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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El libro de poesía que, autoeditado por su autora, escaló las listas de Amazon y ha conquistado a miles de lectores. «Vive, joder, vive. Y si algo no te gusta, cámbialo. Y si algo te da miedo, supéralo. Y si algo te enamora, agárralo.» Primero de poeta son todos los papeles que rellené y quemé, todos los pasos que no di, las vidas que perdí. Todas las declaraciones de amor que callé, los sueños que rompí, los miedos de los que aprendí. Es mi impaciencia, mis ganas de sentir y el pánico. Es descubrir que mis miedos siempre ganan la partida. Es empujarte a que te vayas por si te acercas demasiado. Es querer que te acerques demasiado. Primero de poeta son todos mis errores. Y mi cura.La opinión de los lectores:«Cada página es una confesión desnuda y sincera de la autora, de esas que te hacen partícipe de principio a fin porque sabes que son auténticas, porque están escritas con el lenguaje que compartimos todos, el del dolor y el de la alegría, el del miedo y el del amor, en definitiva, el lenguaje del alma. Recomiendo tenerlo para ojearlo con cuidado de vez en cuando, porque al menos a mí, me hace sentir cosas de las cuales no quiero abusar y ''gastarlas'' demasiado rápido.»Chris«Para los amantes del buen gusto, de lo bonito, de lo que toca el alma. Por encontrarme reflejada en muchos de esos renglones, hacerme sonreír y también hacerme reflexionar. Por todo eso y por mucho más, es un libro para leer al menos una vez en la vida.»Inma «A cada poema te enamoras más de Patricia, porque te hace sentir y recordar emociones cotidianas que a veces podemos tener olvidadas. Recomendable 100%, para leer y releer.»Inma Naroi«Una poesía moderna, directa, de pensamientos ágiles y muy cercana, con partes que invitan a la reflexión.»Juan
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Leer poesía nunca pasará de moda, porque la moda está basada en la poesía. Así como no pasa de moda el amor, la sonrisa o el beso.
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Este poemario fue escrito en estado de fuga: del trabajo, de la casa, de la gente, de una misma. Huir hacia delante y hacia abajo porque este mundo no basta. Hay que ir hacia otro.Existen palabras que fragmentan nuestra experiencia y nos enseñan a creer en narrativas que ofrecen un sentido de orden y control: palabras que nos encierran. Pero hay también momentos de claridad, de misterio, de belleza y de comunión entre todas las cosas. El encantamiento de lo simple frente al engaño. Palabras para dejarlo todo, coger una lancha, darse al mar y dedicarse a lo que realmente importa.
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En este libro el poema se mueve en un delicado equilibrio entre lo dicho y lo que queda por decir: ¿Qué está adentro y qué afuera? ¿A qué realidad le habla? y, ¿Cuánto hay en él de su propia realidad? No hay fronteras nítidas entre lo que se sabe, lo que
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Que avui sopem al carrer
A Que avui sopem al carrer, el cantautor i poeta Cesk Freixas ens ofereix una poemari travessat de veritat. Un cant a la bellesa que conviu entre nosaltres, a les petites guerres del dia a dia, a l’amor que acompanya i comprèn. Però també a les batalles que es lliuren amb les mans i el pit, al bategar dels pobles, a les esperances que no són espera, sinó futurs possibles. Unes corrandes d’amor a les nostres geografies íntimes i col·lectives, allà on tot comença i ens fa qui som: la petita pàtria dels nostres carrers.
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En el teatro de Mauricio Kartun se entrelazan la micro y la macropolítica. Las dos obras incluidas en este tomo son una muestra cabal de esa búsqueda y dos puntos de inflexión en su carrera.La Madonnita marca su primera experiencia como director de sus propios textos. A principios del siglo xx, en un estudio fotográfico en un caluroso altillo de Parque Lezama, Hertz toma fotos pornográficas a su propia mujer para luego venderlas. El cuerpo callado de Filomena, sometido al deseo de los varones, nos permite una mirada íntima de la opresión patriarcal del pasado y atisbar sus continuidades en el presente.El niño Argentino, por su parte, señala un cambio radical en la poética del dramaturgo. El viaje en barco de Buenos Aires al puerto de Le Havre que hacen un joven aristócrata, su peón y una vaca holando-argentina es una alegoría de la evolución de la historia política argentina: un ciclo de tragedias y farsas movido por la desigual distribución de la riqueza, la ambición y la traición.Prologadas por el especialista en teatro Jorge Dubatti y seguidas de una entrevista que les da marco, estas obras son un “ladrillazo a la vidriera”: un teatro que diseña una cartografía del mal en sus múltiples máscaras con la secreta esperanza de que esa visión despierte la conciencia de los espectadores hacia la utopía de un mundo mejor.
