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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Los textos aquí reunidos han sido escritos a lo largo de toda la vida literaria de María Victoria Atencia. Conferencias, presentaciones de libros, artículos, etc., que conforman al juntarse ahora un preciso y precioso corpus de íntima reflexión sobre el hecho poético en sí y sobre los planteamientos teóricos en los que se basa la propia creación a través de sus aproximaciones a Rilke, Bécquer, Borges o Juan Ramón Jiménez. Se da cuerpo también en estas páginas a la admiración y a la profunda amistad que le unió a sus maestros declarados Jorge Guillén, Bernabé Fernández-Canivell, Octavio Paz…, a su itinerario vital y artístico al lado de elegidos compañeros de viaje como Elena Martín Vivaldi, Pablo García Baena, Antonio Carvajal, Biruté Ciplijauskaité, Claude Esteban… Varias entrevistas cierran el volumen dejándonos así la propia voz de la autora sonando con frescura antes de concluir sus páginas absolutamente recomendables. Algunos de estos textos han sido publicados en revistas de no fácil acceso, otros en la prensa diaria. Muchos permanecían inéditos. Su reunión, aun poniendo de manifiesto algunas repeticiones de ideas y referencias (literales en ocasiones y que se ha preferido mantener como muestra de su perseverancia en ellas), aportará sin duda muchas de las claves necesarias para iluminar más si cabe una obra poética situada ya sin discusión posible entre las más importantes de la segunda mitad del siglo xx.
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Disjecta reúne en un sólo volumen los escritos misceláneos de Samuel Beckett acerca de arte, literatura y asuntos relacionados. Incluye la obra inacabada Deseos humanos, un fragmento de su primera novela Sueño de mujeres del montón y cierto número de importantes y reveladoras cartas, así como todos sus textos acerca de pintores y de la pintura. Todo ello termina constituyendo una singular introducción a lo que sin reparos habría que denominar la estética de Beckett.Ruby Cohn —amigo de Beckett y autor de muchos estudios importantes acerca del drama moderno— le persuadió para que permitiera la publicación de estos textos, seis años antes de la muerte de su autor. Hoy en día, con el título que propuso el propio Beckett, Disjecta, se han convertido en clásicos indiscutibles.
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La poesía de Carolyn Forché nos enfrenta al conformismo, nos convierte en testigos del sufrimiento de los otros, nos hace humanos en un mundo en el que apenas acertamos a comprender el significado de serlo. Por eso Forché es la poeta más comprometida de los Estados Unidos, autora de una obra incuestionable que denuncia nuestra hipocresía y nuestro cinismo. El lector tiene en sus manos la mejor literatura que en la actualidad brota de la lengua de Whitman o Dickinson. No tengo ninguna duda de que la obra de Carolyn Forché será una de las pocas que atraviese los siglos para hablar de nosotros.
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Francisco Brines es sin duda uno de los nombres más imprescindibles para entender y gustar la poesía española del siglo XX, un siglo que ha sido, ante todo en su mitad primera, de excepcional calidad y riqueza. Es la suya una poesía de clara raíz metafísica en la que se plantean todas las grandes preguntas que atañen a la condición humana. Poesía plena de sensorialidad y sensualidad, poesía afirmativa, felizmente enraizada en el cuerpo y la tierra nativa, exaltadora de la vida en todas sus intensidades, pero a la vez, poesía hondamente habitada por el tiempo, por la conciencia del tiempo, puesto que existimos y nos afirmamos «entre dos nadas». Francisco Brines no fue sólo uno de nuestros poetas mayores sino también un amigo cercano de incontables poetas y un maestro de muchos felices lectores de poesía, y viceversa. En esta nueva antología, Tierra nativa, se reúnen una serie de poemas escogidos a lo largo de toda su obra relacionados con Elca, su casa familiar, y con el paisaje y la naturaleza mediterráneos en los que tan enraizada está su poesía. A.L.
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La mayoría de los libros de Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, 1898-Víznar, 1936) tuvieron una peripecia singular, desde los Sonetos (inéditos hasta los años ochenta del siglo pasado) a Poeta en Nueva York (publicado con carácter póstumo en el año 1940), pasando por El divan de Tamarit, que empezó a ser imprimido en 1934 pero no acabaría de ver la luz hasta 1940 en Buenos Aires. Los Seis poemas galegos han tenido también complejidad editorial, con múltiples teorías sobre la verosimilitud de que Lorca pudiese escribir en gallego y la hipotética participación de varias manos en su creación. Está claro, no obstante, que la edición de 1935, tomada como modelo para el resto de las publicaciones posteriores, no fue exactamente la que Lorca ideó. No es el único libro del poeta en estas circunstancias debido a que su muerte violenta en 1936 truncó buena parte de las publicaciones que preveía. Pero en el caso de estos seis poemas es posible acercarnos lo más posible al texto original.
