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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El aire dividido consiguió un accésit del Premio Adonáis 2023 por constituir “ un sorprendente cancionero amoroso de gran virtuosismo formal, que esconde una ironía contra el mundo, concentrándose en una amada que se convierte en eje de su universo” , según manifestó el jurado. Estructurado en tres apartados, que van desde lo anecdótico, cotidiano y contemplativo, pasando por la escritura de dos sextinas en las que se pone el acento en la intimidad del vínculo amoroso, hasta culminar en una tercera sección de enorme carga pasional y sexual, El aire dividido muestra el desarrollo de una relación de pareja -donde cada uno es él mismo- entendida como una atmósfera sensual compartida, que, a su vez, es ámbito de galaxias y parques, de tálamo y cafés, de silencio y música, y que pretende ser la expresión absoluta del amor carnal, vivida en su máxima intensidad y temporalidad. La pericia rítmica del autor, el dominio de las imágenes, el empleo de un lenguaje culto en perfecta conjunción con el uso de un tú retórico de carácter conversacional y la gradación ascendente a la que se ve sometida la aventura febril que Díaz Mola expresa consiguen hacer de este libro un referente espléndido de la más ardorosa poesía de índole conyugal en nuestro país.
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Martí, a les acaballes de la seua vida, es decideix a pintar el seu últim autoretrat. L’ autoretrat que tancarà la sèrie en què fa anys que treballa, i el més complex de tots, perquè en aquest quadre ha de reflectir tota la seua vida sense amagar-ne res: cal pintar els moments de llum i els de foscor, aquells que es vol recordar i aquells que normalment no s’ exposen mai.Autoretrat és una obra que incita a reflexionar sobre la dificultat de definir-se completament a un mateix, una obra que explora els límits de la identitat amb agilitat i intel·ligència.
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Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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Podría pensarse que Todo lo que es cuerpo es agua en tránsito aborda, sobre todo, el desplome de la estructura que sostiene a una pareja, pero no es este un libro acerca del fin del amor, sino de lo que el amor hace con el lenguaje, de lo que el lenguaje hace con el amor (uno es las rocas y el otro las olas que las golpean, mas lo difícil siempre ha sido distinguir cuál es cuál). Los cuerpos se deshacen y los hilos que unen a un cuerpo con otro lo hacen también, pero el poema aún puede —,al tiempo que martilla o que hurga en la oscuridad—, seguir el consejo que una poeta canadiense nos dio un día, y que no deja de resonar en estas páginas: hay que retener la belleza. LUIS EDUARDO GARCÍA
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¿Cómo vivir poéticamente? Este texto nos invita a ver lo milagroso que nos rodea y se esconde en lo cotidiano, a comprender que todo es único e irrepetible.A veces basta un solo pétalo para que el mundo sonría, a veces basta un frágil tallo para que el cielo descanse.
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Último libro de poemas de Kepa Murua: ''Es un libro de tapas negras,/de páginas inmensas, una tela/envuelta en papel, un regalo/de poemas de un hijo a su madre''Este libro es un regalo de poemas de un hijo a su madre, como escribe el propio autor en sus páginas, pero es también soledad y recuerdo, homenaje, historia y gratitud por todo lo que se ha recibido de quien ya no está.Orfandad habla de una pérdida personal y es también el hilo con el que Kepa Murua teje la vida de muchos que, seguramente, vean reflejados en estos poemas buena parte de sus sentimientos, si es que ya han pasado por esta experiencia.El poeta ha dicho en ocasiones que no somos el pasado. Sin embargo, ese pasado, si sigue estando vivo, da forma a la vida, a lo que es el presente. Quizás ese sea el juego: que nada queda del todo en el olvido, que nada es tiempo que ya no existe, sino que es la eternidad lo que nos marca, lo que nos mueve y hace al mundo.
