió Jaque: Resurrecciones y rescates es el legado de una vida dedicada a la literatura. Enfrentar, después de años, una lista de notas más larga de lo que podía suponer, para empezar a salvar algunas en libro, arriesga ser un paseo por los bordes del error, debiendo resistir la tentación, que suele asaltarme, de corregir lo ya escrito, en una práctica de la desconfianza que a veces se apoya, no sin riesgos, en la idea de que el pasado era el campo de los aprendizajes a veces inconclusos y de que el tiempo es un maestro cuya fatalidad basta para mejorar todo a su paso. Y elegir en cosa propia es cosa accidentada que el tiempo complica.
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En el primer tercio del siglo XX empezó a correr un tiempo nuevo para el conocimiento y el reconocimiento del flamenco. De las fiestas de los señoritos andaluces, las ventas, los cafés cantantes y los prostíbulos, el cante jondo dio el salto a la historia
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La visión del juicio (1821), considerada «la mejor obra de lord Byron, con permiso de Don Juan», arranca con la parodia de un poema de Robert Southey donde el poeta narraba, con gran cursilería, el ascenso a los cielos del rey Jorge III. Pero una vez dispuesto el teatrillo paródico a Byron se le dispararon los poderes visionarios de manera que además de calcinar la reputación de Southey examinó la tramoya del poder, de la moral, del arte y de la ambición de su tiempo. Completa el volumen una selección significativa de su lírica breve, donde recuperamos al Byron más romántico.
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Poemas de la última noche de la Tierra, publicado en1992, es el gran libro de madurez de Charles Bukowski(Andernach, 1920-Los Ángeles,1994), el padre del realismo sucio. La poesía violenta y verdadera del autorcaliforniano, que explora los bajos fondos de las ciudades y del alma, se acendra en este poemario escrito pocos años antes de su muerte. La inminencia del fin parece urgir a Bukowski a disfrutar de sus placeresde siempre: el placer de escribir, el placer de beber, el placer de amar, y a denunciar, con más fuerza que nunca, lo que detesta: el trabajo, las multitudes,la estupidez. Sobreponiéndose a un ahogo existencialque, en su caso, se ha disfrazado de nihilismo e insumisión, Bukowski se entrega a la exaltación del ser,al acto, absoluto y suficiente, de vivir, con una máquina de escribir delante y una copa de vino al lado.Su crudeza no oculta sino ternura: es el privilegiode los que escriben con el corazón, sin tramoyas ni claudicaciones.
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Al vostre gust
Edició de Vicens Vives, de l'obra de William Shakespeare, amb traducció i pròleg de Salvador Oliva. Al vostre gust, amb el títol original en anglès As You Like It, és una comèdia pastoral, una de les més àcides de l'autor. Quan Roland de Bois mor, el seu fill Oliver n'hereta el senyoriu amb la condició de tenir cura d'Orland, el seu germà petit. Però Oliver no se l'estima i es despreocupa de l'educació del seu germà. Quan Orland es proposa desafiar en combat al seu germà, Carles, un lluitador de la cort del Duc, l'avisa. El desafiament suposaria un deshonor per a qualsevol cavaller, però el que Oliver no vol és que el seu germà adquireixi l'estatut de cavaller i per això anima Carles a participar en el combat.
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Miscel·lània Jordi Bruguera, 1
Primer volum del recull de treballs en honor del filòleg Jordi Bruguera. En coedició amb l’Associació Internacional de Llengua i Literatura Catalanes.