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''Estos poemas que escribo en presente, elogiando el instante, mantienen delicadamente un carácter incompleto, como en todo haiku, y desembocan a veces en un silencio. Son poemas que, en ocasiones, rozan y acarician varios sentidos a la vez. Abolen la idea de finalidad, como en cualquier otro haiku, y se mantienen alejados de la voluntad de descripción de cualquier acontecimiento. Mantienen la estructura de 5, 7 y 5 sílabas que les es propia, y conservan, además, la mayoríade ellos, una cierta relación entre los dos primeros versos, los cuales se muestran, casi siempre, confrontados al tercero. Son haikus en los que, a veces, se evidencia también la presencia del detalle y de lo insignificante. La diferencia con el haiku normativo es que, así como este trata de una subjetividad sin sujeto, que transcribe y transparenta la inmediatez de lo real, aquí el sujeto sí que se muestra presente, ya que está en el origen de la producción de las imágenes y nociones abstractas que dan forma y estructuran los poemas. El sujeto, por tanto, ya no es un espejo: asoma detrás de la imagen poética. Es por eso por lo que los denomino así: haikus heterodoxos.'' Bartolomé Ferrando.
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Estos Cuentos rusos son un homenaje a cinco de los más grandes autores de la literatura rusa y universal: Tolstói, Chéjov, Gógol, Pushkin y Dostoievski. Esta pequeña selección servirá a algunos lectores de introducción a estos autores, o les permitirá acceder a textos poco conocidos de estos maestros.Las tres preguntas, de León Tolstói, es un relato deslumbrante en su intensidad y su sencillez, una parábola que parece extraída de la Biblia, aunque podría muy bien ser un texto budista. Nos habla de cómo vivir la vida con la intensidad que merece, del verdadero valor de cada momento. Sobre Karma, cuento popular hindú versionado por Tolstói, este escribió: «He leído el cuento a los chicos y les ha gustado… Entre los mayores han surgido recurrentes conversaciones sobre las más importantes cuestiones de la vida. Creo que es una muy buena recomendación». De Chéjov, encontramos Kashtanka e Historia de una anguila. Dos muestras del humor, la sensibilidad y la agudeza crítica del autor. El protagonista de La Nariz, de Nikolái Gógol, descubre un día con gran preocupación que ha perdido su nariz, hasta que la encuentra casualmente por la calle, dotada de vida propia. Encontramos el humor disparatado y un tanto surrealista, y la capacidad satírica de Gógol, en su mejor expresión. El cuento del gallo de oro y El zar saltán, de Alexander Pushkin, tienen su origen en leyendas populares rusas, y no nos dejaránindiferentes. El cocodrilo, de Dostoievski, es un genial relato humorístico, muy divertido y lleno de ironía. La pequeña codorniz, de Turguéniev, es un cuento conmovedor sobre el amor a los animales, lleno de sensibilidad.
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La trayectoria de este autor expresa una permanente voluntad de investigación en el teatro español, sobre todo de los aspectos oscuros de la teatralidad. Ñaque es una lúcida reflexión metateatral que viene a demostrar que la esencia del teatro reside en el encuentro entre el actor y el espectador. ¡Ay, Carmela! se convirtió desde la noche de su estreno en uno de los éxitos de los años 80. Se trata de una crónica sentimental, emotiva y entrañable de la memoria republicana de la Guerra Civil, pero también es un cálido homenaje a la dignidad artística.
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El avaro y El enfermo imaginario pertenecen a lo que se ha llamado el ''último Molière'': lamadurez plena de un genio. Ambas rompen las tradiciones establecidas, dominan con maestría todas las formas de comicidad y ofrecen la auténtica esencia del teatro como una gran fiesta, tal y como lo concebía suautor.
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Primera edición de Poemas y Cartas 1-600 realizada a partir de los Manuscritos originales de Emily Dickinson,en formato bilingüe.Permite acercarse a su obra tal como ella la concibió. Una obra que fue manipulada y mutilada después de su muerte. Sabina editorial continúa así la aventura apasionante de editar la poesía y la prosa de la autora que, desde su casa y sin publicar ningún libro, revolucionó para siempre la literatura universal.
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'El enfermo imaginario'' es la obra por antonomasia de Molière, así como una de las más famosas y representadas de la historia del teatro. Escrita en el periodo de máxima madurez creativa de su autor, esta comedia, que critica y satiriza a los médicos de su tiempo, se centra en la irónica situación vital de su protagonista, Argán, un hipocondriaco a quien el miedo a las enfermedades y a la muerte le impide disfrutar de la vida.