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Poemario que contiene la pulsión lírica y explicita del eco existencial sobre los grandes temas de la poesía universal.De este poemario y de la labor poética desarrollada por su autor, ha dicho el poeta Corredor-Matheos, que ofrece el testimonio de una visión amplia y justa, a menudo minuciosa, como corresponde al jurista en la vida cotidiana que es verdadero poeta en todo momento. Estamos ante una poesía marcada por la observación del acontecer cotidiano y, también, por la trascendencia. En definitiva, una visión lúcida de la realidad, de honda expresión poética, que nos presenta la progresiva maduración de un poeta que merece atención. Se trata, en definitiva, de una obra articulada en coherencia con lo esencial de la poesía, donde el autor profundiza, depura y acentúa su perfil personal, un tanto excéntrico y poco convencional.
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La última obra de MaiakovskiEstrenada el 30 de enero de 1930 en Leningrado y el 16 de marzo en Moscú, esta obra será la última de Maiakovski, y el motivo directo de su suicidio pocos días después, el 14 de abril.Su sátira del burocratismo, de la charlatanería, la fanfarronería o del oportunismo que el sistema soviético venía propiciando, redoblada su crítica con un complejo y futurista juego de espejos, no fue bien recibida ni por el público ni por la crítica ni por las autoridades.
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Los poemas de Roger Wolfe podrían definirse como antifábulas, como contrafábulas: al final espera a los lectores una pura perplejidad, una antimoraleja en todo caso. El poeta no se detiene nunca: su nihilismo atroz se empeña en descarnar todos los prestigios, en desnudar todas las mentiras. Después, emprende su autodemolición. La muerte es el único asunto que el autor se toma verdaderamente en serio. En la descripción del espanto no se va por las ramas del repertorio tradicional: el miedo a la muerte es como el miedo al dentista, la vida no es más que un hojear revistas en la sala de espera. La eficacia de los poemas de Wolfe reside en un curioso sistema de recursos de estilo, aunque sería más exacto hablar de antisistema. El poeta vuelve la espalda a todo el arsenal consagrado de la lírica, carga de dinamita los títulos y concentra una balística contundente en los finales. Su sarcasmo burlón y su lenguaje directo sirven de vehículo a unos poemas cuyo núcleo es la más profunda indignación moral ante el mundo, un mundo que a pesar de todo, y de manera paradójica, también puede —,Guillén dixit—, estar «bien hecho» durante un instante. Aurora Luque Continúa con este volumen la publicación de la poesía completa de Roger Wolfe, una de las voces más solitarias y a un tiempo representativas de la llamada generación de los 80. Su obra, tremendamente influyente en los poetas de las últimas décadas, tiene la sutil precisión de un bisturí y la sonora contundencia de un bate de béisbol. En todos sus poemas se reflejan, de algún modo, una íntima lucha con los versos (consecuencia de su innegable voluntad de estilo), un encarnizado combate con el mundo, y una permanente contienda consigo mismo, característicos elementos que lo acercan siempre al lector, y lo hacen personalísimo. Roger Wolfe ha publicado ya numerosos libros de poesía, pero en cada uno de sus títulos, desde el inicial —,y como no podría ser de otra manera en un creador con mundo propio—,, lo encontramos al completo. Abelardo  ,Linares
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Dividido en seis partes, con constantes homenajes a creadores relacionados con la literatura y la música, «El bosque errante» indaga sobre el abismo que supone emprender una obra artística. Se trata de trazar un recorrido por ese lugar simbólico del bosque en el que se entrelazan el signo y la naturaleza de la que surgen las interrogantes del existir y de la creación misma, y en el que el autor escucha los sonidos primigenios junto a los ecos de su interpretación en ese instante pleno del nacimiento en la palabra o a la forma artística. Con este poemario Juan José Castro Martín ha obtenido por unanimidad el IV Premio de Poesía San Juan de la Cruz - Academia de Juglares de Fontiveros.