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«Los Veinte poemas son un libro doloroso y pastoril que contiene mis más atormentadas pasiones adolescentes, mezcladas con la naturaleza arrolladora del sur de mi patria. Es un libro de amor porque a pesar de su aguda melancolía está presente en él el goce de la existencia». Con estas palabras define Pablo Neruda este libro que el lector tiene en sus manos, aparecido en abril de 1924, cuando su autor tenía veinte años de edad. Han pasado desde entonces más de setenta años, los más prodigiosos setenta años de vida de un libro de poesía en nuestro siglo. ''Viente poemas de amor y una canción desesperada'' es la base de la fortuna literaria de Pablo Neruda. Mientras las vanguardias se extendían en el mundo artístico, Neruda se refugiaba en los crepúsculos para pasar de un modernismo en transformación a un neorromanticismo profundamente original. Su conexión con la sensibilidad adolescente y prorromántica ha puesto de manifiesto un poder de comunicación basado en su potencialidad creativa, en su facilidad para crear un breviario sentimental de sensaciones transmisibles y memorables. Como el propio Neruda dice: «Solo he cantado mi vida y el amor por algunas mujeres queridas, como quien comienza por saludar a gritos grandes la parte más cercana del mundo».¿A quién va dirigido el libro Veinte poemas de amor y una canción desesperada?Se trata de un poemario de amor dirigido a un público amplio, especialmente a aquellos interesados en la poesía del siglo XX en español y en la obra de Pablo Neruda. Su lenguaje, aunque perteneciente a la tradición literaria, es relativamente accesible, lo que lo hace atractivo tanto para lectores con experiencia como para aquellos que se inician en la poesía. La intensidad emocional de los poemas y la universalidad del tema del amor lo hacen relevante para personas de diversas edades y contextos. La obra, por su carácter introspectivo y la exploración de las emociones, puede conectar con lectores que buscan profundizar en sus propios sentimientos y experiencias amorosas.Temas que trata el libro Veinte poemas de amor y una canción desesperadaEl libro explora principalmente el tema del amor romántico en sus diversas facetas. No se centra en una única relación amorosa, sino que presenta una visión idealizada y poética del amor, combinando elementos físicos y emocionales. Algunos de los temas que se abordan son:La idealización del amor: Neruda crea una imagen de la amada que trasciende la realidad, mezclando rasgos de varias mujeres en una figura poética. El amor se presenta como una fuerza intensa y casi sobrenatural.La pasión y el deseo: Los poemas expresan con intensidad la pasión y el deseo físico, utilizando un lenguaje sensual y evocador.La melancolía y la desesperación: A medida que avanza el poemario, el tono se vuelve más sombrío, reflejando la fragilidad y el dolor inherentes al amor. La "canción desesperada" final resume esta faceta del sentimiento amoroso.La naturaleza como metáfora: Neruda utiliza con frecuencia imágenes de la naturaleza (pinos, olas, etc.) para expresar las emociones y sensaciones del amor, creando una atmósfera poética y evocadora.La experiencia personal: Aunque idealizado, el poemario se basa en experiencias amorosas reales del joven Neruda, lo que le otorga una autenticidad y una profundidad emocional particulares.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Veinte poemas de amor y una canción desesperadaAún no hay opiniones o críticas sobre Veinte poemas de amor y una canción desesperada disponibles para su inclusión en este resumen.
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Antonio Buero Vallejo, un clásico ya en la historia del teatro español, ha definido el propósito de suobra como «gafas para cegatos que quisieran ver». Apoyándose en la anécdota histórica que le sugiere un grabado del siglo XVIII –,la cruel humillación de una orquestina de músicos ciegos por parte de un empresario parisino–, teje en El concierto de San Ovidio una parábola que, en el momento de su escritura, podía ciertamente reflejar la experiencia colectiva de los españoles de la etapa franquista, pero que, rebasando con mucho aquella concreta circunstanciahistórica, por la fuerza universalizadora del arte, nos presenta la realidad profunda del momento actual.Profesor de la Universidad de Strathclyde en Glasgowy uno de los mejores conocedores de la ideología bueriana, David Johnston desvela en esta edición las múltiples dimensiones de una obra que, transmitiendo unagran lección moral de esperanza, constituye un ejemplo artístico de extraordinaria calidad.