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Representada en casi un centenar de teatros en más de veinte países, donde ha cosechado un éxito inaudito, Terror aborda sin tapujos el abrumador problema ético al que se enfrenta el ser humano en situaciones límite, invitándonos a una reflexión profunda sobre el valor y el precio de la libertad. Cada vez que se produce un atentado terrorista en un país occidental, provocando un sentimiento general de pánico y estupor en la sociedad, surge inevitablemente un dilema difícil de resolver: ¿estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad individual en aras de la seguridad colectiva? ¿Cuál es el camino correcto para preservar la democracia? Como oficial de la Fuerza Aérea de Alemania, Lars Koch debe intervenir en una situación de emergencia: un terrorista ha secuestrado un avión de Lufthansa y pretende estrellarlo contra el Allianz Arena de Múnich, donde en ese momento setenta mil espectadores asisten a un partido de fútbol internacional entre las selecciones de Alemania e Inglaterra. Contraviniendo las órdenes de sus superiores, y consciente de la responsabilidad que deberá asumir por su terrible acto, Koch derriba el aparato para impedir la masacre en el estadio, causando la muerte de las ciento sesenta y cuatro personas que viajaban a bordo. Así pues, el juicio al que se somete al infortunado piloto es el núcleo de la primera obra teatral del célebre abogado criminalista alemán Ferdinand von Schirach. Con una trama sencilla pero contundente, el autor de superventas como Crímenes y Culpa nos conmina a tomar partido como miembros del jurado popular que deberá dictar una sentencia de tintes dramáticos y consecuencias inquietantes.La crítica ha dicho...«Terror es teatro en su máxima expresión.»The Sunday Times «Una historia tan compleja que seguirás pensando en ella mucho después de que se falle la suerte del acusado.»The Times «Von Schirach senutre del legado del drama clásico como un foro donde considerar los dilemas humanos más acuciantes.»Financial Times
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Austral reúne en un solo volumen la Obra Completa del poeta Joan Margarit.Pocas semanas antes de morir, Joan Margarit dejó terminados los poemas que componen Animal de bosque, la obra a la que dedicó las energías del último tramo de su vida, aprovechando la mirada nítida que él atribuía a una senectud vivida sin trampas. Margarit, que había terminado un año atrás su «antología personal», publicada bajo el título Sin el dolor no habríamos amado, consideraba Animal de bosque «el mejor de mis libros». En este último volumen, que incluye Animal de bosque, reunimos toda la poesía original de Joan Margarit desde 1975 hasta 2021. La dureza y, al mismo tiempo, la ternura del refugio contra la intemperie que es su extensa y reconocida obra lo sitúan entre los poetas más valorados por la crítica y los lectores.
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Una obra construida alrededor de una figura fascinante y monstruosa seducida por el poder.«Mi reino por un caballo», una de las citas más conocidas de Shakespeare, pertenece a Ricardo III. La obra, escrita probablemente en 1592, cuando el dramaturgo tenía veintiocho años, culmina su primera tetralogía de dramas históricos ingleses, iniciada con las tres partes de su Enrique VI. Su acción se centra en acontecimientos de los doce años del reinado de Eduardo IV y los dos del de Ricardo III, y cierra el ciclo dedicado a la Guerra de las Dos Rosas. Sin embargo, Ricardo III no es una mera continuación de la trilogía precedente. Apoyándose en un argumento muy estructurado, Shakespeare crea en ella su primer personaje memorable: un ser de gran magnetismo diabólico entregado a la conquista criminal del poder que ha llegado a convertirse en mito teatral y literario. Ángel-Luis Pujante, catedrático de Filología Inglesa de la Universidad de Murcia y traductor y estudioso de Shakespeare, nos ofrece en su introducción un estudio completo de los personajes de la obra y nos ayuda a comprender las diferentes fases de la acción.
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Era només la boira
Trobem a Era només la boira una trentena (encara no) de poemes curts, desvestits de tota transcendència, que proven d'enlairarse amunt lligats de mans i peus. El punt de partida és la QUOTIDIANITAT ÍNTIMA, les bestieses de cada dia, fetes de dolor fungible. Són unes peces senzilles, aparentment amables per la seva dolcesa traïdora, que tan aviat diries que amaguen una confessió reveladora com intueixes la mentida del discurs, el poder entabanador del vers.
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Poemario del autor Ítalo SciaraffiaPodría leerse en Corazón caníbal de Ítalo Sciaraffia un retorno al camino de los románticos para reivindicar, desde el presente, la emotividad sincera y palpitante como fundamento poético. ¿Cómo se hace de ello una vía de entrada a nuestro tiempo? ¿Por qué poesía amorosa hoy, aquí? ¿Por qué este antiguo vínculo, lejos de disolverse, prolifera y sigue proliferando en la poesía y en la música? Un poeta es el que contesta a su presente -y a los horrores de su presente- con la marca de la ternura y del amor. Necesitamos ese dolor y su verdad. Nos anuncia la apertura del poemario: ''La poesía es un corazón caníbal, porque es un corazón que come corazones''. Dice Roland Barthes en Fragmentos de un discurso amoroso que en nuestro tiempo -su tiempo- la verdadera obscenidad no es la exposición descarnada de lo sexual o genital, a la que ya estamos habituados, sino la declaración abierta del sentimiento amoroso: ahí radica el goce secreto, ruborizante y lingüísticamente complicado. El verbo, para no amar, se enreda, tropieza, se vuelve cínico y se parodia a sí mismo: no vayas a decirlo en serio. Tan difícil es hablar de amor. La posibilidad que queda es -y reordeno lo anterior- la complicación gozosa de un lenguaje secreto. Este poemario se convierte entonces en una atrevida aventura: la de nombrar el amor. Dice Zurita: ''Todo amor es urgente porque nos vamos a morir'' ¿Para qué poesía amorosa entonces? Responde en este libro Ítalo Sciaraffia: para comer(nos) los corazones, que es lo que más queremos, lo que más necesitamos.RODRIGO GONZÁLEZ
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Aquest volum –que complementa Teatre modern a Mallorca (Biblioteca Miquel dels Sants Oliver, 8)– recull nou treballs que Antoni Nadal (Palma 1958) ha elaborat entre els anys 1999 i 2004, i que tenen com a matèria comuna el teatre català del segle XX referit sobretot a les illes Balears.
