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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Barbara Guest (1920-2006) es una de las figuras más prestigiosas y enigmáticas de la poesía experimental estadounidense. Única mujer entre los poetas de la Escuela de Nueva York (celebrada por nombres sobresalientes como John Ashbery y Frank O’Hara), la escritora recibió un reconocimiento tan esporádico como tardío.Hoy Guest representa un punto de referencia fundamental entre importantes poetas neovanguardistas como Charles Bernstein, Mei-mei Berssenbrugge, Susan Howe, Bernadette Mayer, Ron Silliman o Rosmarie Waldrop. No en vano Guest tendió un sutil pero insoslayable hilo de continuidad entre las mujeres que contribuyeron a la innovación de la literatura en inglés durante el siglo XX, empezando por escritoras señeras como Dorothy Richardson, Gertrude Stein, H.D. y Marianne Moore.Guest tanteó con curiosidad, cuidado e imaginación los medios y linderos convencionales de la poesía moderna: «El acto más importante de un poema es llegar más allá de la página para que seamos conscientes de otro aspecto del arte. Lo que nos proponemos es delimitar la obra de arte para que parezca que no tiene ni principio ni fin, para que desborde los límites del poema en la página». La escritora mantuvo su pulso explorador mediante una sostenida, pormenorizada y perspicaz indagación en el archivo de las artes de la modernidad: desde el simbolismo y el dadaísmo hasta el cubismo y el imagismo, pasando por el atonalismo.Partiendo sobre todo de los planteamientos espaciales del expresionismo abstracto y el surrealismo, la poesía de Guest se caracteriza por una singular retórica alusiva y elusiva: modula la tensión entre los bloques de texto de modo que su «apasionada habla» de poeta se expanda asociativamente por los espacios en blanco de la página, si bien de manera circunspecta, en un medido movimiento de contraste entre revelación y ocultación, como si el lugar de tal habla hubiera que ir definiéndolo a tientas, reticentemente, hasta «encontrarse con la oscura identidad de un poema».Daniel Aguirre Oteiza
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Se podría decir, sin miedo a equivocarse, que la evocación es un acto poético. El recordar, el añorar, es llamar al pasado para que se haga presente y que devuelva un poco de la esencia perdida en los sucesivos desarraigos que el hombre debe habitar. Quizás, en este trabajo de Rafael Calderón, titulado VirtualismoMágico, que el mismo autor llama Poetuits, esa esencia es llamada desde los albores de la vida, desde la niñez, desde la inocencia lacerada.
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Esta nueva entrega poética, En un mundo anterior, es una reiteración de su vital propósito de explicar, con hondura y naturalidad, un mundo poético propio marcado por la sencillez y el asombro.
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Entre las más recientes obras de Esteban Torre figuran, además de los presentes Nuevos poemas, los siguientes libros: Visión de la realidad y relativismo posmoderno, Veinte sonetos de Quevedo con comentarios, 35 sonetos de Fernando Pessoa, Luces y reflejos, LXII sonetos, Poetas de Grecia y Roma, Seis sextinas y otros poemas, Reflexiones en torno a la poesía y Cuarenta y cinco poemas y dos relatos. Es amargo el dolor, honda la angustia en el abismo de la raza humana. Muerte, desolación, hambre, miseria, como cántaros rotos se derraman. Pero también hay risas y canciones, la esplendorosa voz de la esperanza. Y nuevos seres brotan como pétalos de un girasol de vida renovada. Es el terco vaivén de los contrarios: claridad y tinieblas, día y noche, luces y sombras, tempestad y calma. No sé si abrir o si cerrar los ojos, cuando siento los trinos de los pájaros al clarear el sol por la mañana. («Raza humana»)
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Afrau
Es tracta d'un poemari que el seu propi autor ha definit com «una emanació de silenci que pren forma en les paraules. És un abisme que es fa paraula. També hi és molt present la transformació i la tendresa, individual i col·lectiva. Un laberint, també el del mite grec, però mirant a orient, fusionant-s'hi, i fent que tot plegat també parli d'escriure, de viure. Però, més que res, són flames que et cremen per dur-te al silenci, per trobar-te amb tu en la cendra, més enllà del que diuen els mots i el significat concret que cadascú li vulgui donar».