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Antes de arrojarse por la ventana del cuarto piso de su edificio, la octogenaria Helene Engel tiene una última voluntad: entregar un misterioso manuscrito a uno de sus vecinos. Es lo único que escribió en vida, una confesión extraordinaria titulada Mine-Haha que narra la vida de una joven huérfana desde su nacimiento hasta la pubertad. Sus primeros años los pasa en un orfanato mixto, en el que los niños mayores se hacen cargo de los recién nacidos abandonados a las puertas del lugar, y más tarde en una institución exclusivamente para niñas en la que el modo de vida es rutinario y rígido: las jóvenes se dedican a la gimnasia, al teatro, a las artes y a la danza, pero en ningún caso se trata de una existencia idílica. Algo hay de inquietante entre los muros de ese hospicio: las jóvenes sufren un aislamiento absoluto y se ven sometidas a una disciplina física rigurosa por parte de sus maestras. Todo ello con el fin de protagonizar su peculiar debut una vez alcanzada la pubertad.
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El amor algunas veces es tan complicado como impredecible. Pero al final lo que más valoramos son los detalles más simples, los más bonitos, los que llegan sin avisar. Y a la hora de escribir sobre sentimientos, no hay nada más limpio que hacerlo desde el corazón. Y eso hace Defreds en este libro.
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Esta nueva edición de Luces de bohemia permitirá a los lectores más jóvenes adentrarse en la obra de Ramón María del Valle-Inclán, uno de los títulos esenciales de la historia del teatro español. A través del deambular de Max Estrella y don Latino por las calles de Madrid, su autor non ofrece una imagen tan deformada como reconocible de nuestra propia realidad: una mirada crítica y atemporal sobre quiénes somos que se enriquece con cada nueva lectura.
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La herencia de Jaime Gil de Biedma (1929-1990) -observa Javier Alfaya en el prólogo a este volumen- se encuentra en el origen de la importante y controvertida corriente literaria conocida por el nombre de poesía de la experiencia, concepto que él mismo introdujo o ayudó a introducir en España. Esta Antología poética -preparada por Shirley Mangini González- permite apreciar desde principio a fin la trayectoria de una labor creadora caracterizada por la búsqueda de la perfección y que eleva la experiencia individual del escritor al nivel de significación de la vida de todos los hombres.
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Los poemas de Carlos Salem destilan amor, rabia, soledad, sexo. Escribe en negro, no en color pastel. El negro de la noche, donde se esconden miles de historias. Salem transmite los sentimientos más ocultos de las personas, envueltos en erotismo, muerte y
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José Luis Alonso de Santos es, sin duda, uno de los autores más representativos del nuevo teatro español. Después de una amplia experiencia en el teatro independiente, se incorporó al comercial obteniendo grandes éxitos refrendados luego en varias adaptaciones cinematográficas. Toda la crítica coincide en elogiar su facilidad para volcar en la vida escénica tanto el lirismo de sus recuerdos autobiográficos (El álbum familiar) como su visión tragicómica de los nuevos marginados (Bajarse al moro). La capacidad de observación, el sentido del humor y el lenguaje coloquial han convertido a esta última obra en un clásico, leído y representado en muchos países como testimonio de la nueva realidad del teatro español.
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Antología bilingüe de 70 haikus inéditos de Chiyo, la escritora de haikus más importante de Japón. La poesía de Chiyo es, como afirmó un contemporáneo suyo, «pura, como jade blanco». La pureza de sentimientos humanos, tan bellamente expresados en sus haikus, combinada con la sensibilidad femenina y el espíritu de observación de Chiyo, que la llevaron a identificarse en poesía con tantas situaciones de la vida real, hacen que su arte continúe siendo aplicable siglos después a nuestro entorno cotidiano. Chiyo es la autora de haiku más destacada en los siglos XXVIII y XIX, una época en que la poesía japonesa era sobre todo un quehacer de hombres.
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Christian Bobin em estado puro, este poema é uma carta maravilhosa, uma escrita iluminada.Esta longa carta tornou-se num pequeno livro. Nunca escreveria mais do que livros curtos, pela incapacidade de fazer outra coisa, mas quiçá também pela necessidade: escrever é transformar o demasiado em pouco, o excesso em carência.Nenhum livro deveria ser mais pesado do que a luz. Nenhuma escrita deveria fazer mais barulho do que um sorriso.