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En el centro de aquel Jardín del Edén de los relatos del origen había dos árboles, el Árbol del Conocimiento del Bien y del Mal y el Árbol de la Vida, y el mito responde a una realidad palmaria: venimos del árbol, vivimos en sus frondas, y él fue el primero en darnos alimento, sombra y refugio, dejando una huella imborrable en nuestro inconsciente.Tomando como título un verso del escritor Álvaro García, Quedan los árboles reúne en sus páginas sesenta poemas de otros tantos poetas españoles contemporáneos que han encontrado en la figura del árbol un interlocutor, un símbolo o un motivo para la contemplación meditativa, como lo fue para el pintor Godofredo Ortega Muñoz, a quien este libro debe su inspiración primera: árboles que viven en la memoria o nos interpelan día tras día, árboles que nos llaman desde la niñez o son cifra del porvenir, del carácter perdurable de nuestros afanes y deseos.
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Estos poemas recorren los días del presente incierto, se acogen a la memoria con gratitud o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana.Con su séptimo libro de poemas, Juan Bonilla entrega una obra de plena madurez donde se alternan los tonos elegiacos y una suerte de vitalismo desengañado que no renuncia a celebrar el esplendor del mundo, sin dejar de ver ni de señalar sus miserias. Desde el inicio, Los días heterónomos parte de la limitación provocada por la enfermedad para constatar su paradójica ampliación de campo, el acceso a una ''luz distinta'' que es descrita con la rica e imprevisible imaginería del autor, siempre alejada de los modos consabidos. Estructurados en cuatro secciones de nueve composiciones cada una, a las que se suman un prólogo y un epílogo en verso, los poemas recogidos en el libro recorren esos días en los que, en efecto, como sugiere el título, ''no somos ley de nuestro propio estar'', pero también se acogen a la memoria, con gratitud no exenta de aristas, o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana, de algún modo redimida por el don -''esa es su magia: / la poesía es fiebre y se contagia''- que la convierte en acuñación memorable: ''Por encima del arte / que a Adonis hace fiero y bello a Marte, / cántico de la vida, / no le pidas que te cierre una herida, / más bien que te las abra / con eficaz palabra / helada en luz tan pura / que sea un simulacro de sutura''. En el proceso de edición, el autor ha añadido al original premiado por el Hermanos Machado, cinco poemas ya conocidos que encuentran su lugar natural en un libro que tiene mucho de balance o recuento, hecho de fragmentos o cristales rotos con los que fabrica un espejo donde se refleja un hombre dañado pero sereno y como de costumbre incisivo, batallador, dispuesto a seguir entonando ''este himno de estar vivos''.
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EDICIÓN ESPECIAL CON POEMAS INÉDITOS LA SORPRESA EDITORIAL DEL AÑO. El nuevo fenómeno de la poesía de la que todo el mundo habla. Vivimos en cambio constante,con miedo a decir «te quiero»por las consecuencias que podría traer.Pero debemos arriesgarnos,tenemos que perdernos para poderencontrarnos, aprender del dañoy seguir soñando.Quiere, quiere mucho. Pero nunca teolvides de quererte a ti. Cuando Manu Erena empezó a escribir poesía en sus cuadernos, no podía imaginar que se convertiría en un fenómeno de ventas gracias a la publicación de su primer libro, Consecuencias de decir te quiero, con el que ha llegado a lo más alto de las listas de best sellers. El poemario que tienes entre las manos ha conmovido a decenas de miles de lectores por un motivo muy simple: Manu ha sabido expresar a través de sus versos las sensaciones y emociones que todos sentimos. Esta nueva edición especial, que incluye poemas inéditos, es un regalo para ti mismo y para los demás. Una lectura imprescindible para todos aquellos que necesitan gritarle al mundo lo que sienten.