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EDICIÓN ILUSTRADA DE EL RAYO QUE NO CESA DE MIGUEL HERNÁNDEZEl amor y su sentimiento, el amor y la verdad, el amor y la muerte, el amor y su sufrimiento. Esos son los temas fundamentales de El rayo que no cesa, el volumen que Miguel Hernández (Orihuela, 1910-Alicante, 1942) publicó en 1936 en la editorial Héroe. Es la obra más acabada del poeta.Demipage recupera, en esta bellísima edición con ilustraciones tipográficas de Jean Assémat, los textos originales del poeta.El rayo que no cesa, el rayo solar, una identidad cósmica inagotable.
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Las palabras nos interpelan, nos acompañan o se muestran esquivas, nos representan o nos traicionan. Son la materia que da cuerpo a nuestros sueños, a nuestros temores, deseos e incertidumbres. La muerte de un ser querido las pone a prueba una vez más o, mejor, nos pone a prueba frente a ellas. Este libro indaga en ese vacío que deja la ausencia del otro, porque la vida –el tiempo, cada vez más rápido– se queda en el aire y las palabras, son precaria compañía que ahondan en el propio desvalimiento. De esa contradictoria relación y de este íntimo y doloroso proceso da cuenta, de un modo sutil, esta poesía.
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Poesía milagrosamente profunda y accesible de un observador insobornable de la actualidad europea.Una selección de los mejores poemas de Michael Krüger de cinco décadas, que revelan a un observador insobornable y reflexivo. Krüger sabe captar el mundo y tocar la esencia de las cosas en lo pequeño e infravalorado. El fluido verbo con el que se pronuncia a veces con (auto)ironía, siempre con un vasto dominio de la tradición poética sobre personajes que cruzan su camino, la conversación de los animales y plantas o procesos interiores propios, contiene ese necesario contrapunto grave que corresponde a un talante hondamente humanitario y político.
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La selva que rodea y que acecha. Carreteras secundarias y arroyos de lluvia. Una finca llamada Alegría. Vidas de quienes rara vez consiguen lo que quieren, vidas de ida y vuelta, vidas acomodadas a la violencia o que desaparecen de un zarpazo. Con su escritura, Margarita García Robayo combina existencias, espacios y tiempos porque «uno puede llenar el hueco de historias, y las historias de más huecos y esos huecos de más historias: la vida es una historia que contiene otra y que contiene otra. Uno no está condenado a una sola historia». Las ilustraciones de Powerpaola son la otra mirada que enriquece este río que nos atrapa y nos alegra al mismo tiempo.
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Un libro sobre el horror y los secretos inconfesables, por el que circulan todo tipo de personajes extremos: toda una Internacional de alcohólicos, pederastas y maltratadores. Pese a todo, ni la morbidez del tema ni la repulsión del juego deben distraernos de la sustancia: este libro es una auténtica hazaña poética, construida sobre la musicalidad, la digresión y el trabajo interminable de voces.
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Permíteme tener los ojos grandes. Tener los ojos grandes es un acto de voluntad, básicamente aceptar ser pieza de caza del asombro. Yo consiento: cómeme el corazón en el rito ancestral de la belleza, deja hueco a lo atávico salvaje en la pupila absorta. Hospeda una revelación que la dilate, la haga pura o antártica, que haga del ojo devoración de oscuras autopistas. Pupila qué alta pupila pupila cuántas águilas pupila el cuarto de los evangelios pupila crece desmesurada estrella incertidumbre y fuego ascuas en ascuas. Déjame tener los ojos grandes y una fuente en mi centro, una fuente que duela y que refulja. Quizá eso es la poesía: un trepar de mí misma por mis ojos, una herida que piensa. La mirada es cauce por el que no solo acariciamos la realidad sino que somos acariciados a su vez por ella. Es el lugar de nuestro beso con el mundo. Por eso, es acto constitutivo, fundante, que crea y nos crea. Particularmente, para el poeta la mirada es su acto esencial. Los poemas de este libro buscan recoger el modo en el que la realidad, en toda su plenitud y su carencia, su luminosidad y su dolor, nos perfunde al mirarla. Es ella quien, en nuestro acto de mirar, nos mira, convirtiéndonos en sujetos más capaces de visión, enseñándonos a ver más lejos y más hondo. Opera así una transformación ontológica: quien se deja mirar en lo profundo se convierte, todo él, en ojo amante, en pura atención a lo real. Pasa de ser mirado y de ser quien mira a ser mirada. Carmen Palomo Pinel (Madrid, 1980) es doctora con Premio Extraordinario en Derecho Romano, materia de la que es profesora en la universidad CEU San Pablo de Madrid. Compagina su labor investigadora y docente con la escritura poética. Ha publicado los libros Glosas al fuego (2016, I Premio Internacional de Poesía «Francisco de Aldana»), Las costuras del hambre (2019, II premio Esdrújula), Un silencio habitado (2021, accésit del VIII Premio Internacional de «Poesía Pilar Fernández Labrador»), DIDO (2021, XXXII Premio Nacional de poesía José Hierro), Madre de cenizas (2022, I Premio de poesía «Gravitaciones») y En tu espalda el desierto (2023, XLI Premio Leonor de Poesía). Además de estos, su poesía ha obtenido otros premios y reconocimientos. Muestras de su obra aparecen recogidas en diversas revistas y antologías.