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Ante nosotros tenemos un jugoso catálogo de malditos que solo una minoría selecta debería conocer: de los realistas sucios al Club de los Bigotes Largos, de Kathy Acker a los escritores de cuello vuelto, pasando por Annemarie Schwarzenbach y los amantes del periodismo gonzo. Un exhaustivo listado repleto de autores de vida desastrosa pero sublime, de dandis inveterados, de escritoras de rostro andrógino y gatillo fácil, de miembros de sectas literarias asesinas o de muertos heroicos cuya rocambolesca desaparición les catapultó al estrellato. ¿Quién es ese tipo llamado André Blanchard, que provoca crisis de espasmofilia con solo escuchar su nombre en según qué lugares? ¿Quiénes integran exactamente el Club de los Bigotes Largos? ¿Acaso un extraño grupo de moteros pilosos? ¿Es Jean de La Ville de Mirmont el más grande escritor francés del XX, tal como se afirma en diversos círculos? Fabrice Gaignault, como buen esnob, nos presenta un diccionario de literatura indispensable para todos aquellos que de algún modo sabían que existe vida más allá de las figuras impuestas por la Academia. Una biblia para los «happy few» amantes del namedropping, que se convertirá en un manual de obligada consulta a la hora de determinar quién es quién en el exigente mundo de los entendidos de cenáculo.
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En La Fiera se vislumbra, más que en ningún otro libro suyo, al joven poeta británico que Ben Clark lleva dentro.
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Esta comedia, escrita por Miguel Mihura, escenifica una denuncia de lo absurdo de ciertas situaciones de la vida cotidiana, así como de la vaciedad de los tópicos y las convenciones sociales. En la obra se enfrentan dos mundos y dos concepciones de la existencia:por un lado, el orden burgués y las normas y comportamientos establecidos, por otro, la alegría, la despreocupación y la espontaneidad de un grupo de artistasque representan la vida libre y sin compromisos. Lapresente edición consta de una completa introducciónpara situar la obra en el contexto histórico y cultural en el que surge, además de ofrecer un análisis claro de su composición, de su estilo y de su importancia en la historia de la literatura, que incluye un cuadro cronológico. A continuación, se inicia el estudiode la obra, que cuenta con numerosas notas aclaratorias, en su mayoría de carácter léxico. Finalmente, sepropone una serie de actividades didácticas para facilitar la lectura y la comprensión del texto.
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Federico García Lorca dirigió La Barraca, experiencia teatral decisiva para la escena española. Desde 1918, en que publicó su primer libro, hasta su muerte, Federico no dejó nunca de componer versos y escribir teatro. Austral presenta en este volumen Bodas de sangre, ejemplo esencial de su obra dramática, que construye a partir de un hecho real, una pequeña noticia del periódico, una tragedia cargada de lirismo y de elementos simbólicos. Escenifica, en prosa y en verso, la crónica llena de presagios de una pasión, de la lucha por una mujer que lleva hasta la muerte a los dos rivales. El que fue director de la Real Academia Española, Fernando Lázaro Carreter, analizó en su Introducción la génesis de la tragedia y su situación en la obra de Lorca, desvelando su simbología y su significación última.¿A quién va dirigido el libro Bodas de sangre?Bodas de sangre es una obra literaria que puede ser disfrutada por un público amplio, incluyendo estudiantes de literatura, amantes del teatro y lectores interesados en la cultura española. Su lenguaje poético y su profunda exploración de temas universales como el amor, la pasión, el destino y la muerte la hacen accesible a un público diverso. La obra también resulta atractiva para aquellos interesados en el contexto histórico y social de la España rural de principios del siglo XX, reflejado en las costumbres y creencias de los personajes. Finalmente, la obra es apropiada para aquellos que buscan una experiencia literaria intensa y emotiva.Temas que trata el libro Bodas de sangreBodas de sangre explora una serie de temas interconectados que contribuyen a su complejidad y riqueza literaria. Entre ellos se encuentran:El amor y la pasión: La obra presenta diferentes tipos de amor, desde el amor familiar hasta el amor romántico, explorando la intensidad de la pasión y sus consecuencias devastadoras. El amor entre la novia y Leonardo, un amor prohibido, es el motor principal de la tragedia. El amor entre la novia y el novio, por otro lado, se presenta como un amor más convencional, pero igualmente afectado por las fuerzas del destino y la tradición.El destino y la