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Uno de los poemas menos conocidos de Allen Ginsberg, y también uno de los más actuales. En 1996, Allen Ginsberg tenía setenta años, se encontraba muy delicado de salud y le quedaba apenas un año de vida. Impulsado quizá por la urgencia de cantar unas últimas verdades, y a pesar de sus escasas apariciones públicas durante aquel período, el poeta beat se lanzó a un gran proyecto final: el de musicar, en colaboración con Paul McCartney y Philip Glass, una colección de pequeños poemas que acababa de publicar en la revista The Nation: se trataba de la Balada de los esqueletos.Inspirados en la festividad mexicana del Día de los Muertos, estos esqueletos universales reproducen y padecen los males de nuestra sociedad, ejercen y a la vez sufren el poder, dejándose el cuerpo en ello. Entre todos conforman la danza macabra del sistema de agotamiento, explotación y destrucción en que vivimos. Sus versos, tan radicales como divertidos, azote de la moral estadounidense, mantienen hoy su feroz condición de sátira carnavalesca, cobrando una sorprendente y acaso terrorífica actualidad.Esta edición bilingüe cuenta con la traducción de Andrés Neuman: una versión brillante y creativa que hace honor a la fuerza, el humor sarcástico, la expresividad y sonoridad de sus versos originales, así como con los memorables grabados del artista mexicano José Guadalupe Posada que, según el propio Ginsberg, supusieron una fuente de asombro poético.
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En La sed, la ganadora del premio Pulitzer Mary Oliver se enfrenta al duelo y a la pérdida tras la muerte de la que fue su amada compañera de vida durante más de cuarenta años, la fotógrafa Molly Malone. Sedienta de la belleza de la naturaleza, como es habitual en toda su obra, en este nuevo poemario va más allá y se adentra en el mundo espiritual, esforzándose por experimentar el dolor como un camino hacia lo misterioso, el dolor como parte del amor, y no su fin. ''Mi trabajo consiste en amar el mundo'', comienza escribiendo la autora, que sigue siendo una de las poetas más vendidas en los EEUU. En estas páginas, Mary Oliver descubre por primera vez su fe, sin abandonar su amor por el mundo físico y las pequeñas cosas y criaturas del mundo, como un zorzal amarillo, las madreperlas de la orilla, las rosas, o un cielo amenazando nieve, en poemas de genuina belleza. En este libro definitivo, Mary Oliver se eleva, no por encima del mundo, sino a través de él.
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En la larga vida del poeta nicaragüense Ernesto Cardenal (1925-2020) cupieron varias vocaciones que le ayudaron a templar su ideario de cómo la acción del espíritu cambia el mundo. Luce López Baralt afirma que es “uno de los más altos poetas contemporáneos de la lengua española, un místico que se hizo revolucionario por amor al Reino”, también escultor, sacerdote de la teología de la liberación —suspendido por Juan Pablo II y rehabilitado por el papa Francisco—, ministro de Cultura sandinista y fundador de una comunidad contemplativa en la isla de Solentiname que acogía a pobres.La obra de Cardenal está llena de amor al ser humano, por eso recuperamos en su centenario estas Prosas dispersas, la mayoría inéditas. A través de breves ensayos, crónicas y textos autobiográficos profundizamos en la relación de ciencia y espíritu, lo místico y lo cósmico, maestros como Lao Tse, Heráclito o su mentor Thomas Merton, poetas como Rubén Darío o Neruda y pasajes que evocan la utopía de Solentiname.El libro incluye un código QR que permite acceder a pódcast del artista Niño de Elche versionando musicalmente textos de Cardenal, además de entrevistas.
