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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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D'amor i de dol
A través de 44 poemes, un per cada any compartit amb en Lluís, l'autora recrea un viatge íntim i profund sobre la pèrdua, la connexió i la vida que continua més enllà de la vida. Una obra que convida a sentir, reflexionar i obrir el cor.
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Camuflado bajo la forma de una investigación sobre el lenguaje poético vanguardista, ''Dinosaurios de pelo rosa'' es en realidad un cancionero amoroso que Luis Alberto de Cuenca compara con los que en su día escribieran Petrarca, Bécquer o Salinas. Los dinosaurios de la poesía de Amanda Sorokin descubren un mundo de sensaciones íntimas que se vuelven fantásticas, empeñadas en enfrentarse al exterior, a veces irónicas pero siempre expresadas con enorme autenticidad. Con una voz diferente, personal, única se presenta ante el lector una historia de amor con éxitos y fracasos, sombras de una realidad que muestra la incapacidad del ser humano para sustraerse del embrujo pasional. Una muestra de cómo el soplo de Eros, en palabras de Dante, es capaz de mover el sol y las estrellas.
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Las meditaciones de un padre primerizo que aún no ha conocido a su hijo, y que ante la ausencia de una tradición literaria sobre la paternidad venidera hace de ella un recorrido poético que se habita y siente en todos los sentidos, ocupan todos y cada uno de los poemas de Paternación. Pedro Martín Aguilar se dirige a una descendencia desconocida sorteando prejuicios y miradas sociales, y aprehendiendo de una gestación propia que se produce en la alteridad. Lo físico y lo anímico mudan su realidad en una reflexión experiencial en torno al proceso de cualquier embarazo (el sexo, los nombres, las ecografías), así como en una mirada desde el presente hacia el pasado nada ajena a los puntos intermedios, al mestizaje, a la infancia, a la denominación de las piedras y a las idas y venidas de territorios siempre extranjeros. La poesía de Pedro Martín Aguilar es un canto al futuro, al futuro que quiere ser distinto de lo que ya ha sido, un nuevo tiempo de incertidumbre pero de inevitable seguridad. Un canto al yo que se desprende de su identidad para volverse herencia, deseo y patria verdadera. SESI GARCÍA
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Valle-Inclán escribió, en 1920, esta obra, con la que quedó inagurada una nueva manera de ver la realidad, el Esperpento. Person
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Cartas que nunca verás es un poemario estructurado en cuatro capítulos, con un total de treinta y tres poemas que se han escrito a modo de confesiones no enviadas. Constituyen una transición desde un amor no correspondido, con los comienzos en «Tierra» —capítulo centrado en la idealización amorosa cualesquiera los sentidos— hasta acabar en «Luna» —centrado en la aceptación y agradecimiento hacia los demás—, pasando por la plenitud imaginada de la amada en «Cielo» y el desengaño en «Espacio».
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La memoria y el arco es una suerte de revisión identitaria. «La memoria» explora la persecución de la tierra natal y del árbol genealógico incompleto, que sólo se recompone a través de la ficción poética. En «El arco», los poemas están en movimiento: siguen la trayectoria del crecimiento de un sujeto-mujer fragmentado, a través de la geografía que la ha ido acogiendo y de referentes diversos, vitales y literarios.
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En Ivánov (1887), Chéjov creó la imagen típica del intelectual desilusionado por las duras condiciones de la vida rusa, del activista social desilusionado. En la siguiente experiencia dramática, El fauno, Chéjov se aboca a la tarea de indicar la salida de aquel estado de desorden vital que refiere en su obra. En esta notable pieza se refleja con claridad la influencia de Tolstoi sobre Chéjov.Por su estilo, por su mirada, por el contenido de sus obras y por su situación temporal, Antón Chéjov (1860-1904) ocupa un lugar particularísimo dentro de la gran tradición literaria rusa del siglo XIX: con él se cierra ese gran período dorado que haría célebres a las letras de su país.
