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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Piedra sobre piedra las ruinas descansan en su propia luz.Ni blancas ni negras amanecen florecillas salvajes entre las grietas de la pequeña isla perlada la Cubagua en ruinas el alma nuestra expoliada y altiva que también dejamos.¿Cómo poseer una isla y hacerse una en su pureza?¿Cómo habitar poéticamente la isla y concentrarse al límite del Trueno para que todas las cosas encuentren su refugio?
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El teatro de Roland Schimmelpfennig ocupa un lugar central en la escena contemporánea por su capacidad para renovar el lenguaje dramático sin perder el vínculo con lo humano. Su escritura, de estructura precisa y poética, articula tensiones que trascienden el conflicto clásico y plantea una dramaturgia que interpela sin juzgar, que escucha y desafía a la vez, en una relación de respeto mutuo entre texto, intérpretes y público. Frente a un mundo fragmentado, sus obras convocan la narración como forma de resistencia. Sus textos funcionan como partituras de imágenes, abiertas a la imaginación escénica, donde el ritmo, la repetición y la variación sustituyen a la progresión lineal. En ellos conviven lo simbólico y lo cotidiano, lo arquetípico y lo contemporáneo, la herida y la posibilidad de redención. Su teatro ha contribuido de manera decisiva a repensar las formas de representación en el siglo XXI, y su influencia se extiende tanto en la escritura como en la práctica escénica de hoy.
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El último que salga de este sueño apagará la luz, lo sepa o no. Y de nuestro jardín de días raros, de rostros como nubes extranjeras y veranos de paso, no quedará una huella ni ojos que la busquen.
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Luna baja es el nuevo poemario de Francisco Díaz de Castro (Cuestión de tiempo. Poesía 1993-2017 (Sevilla, Renacimiento, 2017): un libro de senectute que desde su radical materialismo vitalista indaga críticamente en el presente colectivo, en la memoria y el deseo, en los sueños y en la belleza concreta de los seres. Este libro supone una nueva etapa en la reflexión sobre el tiempo y la historia que caracteriza la poesía del autor. Ante el avance de la edad se constata el deterioro de la persona y sus sueños, se acusa el desengaño ante una situación histórica que amenaza con tiempos peligrosos y, por otro lado, se afianza la voluntad de apurar los frutos del instante, la belleza de la realidad natural y las creaciones humanas. La música y las demás artes, así como los guiños más o menos explícitos a poetas como Cavafis, Carver o Claudio Rodríguez, asisten en la escritura a una afirmación esencial y hedonista que trata de enlazar emoción y pensamiento. La memoria y el olvido, la fragilidad colectiva, la muerte de los seres cercanos, la pervivencia del deseo, el amor y la defensa última de una moral epicúrea y materialista son los temas que organizan la composición unitaria de este libro. Francisco Díaz de Castro nació en Valencia en 1947. Ha publicado los libros de poesía El retorno (1993), El mapa de los años (1995), La canción del presente (1999), Hasta mañana, mar (2005, Premio Internacional de Poesía Ciudad de Melilla), Fotografías (2008), Cuestión de tiempo. Poesía 1993-2017 (Renacimiento, 2017) y Vamos a perdernos (2021), además de las antologías Utilidad del humo (1997), Sol de niebla (2003) y Material para nunca (Renacimiento, 2011).