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Aunque me extinga es un libro escrito desde la migración, la extranjería y el desarraigo, hilado a través del deseo y el amor como barricadas que se levantan ante el asedio de la muerte y el silencio. Escrito durante el proceso de «regularización» de la situación migrante de la autora, este poemario es una evocación del pasado familiar, de la distancia con el origen y de la llegada a un nuevo país, la construcción de un imaginario y la voluntad de encontrar formas alternativas de expresar y compartir el amor. Porque el amor es, en estos poemas, una reverberación que transforma y subvierte, un modo de identificación individual y colectiva, un proceso, más que un estado o un destino. Atravesado por la poesía y la figura de César Vallejo, Aunque me extinga se convierte en un canto contra el dolor y contra el abandono, un poemario fuertemente enraizado en el presente, en un contexto social que reclama nuestra atención y que nos exige maneras más generosas de comprender a quienes dejan atrás su lugar de origen.“Este libro es una mano que nos empuja hacia la vida. Ya lo recuerda la autora: ‘escribir es alejar la muerte’, hacer un nuevo nido, un refugio de belleza que no está desprovisto de conflicto, pero sí de violencia. Es por eso que aquí hay una voz que pasa de las heridas migratorias al centro creativo del amor. El adiós y el deseo movilizan el lenguaje hacia las fronteras geográficas, las del poema y las del cuerpo —verdadero mapa de caderas, pies y misterios—. Sofía Crespo Madrid nos recuerda, con la sensibilidad de una gran poeta, que la escritura también puede ser una casa, una tierra donde recrearnos y donde amar con mayor intensidad”.Mónica Ojeda
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En tiempos de incertidumbre, en los que las voces se solapan y la introspección se convierte en un bien raro y escaso, necesitamos más que nunca de historias que nos permitan detenernos y mirar más allá del vértigo diario. Los veinticinco relatos reunidos en este volumen permiten explorar temas esenciales, invitándonos a reflexionar sobre el pasado, el presente y esas realidades que, a menudo, quedan difuminadas en la penumbra. Desde Canto último de Federico García Lorca , de Antonio Garrigues, hasta El gato de Manuel , de Francisco Uría, pasando por Cortesía , de Rosa Ribas, o La marcha del tiempo , de Miguel Á. González, cada narración es un puente que nos invita a descubrir, al otro lado, lo desconocido en lo familiar. Con una prosa rica y variada, la magia del cuento breve permite condensar verdades recónditas e invocar destellos de una belleza que, con frecuencia, pasa desapercibida en el fragor de lo cotidiano. Esta nueva entrega de relatos FIDE —la quinta en una serie que ya ha visto títulos como El cronógrafo'', ''En la frontera'', ''Una casa en ruinas'' y ''Tengo algo que decirte''— corrobora su firme compromiso con la creación literaria como herramienta inapreciable para registrar el pulso de nuestra sociedad y sus anhelos más profundos.''
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Un trabajo implacable, un estudio sobre la escritura como medio para revelar lo oculto, lo que necesita ser expresado mediante una serie de revelaciones. La obra confirma la singularidad y potencia de la voz poética de Anna Gual, presentando un conjunto de poemas de una introspección y reflexión impresionantes. El libro recibió el Premio Miquel de Palol de poesía 2022 .
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La obra posee una elocuencia instintiva donde predominan el humor, la turbiedad, la belleza, la violencia y el caos que desemboca en una colección de poemas agresivos, desenfadados, irónicos, místicos, llenos de humor e hipercríticos, pero anclados en la tierra y que viajan entre nubes. Con una lírica desbordante multitemática sustentada en la militancia de la libertad, que colinda con la tecnología y la cultura pop globalizada, y una postura original y auténtica que se desmarca de cualquier estética, el autor logra crear un diálogo directo con el lector y conformar un catálogo del exterminio y la evolución de las especies con el paso de la humanidad, compartiendo el mismo paisaje en este tramo de la supervivencia social.
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L'abraçada hermafrodita dels caragols
Un diàleg amb la infantesa, i amb els absents més estimats, que vol interpel·lar a un mateix i a cadascun de nosaltres sobre les tensions que sacsegen el món actual.