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Diari d'un abril invisible
Guardonat amb el XXIè Premi Jordi Domènech de Traducció de Poesia atorgat a Pau Sabaté, Diari d’un abril invisible (1984) del Premi Nobel de literatura Odisseas Elitis presenta el desvetllament de l’impuls poètic en un ambient oníric, auspiciat, d’una banda, pel record i, de l’altra, pel desvetllament general de la natura. Aquest cant, més sostingut i melòdic a mesura que passen els dies, es compassa amb les sensacions i les imatges que fa aparèixer la vida quotidiana, i també la vida ritual: els himnes de la Pasqua grega i la seva alternança de mort i vida. Dia clar i transparent. Es veu el vent que s’està immòbil en forma de muntanya allà a l’oest. I el mar amb les ales plegades, molt avall, per sota la finestra.Venen ganes de volar ben amunt i des d’allà repartir gratis la teva ànima. Després baixar i, amb gosadia, ocupar el lloc de la tomba que et pertany.Odisseas Elitis (1911-1996) és un dels poetes principals del segle xx grec i Premi Nobel de Literatura. Interessat de jove pel surrealisme, Elitis en va destil·lar l’essència i la va amalgamar amb els paisatges i les tradicions del seu país sota el guiatge d’una sensibilitat i una dedicació a l’ofici de poeta absolutament excepcionals. El resultat és una obra variada i multiforme, sovint inspiradora i sempre sorprenent. Al llarg de la seva dilatada trajectòria, que comença als anys trenta i acaba als noranta, va explorar una gran varietat de formes i registres, del lirisme desbordant d’Orientacions, el seu primer poemari, a la contenció de Sol primer, de la magna arquitectura de l’oratori Àxion estí als apunts esparsos del Diari d’un abril invisible, publicat l’any 1984, que ara presentem per primera vegada en català.Pau Sabaté (Barcelona, 1989) és llicenciat en Filologia clàssica a la Universitat de Barcelona i traductor. Li interessa especialment la traducció poètica, que ha exercit amb una Ilíada en hexàmetres i una versió encara inèdita dels bucòlics grecs (Premi Ciutat de Tarragona Vidal Alcover 2020), així com amb el llibre segon de les Geòrgiques de Virgili i amb uns quants poetes grecs moderns, principalment Odisseas Elitis (Orientacions i Sol primer) i Iannis Ritsos (Epitafi i Poemes de resistència). Del grec modern també ha traduït la novel·la L’última temptació de Nikos Kazantzakis i ha revisat la traducció de Joan Sales d’El Crist de nou crucificat, del mateix autor. És secretari de l’Associació Catalana de Neohel·lenistes i col·labora assíduament a la revista Torre dels Vents.
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Cuando los sueños construyan las ciudades, sus casas, jardines y avenidas serán amables y avanzaremos hacia una nueva vecindad. Erradicar el dolor y el sufrimiento, el hambre, la miseria, el odio o la hipocresía permitirán reorientar los espejos cóncavos de la urbe que antes solo servían para distorsionar su realidad. Reescribimos la historia de una nueva polis, donde la creación y las ideas la hagan crecer, y en este poemario se hace, de alguna manera, reescribiendo historias a partir de grandes aportaciones culturales. Pero nada de esto será posible si no cambiamos las formas del lenguaje mediante innovadoras formas de comunicarnos, con la riqueza y belleza de las esdrújulas. No es este un poemario al uso, pero sí puede servir, quién sabe, para hacer uso de un poemario.
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Epígrafes que tienen que ver con el tiempo, la noche, el amor, la muerte y la creación poética, agotando el muestrario temático que la lírica ofrece a sus cultivadores.''Son CLI las incisiones, numeradas con guarismos romanos, todas breves, algunas brevísimas, de que consta el libro, que se reparte en cinco zonas desde donde incidir en la existencia, y también en la esencia, del poeta. [...]. López Lara circula silenciosamente por ese amplísimo territorio con sabiduría, discreción y delicadeza. Y consigue al final que el resultado de sus incisiones sea un libro capaz de respirar, pese a la apnea circundante, y de pulsar los más íntimos resortes del espíritu''. Luis Alberto de Cuenca
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Cuenta Tito Livio que en los tiempo de la república se abrió en la ciudad una gran sima. Un adivino vaticinó que solo se cerraría arrojando en ella el bien más preciado de Roma. El joven Marco Curcio comprendió que nada había más valioso que el valor —il coraggio–– y galopó hacia las profundidades que se cerraron a su paso. Jorge Luis Borges escribió en Elogio de la sombra que el coraje era lo mejor del ser humano. Este libro recorre diversos momentos de guerras históricas en los que el arrojo, la generosidad, la determinación o la simple comprensión de la débil materia de la que estamos hechos los seres humanos aflora para constituir testimonios de superación, de redención o de grandeza.
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Gabriel Aresti. Poesia eta gizartea liburuak Bilboko poeta handiari eginiko hurbilketa eskaintzen du. Lehen poemetatik hasi eta azken poemetaraino haren eskutik jarraitu du Jon Kortazar egileak garaiko historia. Bere poesiaren hariak bilbatzen ditu testu honek eta bere ardura nagusiak agertzen. Gerra Zibilari buruzko bere irudia, Javier Batarritaren heriotza tragikoa, Bilboko etxolen bizitza nekagarria, Otxarkoaga auzoaren eraikuntza, garaiko langileen istripu negargarriak aipatu zituen Gabriel Arestik.Gogora ekarri ditugu gai horiek, bertsolariekin batera bere burua «Herrian txertatu, gu geu ere herri bihurtzeko» asmotan idazten zuen poetaren irudia eta bere lanaren irakurketa amaigabea agertzeko asmoz.