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Cuando encuentras tu lugar en el mundo sabes que va a ser muy difícil marcharte de él. Al fin y al Cabo es un viaje interno por las luces y las sombras que habitan dentro de nosotros en algún momento de nuestra vida. Es el lugar al que vas cuando quieres sentirte en casa después de una dura mudanza. Este poemario de verso libre habla de lo mucho que duelen las rupturas temporales y de esa sensación de plenitud que te acompaña cuando encuentras tu hogar.
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Mujer varada. La rebelión de la espera nos invita a un viaje íntimo a través de la complejidad de la vida.Mujer varada. La rebelión de la espera nos sumerge en la ambivalencia de nuestra identidad, desde los momentos de calma hasta los desafíos de la transformación y la adaptación. A través de poemas que nos hacen sentir como si estuviéramos en casa, en nuestra mente, nos enfrentamos a la vulnerabilidad emocional y, en esa debilidad, encontramos una inaudita fuerza ante las adversidades. Nos recuerda que somos parte de un tejido interconectado, donde la solidaridad y la acción colectiva son fundamentales para encontrar significado y pertenencia en un mundo en constante cambio y desafío.
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este libro no tiene ningún valor por sí mismo / más allá de galardones o editoriales o frivolidades estéticas este libro sigue estando esencialmente vacío / acaso no me cree? adéntrese en sus páginas y déjese convencer de la insignificancia de cualquier texto compuesto por el ser humano / de que toda certidumbre intelectual es un engaño retórico / sea usted quien fecunde con su lectura el abismo fértil de este hambriento producto / por favor haga mi trabajo y convierta en significados específicos lo que yo dejo en sus manos en forma de potencia (el autor) Javier Adrada De La Torre (Madrid, 1996) es doctor internacional en Traducción e Interpretación Astrológica por la Universidad de Salamanca. Actualmente trabaja como docente e investigador sobre traducción y arte multimodal en la Universidad Rey Juan Carlos. También ha sido profesor visitante en la University of Massachusetts-Amherst y el Colegio de México. Javier es autor del ensayo Luis Cernuda y Friedrich Hölderlin: traducción, poesía y representación (Comares, 2021, con prólogo de antonio colinas) y tiene dos novelas publicadas: La aurora de los girasoles (I Premio de Novela MRA ediciones, 2014) y Espejismo de un dios (Diversidad literaria, 2017) y un poemario en prensa: Gasolineras (XXII Premio Martín García Ramos, Difácil, 2024). Asimismo ha publicado poesía y ensayo en revistas artísticas como Zéjel, Casapaís, El coloquio de los perros, Alborismos y en antologías derivadas de concursos literarios.