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Javier Calderón Luna, un nombre que resuena con fuerza en la nueva poesía española con distinciones como el premio Federico García Lorca de la UGR, nos presenta Un decir, obra galardonada con el III Premio de poesía Pablo García Baena. Con ella, se inserta en la corriente de la “nueva trascendencia”, tomando la tradición metafísica de Chantal Maillard o Juan Eduardo Cirlot, con una clara voluntad de agotar las posibilidades espirituales del lenguaje, donde dialogan otras voces jóvenes actuales como las de Ángela Segovia, Juan Gallego Benot o Jorge Solís. Un decir se propone como un ejercicio de honestidad radical que desafía los límites entre lo individual y lo colectivo, lo sagrado y la verbalidad. El autor se enfrenta en estos poemas a la incertidumbre de un mundo líquido, trazando un mapa de coordenadas existenciales donde la fe y la vulnerabilidad de la razón se dan la mano. En Un decir, Javier Calderón vuelve su mirada a la sacralidad de la palabra, desde el ''Génesis'' hasta los ''Cantares'' o los ''Salmos'', pero lo hace a través de una mirada contemporánea, salpicada de referencias a la cultura popular y a la vida cotidiana. Como él mismo escribe, ''es posible otro dios / dentro del lenguaje''. La poesía de Javier Calderón Luna es una exploración metapoética del lenguaje mismo donde el autor se interroga sobre el acto de nombrar y sus consecuencias. La palabra es a la vez salvación y condena, puente y abismo. La búsqueda de la verdad se presenta como un juego infinito, en el que ''si supiéramos qué decir / si supiéramos la respuesta / se acabaría el mundo''. Este poemario es un viaje hacia el origen, a una infancia marcada por la inocencia y el juego de las ''palabras encadenadas'', para después ''limpiar el nombre de significado / desescamar el significante''. Calderón nos invita a acompañarlo en esta reflexión, con la promesa de ''sacar dos lomos limpios de espinas''. Un decir es, en definitiva, una obra que se asienta en la reflexión y la coherencia formal, pero que late con la emoción y la fuerza de un lenguaje lleno de vida, capaz de situarnos en una nueva frontera entre la contracultura y Dios.
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Este libro es un susurro del alma a través de la poesía. A través de versos sencillos y profundos, la autora nos invita a contemplar la belleza de la naturaleza, el valor de la paz, el anhelo de libertad y los lazos invisibles que nos unen a la amistad y la familia. Cada poema nace de una vivencia personal, de una mirada íntima al mundo, y se transforma en un reflejo compartido que acaricia lo universal desde lo cotidiano.
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Un volumen que reúne una deliciosa selección de las mejores poesías y los más conocidos romances españoles, acompañados de unas bellísimas ilustraciones que harán de su lectura un placer inolvidable.
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En ''La piel de toro'' (1960), un libro icónico para la literatura en lengua catalana, Salvador Espriu se propuso demostrar que no era cierta la tesis de Ortega de que España solo podía pensarse desde el prisma de Castilla. Con él, el poeta quiso expresar ''un modo más generoso y abierto'' de entenderla, uno que se pusiera en marcha desde sus periferias geográficas e históricas y que contribuyese a la regeneración de una reflexión pública que la dictadura había hecho todo lo posible por cortar de cuajo. En este sentido, la trascendencia de algunos de sus poemas da muestra de la gran resonancia que tuvo entre sus numerosos lectores, que hoy siguen encontrando en ellos un llamado al diálogo y una defensa de la libertad.
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Visitar Cádiz por primera vez, y luego volver a ella en distintos momentos, no deja indiferente. Entre la ciudad y el Atlántico, entre el presente de cada visita y los pasados de la historia familiar o, por poner un par de ejemplos más distantes, de la colonia fenicia o de los estratos geológicos, el observador siente la necesidad de dejar constancia de su paso y de las impresiones y sensaciones recibidas. Los poemas de 2012 los escribí primero en esperanto y luego en castellano. Los de 2022 surgieron más bien en castellano, o quizás alguno en paralelo en los dos idiomas. En cuanto a los poemas marinos o marítimos del tercer bloque, conviven las tres posibilidades.
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La cantante calva, primera obra de Eugene ionesco, fue estrenada en el Teatro de los Noctámbulos en 1950. La pieza produjo uno de esos escándalos habituales en París desde hace siglos. Dos años después, cuando Soupault, Bretón y Péret vieron las obras de Ionesco le confesaron: ''Esto es lo que nosotros queríamos hacer''. Puede decirse, pues, que el teatro de Ionesco fue la realización de un anhelo colectivo, y el éxito universal alcanzado prueba hasta qué punto así lo sienten las nuevas generaciones. El genio de Ionesco pertenece esencialmente a la farsa, es el poeta cómico de nuestro tiempo, como queda demostrado en las tres piezas que presentamos.
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Puig Antich. Cas Obert
Una dramatúrgia de Mercè Sarrias basada en el llibre del mateix títol de Jordi Panyella. En els cinquanta anys de la seva mort, es reivindica la injustícia de l'execució de Salvador Puig Antich, condemnat en un judici ple d'irregularitats. Es vol recuperar el record de la mort injusta d'un home jove i, al mateix temps, recuperar la nostra memòria democràtica.