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En El peso de la piel adquieren pleno sentido aquellas palabras que Italo Calvino escribió sobre los cuentos de hadas: son reales. Y lo son porque bajo el pelaje de los monstruos y en todo aquello que se pierde en las metamorfosis se halla también un conocimiento fantástico, antiguo y eterno. En estos diez relatos, Margo Rejmer vuelve a Albania, a Kosovo y a Polonia para narrar todo lo que la crónica y el reportaje no alcanzan a desvelar. El horror grasiento que se adhiere a las paredes de la casa familiar, los traumas acallados de la guerra, la huella espectral y persistente de un régimen opresor. Con una prosa lírica, siniestra y sensual, Rejmer nos adentra en un territorio onírico donde los secretos afloran como criaturas salvajes, los sentidos se desbordan y el dolor hace trizas los contornos de lo real. Allí un zorro reconoce a una mujer que cruza la frontera para abortar. Una joven se pierde en el laberinto de deseo y violencia de la madriguera digital. Un extraño olor nauseabundo persigue a una traductora como una maldición que solo ella percibe. En ese lugar colmado de símbolos, los niños maltratados devienen pájaros o peces, y los perros encarnan el legado oscuro de los padres muertos. En estas fábulas feroces y alucinadas, la herida no se explica. Se baila. Se respira. Se hereda como una lengua sin gramática. «Margo Rejmer rescata la memoria antes de que se diluya»_Marta Rebón, El País «Margo Rejmer desciende del linaje literario de Herta Muller y Svetlana Alexievich»_Nina Herzog, Los Angeles Review of Books
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En este libro, encontrarás los versos más locos de Gloria Fuertes para aprenderse los números del 1 al 9, las vocales y los colores más bonitos.
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Año 1900. La reina Isabel II de España vive exiliada en París. Anciana, olvidada y únicamente asistida por su ayuda de cámara, se muestra con descarnada realidad: su condición de mujer, la falta de cariño sincero de su familia, el profundo amor a su Patria. Se resiste al vilipendio sufrido por personajes que la utilizaron por su influencia y, una vez cobrado protagonismo en la vida política, provocaron su destierro. Con íntima feminidad, defiende la honestidad de sus conductas, por las que fue juzgada con diferente criterio a cualquier hombre de su época, y se le destronó. El último encuentro con quien fuera su esposo, Francisco de Asís, desvela sentimientos sinceros, con él, se abre a la confesión de los progenitores de su descendencia, y desempaña el origen de sus sucesores a la Corona. La novela La de los tristes destinos, en la serie Episodios nacionales de Benito Pérez Galdós, aborda una etapa de su reinado. Despierta en ella la reflexión sobre lo que se reflejará de su vida en la historia de España, la tristeza de su destino: afronta sus errores, dignifica sus desengaños, y excita su reivindicación al derecho legítimo de representar a la Corona de España. Isabel II de España muestra, con íntima feminidad, su descarnado triste destino: su condición de reina mujer, lo escarnios sufridos y el profundo amor a su Patria. Ángel Marqués Valverde es Licenciado en Arte Dramático por la RESAD. Completa su formación teatral en el Laboratorio de teatro William Layton, y cursa dramaturgia con Guillermo Heras, José Sanchis Sinisterra, José María Esbec, Paloma Pedrero, entre otros. Imparte cursos de interpretación y de escritura, dirige montajes teatrales, y la ayudantía de dirección de María Ruiz en Catón, el último republicano, dentro del Festival de Teatro Grecoromano de Mérida. En su faceta de autor cuenta con una decena de obras teatrales, entre las que destaca su trilogía Leyendas negras de la monarquía española, compuesta por: Partida de damas (Reinas y damas en las cortes del rey prudente) (ganadora del Premio FETAM 2023 de escritura teatral), Hechizado, e Isabel, la castiza (triste destino). Así mismo, es autor de las novelas Nunca es tarde y El balneario de Tozeur, y diversos relatos.