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Georg Heym (1887-1912) forma parte de la llamada primera etapa del Expresionismo alemán (1910-1914). A pesar de su muerte prematura con solo veinticuatro años, Heym ocupa un lugar destacado entre los grandes nombres de la literatura expresionista como Gottfried Benn, Georg Trakl o Else Lasker-Schüler. Umbra vitae, publicado de manera póstuma el mismo año de su muerte, es la obra que lo consagra. Los poemas de este libro, más maduro y osado que El día eterno (1911), recogen una atmósfera de amenaza y peligro que se agazapa en la sombra, envolviendo al poeta y revelándole como en sueños, proféticamente, los tormentos de la guerra, el sufrimiento y la aniquilación del ser humano, y su propio final. Umbra vitae no tardó en despertar el interés del artista Ernst Ludwig Kirchner, quien realizó una serie de grabados en madera para la reedición del libro en 1924. El resultado no solo funde texto e imagen, sino que nos narra dos historias: la de dos hombres que han sufrido, dos hermanos espirituales que transmiten el presentimiento o la experiencia de la muerte. La conjunción de imagen y texto hace de Umbra vitae una obra de culto para poetas y artistas.
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Una mujer que acude a funerales online, una niña que encuentra un nuevo sentido a la resiliencia, un concurso de Candy Crush para salvarnos del fin del mundo. Los cuentos de 'Ahora que nadie nos mira' comienzan en un presente que se experimenta como distópico y avanzan hacia un futuro cada vez más lejano. A través de una mirada tierna e irónica, los relatos nos conducen a un lugar distanciado desde el que observar nuestra propia vida.
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Novelas como ''Luna de lobos'', ''La lluvia amarilla'' o ''Escenas de cine mudo'' han llevado a Julio Llamazares a ser reconocido como uno de los narradores más relevantes de la literatura española contemporánea. Sus inicios, sin embargo, se dieron en el terreno de la poesía con ''La lentitud de los bueyes'' (1979) y ''Memoria de la nieve'' (1982), dos libros en los que laten las preocupaciones vertebrales de toda su obra. Su lírica persigue la recuperación de las raíces culturales de un universo rural y mítico a través de la descripción épica y romántica del paisaje, de sus costumbres, de sus leyendas y de sus pobladores. Con esta historia silenciada dialoga el hablante lírico al imprimir sobre ello su propia proyección sentimental y existencial para retratar un paraíso perdido, colmado de una tristeza telúrica y de un fatalismo insuperable que nos muestra el final de una cultura milenaria.
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Coordinada por Purificació Mascarell, la antología El cuento animado recopila algunos de los mejores cuentos de la historia relacionados con animales de autores como: Gustave Flaubert Leopoldo Alas «Clarín» Emilia Pardo Bazán Antón Chéjov Vicente Blasco Ibáñez Leopoldo Lugones Horacio Quiroga Virginia Woolf Gabriel Miró Franz Kafka Katherine Mansfield Arthur Conan Doyle Julio Cortázar Ignacio Aldecoa
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El poeta Julio Herranz selecciona 50 poemas de toda su obra poética para conmemorar sus 50 años de residencia en la isla de Ibiza.
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Athena Farrokhzad y Svetlana Cârstean se conocieron en 2012 durante un taller de traducción de poesía en Estocolmo. La afinidad personal y literaria que descubrieron entonces las llevó a traducirse mutuamente. Aunque con una peculiaridad: ni Cârstean sabe sueco ni Farrokhzad sabe rumano. Así, el proceso de traducción tuvo que convertirse en un nuevo proceso de creación conjunta.
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Los duendes mercaderes, que venden exquisitas y dulces frutas, seducen a la joven Laura para que pruebe tentadores manjares. Como consecuencia, su vida comienza a desvanecerse lentamente. Sólo el coraje y el profundo amor de su hermana Lizzie podrán salvarla de su fatal destino. ¿Será suficiente? Edición bilingüe con traducción y prólogo de Francisco López Serrano.