fatalidad: La obra sugiere la existencia de un destino inexorable que se cierne sobre los personajes, llevando a una tragedia inevitable. Los acontecimientos se suceden de manera que parecen preordenados, creando una atmósfera de fatalismo. La repetición de ciertos motivos y símbolos refuerza esta idea de un destino ineludible.La tradición y la sociedad: La obra muestra cómo las tradiciones y las normas sociales pueden influir en la vida de los individuos, limitando sus opciones y conduciéndolos a tomar decisiones que tienen consecuencias trágicas. La presión social sobre la novia para que se case con un hombre que no ama, y las expectativas de honor y venganza que pesan sobre las familias, son ejemplos de cómo la tradición puede ser un obstáculo para la felicidad individual.La violencia y la muerte: La violencia es un elemento central en Bodas de sangre, tanto física como simbólica. La obra muestra cómo la pasión descontrolada, los celos y la venganza pueden llevar a la muerte y a la destrucción. La muerte, en la obra, no es solo un final físico, sino también una metáfora de la pérdida, la frustración y la imposibilidad de escapar del destino.La naturaleza y el paisaje: El paisaje andaluz, con sus elementos simbólicos como la luna, el caballo y el campo, juega un papel importante en la obra. La naturaleza se presenta como un testigo silencioso de la tragedia, pero también como una fuerza que influye en el destino de los personajes.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Bodas de sangreAún no se dispone de un resumen de críticas, opiniones y valoraciones sobre esta edición específica de Bodas de sangre.
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Bajo este título, Valle-Inclán agrupa tres esperpentos -Las galas del difunto, Los cuernos de don Friolera y La hija del capitán- que, de ese modo, cobran un nuevo sentido unitario como visión de un espejo deformado de un cuarto de siglo de vida española.
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Enrique Jardiel Poncela (1901-1952) fue narrador, autor, director teatral y guionista cinematográfico. Su obra surge de la peculiarunión del teatro de humor castizo con las ideas literarias de vanguardia, pasadas por el cedazo de Gómez de la Serna. Su hu
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La edición que aquí presentamos del Romancero gitano contiene todos los elementos necesarios que permitirán al estudiante entender la obra de Lorca en su sentido más amplio: una completa introducción que contextualiza al autor en su marco histórico-cultural y en la Generación del 27, un análisis de su obra, prestando especial atención a la imagen poética, y todos los elementos característicos de la colección que convierten a este volumen en una iniciación perfecta en el estudio de la fascinante obra de un magistral autor de nuestra literatura.
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Escritor ganador del Premio Miguel de CervantesBasho no habría oído zambullirse la rana y hacer ruido en el agua sin el permiso del indecible Tao. El Tao lo que hizo fue jugar con Basho, la rana y el agua para facilitarle al poeta el gran hallazgo.Rafael Cadenas nace un día de abril de 1930 en Barquisimeto. Cerca de esta ciudad terminan o comienzan Los Andes, según se mire. Sus libros de poesía y prosa están recogidos en Obra entera, publicación del FCE y de la Editorial Pre-Textos. Visor le había publicado antes una antología. Hay traducciones de sus poemas en francés, italiano, inglés, alemán y búlgaro. Gracias a invitaciones ha hecho lecturas en Estados Unidos, España, Portugal, Italia, Francia, Inglaterra, Austria, Alemania, México, Santo Domingo, Costa Rica, Colombia y Argentina. Reunió sus traducciones en El taller de al lado. Es profesor jubilado de la Escuela de Letras de la Universidad Central de Venezuela. Allí dio clases sobre todo de poesía española y norteamericana.Ha recibido el Premio Nacional de Ensayo, el Premio Nacional de Literatura, el Premio San Juan de la Cruz y el Premio Internacional de Poesía J. A. Pérez Bonalde. Así como una beca de la Fundación Guggenheim. Recientemente le fue otorgado el Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances y el Premio Internacional Federico García Lorca de Poesía.En poesía y en su vida le importa la veracidad. Lo asombra el misterio inexpugnable de la existencia. Tiene mucho interés en la filosofía, en el estudio de la psique y desde muchos años en concepciones como el zen, el taoísmo, el hinduismo y en la figura de algunos místicos occidentales. En política, rechaza los nacionalismos, las dictaduras de cualquier signo y las ideologías. Defiende, por contra, la democracia, la pluralidad y la convivencia, factores civilizatorios imprescindibles.