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Miscel·lània Joan Bastardas, 1
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Los mejores ensayos y cartas del crítico estadounidense más influyente del siglo XX, «inteligente e implacable, un prosista de altura» (El País) 50.º ANIVERSARIO «En estas páginas excelentemente seleccionadas y prologadas por Aurelio Major se descubrirá a un Edmund Wilson que analiza y juzga. Pone énfasis y refuta. [...] No alcanzarían las páginas de este suplemento para comentar este extraordinario texto.»Ernesto Ayala-Dip, Babelia Edmund Wilson fue el crítico estadounidense más influyente del siglo XX. Su curiosidad omnívora y su ambición lo convirtieron también en historiador, reportero de investigación, novelista y cronista, y sus ensayos y reseñas siguen resultando apasionantes porque los sustenta el enérgico placer que le suscitaba enfrentarse a un nuevo libro, escritor o tema. Wilson fue el crítico de la generación perdida, formada por escritores como Hemingway, Dos Passos o Scott Fitzgerald, así como uno de los primeros en vincular entre sí la trascendental obra de Joyce, Proust, Eliot o Stein, y en reivindicar los méritos de autoras como Wharton o Porter. En el quincuagésimo aniversario de su muerte, Lumen presenta esta edición con un nuevo prólogo de Aurelio Major, que recoge y ordena una muestra sustancial de la vasta producción de Wilson y que puede considerarse la mejor antología de su obra crítica en cualquier idioma. Alternadas con ensayos y reseñas, se incorporan también crónicas y algunas de sus cartas más importantes, como las que se cruzó durante décadas con Vladimir Nabokov. El insobornable criterio de Wilson, su perspicacia, el independiente ejercicio de su responsabilidad son, hoy como ayer, una fiesta de la inteligencia y un antídoto contra la conformidad, las convenciones y la uniformidad totalizadora. La crítica ha dicho:«Fue, junto a Cyril Connolly, el gran crítico literario periodístico del pasado siglo [...]. Increíbles su imaginación y talento para leer y detectar puntadas en el tejido, pero aun así, es sobre todo un lector de sentimientos, [...] de las metamorfosis del alma y de los cuerpos.»Alejandro Gándara, El Mundo «Wilson fue, además de un crítico inteligente e implacable, un prosista de altura dotado de enormes recursos dialécticos y suasorios: la antología de Major refleja perfectamente esos envidiables atributos.»Manuel Rodríguez Rivero, El País «Escribo sólo para Edmund Wilson.»Ernest Hemingway «Edmund Wilson pervive como crítico por su infinita vitalidad y su intenso amor por la literatura.»Harold Bloom «Wilson, sólo después de Sainte-Beuve, ha sido el crítico más influyente de esa historia moderna que se caracteriza, entre otras cosas, por sus viejos críticos literarios.»Christopher Domínguez Michael, Letras Libres «Lo relevante de Wilson es la actitud: cosmopolita, apasionado, curioso, erudito, dialogante, atento a tendencias políticas y filosóficas.»Letra Internacional «Wilson dio a la crítica norteamericana algo que no había tenido: una figura analítica, de curiosidad universal.»Juan Malpartida, ABC
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Es difícil –seguramente imposible– relatar una guerra tal y como en realidad aconteció. Lo que casi siempre nos llega es el relato de alguien que por diversos motivos e intereses refiere la historia desde la perspectiva que más le conviene. Es lo que ocurre con el capitán Baltasar de Morales y su Diálogo de las guerras de Orán, que ofrece una versión literaria de las campañas que don Martín de Córdoba, conde de Alcaudete, mantuvo contra turcos y beréberes en Orán entre 1542 y 1558, fecha de su muerte y derrota en Mostagán. La historia culmina con la heroica defensa que hicieron de Mazalquivir don Alonso y don Martín, hijos del conde, contra el asedio turco de 1563. El libro, impreso en 1593, estaba además dirigido a otro miembro de la estirpe que también había servido como soldado en el norte de África, Martín Alonso de Montemayor. De esta manera, Morales convirtió su Diálogo en un cumplido elogio de la casa nobiliaria de los Fernández de Córdoba y Montemayor, que había recibido no pocas críticas por su gestión del gobierno oranés. Al Diálogo del capitán Morales le cupo asimismo el privilegio de ser lectura del mismísimo Miguel de Cervantes, que lo utilizó como una de sus fuentes para componer El gallardo español. En esta comedia, Cervantes dio cuenta del asedio turco de 1563 e introdujo como personajes a los hijos del conde, don Alonso y don Martín de Córdoba, a los que llegó a conocer personalmente en 1581, durante la misión que, tras su cautiverio, Felipe II le asignó en el presidio norteafricano. Al fin y al cabo, el capitán cordobés y el soldado herido en Lepanto habían compartido territorios de guerra y enemigos comunes.