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Paisajes humanos de mi país es la obra más importante del poeta. La escribió durante los trece años consecutivos que pasó en las cár-celes de su país. Con esta obra quiso crear un género nuevo que reuniera poesía, prosa, teatro y cine para reflejar las múltiples facetas de su país en aquellos años que coincidieron con el ascenso de los fascismos y la Segunda Guerra Mundial.Con esta obra Nâzim Hikmet se propuso romper las fronteras entre los diversos géneros literarios. De hecho, en este largo poema encontramos frecuentes escenas dialogadas, incursiones en la historia y, sobre todo, una composición cinematográfica, una arquitectura que debe mucho a la técnica del guion cinematográfico.
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La obra que tienes entre las manos es la ganadora del Primer Premio de Textos Escénicos LEB-CTMT con la colaboración de la AAT, escrita por la dramaturga Cristina Hermida. El jurado destacó su capacidad para generar una dramaturgia a partir de la crónica de la semana en que una autora, urgida por los plazos, se encierra a escribir una obra. La ironía y la ternura de la voz narrativa en su encierro doméstico dialogan con un exterior que asoma y nombra (muchas veces por ausencia) lo que la protagonista anhela y sabe casi imposible: una pausa en el frenesí de este tiempo poscapitalista que habitamos.En palabras de Eva Mir, prologuista: «Esta es una obra en gerundio, una obra sobre la propia construcción dramática que nos arrastra porque nos habla sobre aquello a lo que nos vemos arrastradas: los tiempos de las convocatorias, de las entregas, de la conciliación, de la compra diaria, de la búsqueda de piso, del proyecto de vivir en el campo, del cuidado de nuestras hijas las plantas, de todo aquello que pasa mientras intentas escribir».
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Traslumbramientos'' es una enigmática obra poética donde el asombro y la perplejidad ante lo cotidiano se transforman en una lírica de honda resonancia metafísica. A través de cuarenta poemas construidos desde un particular sentido de ''apertura de lo íntimo'', Santiago Elso teje una red de correspondencias entre lo visible y lo invisible, entre la experiencia inmediata y su trascendencia, siguiendo la estela de poetas como José Ángel Valente o Clara Janés en su búsqueda de una palabra esencial que ilumine los intersticios de la realidad. El poemario se articula en torno al concepto de ''traslumbramiento'' —ese instante de deslumbramiento que precede a la desaparición—, convirtiendo la fugacidad y lo efímero en territorio fértil para la indagación poética. Desde el primer hombre fotografiado hasta una estrella fugaz, desde un árbol talado hasta la luz filtrada por una persiana, los poemas exploran esos momentos de revelación donde lo ordinario se transfigura en extraordinario. La obra destaca por su capacidad para aunar tradición y modernidad, como señala el jurado del XXXII Premio Internacional de Poesía Ciudad de Córdoba ''Ricardo Molina''. El autor maneja con maestría tanto formas clásicas como versos libres de largo aliento, siempre al servicio de una mirada contemplativa que descubre epifanías en los detalles más nimios de la existencia. ''Traslumbramientos'' es un libro que celebra la perplejidad ante el mundo y reivindica el poder de la poesía para capturar esos instantes donde la realidad parece revelar su verdadera naturaleza frente al sinsentido del mundo contemporáneo. Una obra que confirma a Santiago Elso como una de las voces más sólidas y personales de la poesía española contemporánea.
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Lo dice la Wikipedia: la física cuántica estudia la naturaleza en términos de cantidades observables, pero a una escala espacial extremadamente pequeña, en el interior de los átomos. En esa dimensión, el mundo se abre y nos resulta inusual, regido por el misterio.En esta nueva dimensión apreciamos íntimamente la resistencia de los materiales. En la misma dirección que un poeta como Jorge Riechmann, preocupado por la lengua, la ciencia y nuestro ecosistema, María García Díaz (Pola de Siero, 1992), especialista en mécanica cuántica, no propone un libro que parte de la visión microscópica para reelaborar la expresión de nuestras percepciones, ancladas en una tradición anatómica petrarquista —dientes, oro y coral—, basada en la simple vista y en sus anquilosadas derivaciones.Este es un libro innovador: por la manera de llevar la amplitud de miras a un terreno donde se construye una estética —y una ética estética— de la naturaleza que nos obliga a ir más adentro en la espesura, donde la piel y la mirada sobre la piel son distintas. El lirismo micronarrativo de En tu piscina de esmeraldas calculé y lloré combina una sensibilidad animal con un humor progresivamente irónico, con la contundencia de quien sabe que el vínculo entre lenguaje, ciencia y sociedad es determinante a efectos de responsabilidad.