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Aspectes de la poesia catalana de la postmodernitat
Una de les definicions més acceptades del terme postmodernitat és la que el considera el nom d'un període històric, aquell que segueix el de la modernitat. Si la societat sorgida de la revolució industrial va produir una cultura moderna, la transformació d'aquella en una societat postindustrial donà lloc a una cultura postmoderna. És la pròpia d'occident des dels anys seixanta del segle XX. Els seus principals condicionants han estat: l'aparició de nous costums de producció i consum cultural, l'augment infinit de l'emissió d'informació i la desintegració de les estructures que permeten articular-la en relats representatius socialment compartits. Això ha fet impossible l'aparició de panorames generals prou comprensius de la cultura de les darreres dècades, o de parts àmplies d'aquesta, com ho poden ser el gènere poètic o el narratiu. Aspectes de la poesia catalana de la postmodernitat és el primer llibre català que s'enfronta obertament a aquesta problemàtica.
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¿Los malos tiempos para la lírica son buenos tiempos para la sátira?Si los poetas, como decía Machado, son hijos del tiempo, nadie podrá desmentir que los que estamos viviendo en este presente son propicios para encender la indignación de los poetas. Fieles a su presupuesto inicial de que no hay una palabra más sagrada que otra (o lo son todas o no lo son ninguna), los cinco autores reunidos en este volumen dan cauce y testimonio de esa indignación. Desde la más fina ironía hasta la más brutal de las expresiones, los poetas Eduardo Moga, Ramón García Mateos, Juan López-Carrillo, Vicente Llorente y Alfredo Gavín , cada cual con su poética diferenciada, ponen en pie de guerra la palabra para combatir no para arrullar. Si la palabra rosa es poética, la palabra mierda no lo es menos.
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Complemento inseparable de la Gramática Latina y herramienta fundamental en el aprendizaje de cualquier lengua, este volumen (que incluye su correspondiente Clave) recoge los ejercicios necesarios para ayudar a comprender y aplicar la parte teórica. Santiago Segura Munguía es profesor emérito de la Universidad de Deusto y uno de los autores sobre cultura clásica más respetados en el panorama editorial, contando en su bibliografía con obras como Diccionario de Latín-Español (entre los más vendidos en su género tanto en España como en Latinoamérica), su Diccionario etimológico de Medicina y el Diccionario por Raíces del Latín y de las voces derivadas, entre otras.