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Sylvia Plath es una de las poetas más admiradas y leídas del siglo XX. Sus versos, que a lo largo de los años han ido cobrando protagonismo, especialmente después de que se quitara la vida a los treinta años, son un intento de expresar su desesperación y su obsesión por la muerte. Sus poemas pueden considerarse en gran parte autobiográficos y exploran su angustia mental, su problemático matrimonio con el poeta Ted Hughes y los conflictos sin resolver con sus padres, así como la visión que tenía de ella misma.Plath se ha ido perfilando hasta el día de hoy como uno de los grandes iconos del feminismo, y su poesía —en especial El coloso y el póstumo Ariel—, una valiosa prueba de que fue una de las grandes escritoras del pasado siglo. Cincuenta años después, sus versos todavía contienen toda su intensidad, dolor y belleza.Presentamos esta nueva edición de su poesía completa, en la cuidada traducción de Xoán Abeleira, uno de los mayores conocedores de la obra de Plath.
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«Llama gratamente la atención la singularidad de la escritura de Rosa Berbel, una forma especial de modular el idioma que sólo es posible, para decirlo al modo de García Lorca, cuando se tiene duende... Llega provista de la mejor tarjeta de presentación posible: la calidad excepcional de sus poemas.» Fernando Aramburu Tras su brillante debut con Las niñas siempre dicen la verdad, Rosa Berbel nos entrega su esperado nuevo libro, la confirmación de una gran poeta. Asomándose a un abismo político y afectivo, los poemas de Los planetas fantasma relativizan la percepción del riesgo: las fiestas terminaron, los paisajes se han desertizado y los límites del tiempo y el espacio han sufrido una distorsión, pero en las ruinas florece un empuje utópico que llama a reinventar los nombres, los ritos y las naturalezas. En astronomía, el concepto de planeta fantasma designa un cuerpo celeste hipotético que, a pesar de ser considerado científicamente, no es visible mediante los instrumentos habituales de observación. Este enigma es el punto de partida de un libro que aspira a trasladar cierto imaginario del terror y la ficción postapocalíptica al marco del poema, reflexionando acerca de cómo integrar el deseo y la belleza entre tanta devastación, cuando los fantasmas ya no son tanto fragmentos del pasado como imposibilidades de futuro. La poesía hace visibles nuevos planetas. La poesía los inventa.
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Emigrar es una experiencia tan personal como colectiva: «Prontoestaremos solos. Alguna de esas luces fue mi casa». El mar hospital es el mar aeropuerto es una selección de poemas de Mariano Peyrou que, en palabras del autor, abordan, de un modo más o menos directo pero siempre emotivo, la experiencia del exilio. Se exploran aquí la vida fantasma que surge cuando uno se traslada de país durante la infancia y la sensación de provisionalidad y falta de solidez con que marca esa profunda experiencia. El volumen se completa con unas «Notas sobre el exilio y la escritura» que, a modo de breves iluminaciones, nos permiten entender algo mejor tanto la condición de los exiliados como la de los escritores.
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La mujer del pijama, un viaje interior a las entrañas de un país que lucha por sobrevivir a su propio pasado de trauma y violencia.Una mujer occidental se enfrenta a la ardua tarea de entender un país como Camboya tan distinto a las lógicas de su país de origen, España. Por medio de un recorrido por las principales ciudades y los principales paisajes de su capital, Phnom Penh, nos vamos adentrando en los sentimientos, las frustraciones, las percepciones y las ensoñaciones de esta mujer y de su experiencia migratoria. A través de sus ojos, su piel, su tacto, su oído, su ser entero, muestra la cara más dura del deterioro ambiental y de la degradación social y humana, pero también la más pura, esa que se encuentra en el corazón de las personas que la habitan.
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Cómo lavar un corazón, premio T. S. Eliot de Poesía ‒considerado «el más codiciado de los premios de poesía» que se concede en Gran Bretaña‒ es el primer libro de Bhanu Kapil que se traduce al castellano. Andrew McMillan, poeta y miembro del jurado, dijo que «se trata de una obra única que ejemplifica cómo la poesía puede ponerse a prueba y rehacerse para dar cabida a verdades incómodas e irresolubles».Escritora británica de ascendencia india, en sus libros tanto si explora el racismo, la violencia o las experiencias de la diáspora, lo que emerge es una forma de decir lo que parece casi imposible de expresarse: «una literatura que no está hecha de literatura».En Cómo lavar un corazón ahonda a lo largo de cuarenta poemas ‒divididos en cinco partes‒ en las experiencias de una inmigrante acogida en la casa de una pareja de raza blanca, liberal y de clase media. En sintonía con la angustia, la ansiedad y las humillaciones que soporta una persona exiliada en situación precaria ‒el síndrome del «corazón roto»‒, Kapil explora cómo la hospitalidad puede rozar la hostilidad, y deja al descubierto la vacuidad de la inclusión y el cuidado. Cada poema refiere a un episodio, un acontecimiento, en la vida de la inmigrante, una respuesta emocional y tensa a un exceso o a la transgresión de su anfitriona.«¿Es poesía?» «No», respondió Kapil. «Es lo que desgasta el cuerpo mientras se escribe o se vive».