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hemos descifrado nuestro primer te quiero para dejar de ser soñado en reinos lingüísticos ajenos le hemos dado la palabra a nuestro te quiero y las ocho letras anglosajonas me han parecido el más libidinal de los rezos Lengua, palabra y afectos son los claros protagonistas de estos poemas: una maraña de cuerpos y símbolos que traspasan barreras geográficas, culturales y temáticas. A medio camino entre la transcreación y la experimentalidad, Sofía Monzón abre la herida de la multiplicidad, las transformaciones y fragmentaciones producto de la inmigración, lenguas en contacto y una amalgama de ecos femeninos que dan vida a la propia voz de la autora en su viaje hacia nuevos futuros. La materialidad del presente y el pasado conectan en Los afectos multilingües para crear una nueva genealogía poética, una nueva forma de ser y de sentirse.
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El estreno de canción de cuna «fue para sus autores la aventura más emocionante de su carrera de dramaturgos», recordaba María Lejárraga en sus memorias. Idéntica emoción embargó al público que asistió a aquel estreno el 21 de febrero de 1911 en el madrileño teatro Lara y a los millones de espectadores que, durante décadas, la aplaudieron en los escenarios de todo el mundo, convirtiéndola en una de las comedias españolas más representadas del siglo XX. Tras los triunfos resonantes en el Civic Repertory Theatre de Broadway (Nueva York) y en el Studio des Champs-Élysées (París), fue presentada en 1936 en la Comédie Française como una de las escasas obras extranjeras contemporáneas que figuraban en su selecto repertorio. Mereció también cinco adaptaciones cinematográficas entre 1933 y 1993, y varias versiones televisivas. Hoy permanece alejada de los teatros, pero no ha perdido su encanto ni su fuerza de atracción. Una lectura moderna de la obra nos descubre nuevos valores en una comedia que sigue cautivándonos por su poesía, por el perfecto engranaje de sus escenas, por su belleza formal y por la sutil representación de un mundo complejo más allá de su apariencia sencilla, amable y optimista. «Canción de cuna fue un oasis. Allí, debajo de la fábula, había algo superior a la fábula misma». Emilia Pardo Bazán La obra maestra de María Lejárraga y Gregorio Martínez Sierra. María de la O Lejárraga García (San Millán de la Cogolla, La Rioja, 1874-Buenos Aires, 1974) y Gregorio Martínez Sierra (Madrid, 1881-1947) compartieron su producción literaria con la única firma del marido, incluso desde antes de casarse en 1900. Tras la muerte de Gregorio en 1947, ella adoptó el nombre literario de María Martínez Sierra, que ocasionalmente había utilizado anteriormente. Fueron dos protagonistas esenciales de la historia del Modernismo en España, creadores de revistas literarias (Helios, Renacimiento), novelas (La humilde verdad, Tú eres la paz, El amor catedrático), teatro (Teatro de ensueño, Canción de cuna, El reino de Dios, Triángulo), libretos de zarzuela (Las golondrinas), ópera (Margot, Jardín de Oriente) y ballet (El amor brujo, El sombrero de tres picos), y ensayos, con especial dedicación a la difusión del feminismo (Cartas a las mujeres de España, Feminismo, feminidad, Nuevas cartas a las mujeres). Gregorio Martínez Sierra fue, además, un destacado editor, empresario teatral de éxito y uno de los mejores directores de escena de su época, además de pionero de la industria cinematográfica en Hollywood. María Lejárraga, que comenzó su carrera siendo maestra, desarrolló una importantísima labor como traductora y, al margen de su prolífica dedicación a la literatura, fue feminista militante, fundadora de asociaciones de mujeres (Lyceum Club, Unión de las Mujeres de España, Asociación Femenina de Educación Cívica), diputada a Cortes durante la Segunda República y una de las plumas imprescindibles de la literatura del exilio de 1939. Juan Aguilera Sastre e Isabel Lizarraga Vizcarra son investigadores y estudiosos de la literatura española de la Edad de Plata. Han publicado conjuntamente varios trabajos, entre los que destacan De Madrid a Ginebra. El feminismo español y el VIII Congreso de la Alianza Internacional para el Sufragio de la Mujer (2010) y tres volúmenes sobre la labor periodística de Clara Campoamor: La forja de una feminista (2019), Del Foro al Parlamento (2021) y Clara Campoamor de viva voz (2021). Han dedicado numerosos estudios a la vida y obra de María Lejárraga, desde la pedagogía y la dramaturgia hasta el feminismo, la política o el exilio. Han editado los volúmenes Homenaje del Ateneo Riojano a María de la O Lejárraga (1995), María Martínez Sierra y la República: Ilusión y compromiso (2002), María Lejárraga, pedagoga: Cuentos breves y otros textos (2004), Ante la República: Conferencias y entrevistas (1931-1932) (2006), María Martínez Sierra: Feminismo y música (2008), Cómo sueñan los hombres a las mujeres (2009) y, en esta misma editorial, Tragedia de la perra vida y otras diversiones. Teatro del exilio [1939-1974] (2009), Viajes de una gota de agua (2018), Una mujer por caminos de España (2019), Epistolario del exilio. Cartas familiares [1939-1969] (2021), Cartas a las mujeres de España (2022), Gregorio y yo (2023) y Feminismo, feminidad (2023). Como novelista, Isabel Lizarraga ha convertido a la feminista riojana en protagonista de sus novelas Luz ajena (2020) y Cándida (2022).