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La obra de Neruda más reivindicativa y más cercana a su Chile natal. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética.Himno telúrico a los elementos naturales del continente americano, ascensión hacia la redención del propio ser desde el deshumanizador mundo masificado hasta la comunión con un pasado que es un paisaje a la vez humano, arqueológico y orográfico, Canto general es quizá, por encima de todo, un poema a la vez épico y moral. Se trata de un texto en la gran tradición de la poesía a un tiempo civil, histórica y metafísica de los poetas románticos, a la que ha sido incorporada la herencia expresiva de las vanguardias de nuestro siglo, y la capacidad desmitificadora y satírica del cronista crítico del presente. Esta monumental biografía de un continente es también la biografía de un hombre, el propio Neruda, errante y clandestino al redactarla, y un canto a sus compatriotas anónimos, a la fraternidad con los oprimidos y humildes y a la vastedad silenciosa y solemne del gran océano inmemorial que lo circunda todo. Este impresionante canto a América es una de las obras maestras de Neruda y de la literatura en lengua española del siglo xx. «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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Antologia poètica (Estellés)
La obra poética de Vicent Andrés Estellés (1924-1993) es una de las más importantes de la literatura catalana de la segunda mitad de
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Esta obra no pretende ser un manual de Historia de la Literatura, sino más bien llamar la atención del lector, al hilo de unas reflexiones sugeridas, sobre los aspectos más significativos -estético-literarios, lingüísticos, socio-culturales, etc.- de los textos literarios. el lector queda así liberado de todo prejuicio extraliterario para una recepción espontánea del texto, y en condiciones de ejercer una auténtica crítica personal del mismo.
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Para celebrar el número 1200 de la Colección Visor de Poesía hemos preparado este volumen monográfico sobre uno de los personajes más emblemáticos de la literatura universal: el Diablo. Su figura siempre ha estado presente en todas las civilizaciones y en cualquiera de sus manifestaciones artísticas, incluso en un plano estelar. En esta antología presentamos algunos de los poemas que le han dedicado.«Si Satanás pudiera amar, dejaría de ser malvado».Santa Teresa de Jesús«El Diablo no es el príncipe de la materia, el Diablo es la arrogancia del espíritu, la fe sin sonrisa, la verdad jamás tocada por la duda».Umberto Eco«Creo que el Diablo no existe, pero el hombre lo ha creado a su imagen y semejanza».Fiódor Dostoievski«Dios no habría alcanzado nunca el gran público sin la ayuda del Diablo».Jean Cocteau«La mejor astucia del Diablo es persuadirnos de que no existe».Charles Baudelaire«Sin la colaboración del Diablo no hay verdadera obra de arte».André Gide«La idea de Dios es la más grande invención poética de todos los tiempos».Wallace Stevens
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Personalmente, no he estado en Japón ni conozco su lengua. Tampoco soy un experto en la historia y el desarrollo del haiku. Sí tengo bien leídos y disfrutados, en buenas traducciones, numerosos haikus en la pauta clásica, que es la que siempre me ha cautivado. Está de más decir que no me considero un haijin (así se denomina en japonés al que escribe haikus) rioplatense. Simplemente, el haiku clásico, como forma lítica, se me figuró siempre un desafío. Con sólo 17 sílabas y con una distribución invariable (5-7-5) el haiku es en sí mismo una unidad, un poema mínimo y no obstante completo. De ahí su visión instantánea, su condición de chispazo, a veces su toque de humor o de ironía. Encerrar en 18 sílabas una sensación, una duda, una opinión, un sentimiento, un paisaje y hasta una breve anécdota empezó siendo un juego. Ahora, con el perdón de Bashoo, Buson, Issa y Shiki, ya considero al haiku como un envase propio, aunque mi contenido sea inocultablemente latinoamericano.» M. Benedetti
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Obra Completa VII. Vicent Andrés Estellés. (Nova edició revisada)
Aquesta Obra Completa -Nova edició, revisada- constitueix un nou projecte d'edició de l'obra estellesiana que conté estudis introductoris, un treball de reorganització cronològica de les obres i d'edició filològica dels poemes estellesians. El setè volum ha estat preparat per Jordi Oviedo i Irene Mira-Navarro, i inclou els següents poemaris: Versos per a Jackeley, Sonets a Jackeley, Jackeley, Elegies europees, Saló, Coral del meu poble, Dies gastats, Epístola avortada al meu amic Josep Maria Llompart, Festes Llunyanes, Manual del malalt perfecte, D’açò se’n deia «plafons» en temps de Ruben Darío i Santos Chocano, El corb, i Perterres de Castelló.