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En traducciones de poetas importantísimos españoles como Juana Castro y Carlos Pujol, y mexicanos como Marco Antonio Campos, sin dejar de lado algunos de los poemas traducidos por Lucía Coco de Carolis, Emilio Coco rinde homenaje a grandes como García Lorca o José Hierro, y a poetas mayores de su tierra natal como Dante, Giuseppe Ungaretti, Tommaso Grossi o Alda Merini. De esa admiración se infiere el influjo que en su obra estas voces han dejado.Traductor al castellano (aquí mismo se traduce en El don de la noche) e hispanista condecorado por sus aportes en la difusión de voces de España y América Latina vertidas al italiano, Coco nos presenta en El Tiempo, el camino, una parte esencial de su obra que abarca cuatro décadas en un impulso lírico que va de la antigüedad clásica a nuestros días.
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Palabras para Julia es uno de los mejores y más perdurables libros del poeta José Agustín Goytisolo. Palabras para Julia es uno de los mejores libros de José Agustín Goytisolo. El poema que da título a la presente recopilación es sin duda una de las piezas que más fortuna ha tenido entre el gran público, una de las señas de identidad del gran poeta, cuya obra, publicada íntegramente en Lumen, es una de las aportaciones más brillantes a la poesía de la segunda mitad del siglo XX. «Es hermoso saber que estas palabras que han sido para mí han acabado siendo palabras para todos.»Julia Goytisolo La crítica ha dicho:«Un canto triste, pero a la vez un camino de esperanza, un camino que debemos andar, madurar y disfrutar. Lo que escribió el poeta pensando en su hija Julia ya no es únicamente para ella, es un canto para que los jóvenes nunca se rindan, que disfruten de esta vida bella donde encontrarán amigos y amores.»José Ramón Mata, Europa Sur «Un poeta prolífico cuya obra es una especie de palimpsesto. [...] Somos muchos los que sentimos a Goytisolo como nuestro.»Carme Riera «Uno de los grandes poetas de nuestra lengua. [...] No fue un sermoneador, no confundió creación con consigna, sino que trabajó al servicio de su propia ética.»Luis García Montero «José Agustín usaba su nombre de poeta conocido para llamar la atención sobre escritores que sin él ni sonarían a los lectores de fuera de Cataluña. Lo importante que fue lo vemos ahora que no está y que casi te tienen que traducir los amigos.»Joan Margarit «No sólo es uno de los poetas españoles más importantes de la segunda mitad de este siglo, sino una de las mejores personas que he tenido la oportunidad de conocer en esta vida.»Manuel Vázquez Montalbán «Los versos de Goytisolo definían un estado de ánimo bien conocido, esa entrada al mundo adulto que simultáneamente anhelábamos y temíamos. Nuestro también era su imposible deseo.»Alberto Manguel «Un notable escritor anónimo, pues. Elegiaco y satírico. Muy urbanita y contemporáneo y muy medieval.»Javier Rodríguez Marcos, El País «Quiso demostrar la fuerza -invencible, poderosa- de la palabra.»Eva Belmonte, El Mundo «Con un lenguaje llano, alternó versos urbanos y casi de combate con poemas de un sentimiento muy cercano a la gente de la calle.»Xavier Moret, El País «Cierto que es popular y también es más desconocida de lo que se cree la complejidad de su poesía.»Andreu Jaume «Me parecían poemas de otra persona, escritos como para ser cantados o hechos cantando. [...] José Agustín tenía mucha chispa y mucho sentido del ritmo del espectáculo.»Ibáñez «Para llegar a la gente que gusta de la poesía, José Agustín Goytisolo no baja nunca el tono de su calidad literaria. sino que afina su pluma para alcanzar una dificilísima sencillez de estilo y una transparencia de lenguaje que muy pocos poeta son capaces de conseguir. Por eso gusta a personas de toda condición social y de cualquier edad, y también a los críticos literarios más exigentes y a un público muy cultivado intelectualmente, y se siente feliz legándoles sus poemas, para que los consideren como propios.»María Dolores Fernández Lucio «La contención en el decir, la voluntad transitiva y el empaque moral caracterizan la poesía de Goytisolo, [...] de un rigor y una minucia extremos.»Eduardo Moga, Revista de Libros
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Amadis De Gaula I, de Garci Rodríguez De Montalvo (9788437606934).Edición de Juan Manuel Cacho Blecua.Amadís de Gaula se inicia con el relato de los amores furtivos del rey Perión de Gaula y de la princesa Elisena de Bretaña, que dieron lugar al nacimiento de un niño, al que su madre, ayudada por su doncella Darioleta, coloca en un arca que deja llevar por la corriente de un río hasta llegar al mar, donde es recogida por un caballero llamado Gandales, que se dirigía a Escocia.