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Se hibrida la imagen de la escritura y la imagen de la obra gráfica, aunque no puede haber un modelo común a ambas, ninguna equivalencia que dé un sentido, sino muchos sentidos y por tanto ningún sentido —si todo es, nada es—. Entre las imágenes parece prevalecer una función contradictoria y tan contingente como la propia vida. Imagen es aquello en donde lo que ha sido se une como un relámpago al ahora, porque la imagen, nos diría Pascal Quignard, es propiamente lo prohibido. Quizá todo sea inmiscible. Pero, este libro, es, como toda poesía que se precie, un ir de lo conocido a lo desconocido, una forma de explorar el abismo de lo que no se puede decir y recala en la imagen: este libro es una imagen, y nada es imagen de sí mismo, al menos ya no, nunca. Pero sí metáfora, y relato de lo que sin él sería olvido.
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América y paisaje explora la encrucijada entre el mito americano, el paisaje y la identidad personal. A través de sus textos, Yániz teje una narrativa lírica que oscila entre lo íntimo y lo universal, lo concreto y lo abstracto, suscitando un diálogo entre el individuo y el vasto paisaje americano, que se eleva a la categoría de arquetipo postmoderno. Yániz profundiza en la mitología americana, evocando figuras icónicas como Georgia OKeeffe y explorando temas como la migración, la frontera y la transformación del territorio, manteniendo una capa introspectiva, entrelazando reflexiones personales con observaciones sobre el arte, la naturaleza y el lenguaje. A lo largo del poemario, Yániz demuestra una gran habilidad para fusionar referencias culturales diversas, desde la literatura clásica hasta el arte contemporáneo. Sus versos incorporan múltiples idiomas y juegan con la forma, creando un tapiz poético rico y multifacético. El libro explora temas como la soledad, el cambio, la búsqueda de identidad y la relación entre el ser humano y su entorno. Yániz utiliza el paisaje americano como un lienzo sobre el que se proyecta el yo poético, convirtiendo el desierto, las autopistas y los espacios urbanos en metáforas de la experiencia humana. ''América y paisaje'' se distingue por su enfoque innovador de la poesía contemporánea. Yániz combina una sensibilidad poética con una aguda conciencia de las complejidades sociales y culturales del mundo que nos rodea. Su obra refleja una voz joven pero madura, invitando al lector a contemplar las intersecciones entre el mito, la realidad y el proceso de significar nuestras experiencias, ofreciendo una perspectiva fresca y provocativa sobre temas eternos.
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Cargado de simbolismo y hondura, Astrocanto, el nuevo libro de Sofía Díaz Gotor, abarca temas como la muerte, el duelo, la memoria y la trascendencia. Poesía que explora las relaciones entre materia y espíritu, la naturaleza y lo celestial, mediante imágenes del firmamento, el agua, los cuerpos y la luz. La pérdida actúa como eje afectivo del poemario, generando un entrelazamiento entre lo personal y lo cósmico donde el lamento se convierte en un canto universal de transformación y permanencia.
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Poemario de la autora Paulina SantamarinaEl ser humano es un coleccionista de recuerdos, un adicto a su pasado para no caer en el olvido y el anonimato. Lo guardo en las venas es un recorrido por los ríos y lagunas de la memoria, tan vitales e imparables como el paso de la sangre en nuestras venas. Hay momentos que bombean al corazón y otros que tapan las arterias, pero son esos instantes los que nos mantienen con vida: el amor, la traición, la soledad, la desilusión, la incertidumbre, el sin sentido. Este libro es para navegar de regreso a uno mismo con la poesía como barco.
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Cuerpos que conciben. Cuerpos que crecen. Cuerpos que envejecen. Cuerpos que se rompen y sanan. Cuerpos que no olvidamos. Los cuerpos que deben ser cuidados y que cuidan. Nuestros cuerpos y sus cuerpos. Conmovedora por su honestidad, bella por su proximidad, única por su humor, la escritura de Ana María Shua es también cuerpo recordado y recreado. El asombro y la agitación en el descubrimiento, la dignidad y el esfuerzo en la superación, el dolor y el amor en el duelo conviven con una mirada lúcida y una literatura cómplice, donde el síntoma, la herida o la cicatriz son un canto a la vida.