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Exitus da nombre a la ramificación de poemas escritos bajo la luz desabrigada de un sistema público de salud mental que, por ninguneado, se ofrece mediocre, deficiente, con lamentables consecuencias para las personas que necesitan de su atención y que, con excesiva frecuencia, acaban obteniendo interminables esperas y hastío en respuesta. Son los versos de la mujer que sobrevive a la violencia de género y que vive para contarlo. Se trata del poemario de la muerte, casi obscena en su claridad, pero también de la esperanza inmediata como mano tendida que jamás traiciona. Se trata, sobre todo, de una obra esencial. No he abandonado la nada y convertido en mujer para soportar el cieno en la mirada de mis semejantes. Como mujer se me ha dado una espalda desnuda, no un paredón ni me place ser salpicada de sangre. Tampoco vine a esta vida para parecerme a la perla ni al oro viejo de los dedos de las señoras. Quise hacerme carne por un motivo que ya no recuerdo. El silencio es una hogaza de pan de la que mi memoria se alimenta alimento la tierra con la pobredumbre de las rosas secas caídas del cabello de la mujer que amo. La muerte es azul como las aguas de un mar maldito. Es algo que sólo yo percibo y me siento sola. egoña M. Rueda (Jaén, 1992) es autora de diez poemarios, todos y cada uno de ellos galardonados, entre los que destacan Error 404 (XLVI Premio de Poesía Ciudad de Burgos, Visor 2020), Servicio de lavandería (XXXVI Premio Hiperión de Poesía, Hiperión 2021) o La mujer okupada (XXIX Premio Ciudad de Córdoba Ricardo Molina, Cántico 2022).
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Mark Strand (Prince Edward Island, 1934-Nueva York, 2014), Premio Pulitzer en 1999 por su libro Tormenta de uno, y Wallace Stevens en 2004, es uno de los poetas estadounidenses más importantes del siglo XX. Heredero de Stevens y emparentado con la Escuela de Nueva York, Strand es un poeta realista que nunca olvida el cuidado del lenguaje ni la continua reflexión sobre la forma. Su capacidad para indagar en los paisajes del inconsciente con las herramientas más lúcidas del realismo lo distinguen tanto de sus antecesores como de sus compañeros de generación. Strand es único en su tiempo no solo en el contexto estadounidense sino en el de la poesía universal. Su obra transcurre en un territorio poético que él mismo identificó como «el yo, los límites del yo y los límites del mundo: esa tierra sombría entre el yo y la realidad». Ningún sitio adonde ir recoge una amplia selección de la obra poética de Mark Strand, desde el inicial Durmiendo con un ojo abierto (1964) hasta su último libro, el conjunto de poemas en prosa titulado Casi invisible (2012). Su poesía, de aparente claridad, construye un mundo en el que se superponen los estratos de lo visible y lo invisible, donde conviven tanto la vida vivida como todas aquellas soñadas o abandonadas por el camino. El personaje de sus poemas habita la banalidad del mundo sin estar del todo presente en él, porque percibe todos los otros mundos posibles. Uno de los rasgos característicos de la poesía de Strand es que no busca un final que sea un cierre rotundo, sino otro que sea una apertura inagotable de sentidos.