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¿Qué ocurriría si alguien perdiera su móvil en un tren, aunque le apareciera al cabo de poco tiempo? ¿Y si una alcaldesa de raigambre progresista entrase por casualidad en un barrio suburbial donde viven los más desfavorecidos, aquellos que dice defender? Pues que se crearían situaciones tan hilarantes como las que presentan los cuentos de esta colección, que derivan, en otras ocasiones, hacia paisajes sentimentales —el amor, la familia— o visiones del pasado con la presencia de Álvaro Cunqueiro, a quien el autor ha estudiado en su tesis doctoral. Se completa el volumen con cinco cuentos musicales, ámbito en el que César Prieto es experto, con figuras tan fascinantes como las de Cecilia, Los Negativos o Chicho Sánchez Ferlosio. Una colección de relatos, pues, que recorre todo el espectro de emociones que pueden caber en las situaciones cotidianas.
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En Una ópera sin coros la autora entrelaza sus dos grandes pasiones: la música y la poesía. A través de versos íntimos y reflexivos, aborda sin reservas la distopía de la sociedad actual y cómo el paso del tiempo transforma las vidas de una generación a otra. La estructura del libro emula los actos de una ópera del siglo XIX: no hay títulos convencionales, sino recitativos, arias y coros que dan voz a emociones universales. Inspirada en las obras clásicas, Natalia demuestra que el dolor, el amor, la pérdida o la esperanza son sentimientos que perduran, independientemente de la época. Esta obra invita a ser leída con una banda sonora personal: escuchar tus piezas favoritas mientras la lees puede convertir la experiencia en una catarsis, como si tú fueras la soprano de tu vida o el tenor de tus pensamientos.
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Un principio de supervivencia (donde habita el amor) es el diario de emociones de una chica corriente. Un manifiesto de los sentimientos a lo largo de unos años. Una lista de cosas cotidianas en un formato de prosa poética o, como me gusta llamarlo, «mucho caos, escrito de forma bonita». Un poemario en el que los factores para la creación han sido solo ser espectadora de la vida y los gustos sencillos. Un corazón que casi siempre vive en verano, con las expectativas bastante altas. Una exaltación del pasado, presente, futuro y amor en todas sus variantes.
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Cronología de la huida es un poemario íntimo y visceral que traza el viaje emocional de una voz poética que oscila entre la huida y el regreso a sí misma. Dividido en tres partes -la grieta, la huida y el regreso-, nos muestra cómo el cuerpo recuerda lo que la mente intenta olvidar y recorre el cuerpo como territorio de conflicto, memoria y reconciliación. A través de un lenguaje honesto y sensorial, los poemas exploran el miedo, la pérdida, la ternura y el deseo desde lo cotidiano, lo emocional y lo corporal. Este libro es una crónica de la vulnerabilidad, pero también de la resistencia: un intento de quedarse, aunque todavía duela.
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Bilboko Udaleko Kultura eta Hezkuntza Sailak, duela hiru hamarkada baino gehiagotik, Gabriel Aresti Ipuin Lehiaketa deitzen du idazle bilbotarraren omenez. Lehiaketa horrek bigarren helburu bat ere badu, literatur sorkuntza bultzatzea, hain zuzen ere.Liburu honetan biltzen dira 2023. eta 2024. urteetan irabazi zuten kontakizunak, Oihane Fernandez Mendia, Isidoro Calvo Lorenzo, Amaia Iturriotz Etxaniz, Amagoia Muxika Telleria, Maitane Perez Argote eta Oskar Azkona Garcia idazleen lanak. Euren literatur kalitatea ikusita, ipuin horiek argitaratzeak merezi izan du, literaturaren eta egile handi guztiek landu duten genero honen zaleen gozamenerako.
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¿Y si volar fuera la forma más pura de ser? En este poemario valiente y luminoso, Sonia del Campo convierte el acto de volar en una poderosa metáfora vital. Versos de aire es un viaje poético dividido en etapas —briefing, ascenso, turbulencias, aterrizaje—, donde cada poema es una maniobra en el cielo íntimo de la autora. Con una voz clara, libre y profundamente desnuda, la autora explora la soledad, el amor, el desarraigo, la identidad y la reconstrucción desde la altura, el vértigo y la belleza de lo inestable. Este libro no solo se lee: se eleva. Porque hay versos que no pisan tierra, que sobrevuelan las emociones y nos recuerdan que también somos éter, y alas, y latido. Nos recuerdan que, a ras de sueño, siempre está, sostenida, la esperanza. Por encima de toda nube negra. Más allá de huracanes y tornados.