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El día comienza como otro cualquiera en un campus de Japón: un grupo de estudiantes discuten sobre el tema de su trabajo de investigación, en la cafetería un hombre que va a casarse acaba de descubrir que su exnovia está embarazada, los amigos de los prometidos preparan un baile para la bodaa… Hasta que de pronto todos los personajes empiezan a morir uno tras otro sin causa aparente.¿No queda nadie vivo? es una obra de nuestro tiempo que retrata la sensación diluyente de la muerte en la sociedad actual: los muertos convertidos en números en las noticias, la prohibición de visitas en los hospitales donde los enfermos de coronavirus mueren en soledad, la glorificación de la belleza y la juventud en los anuncios, las respuestas evasivas cuando se habla de la muerte… Vivimos evitando esta realidad cuando es la que nos hace conscientes de estar vivos.Por eso, en esta obra el escenario se convierte en un espacio abierto, donde ningún elemento escenográfico nos impide asistir a la muerte de los personajes.
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La presente antología, recoge poemas en verso y en prosa de todos los libros juanramonianos, tanto los publicados por él como los póstumos, en una edición deliberadamente fiel a sus gustos incluso a sus caprichos.
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BDSM
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Lo que se incluye en esta obra es una buena muestra del boletín que la poeta Beatriz Minaya (Villanueva de la Jara, Cuenca, 1988) envía a sus numerosos suscriptores desde hace un tiempo. Veinticuatro entregas bimensuales que acompañan al lector durante un año con reflexiones muy valiosas sobre la vida y poemas de la propia Beatriz, junto a versos de otros autores. Estos Retales de poesía (así se llama el boletín) nos invitan a formar parte de los asuntos más íntimos de la autora para contarnos todo eso que le pasa y, con ello, ayudarnos a en-tender mejor la vida diaria en general y nuestros sentimientos más concretos. Asunto: Poesía es un nuevo acercamiento a la poesía de Maresía con el objetivo de que quien busque iniciarse o profundizar en ella lo pueda hacer de forma sencilla y alentadora.
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El primer y esperado poemario de Clara Monzó.Llevar la casa es el primer poemario de Clara Monzó (1990). Sus poemas amueblan un comedor que se transforma, donde una mesa sin manteles recuerda la familia que fue y la que aparece ahora entre la memoria y la expectativa. Llevar la casa nos habla del relevo, de la herencia brumosa y del esfuerzo claro de una estirpe de madres y de tías. Como en un carnaval, desfilan por estas páginas primas y padres despistados, mientras la juventud se obstina en perdurar, saludando por el camino (con sorna a veces, otras con audacia) amistades remotas y amores antiguos. Saber llevar la casa es saber construir por igual la fiesta y el descanso, es cuidar del espacio para poder cuidar del tiempo, es mantener, en un íntimo gesto de resistencia, siempre una luz encendida.
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Fina García Marruz (La Habana, 1923) es una de las voces cimeras de la poesía cubana del siglo XX. Miembro del mítico grupo Orígenes, encabezado por Lezama Lima, García Marruz es autora, entre otros, de los poemarios Las miradas perdidas (1951), Visitaciones (1970) y Habana del Centro (1997). Sobre el segundo escribía el también origenista Eliseo Diego: “En este libro [...] se encuentran algunos de los poemas de más apasionada belleza que se hayan compuesto en lengua española desde que asomó el mil novecientos”. Es también una excelente ensayista y una de las máximas conocedoras de la obra de José Martí. Parte de su pensamiento poético y de su crítica literaria han sido recogidos en tres volúmenes: Hablar de la poesía, Ensayos y Temas martianos (publicado junto a Cintio Vitier). Escritora casi secreta, su obra sólo ha comenzado a divulgarse fuera de Cuba en los últimos años. Fina García Marruz ha sido nominada a los Premios Cervantes y Juan Rulfo y en 2007 recibió en Chile el Premio Pablo Neruda de Poesía Hispanoamericana.