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Metapoéticas. Antología de poetas hispanoamericanas contemporáneas recoge las estrategias discursivas de más de 180 mujeres poetas, contenidas en textos poéticos específicos y singulares: aquellos relacionados con la escritura y con la propia poesía. Metapoéticas es, así, una antología temática plural de poemas escritos por autoras de América Latina. Los textos se originan en un amplio período que abarca desde la segunda década del siglo xx, en que coinciden el postmodernismo y la vanguardia, hasta la actualidad. El objetivo del presente volumen es poner en primer plano la reflexión de las poetas sobre la poesía y el proceso creador, su conciencia en el acto mismo de escribir el poema. Gestado con la colaboración de especialistas en las literaturas de cada uno de los países hispanoamericanos, este libro reúne las metapoéticas escritas por mujeres atendiendo a variables nacionales, generacionales, étnicas, lingüísticas, históricas y culturales, todo lo cual nos habla de un universo sumamente diverso, cambiante y en plena ebullición. Por diez centavos lo compré en la esquina y vendiómelo un ángel desgarbado, cuando a sacarle punta lo ponía lo vi como un cañón pequeño y fuerte. Saltó la mina que estallaba ideas y otra vez despuntólo el ángel triste. Salí con él y un rostro de alto bronce lo arrió de mi memoria. Distraída lo eché en el bolso entre pañuelos, cartas, resecas flores, tubos colorantes, billetes, papeletas y turrones. Iba hacia no sé dónde y con violencia me alzó cualquier vehículo, y golpeando iba mi bolso con su bomba adentro. ''Un lápiz'', de Alfonsina Storni
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En esta edición preparada por Rafael Alarcón Sierra, presentamos un Antonio Machado para el siglo XXI. Machado parece un poeta sencillo pero es, en realidad, un poeta complejo. En este nuevo siglo necesita nuevos lectores que le hagan justicia. Esta edición, preparada por Rafael Alarcón Sierra, explica su evolución y antologa sus mejores poemas. Ocupa un espacio necesario entre su obra completa y las selecciones escolares, insuficientes para hacerse una idea cabal de la lírica machadiana. De su lectura emerge un Machado para el siglo XXI. En un apéndice incluye varios borradores inéditos de su autor, procedentes de los manuscritos conservados en Sevilla y Burgos. Antonio Machado es un clásico moderno. Es un autor vivo, editado y leído, querido y popular, incluso más allá de nuestras fronteras y de nuestra lengua. Su obra ha influido permanentemente en la poesía del siglo XX, y lo sigue haciendo en el nuestro. Cada poeta que ha bebido de la generosa fuente machadiana se ha convertido en uno de sus apócrifos. Su lección de poesía intimista, que lleva a un simbolismo interior, conforma la columna vertebral, el tronco del árbol de la poesía moderna española. Su toma de conciencia acerca de que el sentimiento individual tiene una raíz ética colectiva, un sentido crítico frente a su historia, su sociedad y su tiempo, hace que su lírica se convierta en una reflexión integral sobre el alma del mundo, del hombre y de la poesía.
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Epígrafes que tienen que ver con el tiempo, la noche, el amor, la muerte y la creación poética, agotando el muestrario temático que la lírica ofrece a sus cultivadores.''Son CLI las incisiones, numeradas con guarismos romanos, todas breves, algunas brevísimas, de que consta el libro, que se reparte en cinco zonas desde donde incidir en la existencia, y también en la esencia, del poeta. [...]. López Lara circula silenciosamente por ese amplísimo territorio con sabiduría, discreción y delicadeza. Y consigue al final que el resultado de sus incisiones sea un libro capaz de respirar, pese a la apnea circundante, y de pulsar los más íntimos resortes del espíritu''. Luis Alberto de Cuenca
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De alguna forma, nos resulta familiar ese lenguaje secreto con el que hablan las madres a sus hijos. Un lenguaje no siempre entendido, en ocasiones incluso ininteligible, con su gramática, sintaxis, gestos, miradas, silencios, tonos, diccionario. Cómo descifrar ese enigma que acaso se inicie cuando, dando a luz, el tejido se desgarra y entonces puede que suceda un «Romper la madre dentro de la hija y la hija dentro de la madre». Almudena Sánchez interviene desde lo lírico en esa tensión irresoluble que, ya de niña, le ha marcado a lo largo de los años. Porque, como dice en este libro mestizo, «sinónimo de madre: no lo hay». «Siempre he intentado evitar a mi madre. Que no me viera. Recuerdo esto desde los once o doce años. Son recuerdos difusos, pero hubo un punto de ruptura, casi una línea de salida (en la que nos colocamos las dos, como atletas profesionales) a partir de la cual empezaron las diferencias, aunque siempre habían estado ahí. La línea de meta un posible entendimiento no ha aparecido aún. Quizá sea la muerte, la mía, la suya, la de las dos. Quizá esto que escribo». Almudena Sánchez
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El nuevo poemario de Florencia del Campo.El hombre del padre es un libro de poemas que podrían ser uno solo, un gran largo poema. El hombre es por lo menos dos: es el hombre que es padre, y es el padre que es hombre. Pero, sobre todo, la paranomasia del título nos interroga sobre su identidad: ¿quién es ese hombre? ¿Cómo se llama? ¿Son dos o acaso es el mismo? ¿Es él mismo? La voz poética, femenina, se pregunta por la identidad de él, pero también por la identidad de ella. ¿No es madre? ¿No es ser madre todo lo que hace también una mujer sin hijos? ¿Es hija la mujer del hombre que es padre y no es su padre? ¿O sí es su padre? ¿O él es ella? ''El hombre del padre'' nos recuerda a una oración, a un rezo. Por eso el poemario termina con ''amen'', sin tilde. Esta es la religión del libro: el espíritu del deseo.