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Un bosque adentro mío nos invita a viajar.¿Cuántas formas de viajar conocemos?De adentro hacia afuera y de afuera hacia adentro, nos invita a conectarnos con lo más puro de nuestra infancia y de nuestro interior, pero también nos invita a viajar por diferentes latitudes y altitudes de nuestro mundo.La obra tiene dos partes. Una primera que pasea por la infancia abrazando recuerdos, se sumerge de a poco en la Patagonia, sube desde la estepa a la cordillera y vuelve a bajar para deshacer el bosque en desierto.La segunda parte intenta quedarse quieta. Quiere dejar de viajar, aunque quizás eso nunca sea posible si la memoria y la curiosidad están activas. Busca poner la cabeza donde pisan sus pies y de repente sus pies están en la orilla del mar que observa todo su presente.Con la ternura como testigo, es un viaje al corazón y las memorias del autor, que tiene mucho más para decirnos, siempre y cuando no hierva el agua del mate.
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Vengo es un repaso a la vida del autor desde sus comienzos a la actualidad. Los más profundos orígenes en años oscuros del franquismo hasta la democracia. Pero también es una interrogación sobre a qué venimos al mundo. ¿Cuál es nuestro cometido? ¿A qué y para qué estamos aquí? ¿Seremos capaces de cumplir con los objetivos que el destino nos asignó?Poemas rotundos para leer despacio, para pensar, analizar y sentir, sobre todo sentir.
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Francisco García Castro (Estepona, 1971). Autor del poemario Balada del viejo bunk y otros poemas (2014) y del cuaderno El engorroso plumaje del colibrí espátula (2018). El poeta habla de su poesía como «poesía lisa» (o poema liso). Una poesía, sin adornos, realces, ni arrugas, que facilita la convivencia en su transcurso, hasta llegar al final del poema. Será en ese final, cuando el lector perciba que no era tan liso el camino. Aparentemente liso, pero lleno de capas por levantar.
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Todas las personas que fui es una exploración honesta y poderosa de las múltiples identidades que construimos y dejamos atrás. A través de una voz poética y afilada, la autora, Agostina Ferroni, recorre las etapas de una vida marcada por el amor, la pérdida, el deseo y la transformación. Cada poema revela una verdad que no se puede esquivar. Desde la niña que no temía hasta la mujer que resignifica su historia, este libro traza un mapa emocional de lo que fuimos y lo que aún podemos llegar a ser. Con una escritura que interpela y conmueve, Todas las personas que fui no solo cierra heridas: las nombra, las libera y las convierte en fuerza. Es un testimonio íntimo que, al terminar sus páginas, continúa resonando en el lector como un espejo de su propia búsqueda.
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El compás de mi brújula es la conexión tan profunda que tengo con la naturaleza, es la calma tras llegar al mar, la firmeza de pisar la arena con los pies descalzos y sentir cómo te acaricia, la conexión con el monte y el río, con las tierras del Cantábrico y Galicia, con el norte, donde he escrito buena parte de este libro. Es reconectar con la calma, con el amor, con la emoción y la pasión de verme validada en mi ilusión y sensibilidad de cómo aprecio y percibo el mundo que me rodea, de al fin permitirme «ser» sin temores. Con sus puntos álgidos y más bajos, ser consciente de que el miedo es tan necesario como la alegría y no dejar que me impida como antaño precisamente eso, apreciar y abrazar a la vida con todos sus colores y matices.
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¿Has vivido alguna vez ese amor que te deja sin aliento? Sí, ese que te inunda y cuando llega nunca se marcha del todo… Ese que te hace recordar cada detalle vivido sea cuando sea, estés donde estés, y te asalta de manera repentina en cualquier lugar.El tiempo sin nosotros habla de esos amores que son y siguen siendo a través del tiempo y la distancia. Esos que nunca se olvidan y viven en ti para siempre. Esos que te marcan de tal manera que vivir sin ellos no es una opción.A través del «Recuerdo», el «Reencuentro» y el «Requebramiento» te adentrarás en lo más profundo de una historia de amor única, mágica, interminable… Una atracción más allá de lo físico, una conexión más allá de la presencia, una unión que no deja de buscar su momento… ¿Lo encontrará?
