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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Tras haber volado lejosde la que algún día escribió estos versos, os digo: Que me sigo viendo en ellos,aunque su eco ya no resuene en mí.Que por mucho que vuele,mis plumas dejan un rastroen todos los nidales en los que fui. Y es desde la lejaníaque recuerdo cómo terminépor incendiar aquel refugio,Con todos esos hogares dentro.Y cómo, de entre las cenizas, lograron rescatar estas rimas, que al igual que las penasde las que fueron engendradas, ya no son mías.Quizás, de esta manera,Todas las mujeres tristes entiendan que en su soledad habita su libertad,y que no han de buscar refugio,pues en la profecía está escrito:que no hallarán ninguno.
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El vendedor de libros viejos y otros cuentos para bibliófilos reúne pequeños textos y relatos de Stefan Zweig, que fueron antologados juntos por primera vez en The Old-Book Peddler and Other Tales for Bibliophiles, una bella y rara compilación que publicó Northwestern University Press en 1937. La presente edición se basa en aquellas prosas librescas de Zweig, todas escritas en la plenitud material e intelectual de su vida, cuando nada podía hacerle sospechar que en menos de diez años se iba a encontrar en una situación muy similar a la del protagonista de «El vendedor de libros viejos» o a la del anciano ciego de «La colección invisible». La sensación de pérdida también puede asaltarnos al leer «Gracias a los libros», porque ahora sabemos que los nazis saquearon y quemaron la biblioteca de Zweig en Salzburgo, aunque la mayor perplejidad nos aguarda en «Los libros son la puerta al mundo», pues hoy existen millones de jóvenes europeos que jamás han abierto un libro, sin necesidad de ser analfabetos como el bello marinero italiano de la historia. Durante los primeros días de travesía Zweig pensaba que «era una delicia charlar con este joven moreno y salvaje, con su frente despejada y sus brazos tatuados», pero al descubrir su analfabetismo anotó: «fui incapaz de meterme en el cerebro, en la mentalidad, de un europeo que jamás había leído un libro». Por fortuna, Europa ha progresado desde entonces, pues ya no hay que ser analfabeto para no leer.
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Percy Bysshe Shelley (1792-1822) fue, junto con Coleridge, Wordsworth, Keats y Byron, uno de los cinco grandes autores del romanticismo inglés. Perteneciente a la segunda generación del movimiento, buscó, en la estela de Coleridge, una poesía que explotase al máximo el poder simbólico de la imaginación, abogando por el lenguaje sonoro y de gran fuerza literaria que situó algunas de sus composiciones entre los clásicos indiscutibles de la poesía europea. El ''Prometeo liberado'' (junto con ''Adonais'', la hermosísima elegía dedicada en su muerte a su rival estético, John Keats) supuso la más alta creación simbólica de Shelley. Escrito ante las ruinas romanas de Caracalla en 1819, se trata de un poema dramático dividido en cuatro actos, y constituye un alegato alegórico en favor de la libertad, que era para el poeta el principal valor del mundo y los seres humanos.
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La alcaravea es una planta silvestre de flores pequeñas. Sus semillas tienen distintos usos que podrían replicar los cuentos de este libro: - Medicinal: en infusión, esta especia calma los cólicos infantiles (muchos son los niños que lloran aquí, a pesar de las nanas), pero, además, su uso tópico sirve para limpiar y cicatrizar heridas, sean las de madres derrotadas por la vida, las de un visir enamorado o las de un hermanastro tímido. - Culinario: un sabor, amargo y dulce a la vez, condimenta la mayoría de los relatos. En ellos, hay desolación y hasta horror en ocasiones, pero siempre se asoma la luz de la ternura que salva. - Relajante: su aroma, usado en aceites y lociones, tiene una cualidad tranquilizante que los protagonistas habrían agradecido. Si aún les interesa conocer otras propiedades de Alcaravea, entren en sus páginas y descubran sus beneficios.