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Desde el frágil puente entre la poesía y la existencia, Paul Montjoy Forti traslada a las letras el móvil quiebre de After Requiem, donde las sombras y los recuerdos desmiembran cada línea de los espacios urbanos, como las casas, las plazas, los parques o las avenidas, lugares dinámicos en los que los cuerpos se juntan o deambulan en medio del torbellino delirante de la escritura. CLAUDIA CAVALLI
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Coa celebración do seu 75 aniversario, Editorial Galaxia recupera o espírito innovador que demostrou nas súas publicacións dende 1950, traendo ao lectorado de hoxe moitas destas obras que supuxeron unha renovación do mundo cultural galego e, por extensión, tamén da súa sociedade, grazas á Biblioteca 75 anos. O novo volume desta colección conmemorativa é Dar voz ao teatro galego o premio castelao de teatro 1964-1967, cunha introdución Cristina Domínguez Dapena. A Agrupación Cultural O Galo, a primeira asociación cultural da época legalmente constituída, impulsou en 1964 unha importante iniciativa: a convocatoria do primeiro Premio Castelao de Teatro Galego. Na súa primeira convocatoria o premio recaeu na peza Cando morren os farois, de Ángel de la Peña, un coñecido locutor da compostelá Radio Galicia, obra inédita ata a actualidade. Na súa segunda edición o premio foi concedido a Jenaro Mariñas del pola peza A revolta, e na seguinte, a do ano 1966, o premio foi declarado deserto. Na derradeira edición, a de 1967, a obra gañadora foi a peza de Xohana Torres, Un hotel de primeira sobre o río. Estas dúas obras foron publicadas no seu intre pola editorial Galaxia. O que van ler neste volume son, polo tanto, tres pezas de teatro creadas cunha clara vontade de contribuír á lingua e á cultura galegas, escritas con traballo, ilusión, compromiso e respecto. As tres persoas autoras compartían un fondo compromiso co teatro, aínda que cada unha o abordase desde unha perspectiva diferente.
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Accésit del Premio Adonáis 2020 «por la lograda síntesis de frescura y profundidad, sostenida por un ritmo cautivador, que es herencia de la tradición y, a la vez, propuesta novedosa», según manifestó el jurado.Con un título que trae a la memoria el verso del poeta toledano Garcilaso de la Vega? -«todo lo mudará la edad ligera»-, el presente libro es, ante todo, un conjunto de poemas en los que queda reflejado el amor como sed, deseo, afán por arrancarle a la relación amorosa su profundidad, su pasión, su «mejor tú», en el decir saliniano, siempre manifestado en un tiempo volátil, huidizo, sin consistencia. Para ello, Jiménez Serrano se vale tanto de un uso abundante de recursos literarios de muy diferente jaez (aliteraciones, paradojas, repeticiones, lenguaje sincopado, descontextualización de estereotipos literarios, pero glosados en clave humorística) como de la musicalidad que expresa la métrica tradicional (décimas, pareados, frecuentes asonancias), dejando constancia en éste, su primer poemario, de su admirable cualidad para fusionar el lenguaje conversacional y el literario, llevándolos a veces al nivel de la comicidad y de lo maravillosamente emotivo. Un libro, en suma, con sello propio.La crítica ha dicho:«He aquí el libro de una mujer con sed de todo. Y esa sed se derrama en poemas figurativos de bellas sonoridades muy rítmicas, repletos de elaboradas metáforas cuasi-surrealistas y de recursos estilísticos de rica paleta lírica, los cuales, por su combinación de frescura, modernidad y clasicismo, y hasta de culturalismo sin insistencia exhibicionista, me sorprenden tanto como el discurso me emociona.»Luis Artigue, El Taquigrafo.«El tono y el estilo del libro están perfectamente reflejados en la solapa del volumen [...] Añadiría que el libro dibuja (en zigzag) una línea narrativa. Empieza con poemas de alegre reivindicación feminista. Se abre con una defensa de la entidad de Beatriz, más Beatrice Portinari que musa de la Divina Comedia, y sigue con unos himnos al deseo con total franqueza e igualdad de condiciones. Muy bien. Pero a mitad de este cancionero implícito asoma la intimidad, con sus velos de dolor, de inseguridades anímicas, de encuentros, de auxilios de ida y vuelta y de reconocimiento mutuo. Se acerca el amor.»Enrique García-Máiquez, Libro sobre libro.