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RAÚL GONZÁLEZ TUÑÓN (Buenos Aires, 1905-1974), bendito sea, porque uno, en su ignorancia bautismal, ni sabe ni quiere saber cuáles son los mecanismos sutiles y misteriosos por los que un racimo de versos imborrables queda tatuado a fuego en la memoria de los veinte años como jamás, por sublime que fuera, lo haría después otro poemario. ¿Cómo no iba a gustarme si hablaba del farolito de la calle en que nací, del balcón donde volverían a colgar sus nidos las más oscuras golondrinas, de las Magdalenas imposibles con las que nunca dormiría, de las patadas en la puerta que, a media noche, me desvelarían? ¿Cómo no iba a amarlo si yo también coleccionaba tarjetas postales y quería viajar y ser feliz y, antes que nadie, sí, que nadie, estuve enamorado de Rosita? Luego llovió, diluvió sobre mojado y leí y canté y viví y rodé y bebí y olvidé y jugué y perdí y cada vez que, a ratos, escampaba, allí seguían los versos de Raúl grabados para siempre en la piel del corazón de la memoria. Porque le deben todo mis canciones, porque lo quiero tanto todavía, por su muerte tan viva y tan insomne, porque me hace llorar a pleno día, por los años impíos y fugaces, por la primera piedra en tantos barrios, por mi guerra de España tan perdida, por su Rosa blindada, porque todos somos humanos, inhumanos / fatalistas, sentimen - tales, / inocentes como animales / y canallas como cristian os. JOAQUÍN SABINA
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En Allozar, el presente ancho de los rituales cotidianos dialoga con el tiempo confuso de la memoria. Unamemoria que es ficción y es pasado y es deseo y es, sobre todo, una pregunta: ¿dónde nació esa voz líricaque ha hecho de la poesía, la naturaleza, el miedo yelsexo su ritual cotidiano?, ¿dónde se originó su carnepegada a la carne, la muerte, la tierra y la letra?En Allozar, se construye un territorio –Santa María,Comala, Macondo– donde bullen personajes que con su semillita de verdad tejen la invención del recuerdo: poemas que son estampas desordenadas, con nombres propios y espacios concretos, poemas donde el padre nacejusto antes de la hija y la baba amarga sobre el cuerpo de las mujeres se derrama en la hija y, al volverla página, en la madre y, en la abuela Magdalena,en la siguiente, poemas donde el origen humilde se convierte en orgullo y cimiento.
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La brillantez revolucionaria de su novelística convierte a Emilia Pardo Bazán en una de las figuras esenciales de la literatura del siglo XIX, esto ha provocado que su actividad poética (desarrollada desde la infancia hasta el final de su vida) sea casi desconocidasalvo para especialistas pardobazianos. Evidentemente, la altura de su prosa no resulta comparable al verso, pero tampoco lo es en el caso de otros coetáneosvarones que sí son reconocidos como poetas. Esta antología acerca al público lector algunas de sus más valiosas composiciones de las diferentes etapas de su trayectoria publicadas, por primera vez, en un único volumen que viene a llenar un vacío inexcusable en la percepción de la poliédrica trayectoria literaria de doña Emilia. La finalidad es ofrecer una panorámica dela obra lírica de la prolífica autora gallega, marcada en esta faceta por un claro influjo post-románticoy metafísico fundado tanto en sus lecturas como en sus viajes y circunstancias biográficas, que no va a dejar indiferente a nadie.