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La historia original del moro de Venecia, de Gianbattista Giraldi Cinthio (1565), sirvió a William Shakespeare para crearáOtelo, la única de sus grandes tragedias basada en una obra de ficción.áContraviniendo la imagen isabelina del moro, Shakespeare invierte los papeles de los protagonistas y otorga al moro Otelo el carácter de hombre noble y aristocrático, mientras que reserva para el italiano Yago la perversidad y la hipocresía, desarrollando en él uno de los estudios más profundos del mal. Al final, el protagonista, como un auténtico héroe trágico, consciente de su degradación y de su pérdida, escribe su propio epitafio, con la angustia del héroe destrozado.áTraducción y edición de Ángel-Luis Pujante, premio Nacional de Traducción.
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Inexplicablemente no publicado en forma íntegra en lengua castellana hasta ahora, es un libro ineludible para la comprensión de la modernidad y las tradiciones de las que surge y con las que rompe y los criterios estéticos que sustentan la literatura del
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MARIO BENEDETTI (Paso de los Toros, 1920-Montevideo, 2009), con laconismo, sutileza y brillantez nos vuelve a mostrar sus enormes cualidades poéticas, esta vez en el género del haiku. «El haiku es en sí mismo una unidad, un poema mínimo y no obstante co
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El presente ensayo ofrece un estudio sincrético a partir del material que disciplinas como la historia, la arqueología, la lingüística, la literatura, la mitología e incluso algunas pruebas de ADN han puesto a nuestro alcance. Tras analizar y compara
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Una visita guiada por la belleza de las palabras: magnéticas, vagabundas, reveladoras.A fines del XIX, Estados Unidos enfrentó una grave crisis. Fue un periodo de escasez que, sumado a la Gran Depresión de los años 30, dejó a miles de personas en la indigencia. Para intentar sobrevivir, muchos comenzaron a viajar por el país en busca de oportunidades. Así nacieron los hobos: trabajadores itinerantes que recorrían el territorio colándose en vagones de trenes de carga, siempre esquivando a la autoridad y apoyándose mutuamente. Para ello crearon el Código Hobo, un lenguaje secreto de símbolos que dibujaban en postes o vallas y que alertaban sobre peligros, señalaban lugares seguros y también indicaban donde les ofrecían comida o trabajo. La labor del verdadero poeta es avisarnos de lo que se esconde bajo la sintaxis. Código Hobo transita la belleza de la metapoesía, juego lúcido con el lenguaje que pasa desapercibido. El mantra hipnótico del verso recorre las estaciones y los paisajes de nuestra vida, que abrigan una clave para interpretarlos. Al final Luis Colder, sin darnos cuenta, nos muestra el argumento de nuestra propia errancia.
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Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: ''Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos''. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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Això no és cap conte
En aquests relats, Diderot proposa un seguit de problemes ètics, que qüestionen la moral convencional i l'absolutisme ideològic del seu temps, a partir de la combinació de fets i personatges històrics amb d'altres de ficticis, tot impregnat d'una modernitat d'estil sorprenent. El filòsof aprofita la dicotomia entre veritat i versemblança per reflectir la mateixa sàtira social i intel ligència que han fascinat tants lectors.
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¿Cómo actuamos cuando somos testigos del dolor, de la injusticia y de la miseria? ¿Cuál es el coste de comprometerse? Los personajes de estos cuentos son jóvenes, niños, ancianos, incluso fantasmas, pero todos parecen hacerse esas preguntas. Con un prosa increíblemente pulida y bella, este libro retrata las paradojas de la intimidad, las maneras en que las personas se cuidan unas a otras, las escenas familiares que perduran durante décadas en la memoria y también las formas en que, a veces, nos abandonamos y nos herimos incluso sin querer. A Brinkley se lo ha comparado con Alice Munro y John Cheever, y muchos lo consideran el mejor cuentista de su generación. Cada uno de estos diez relatos funciona como una novela condensada y presenta un universo complejo que resuena en la mente del lector mucho después de haberlo terminado. Testigo es un libro contundente que refleja la condición humana con todas sus contradicciones: la ternura en medio de la tragedia, la inocencia frente a lo incomprensible, los intentos —a veces fallidos— de acercarnos pese al trauma y al dolor.