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El Mirador de las palabras es un poemario de madurez emocional y literaria, donde el amor se despliega en sus múltiples formas: el deseo, la entrega, la pérdida, la memoria, la ausencia y la esperanza. A través de un lenguaje claro, evocador y profundamente humano, el autor ofrece versos que conmueven por su autenticidad y delicadeza. La obra se estructura como un recorrido vital y sentimental, donde la palabra se convierte en refugio, testimonio y anhelo. Con una sensibilidad cercana y una voz poética coherente y depurada, este libro interpela al lector desde lo íntimo y lo esencial. Una propuesta literaria que busca emocionar sin artificios, y que aspira a perdurar como un testimonio de amor sincero, vivido y recordado.
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Este Manual para viudas recientes, no es un manual, trasciende esa etiqueta y no es solo para viudas recientes. Son poemas sobre el duelo, el dolor, el miedo y lo que cuesta seguir cuando alguien a quien amas muere. Son notas, apuntes de un duelo, que intentan explicar ciertas cosas que resultan complicadas de entender cuando no has estado en ese lugar oscuro y solitario que es un duelo. Si acaso fuera una guía, quizás lo sería para acompañar, para tratar de entender, para ayudar a transitar esos días. Pero no es un manual convencional, nunca pretendió serlo, solo son poemas que espero expliquen un poco lo complicado que es un duelo.
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De las partes que me faltan es un poemario que explora las fisuras de la identidad, en el que la autora construye una poética desde la fractura. Con una voz transparente, a veces cruda, estos poemas recorren las cicatrices que deja el deseo infantil de encajar, la mutilación simbólica impuesta por las convenciones sociales y, finalmente, la búsqueda quizás tardía de un lugar propio desde donde simplemente poder ser. Dividido en tres secciones —Niña rara, Amores en el margen y La fractura—, este libro es una reflexión sobre la superación del daño acumulado a lo largo de la vida y también, entre líneas, sobre el derecho a nombrarse.
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La poesía siempre ha cargado con el sambenito de ser difícil, indescifrable y solo apta para unos pocos. Para el lector medio (o inexperimentado) muchas veces se presenta como un terreno inhóspito e intimidante. Por eso, la propuesta de Maresía de acompañar cada poema con un breve comentario del poeta y del editor es original y rompedora, dando como resultado un puente entre el poema y el lector que es todo un regalo.En este tercer volumen de la serie Poesía bonita y que se entiende contamos con los versos de Marina Casas, Abel Aparicio González, Sofía Gil Domingo, María Ramos Salgado, Luis Baeza Andreu, Tomás Nejamky, Ana Clara Millán, Alberto García de Haro y Liz Kalu Ndi.
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El porqué de ti es un viaje íntimo a través de la ruptura, el desorden emocional y el renacer personal. Habla de despedidas que dolieron, de cartas que nunca se enviaron y de silencios que pesaban más que las palabras. Es el reflejo de cómo el dolor puede ser impulso, la soledad un refugio y la incomodidad la maestra que obliga a moverse. No es un libro triste, aunque hable de heridas: es un recordatorio de que, tras el vacío, llega la calma, y de que incluso cuando algo se rompe, siempre puede nacer algo nuevo: tú
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Pedro López Lara (Madrid, 1963) realizó la carrera de Filología Hispánica, a cuyo término cursó los estudios de Doctorado. Ha publicado diversos artículos y reseñas sobre temas literarios, así como numerosos manuales didácticos de Lengua y Literatura. En 2020 fue galardonado con el Premio Rafael Morales. El poemario premiado, Destiempo, se publicó en 2021, año en que obtuvo el Premio Ciudad de Alcalá de Poesía por la obra Museo (publicada en 2022). Ha sido asimismo finalista de los premios Ciudad de Badajoz, Hermanos Argensola, Tomás Morales, Juan Ramón Jiménez y Lorenzo Gomis, en todos los casos en la convocatoria del «curso» 2020-2021, único en el que se presentó a certámenes poéticos. Otros poemarios suyos publicados son Meandros (2021), Dársena (2022), Escombros (2022), Filacterias (2023), Iconos (2023), Singladura (Renacimiento, col. Calle del Aire, 2023), Muestrario (2023), Incisiones (Renacimiento, col. Calle del Aire, 2024), Cancionero (2024), Guiñol (2024), Trapecio (2024), Expiación (2024), Escolios (2024) y Epílogo (Renacimiento, col. Calle del Aire, 2024), obra con la que dio por concluida su producción poética. Para entender mejor la naturaleza del presente libro será conveniente reiterar las palabras del propio autor en su «Nota» preliminar: «Este volumen recoge la versión que considero definitiva de mi obra poética. He prescindido de aproximadamente una cuarta parte de los poemas publicados y he introducido leves modificaciones en algunos versos. Los poemarios se disponen en el orden en que me habría gustado que se editaran. Un orden que responde a criterios conceptuales y nada tiene que ver con el momento de composición de los textos, confuso incluso para mí. A este respecto, y para terminar, quiero reproducir unas palabras que figuraban en la contracubierta del último poemario que salió a la luz, Epílogo: ''todos los poemas estaban escritos y organizados en libros antes de que el primero [...] se publicara''».