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En Todos los cuerpos, el cuerpo, Jesús Pacheco nos invita a adentrarnos en un laberinto ecfrástico que puede leerse al tiempo como un autorretrato en verso convexo, como una acuarela que evoca el mundo perdido de la infancia y como un óleo pintado con los trazos del desgarro existencial. El combate entre cuerpo y escritura, plasmado en una atmósfera envolvente y llevado por un ritmo poderoso, muestra la identidad de un yo en progreso y la construcción del proceso discursivo. He aquí, en fin, una voz original que ya no es la suma de distintos ecos formativos, sino la decantación de un estilo en el que se funden la plasticidad visual, la imaginación fulgurante y el examen de conciencia. Apenas cruzado el umbral de los veinte años, Jesús Pacheco abandona con este libro el brumoso limbo de las promesas para instalarse en la tierra firme de las evidencias. Pónganse delante de un lienzo en blanco (medidas recomendadas: 34 x 29 centímetros) y atrévanse a mirar.
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Sirventes
Sirventès reuneix poesies escrites com a interpretacions de peces d'arts diverses --pintura, escultura, ceràmica, collage, instal·lacions i literatura-- d'Antoni Torrell, Antoni Mas, Salvador Juanpere, Mercè Modol, Madola, Rosa Ciurana, Rufino Mesa, Guigui, Josep Queralt Sanromà, Lurdes Malgrat i el col·lectiu Políedre, a més d'un cadàver exquisit compartit amb Xavier Amorós i Aureli Ruiz i una poesia dedicada a Francesc Vidal i Montserrat Cortadellas. Sovint experimenten amb la forma poètica a partir de les exigències dels referents.
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Veinte años de la poesía de Curiel, restituida y revisada hay en este Viajero de las edades (2000-2020). Sin un orden cronológico o temporal Curiel lo rescribe en su totalidad hasta darle la forma de un libro definitivo. Una de las voces más singulares y originales de la poesía española de los últimos tiempos. Desde su libro ''El Verano'' Accésit del premio Adonais 2002, una poesía como medio de conocimiento de la realidad y la existencia. Una reflexión sobre lo absoluto de la palabra y el sentido del ser. Una poética cada vez más cercana a la mística en un sentido moderno. En El Viajero de las edades Curiel indaga en su particular mundo interior desde la más honda radicalidad, siendo la naturaleza y la intemperie del hombre actual escenarios donde los grandes dramas de la existencia se conjugan y se desarrollan. Una reescritura de la cultura europea desde los límites del lenguaje. Una escritura radical, oscura y a la vez luminosa y cada vez más transparente, que en sus sucesivos libros se va despojando hasta volverse cada vez más diáfana. Una obra lúcida en la que se tratan los grandes temas que acompañan al ser humano, como el amor, la muerte, el paso del tiempo, la vida, el vacío o la existencia.
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Las siguientes páginas, igual que los días peores, tienen olor amarillento, desgastado. Color de gusano y de hielo sucio.Los poemas que aparecen en Días Peores no pretenden ser poemas bellos. No se pretende contentar a nadie, ni ser leídos por más ojos que no sean los míos. Pero, últimamente, su misión es la de volar lejos de mí, es la de abandonarme. Escribir sobre la aflicción, el cansancio, el hastío o el miedo al paso del tiempo lleva intrínseca la voluntad de ser compartida. Porque si no, dentro, en la oscuridad, se pudre y no deja avanzar al ser que lo soporta.
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Trenta-dos anys i divuit mesos
Nadal és família i temps d'emoció. I també temps de recolliment i de tancar, any rere any, el cicle que la vida ens ha permès gaudir en les estimades Terres de Ponent. Des de fa trenta-tres anys, el sentiment de serè agraïment es condensa en uns versos que destil·len les vivències dels mesos passats. I aquests sentiments i versos han vist com creixien amb l'encertada il·lustració d'algú que estimo: la nostra neta.