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Alcaide ha dedicado toda su obra poética a la indagación sobre el sentido del amor en la sociedad contemporánea. La pareja es una especie siempre en peligro...Mala land es a la vez la confirmación de todo lo anterior y un punto de inflexión. Lo que el propio autor ha llamado el paso de “los enemigos exteriores del amor” a los más temibles “enemigos interiores”: la rutina, la falta de tiempo, el paso de este, la familia...Con un estilo directo y descarnado lleno de sutiles referencias culturales (desde la omnipresente Biblia hasta la canción de autor), el poeta ya no es aquel joven que defendía su amor como solitario y anacrónico caballero frente a todo. Por la cota de malla se cuelan las dudas, las hiedras del tedio y ve más enemigos dentro que fuera.Mala land es también la crónica de la vuelta a la ciudad que lo vio crecer, una reconquista imaginaria de la mujer que quizás nunca perdió pero que tal vez pierda en el siguiente libro.
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Sorprende la fuerza y ambición de este libro original y potente tanto en el manejo de las formas poéticas como en su mensaje: la infamia es mucha y sus hilos finos como los de una tela de araña. El juego intertextual que sustenta este peculiar tapiz de palabras impone una revisión: deshacer y desenmascarar el mito de Aracne y Atenea para llevarnos desde la tradicional y naturalizada rivalidad entre mujeres a la amistad, a la sororidad cómplice. Con la misma lucidez reflexiona sobre un mundo fragmentado y roto como el nuestro. Así lo vemos, por ejemplo, en la sección «Capulina» con el impresionante poema titulado «Europa», valiente denuncia de un mundo en ruinas: guerras sin fin, explotación laboral incluso de niños, inmigración, violencia de género, ataques a la democracia o al medioambiente, extrema pobreza y riqueza extrema. Al igual que Eliot en La tierra baldía denunciaba las graves fracturas de su tiempo en los años 20 del siglo pasado, Gerardo Rodríguez Salas quiere poner, un siglo más tarde, el dedo en la llaga para denunciar las nuestras, la ruina material y moral de nuestro tiempo. Pero también, sin duda, para no perder la esperanza en que aprendamos a hilar de otra manera, para mantener el sueño de una sociedad que sea capaz de oponer la empatía, la sororidad y la igualdad al caos que hoy nos domina y nos espanta. ÁNGELES MORA
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Cuando en 1950 se publican los poemas de Ángel fieramente humano, Dámaso Alonso escribe: «Este poeta tiene un extraordinario dominio de su palabra. Su verso es áspero, pero no por otra cosa, sino porque se corresponde con el derrumbamiento en huida». Poco después, irá entregando libros fundamentales como Ancia, Pido la paz y la palabra y, de manera póstuma, Hojas de Madrid con La galerna. Blas de Otero es sin duda uno de los poetas más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Esta edición de Ángel fieramente humano, segunda entrega de la Biblioteca Blas de Otero auspiciada por la Fundación del poeta, se corresponde rigurosamente con la primera publicada por Ínsula en Madrid.
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