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Obra poètica en vers
Un dels grans poetes catalans de tots els temps i un dels grans poetes europeus del segle xxA l'Obra poètica en vers s'hi recull, és clar, tota l'obra canònica de Foix: els cinc llibres que va publicar entre 1947 i 1964, més un opuscle del 1957 —un diàleg poètic amb Joan Ferraté— i els poemes dispersos que va incloure el 1974 en el volum que recollia la seva poesia en vers. Però l'edició inclou també un amplíssim apartat de poemes dispersos i que inclou textos fins ara mai divulgats.
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Labirintoan galduta dabiltzan pertsonaia ugari biltzen dituzte poemok. Minik gabe bizitzeko nahia. Bizipenak geureganatzeko eta argazki bihurtzeko egindako ahalegin antzuak. Norberaren «errelatoa», eta kolektiboa. Kontakizun bateratuaren porrota. Norberaren porrota. Artea eta sinesmenak helduleku gisa. Eguneroko bortitzaren hamaika aurpegi.
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Un llumí a la llengua
Des de l'Antiguitat mateixa, el desig viu en el vers. Hi ha pocs impulsos més humans i més poètics que la fam de la pell, que ha fet vessar mars de tinta i que ha jugat amb els capricis lingüístics, com si el cos fos un metrònom anàrquic i la paraula la transcripció del seu ritme. En l'idil·li líric que teniu entre mans, dotze poetes encenen la pàgina. El resultat és una coral de veus que experimenten amb la llengua de la mateixa manera que ho fan amb el desig, amb la llibertat que l'un i l'altra exigeixen. Que aquests versos us facin cremar amb l'única piromania que ens eleva: la de la carn.
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Ruido, de Jose Padilla, es un thriller teatral que enfrenta a dos personajes en un sótano que se convierte en trampa y revelación. Sara, una cantante en decadencia que años atrás fue finalista de un talent show, acude a una misteriosa cita profesional con Valentín, un hombre extraño que le promete un lucrativo concierto. Lo que comienza como un encuentro laboral se transforma en una negociación inquietante donde afloran frustraciones, mentiras, secretos y heridas del pasado. Humor negro, tensión psicológica y crítica social para abordar la explotación artística, la gentrificación y la codicia.