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Antonio Rodríguez Jiménez (Albacete, 1978). Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de Salamanca. Es autor de los libros de poesía El camino de vuelta, Insomnio, Las hojas imprevistas, Los signos del derrumbe, Estado líquido y Nuestro sitio en el mundo. Ha recibido los premios Antonio Machado en Baeza, Arcipreste de Hita, Antonio Gala y Antonio González de Lama, entre otros. En Estados Unidos ha publicado Signs of Collapse, la versión inglesa de Los signos del derrumbe, a cargo de Jorge Rodriguez-Miralles.
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Las meditaciones de un padre primerizo que aún no ha conocido a su hijo, y que ante la ausencia de una tradición literaria sobre la paternidad venidera hace de ella un recorrido poético que se habita y siente en todos los sentidos, ocupan todos y cada uno de los poemas de Paternación. Pedro Martín Aguilar se dirige a una descendencia desconocida sorteando prejuicios y miradas sociales, y aprehendiendo de una gestación propia que se produce en la alteridad. Lo físico y lo anímico mudan su realidad en una reflexión experiencial en torno al proceso de cualquier embarazo (el sexo, los nombres, las ecografías), así como en una mirada desde el presente hacia el pasado nada ajena a los puntos intermedios, al mestizaje, a la infancia, a la denominación de las piedras y a las idas y venidas de territorios siempre extranjeros. La poesía de Pedro Martín Aguilar es un canto al futuro, al futuro que quiere ser distinto de lo que ya ha sido, un nuevo tiempo de incertidumbre pero de inevitable seguridad. Un canto al yo que se desprende de su identidad para volverse herencia, deseo y patria verdadera. SESI GARCÍA
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Diego Roel (Temperley, Buenos Aires, 1980) estudió Historia del Arte en la Universidad de La Plata y actualmente dicta talleres de escritura creativa en Posadas. Entre sus libros destacan Padre Tótem (2004), Dice Jonás (2015), Las intemperies del mar (2017), Shibólet (2018), Kadosh (2019), El infierno es una bestia callada y triste (2020) y Andréi Rubliov (2020). «Los cuadernos perdidos de Robert Walser es un libro que utiliza la técnica del monólogo dramático, mezclado con el monólogo interior, usando como fonador la personalidad del escritor suizo citado en el título, así como diversas referencias a Hölderlin, Keats y Rimbaud, que le permiten combinar la epístola y el pensamiento, la confidencia y la reflexión, manteniendo una distancia enunciatoria que objetiva lo subjetivo y que articula todo su sistema de dicción. El resultado es un libro que destaca por el rigor y la unidad de su escritura, el tono conseguido y una serenidad sin el menor atisbo de tragedia». Jaime Siles
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Uno de los libros clave de la poesía brasileña de la segunda mitad del siglo XX con gran influencia en los poetas americanos de lengua castellana también.Audiovideotexto, videotextogame, las galaxias se sitúan en la frontera entre prosa y poesía. Hay en este libro caleidoscópico un gesto épico, narrativo —minihistorias que se articulan y se disipan con el «suspense» de una novela policial (Anatol Rosenfeld), pero la imagen acaba por prevalecer, la visión, la vocación de lo epifánico. En este sentido, el polo poético termina por imponerse al proyecto, y el resultado son cincuenta «cantos galácticos» con un total de más de 2000 versículos (unos 40 por página). Este libro permutante tiene, como vértebra semántica, un tema siempre recurrente y variado en toda su extensión: el viaje como libro y el libro como viaje (si bien —por eso mismo— no se trata exactamente de un «libro de viaje»…). Dos formantes, tipografiados en itálicas, el inicial (comienzo-fin: «y comienzo aquí») y el terminal (fin-comienzo-recomienzo), balizan el juego de páginas móviles, intercambiables según la lectura, donde cada fragmento aislado introduce su «diferencia», pero contiene en sí mismo, como en línea de agua, la imagen del libro entero, que a través de cada uno puede ser vislumbrada como por un mirador «aléfico».Haroldo de Campos.