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Podría pensarse que Todo lo que es cuerpo es agua en tránsito aborda, sobre todo, el desplome de la estructura que sostiene a una pareja, pero no es este un libro acerca del fin del amor, sino de lo que el amor hace con el lenguaje, de lo que el lenguaje hace con el amor (uno es las rocas y el otro las olas que las golpean, mas lo difícil siempre ha sido distinguir cuál es cuál). Los cuerpos se deshacen y los hilos que unen a un cuerpo con otro lo hacen también, pero el poema aún puede —,al tiempo que martilla o que hurga en la oscuridad—, seguir el consejo que una poeta canadiense nos dio un día, y que no deja de resonar en estas páginas: hay que retener la belleza. LUIS EDUARDO GARCÍA
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La luna no tiene donde esconderse es una colección poética que explora la esencia cambiante y luminosa de lo femenino. En torno a ese misterio —complejo, íntimo, revelador— los versos de Paola Ortuño trazan el mapa de una búsqueda: la del deseo que interroga, del cuerpo que recuerda, del alma que se afirma. Cada poema es una estación en el viaje de la autora por los afectos que la definen: el amor propio, el amor romántico, el amor a la familia, a la tierra, a lo divino. Una voz que no se esconde, que se ofrece con vulnerabilidad y fuerza, como la luna que alumbra incluso cuando parece ausente.
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Esta peza nace inspirada nun caso real, acontecido nun instituto de Vigo en 2024. O texto fala dunha realidade que continúa a afectar os nosos adolescentes, intentando atopar as raíces sociais, psicolóxicas e culturais dun tema como o bullying ou acoso escolar. A peza recolle personaxes da vida diaria, amosando que unha persoa pode ser vítima ou agresora, dependendo das súas circunstancias, e salientando a necesidade de pertenza ao grupo ou a relación coa masculinidade. VIII Certame de Textos Teatrais Roberto Vidal Bolaño 2025
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La obra de un poeta imprescindible, reunida en un solo volumen.«Poéticamente atesora una austeridad y una sobriedad que entroncan más con la poesía inglesa que con la latina, pero que se ocupan de un tema tan propio de la modernidad como el de la soledad: el hombre frente a sí mismo, el hombre en su cuarto, en su jardín, el hombre a solas con sus recuerdos, con su infancia perdida.» Octavio Paz«Frente a los poetas prosaicos hoy convertidos en poetas oficiales, es realmente reconfortante volver a la mejor tradición lírica.» J.A. Masoliver Ródenas, La Vanguardia«El resultado es una poesía a la que no dejamos de volver porque es hospitalaria y se deja habitar, una poesía que nos habla en tono de confidencia de eso que pasa ante nosotros y a menudo no percibimos, real como la vida misma.» Jordi Doce, El Mundo «A Álvaro Valverde le ha gustado siempre la imagen de las aguas cristalinas de las gargantas de la sierra, cuya transparencia engaña al brazo que pretende alcanzar los guijarros del fondo. [...] Porque entiende que así debe ser su poesía: profunda y transparente, sencilla, pero honda, tan ajena al ''torpe asedio, el fingido gesto, / la erudición sabida'' como a los ''teóricos, abstrusos'' y puntillosos comentarios que contaminan la ''dulce ignorancia'' del lector, del usuario, la suma, en fin, de la expresión diáfana con el contenido profundo y perdurable de la meditación y la memoria.» Así comienza el epílogo que Gonzalo Hidalgo Bayal ha escrito para esta edición que comprende cuarenta años de escritura poética. Ajeno a las banderías de su generación, la de los años ochenta o de la Democracia, «sin ruido, con discreción que lo aleja de la feria de las vanidades, Álvaro Valverde ha ido creando su literatura», afirma F.J. Irazoki. El lector puede disfrutar ahora de los textos que componen sus libros sucesivos, ya publicados, y los poemas de uno inédito, Geografías del jardín. Su voz singular, meditativa y melancólica, confirma a Valverde, según Fernando Aramburu, «como uno de los nombres mayores de la poesía actual española».
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En ¿Cómo escapar de un bucle temporal?, Anna Goretti Montalvo abre una caja que ha permanecido cerrada demasiado tiempo. Dentro, se agitan los ecos de un amor que no encontró su lugar, las palabras que nunca se dijeron, los silencios que se volvieron gritos ahogados. Cada página es un intento por romper el ciclo, por entender lo que fue y lo que nunca pudo ser.Con una escritura íntima y desgarradora, la autora convierte la memoria en fuego y el dolor en poesía. Este es el relato de una despedida que no se dio, de promesas rotas y susurros convertidos en quimeras. Es un viaje emocional hacia lo más profundo del corazón, donde el tiempo no avanza, solo se repite.Un canto a lo que quedó suspendido en el aire. Un portazo convertido en palabra.
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