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La tempestad está considerada como la invención más sincera y original de Shakespeare. Es también la '' summa '' de su cultura acumulada a través de los años, y sobre todo de su experiencia teatral. Es antetodo un experimento en el ámbito del espectáculo: explota, deliberadamente, como ninguna otra obra precedente, los recursos y trucos de escena y hace del elemento musical y de todos los efectos sonoros una estructura que recorre la obra. La figura de Próspero se contempla esencialmente en '' La tempestad '' en su contexto natural que no es sino teatral. Su magia, suarte, son una reflexión sobre el arte del dramaturgo.Metateatro y psicodrama jugando sobre una serie de sugerencias que inducen a los personajes a autorrevelarse y a la vez a reconocerse como parte de una inteligencia más amplia que los incluye, como parte del diseño con el que el mago-dramaturgo se explica a sí mismo.
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La crítica ha venido calificando ''Azul...'' como el primer fruto granado del Modernismo. Si bien pueden encontrarse precedentes modernistas en algunos escritos anteriores de Martí, Silva o Gutiérrez Nájera, es cierto que ninguna otra obra de éstos tuvo ni ha tenido la proyección y el reconocimiento de ''Azul...'' Su conjunto es ante todo el producto de un ''collage'', en el que cada texto es una pincelada suelta que sólo al final encuentra su lugar en el espacio total del cuadro. El resultado final es el de un libro concebido como una obra de arte total de concepción predominantemente musical. ''Cantos de vida y esperanza'' está considerado como el verdadero testamento poético de Rubén Darío. El clima de intensidad lírica que subyace a la obra es único. En él se contiene todo el panorama intelectual y afectivo del poeta en su etapa de madurez. ''Cantos'' es una de las cimas poéticas del modernismo y ejemplifica la virtuosidad métrica y formal de Darío.
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Arden el mar y los campos de Moria. Arden los alfabetos de la infamia, las oraciones rotas de los dignos. En la noche en la que arde el sol de Europa, noventa y nueve estrellas de mar duermen sobre la playa en una funda. No sabes si lo que ilumina el cielo es tu propio alarido o la escarnecida respiración del agua que habría querido acunar esos cuerpos. Noventa y nueve estrellas en un cielo mudo. Cuando cierras los ojos y te entregas, cuando la arena anida en la laringe, cuentas noventa y nueve estrellas en un cielo mudo. No hay red ni artesonado ni cadencia, sólo el agua que besa cada nombre. Si ellos no respiran, ¿habrás de hacerlo tú? María Ángeles Pérez (Valladolid, 1967) es poeta y profesora titular de Literatura Hispanoamericana de la Universidad de Salamanca, donde coordina la Cátedra Chile. Como poeta ha recibido varios premios. Su libro Incendio mineral (Vaso Roto, 2021) fue galardonado con el Premio Nacional de la Crítica en 2022. Antologías individuales de su obra han sido editadas en Caracas, Ciudad de México, Quito, Nueva York, Monterrey, Bogotá y Lima. También, de modo bilingüe, en Italia y Portugal. Su libro Carnalidad del frío (Premio Ciudad de Badajoz, Algaida, 2000) ha sido editado bilingüe en Brasil y en Estados Unidos. Está incluida en numerosas publicaciones y antologías. Forma parte de la Asociación «Genialogías», volcada en reconocer el legado de las poetas. Es miembro correspondiente de la Academia Norteamericana de la Lengua Española, honoraria de la Academia Nicaragüense, hija adoptiva de Fontiveros y miembro de la Academia de Juglares de Fontiveros, el pueblo natal de San Juan de la Cruz.
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Una selección de cuentos de terror, fantasía y misterio del célebre escritor Edgar Allan Poe: La máscara de la Muerte Roja, El diablo en el campanario, Eleonora, Los crímenes de la calle Morgue y La cita.
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Romancero gitano / Poema del cante jondo es el segundo volumen de la Biblioteca Federico García Lorca que reúne su obra completa, y el segundo que compila su «Poesía completa». En este libro, se ofrecen al lector clásicos lorquianos como el Romancero gitano o el Poema del cante jondo, junto con las dos conferencias pronunciadas por el poeta en la presentación de los mismos, además de las Odas y su primera colección de Poemas sueltos. La edición y los prólogos, a cargo de Miguel García Posada, permiten al lector acercarse a la complejidad de su obra y disfrutar, a lo largo de los siete volúmenes que componen esta Biblioteca Federico García Lorca, de uno de los autores españoles más relevantes del siglo XX. Pablo Neruda dijo...«Desde ese tiempo en que los españoles del pueblo besaban el hábito de Lope de Vega no se ha conocido en lengua española una seducción tan inmensa dirigida a un poeta.» --------------------------------------------------------------------------BIBLIOTECA FEDERICO GARCÍA LORCA Poesía competa:1. Libro de poemas / Primeras canciones / Canciones2. Romancero gitano / Poema del cante jondo3. Poeta en Nueva York / Sonetos Teatro completo:4. La zapatera prodigiosa / Mariana Pineda5. El público / Así que pasen cinco años6. Bodas de sangre / Yerma7. La casa de Bernarda Alba / Doña Rosita la soltera--------------------------------------------------------------------------
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Hikikomori (L'era del buit)
Hikikomori és una paraula japonesa per a designar un jove, generalment adolescent, que, incapaç d'assolir les metes rígides traçades per la societat, reacciona aïllant-se'n. En aquest llibre, ambientat al Japó, trobarem un retrat àcid del buit que, en el món desenvolupat actual, impera en la vida de molts joves i del procés d'autodestrucció que alguns emprenen. Hikikomori (L'era del buit) va resultar guanyador del XXII Premi de Teatre Ciutat de València.