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Queremos y creemos que esta antología debe ser el principio, y no el final, del grito que ha aunado las voces que en ella se dan cita: denunciar el abandono y el maltrato animal. Tomar conciencia de que somos animales entre animales como primer paso para poner fin al sufrimiento de otros seres sintientes debería ser tarea principal de la poesía, vehículo de concienciación que acompañara a las asociaciones, plataformas y asambleas antiespecistas que defienden la liberación animal como pilar básico de la lucha anticapitalista, pues no es concebible que podamos vivir en armonía con la naturaleza y seguir explotando al resto de los seres con los que compartimos aventura vital. La poesía, como forma extrema de nuestra conciencia vigilante, tiene que seguir extendiendo una sensibilidad estremecida que nos vuelva a vincular con el resto de los seres desde la empatía, desde la compasión.Este es un proyecto solidario y 100 % altruista, el dinero recaudado con la venta del libro irá destinado en su totalidad a las protectoras animales y santuarios, con el fin de apoyarles en la valiosa y difícil tarea de seguir salvando vidas.
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Como dice la escritora argentina María Moreno: “Este es un libro extraordinario. No tiene referentes. Uno puede preguntarse, ¿para qué sirven los referentes? A Bárbara no le hacen falta. Este libro es el futuro, una suerte de discurso profético, pasado el cataclismo, de la poeta vidente. El juego con los géneros literarios lo convierte alternativamente en una crónica del apocalipsis, algún verso de amor perdido o una verdadera tragedia. Bárbara Belloc es la poeta más radical de su generación, y El sonido es el futuro por los temas que trata y porque su lenguaje no tiene familia”. Bárbara Belloc es una de las poetas más importantes de su generación en Argentina. Su poesía ha sido traducida y publicada en antologías de México, Brasil, Italia, Alemania, Canadá, China y Eslovenia. También ha grabado discos con composiciones propias y se ha convertido en un referente contracultural tanto en el ámbito de la edición como de la creación. Su poesía, de corte reflexivo, crítico y rizomático logra una voz única, insustituible y enérgica, capaz de someter el lenguaje a una expresividad lírica donde la norma cultural es sometida continuamente a revisión.
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Incisivo, sensual, evocador y sentimental, Veinte películas de amor y una canción de John Lennon, juega con esa memoria colectiva para evidenciar el poder del arte para generar más arte. Pasen y tomen asiento, aquí la poesía es la protagonista absoluta y el lector, su espectador de lujo.
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Coincidiendo con un año decisivo para nuestra poeta más internacional, comenzamos la reedición revisada de todos los volúmenes de la Poesía reunida de Chus Pato, proyecto insignia de Ultramarinos.
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Venimos a establecernos donde nada crece donde todo cesa Venimos a desempeñar una nueva servidumbre A sostener otros cuchillos A deshacer otras heridas
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Puede afirmarse que con este poema dramático comenzó la consagración del gran escritor noruego, cuyo nombre habría de ser bien pronto bandera de combate de la juventud intelectual de toda Europa. La primera edición se publicó en Cophenague en 1866, y su
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Al abrir La confusión de las especies, la primera impresión es que se trata de una propuesta fuerte. Poemas extensos de articulación fragmentaria, con notable intensidad rítmica, enlazan cadenas de imágenes con sintaxis sencilla y una lógica enumerativa, que se sostienen en su impacto directo y sucesivo, sin otro contexto ni hilo que su materia sensorial: la sonora, desde luego, y la predominante visual, además de las texturas de lo oscuro, de lo líquido o aéreo, de lo intrincado −y lo ácido, lo agrio, lo seco.Ildefonso Rodríguez ha descrito estas imágenes como «relámpagos de lo próximo lejano», reuniendo la luz hiriente, que en pocos segundos vuelve a ser oscuridad, con el juego de distancias que definía el aura benjaminiana. Está ahí, sin duda, la tradición del surrealismo, pero filtrada ya, a lo largo de muchas décadas, en un canon personal que opone vida a autoridad, que no es canónico.No cabría hablar mucho de cómo son estas imágenes, porque su propia fuerza excluye palabras que les sean exteriores, pero se diría que no buscan una elaboración compleja, que no componen algo como escenas ni generan tramas narrativas. La escritura deja en el papel nombres, sustantivos, adjetivos escasos y siempre precisos en su sensación, y son las cosas y seres, los hechos que así se nombran, los que abordan al lector, lo impregnan y conducen.Miguel Casado.