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Heredero de la gran tradición lírica chilena —reconocida anteriormente por el premio Reina Sofía en la figura de Gonzalo Rojas y Nicanor Parra—, su obra revela el aliento épico y la ambición de la totalidad presente en La Araucana de Ercilla y continuada con títulos como Altazor, de Vicente Huidobro o Canto general, de Pablo Neruda. Estas grandes creaciones, a las que habría que añadir otras universales como la Divina Comedia dantesca —eje vertebrador de su escritura—, la Biblia, el Popol Vuh, Finnegans Wake, Pedro Páramo, los Cantos de Pound o las leyendas mapuches, dan idea de la magnitud de una poética enmarcada en la tradición de la ruptura pero, asimismo, deudora de los títulos mayores de la historia de la literatura, signada por la coherencia a lo largo de cincuenta años de carrera. Francisca Noguerol A la vista de Purgatorio, de Anteparaíso y de Canto a su amor desaparecido, el poeta comprometido se había transformado en el escritor visionario que hablaba por la comunidad y daba voz a los derrotados, lo que significaba asignar al arte la función señalada y otra más: «hacemos literatura, música, pintura, porque no hemos sido felices», explicaba Zurita como justificación de la poesía, destinada a conjurar los desequilibrios propios de los tiempos modernos. Era muy consciente de ello cuando encontraba en un verso de Robert Desnos («Tanto soñé contigo que pierdes tu realidad») a la vez una compensación y una denuncia frente a los hornos del campo de concentración de Terezin, a las bombas sobre Hiroshima y Nagasaki y a las dictaduras latinoamericanas: «Únicamente por esa frase la violencia es infinitamente más violenta, el asesino es infinitamente más asesino y el genocida es infinitamente más genocida», aseguraba antes de entrever en esos contrastes de amor y crueldad «como si el infierno necesitara, en medio de él, de su pequeña porción de paraíso». En esa función compensatoria del arte encontraba su mejor justificación la obra de Zurita, cuyas inquietudes parecían profundamente identificadas con las dominantes en aquellos años y entre sus lectores. Teodosio Fernández Nacido en Santiago de Chile en 1950, Raúl Zurita estudió Ingeniería Civil en Valparaíso, ciudad en la que conoció al poeta y artista Juan Luis Martínez en 1970, desarrollando junto a él una consistente actividad artística, y que tuvo una importancia capital en el desarrollo de su obra. Fue uno de los fundadores del grupo CADA (Colectivo Acciones de Arte), grupo de jóvenes artistas que experimentaban con el cuerpo, el archivo, el lenguaje y la ciudad que entre 1979 y 1985 actuó espacios trabajando la creación artística, buscando formas de resistencia y enfrentamiento a las formas represoras de la dictadura del general Pinochet. Zurita realizó diversas acciones utilizando su cuerpo como medio de expresión: «quería expresar la impotencia frente a la realidad y la necesidad de decir sin palabras». Dictadura que le marcó su vida y que le dejó significativas huellas emocionales y vitales, además de haber estado detenido y torturado. Terribles experiencias que son parte importante de su propuesta poética. La historia, la naturaleza y la biografía personal son la base fundamental del nuevo lenguaje que nos ofrece Raúl Zurita. Ha merecido numerosos premios internacionales, entre ellos el Pablo Neruda (1988), Premio Nacional de Literatura de Chile (2000), José Lezama Lima de Cuba (2006), Premio de la Crítica de Chile (2012), Premio Internazionale Alberto Dubito de Italia (2018), Premio Iberoamericano Mario Benedetti (2020), Premio Iberoamericano Reina Sofía en Salamanca (2020), Premio Internacional Federico García Lorca de Granada (2022). Arte y poesía son términos intercambiables y para mí el arte es hacer de tu enfermedad, de tu ruina, de tu precariedad, de tu egoísmo y miseria, una obra maestra. Solo los enfermos, los débiles, los miserables son capaces de crear obras maestras. Quien no ha sentido en el fondo de sí mismo el latido del asesino, quien no ha estado al borde de matar a otro no será jamás un artista. Pero aquel que ha cruzado ese borde y ha matado a otro es solo un asesino. El borde es la medida de toda poesía y de todo arte. O soy un enfermo o soy Miguel Ángel, no hay más alternativas (Dobry 2014: 181). Raúl Zurita
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«La adaptación teatral de ''Moby Dick'' fue para mí una aventura de obsesión y entusiasmo que sin duda llegó hasta los ensayos y el montaje final. Todo el mérito es por supuesto de Herman Melville, cuya obra, más allá de las tinieblas y los fondos marinos, sigue siendo un llamamiento a la reconciliación y el humanismo, cada vez más necesarios. El protagonista de ''Moby Dick'' no está claro. Se puede leer como el relato de Ismael, el de Ahab o el de la propia ballena, y también como un tratado sobre la vida en el planeta tierra en general. Esta versión comienza con la frase ''Es un hombre raro, el capitán, pero te gustará, no tengas miedo'', y ahí de alguna manera se mostraba el camino. Creo que solo Andrés Lima podía plasmar la ambición del libro original, reconducida sobre el papel a lo que era prácticamente un monólogo de Ahab/Josep Maria Pou apoyado en intervenciones puntuales de otros personajes (Ismael, Pip, etc.) y todo ello en el contexto de un envolvente marco de acción y efectos puramente teatrales». Juan Cavestany
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