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La Biblia en la literatura española, dirigida por Gregorio del Olmo Lete, investiga de manera sistemática la influencia que ha ejercido la Biblia en la historia de la literatura española, en sus diferentes épocas y autores. La obra se organiza en tres tomos, correspondientes a la Edad Media (en dos volúmenes), a la Época de Oro y a la Modernidad. Al margen de la consideración doctrinal del contenido y valor religioso de la Biblia, ésta se hizo presente desde el primer momento en el arte y la literatura. Tanto el arte religioso cristiano como las literaturas «profanas» aparecen impregnados por la presencia de los textos y los temas bíblicos. El estudio de «la Biblia como literatura», surgido en el siglo XVIII, ha dado paso actualmente al interés por el estudio del influjo de la Biblia en la literatura, a la que le ha suministrado una serie de historias, figuras y escenas que han actuado como arquetipos muy productivos, no sólo en el ámbito de la creación literaria, sino de la artística en general. Este primer tomo, dedicado a la Edad Media y coordinado por María Isabel Toro Pascua, analiza la presencia de la Biblia en la literatura medieval en dos vertientes netamente diferenciadas. Se trata, por un lado, de la Biblia como fuente de arquetipos y modelos, de argumentos e imágenes que nutrieron el imaginario de todo el mundo cristiano, que supo convertirlos en literatura. Por otro lado, la Biblia se presenta como fuente autoritativa, tanto en el aspecto filológico como en el histórico y el doctrinal. Los estudios correspondientes se distribuyen por tanto en dos volúmenes: uno que agrupa los géneros estrictamente literarios (poesía, drama, ficción) y un segundo que recoge los que definen a la Biblia como fuente de autoridad (textual, histórica y dogmático-moral).
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La parte del fuego es una monumental meditación acerca de la creación literaria. No sólo es una colección de impresionantes lecturas de la obra de poetas (Mallármé, Hölderlin, Baudelaire, Rimbaud, René Char, los surrealistas), de narradores (Kafka, Sartre, Gide, Leiris, Constant, Miller, Malraux, Hemingway, Lautréamont) y de pensadores o filósofos (Nietzsche, Pascal, Valèry, Paulhan), sino también el renovado intento de Maurice Blanchot por responder a una pregunta cuya respuesta se escabulle en el misterio de su propio modo de ser: ¿qué es la literatura? A esta pregunta La parte del fuego, en su ensayo final («La literatura y el derecho a la muerte»), responderá con enorme gravedad: la literatura es lenguaje, el lenguaje que «lleva consigo la muerte y permanece en ella». Eso es lo mismo que también dice su título: la literatura es la «parte del fuego».¿La parte del fuego? El sentido de esta expresión francesa no es fácilmente accesible a su lector español: «faire la part du feu» significa el acto por el cual se acepta perder una parte para preservar el resto, como sucede cuando, en un incendio, ante la imposibilidad de sofocar de inmediato las llamas, se orienta el fuego en una dirección —lugar donde todo quedará consumido (la parte del fuego)—, con el objeto de que lo demás permanezca intacto y a salvo.Según la analogía de La parte del fuego, para todo lo que existe, ningún otro acontecimiento es comparable al momento en que fue susceptible de ser nombrado. El lenguaje extiende entonces su soberanía sobre eso nombrado a la manera de un incendio capaz de arrasarlo todo: todo desaparece en el habla que lo nombra, todo se apresura a hundirse en una ausencia irreparable. La literatura, que es lenguaje, prolonga ese mismo movimiento de un modo sorprendente: sus palabras, como todas, hacen la ausencia, pero ellas mismas prolongan más lejos aún su movimiento y quieren hacerse ausentes, ser esta misma ausencia. Y tal vez llegan a serlo en la obra de todos aquellos que han llevado esta labor hasta su extremo, pero con el resultado (decepcionante, pero ahí estará el misterio de su gloria) de que, en lugar de la ausencia total, una y otra vez y de múltiples maneras, sólo tienen la presencia de esa misma ausencia así creada. Es decir, la «parte del fuego» (la literatura), que es lo que desaparece, a su vez, en cuanto que apunta a lo que desaparece, es lo que no puede desparecer o, y es lo mismo, algo imposible que no puede dejar de aparecer.
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