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Una lengua muy muy larga es una colección de relatossobre el pasado y el presente del español, una lenguatan larga en el tiempo como ancha en el espacio quehoy hablan más de 500 millones de personas en el mundo. Este libro se puede leer de un tirón o poco a poco, y se dirige principalmente a los lectores que usanel español y le dan vueltas a cómo hablan.
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Garras del paraíso, es el reflejo poético de una existencia vivida al límite. Charles Bukowski hunde su lírica en las drogas, el sexo y el realismo sucio de las clases más oprimidas, una desolación que siempre buscó la belleza.Escritor de culto en toda Europa, Charles Bukowski usó la poesía para describir la depravación de la vida urbana y retratar a las clases más oprimidas de la sociedad norteamericana.
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A colps
A través de l'estructura formal del sonet, amb versos blancs sense rima, aquest poemari reprén un itinerari vital iniciat fa temps, i del qual sorgeixen un bon grapat d'imatges que arriben, a colps, a la consciència present de l'autor.
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Han transcurrido 20 años del Después, del 11M. Antonio M. Utrera, superviviente, recuerda su juventud perdida y a su amiga Angélica, víctima mortal de los atentados.Esta constelación de poemas fugaces contiene los versos del Después, herida abierta tras la catástrofe del jueves 11 de marzo de 2004. Una pequeña memoria del caos, un puñado de recuerdos en blanco, un cuaderno de bitácora desbordado por el dolor en sus costuras. Esta edición especial, ilustrada y ampliada tanto en prosa como en verso, conmemora el 20 aniversario de los atentados yihadistas del 11M en Madrid a través de la vivencia personal y literaria del autor.Un viaje íntimo al país de la inocencia arrebatada, un atlas de cicatrices herencia de la muerte, un canto a la literatura y el amor como tablas de salvamento cuando alrededor el mundo se desvanece.«Brillante, lúcido y con un gran sentido del humor, un ejemplo extraordinario de fortaleza, ahora sé, después de leer Los días jueves, que Antonio Miguel Utrera es también un escritor de talento y de una profunda sensibilidad». José Manuel Rodríguez Uribes.
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Una naturaleza que es símbolo y emblema de libertad una libertad ansiada por el poeta durante los duros años de cárcel de su juventud, pero también trasunto de ese orden universal al que aspira y que le permite ordenar y domeñar su mundo interior.
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No hay nada más común que vivir un día sin haberlo vivido realmente. Sin haber encontrado las palabras adecuadas para descubrirlo, y describirlo también. Sin encontrar la calma y la tranquilidad para afrontar que, en ocasiones, la paciencia se agota de motu proprio. Y que el pasado pudo haber sido mejor, pero no es tan esperanzador como los presentes que puede dar el futuro. Por ello, no hay nada más propio, más familiar, más cómodo, que el ruidoso silencio de las madrugadas. Ese ambiente que se genera, y en el que el más tímido zumbido puede perturbar todos los pensamientos. Sin quitar la opción de abrazarse con la imaginación, que hace de guía a través de otro camino. En esta obra, Andrés Weiss reeja el canto de las voces que brotaban de sus dedos cuando dejaba hacer acto de presencia la nocturnidad, que le visitaba con premeditación y alevosía cada madrugada. Y le llevaban a pasear por los jardines del amor, la amistad, la nostalgia, y la madurez que acompaña el proceso del crecimiento personal
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