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Accésit del Premio Adonáis 2020 «por la lograda síntesis de frescura y profundidad, sostenida por un ritmo cautivador, que es herencia de la tradición y, a la vez, propuesta novedosa», según manifestó el jurado.Con un título que trae a la memoria el verso del poeta toledano Garcilaso de la Vega? -«todo lo mudará la edad ligera»-, el presente libro es, ante todo, un conjunto de poemas en los que queda reflejado el amor como sed, deseo, afán por arrancarle a la relación amorosa su profundidad, su pasión, su «mejor tú», en el decir saliniano, siempre manifestado en un tiempo volátil, huidizo, sin consistencia. Para ello, Jiménez Serrano se vale tanto de un uso abundante de recursos literarios de muy diferente jaez (aliteraciones, paradojas, repeticiones, lenguaje sincopado, descontextualización de estereotipos literarios, pero glosados en clave humorística) como de la musicalidad que expresa la métrica tradicional (décimas, pareados, frecuentes asonancias), dejando constancia en éste, su primer poemario, de su admirable cualidad para fusionar el lenguaje conversacional y el literario, llevándolos a veces al nivel de la comicidad y de lo maravillosamente emotivo. Un libro, en suma, con sello propio.La crítica ha dicho:«He aquí el libro de una mujer con sed de todo. Y esa sed se derrama en poemas figurativos de bellas sonoridades muy rítmicas, repletos de elaboradas metáforas cuasi-surrealistas y de recursos estilísticos de rica paleta lírica, los cuales, por su combinación de frescura, modernidad y clasicismo, y hasta de culturalismo sin insistencia exhibicionista, me sorprenden tanto como el discurso me emociona.»Luis Artigue, El Taquigrafo.«El tono y el estilo del libro están perfectamente reflejados en la solapa del volumen [...] Añadiría que el libro dibuja (en zigzag) una línea narrativa. Empieza con poemas de alegre reivindicación feminista. Se abre con una defensa de la entidad de Beatriz, más Beatrice Portinari que musa de la Divina Comedia, y sigue con unos himnos al deseo con total franqueza e igualdad de condiciones. Muy bien. Pero a mitad de este cancionero implícito asoma la intimidad, con sus velos de dolor, de inseguridades anímicas, de encuentros, de auxilios de ida y vuelta y de reconocimiento mutuo. Se acerca el amor.»Enrique García-Máiquez, Libro sobre libro.
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El vuelo lleva al vuelo, es el tercer libro de Juanan Requena. Un viaje poético a su universo personal donde el azar gobierna los destinos.Este es un libro altamente manipulable en el que el lector puede jugar a construir su propio camino, con trípticos que animan a dibujar nuevas lecturas.Todos los libros de Juanan se caracterizan por tener un sello distintivo en cada ejemplar. En este caso, cada cubierta de los libros ha sido manipulada una a una por el autor, quien también ha firmado y numerado todos los ejemplares.
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Las citas de Sylvia Plath y Charles Olson con las que la autora abre este espacio poético (fosa y comuna) dibujan temprano el quiasmo fundamental de su obra: la imposibilidad de encontrarse (el tú y el yo) antepuesta a la voluntad insaciable de la intimidad. Emocionarse con, emocionarse en, instancias sucesivas de lo sensorial participado, desde ese colocarse en el sitio del otro que Edith Stein analizara por la vía de la fenomenología, al Proprioception (1965) del mismo Charles Olson y su «sensibilidad interior del organismo».A todo esto, María Belén Milla Altabás (Lima, 1991) desemplea la tradición corporal (y corporativa) del imaginario medieval —sangre, sudor, lágrimas— para embestir el cuerpo del otro, asistida de una diestra risotada, entre la bulla de Vallejo y el bullicio de Rabelais.La operación de la autora es tan libre como intrincada: en la intimidad de la afrenta amorosa el sentido de nuestro cuerpo se desplaza más allá de la piel, lo genital o lo capilar, a una zona peripersonal deseante que busca su expansión por el otro. En esa frontera competida, la violencia de los géneros desestabiliza nuestra ubicación y confunde los límites de nuestra identidad.Es lo preliminar a la emoción común de la cópula, que rescata al sujeto de su reciente desvarío y, atravesado por el otro, potencia su sentido de la interioridad, eso que ha dado en llamarse interocepción.Adéntrate aquí, lector, «ahora que mi multitud te espera».