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Este libro recoge un conjunto de crónicas, doce en total, que relaté en el programa El tranvía de Radio Villalba, presentado y dirigido por Alicia Ranea y Juan Carlos Vico, gracias a la insistencia de éste. También debido a su interés y constancia, tales crónicas se han acabado publicando.
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El nuevo poemario de Martha Asunción Alonso (Premio Nacional de Poesía Joven Miguel Hernández 2012) llega con una voz clara que desentraña lo universal que habita lo cotidiano. Habla de cuerpos que se esfuerzan enormemente para no rezar el horóscopo de alguien, de personas que castigan a otras sin un idioma. Son poemas escritos en los huecos que dejan las conferencias y los plazos para entregar artículos, en los huecos que deja la vida. Viven aquí las voces de mujeres muertas que sanan. Los versos de Martha Asunción acarician el mapamundi y nos sostienen como una columna vertebral que reproduce Los Andes. Versos en polvorosa que hablan de amor y de genealogías con la fuerza de una de nuestras grandes poetas contemporáneas.
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Cómo lavar un corazón, premio T. S. Eliot de Poesía ‒considerado «el más codiciado de los premios de poesía» que se concede en Gran Bretaña‒ es el primer libro de Bhanu Kapil que se traduce al castellano. Andrew McMillan, poeta y miembro del jurado, dijo que «se trata de una obra única que ejemplifica cómo la poesía puede ponerse a prueba y rehacerse para dar cabida a verdades incómodas e irresolubles».Escritora británica de ascendencia india, en sus libros tanto si explora el racismo, la violencia o las experiencias de la diáspora, lo que emerge es una forma de decir lo que parece casi imposible de expresarse: «una literatura que no está hecha de literatura».En Cómo lavar un corazón ahonda a lo largo de cuarenta poemas ‒divididos en cinco partes‒ en las experiencias de una inmigrante acogida en la casa de una pareja de raza blanca, liberal y de clase media. En sintonía con la angustia, la ansiedad y las humillaciones que soporta una persona exiliada en situación precaria ‒el síndrome del «corazón roto»‒, Kapil explora cómo la hospitalidad puede rozar la hostilidad, y deja al descubierto la vacuidad de la inclusión y el cuidado. Cada poema refiere a un episodio, un acontecimiento, en la vida de la inmigrante, una respuesta emocional y tensa a un exceso o a la transgresión de su anfitriona.«¿Es poesía?» «No», respondió Kapil. «Es lo que desgasta el cuerpo mientras se escribe o se vive».
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«La lámpara era a veces una madre y la costa era a veces un padre, ambos me decían que no debía / llevar las mismas cosas de un lado a otro, aunque esas cosas fueran ellos, fueran la luz o la sal, una llama o un poco de arena». Hay una extrañeza muy particular en los poemas de Matthew Dickman, un cierto grado de irrealidad que —al emerger dentro de un escenario cotidiano y, en apariencia, reconocible— inquieta y fascina a la vez. Podemos sentir la tentación de creer que cuando nos habla, en su tono cercano y cálido, de su gran tema, la familia (sus hermanos y hermanas, su madre, su exmujer o su hijo), nos está hablando justamente de eso. Pero los poemas siempre contienen un exceso, una zona de transición hacia algo más, hacia otro nivel de sentido que nos desorienta y nos abre preguntas. Esta antología, preparada por el propio Dickman, ofrece por primera vez en castellano una panorámica de los diversos tonos y matices de uno de los poetas estadounidenses más singulares.
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Olvidemos un momento la gramática, la teoría literaria, los libros de ayuda a la escritura, las corrientes que han sido, las modas que son, el debate sobre si un best seller es una obra literaria, olvidemos cualquier otra controversia, incluso, por un par de páginas, el maltrato permanente de los distintos gobiernos a los creadores, incluso el desprecio generalizado de la sociedad… olvidemos todo lo ajeno a la creación y centrémonos en escribir.
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