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Les flors del mal
Pocs llibres'han marcat tant com Les flors del mal la història de la poesia. Charles Baudelaire, un dels primers que van usar la paraula modernité, inaugura una manera d'entendre, d'escriure i, fins i tot, de llegir la poesia, en els nous escenaris de la gran ciutat. Quan el llibre es va publicar, l'any 1857, va ser condemnat judicialment i censurat per ultratges a la moral. Baudelaire va respondre a la condemna refent el llibre, afegint-hi uns poemes extraordinaris i tornant-lo a publicar, ja consolidat com una genial combinació de classicisme formal, novetat expressiva, refinament sensual i continguts trasbalsadors. No se li va perdonar que retratés el mal tan implacablement, però Baudelaire, amb una voluntat artística obsessiva, va convertir el fang de la vida en or poètic i bellesa perdurable.En commemoració del segon centenari del naixement de Charles Baudelaire (1821-1867), el poeta Pere Rovira presenta una traducció esplèndida de Les flors del mal impregnada d'esperit baudelairià, intensament propera a la forma i al fons del text francès. Les flors del mal s'ha publicat sovint incloent-hi seccions que deformen l'obra. Aquesta nova versió catalana respecta estrictament les indicacions de Baudelaire pel que fa a l'organització i al contingut del llibre. També restitueix al seu lloc original els poemes prohibits pels tribunals.Pere Rovira ha publicat, també a Proa,áEl meu cor despullat, la seva traducció dels escrits íntims de Baudelaire.
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L'ombra de l'altre mar
«Imagina't en una nit d'estiu vora la mar, entre llençols estesos, la lluna al pati tramuntant baranes i una ombra de filferros a la pell per escriure la música d'un somni». Amb aquesta invitació lírica, Joan Margarit es dirigeix a Josep Maria Subirachs. Primers versos d'un poema en memòria de l'amistat que va unir tots dos artistes fins al final dels dies de l'escultor. Com a perfecta expressió de la comunió dels seus talents artístics, presentem en aquest llibre una selecció de poemes, embolicada per la fascinant obra pictòrica de Subirachs.
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Filósofo y escritor, autor de diversas novelas y ensayos, pero ante todo poeta, José Manuel Caballero Bonald ha recibido un gran número de distinciones, entre ellas el Premio Cervantes 2012, gracias a su magnífica obra poética a lo largo de sesenta años, que hoy reúne en este volumen y que presenta con total sencillez y naturalidad: No sé si éstos son mis poemas más aceptables, pero son los que yo prefiero.
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Poesia completa
EDGAR A. POE (BOSTON, 1809 - BALTIMORE, 1849) éS UN DELS AUTORS MéS IMPORTANTS, LLEGITS I ADMIRATS DE LA HIST=RIA DE LA LITERATURA.
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PRESENTAMOS en este tomo primero de las Poesías completas de Emily Dickinson los poemas que van del número1 al número 600, siguiendo siempre la edición canónica de Johnson (1955). Emily Dickinson (1830-1886) fueuna mujer culta y avanzada a su tiempo. Por expresodeseo de su padre, se formó en un internado femeninodonde llegó a dominar las más diversas materias, comoel latín, la astronomía o la botánica. Lectora ávida, admiraba a las hermanas Brontë y entre sus influencias son fundamentales las de la Biblia y Shakespeare.Dickinson es, a la vez, una poeta coloquial y mística, cercana y metafísica a un tiempo. La poeta supo explorar los más profundos misterios de la existencia expresándolos con las palabras más cotidianas. Sus poemas reúnen el doble requisito de toda gran poesía: presentar mensaje y aura, esto es, decir cosas importantes y decirlas tocada por la gracia del espíritu. Laobra de Dickinson es una aspiración al pleno espírituy como tal ha de ser leída. Representa el afán de conseguir lo más alto sin renunciar, y aquí está su grandeza, a lo más humilde. Estos primeros 600 poemas presentan un universo sensual e intuitivo, una místicade la exploración de lo sagrado y lo pasajero, de lodivino y lo más humano. Harold Bloom dijo de la autora que supo desarrollar otra manera de ver, casi en laoscuridad. Emily Dickinson nació en Amherst (Massachusetts, Estados Unidos), en 1830, y allí también falleció en 1886.
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