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Por primera vez en castellano, todos los cuentos de un escritor norteamericano imprescindible. Cuando Leonard Michaels murió en 2003 a los setenta años, la crítica reivindicó su obra como una de las más brillantes aportaciones a la narrativa norteamericana del último tercio del siglo XX. Contemporáneo de Philip Roth, Michaels destacó sobre todo en el cuento, género que actualizó y renovó, dotándolo de una intensidad y una elevación pocas veces igualada. Los cuentos aquí reunidos conforman un mosaico de vidas y momentos urbanos a lo largo de los años sesenta y setenta. En sus primeros y frenéticos relatos, Michaels indaga con valentía y humor negro en las relaciones sentimentales, en el sexo y la destrucción. Y al final, en las llamadas 'historias de Nachman', protagonizadas por un mismo personaje, las preocupaciones son ya de orden moral, engastadas en un estilo más sobrio y trasnsido de despedida. En conjunto, todas estas piezas constituyen una de las grandes novelas americanas del siglo XX. «Cada página de Michaels demuestra su extraordinario talento»WILLIAM STYRONReseñas:«El hechizo eterno de un autor que en los 70 deslumbró por la calidad y el atrevimiento de su prosa, [...] llamado a ser uno de los grandes de su generación. Por su oído para el ritmo de las frases, por esa obsesión con la palabra exacta, por extravagancias como la que le llevó a querer demandar a un crítico que le había dedicado una reseña negativa y también por su origen judío, a la altura de autores como Saul Bellow o Philip Roth.»Jaime G. Mora, ABC«Una suposición arriesgada y extravagante: si Franz Kafka hubiera sobrevivido a la tuberculosis y luego al nazismo [...] habría escrito cuentos parecidos a los de Leonard Michaels. O quizá simplemente habría celebrado como un lector más los cuentos de Leonard Michaels. [...] Cuentos nacidos del contraste entre la herencia judía y el festival de excesos que trajeron los años 60 en Nueva York. [...] Esta es la tradición de Leonard Michaels y sus cuentos le sitúan en lo más alto.»Jordi Puntí, El Periódico
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En el paisaje de la amistad y del amor, ¿cómo construimos cada día el puente que une las islas que somos? Entregados a la vida, los protagonistas de estos cuentos inventan las fronteras de sus vínculos, los celebran, los traicionan, los anticipan, los confrontan. Siempre en tránsito, viajan hacia lo nuevo con asombro, hacia ese instante cuando esperábamos risas al sol y nos heló la sombra. En estos relatos, ¿qué es agua dulce y qué agua salada? En Un nombre para tu isla, Katya Adaui, con humor y piedad, y un oído iluminado para los diálogos y la trama, recoge la intimidad de los afectos que nos sostienen, así como el malentendido rabioso que los devasta.
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A voltes, un planeta
El nou recull de narracions de Jesús M. Tibau manté trets característics del seu estil, però ara s'endinsa en un planeta que imagina, en països que inventa (Hata, Eldeia, Numen...) amb relleus que esdevenen decisius, amb històries, costums, vicis, passions i manies sorprenents dels seus habitants que ens faran somriure, o ens despertaran tendresa, mentre que alguns personatges que apareixen diverses vegades en escena en seran testimoni de prop, o de lluny. Un cop més, demostra que el relat breu és un hàbitat que domina, per a construir, en aquest cas, un món verosímil que ha jugat a inventar. El llibre que més l'ha divertit escriure, i que potser més divertirà llegir.
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En un momento en el que el éxito popular parecía reservado a las comedias de capa y espada, Lope de Vega triunfa con esta pieza que sobrepasa la mera significación del drama rural. Tras el conflicto entre los tres personajes, se ofrece un mensaje sorprendentemente revolucionario para el siglo XVII que conserva un valor universal: el de la inviolabilidad de los derechos humanos y de la dignidad personal a que tiene derecho todo individuo.
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Ledo Ivo (Maceió, 1924-Sevilla, 2012) es una de las figuras esenciales de la literatura brasileña del siglo XX. Cabeza visible, junto a João Cabral de Melo Neto, de la conocida como generación poética del 45, es autor también de novelas fundamentales como Nido de serpientes (1973) o La muerte de Brasil (1984), además de corrosivos y hondos ensayos y un tomo de memorias, Confesiones de un poeta (1979), que es la guía de una obra compleja, capaz de entender Brasil de un modo caleidoscópico y sagaz, atento a las desigualdades y a los anhelos de sus habitantes. Ivo es uno de los poetas extranjeros más editados y leídos en España. Sin embargo, esta es la primera antología que resume su obra desde su primer libro, Las imaginaciones (1944), hasta los tres últimos, editados de forma póstuma antes en España que en Brasil. Lêdo Ivo quiso, como Fernando Pessoa, decirlo todo de todas las maneras: en su obra hay oda y elegía, réquiem y sátira. Todos sus tonos están representados en esta selección que demuestra que es imposible escribir la historia de la poesía universal del siglo xx sin contar con su obra profunda y extensa como el océano medio recordado, medio soñado de sus poemas.
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Cuadernos de Hiroshima es un poemario visceral y evocador que indaga en la experiencia del viaje exterior e interior. A lo largo de sus más de cincuenta poemas, el autor explora el desplazamiento constante de sus voces poéticas —turistas, amantes, viajeros desencantados— que recorren calles, love hotels y ruinas atómicas, buscando sentido en un mundo que oscila entre la belleza y el caos. El libro se sumerge en la memoria colectiva, con Hiroshima como epicentro simbólico de la devastación y la resiliencia, mientras desmitifica el Japón idealizado de las postales turísticas. A través de una mirada cruda y sensual, Toro aborda el cuerpo y el deseo como ejes centrales: los encuentros sexuales en moteles efímeros y las relaciones amorosas se convierten en metáforas de la vulnerabilidad y la búsqueda de conexión en un paisaje de soledad urbana. Esta poética de la carne dialoga con una crítica sutil a la mercantilización del placer en sociedades capitalistas. Rico en intertextualidad, Cuadernos de Hiroshima teje puentes con la generación beat, la literatura japonesa contracultural y la tradición universal —de Dante a Lorca, de Kerouac a Kawabata—, dotando al texto de un estrato erudito que invita a la reflexión. El concepto de ''turista'' desarrolla un hilo conductor acompañado de una melancolía que atraviesa el tiempo y el espacio. Con un lenguaje que combina lo lírico y lo descarnado, Toro ofrece una obra que es a la vez un lamento por lo perdido y un canto a la persistencia del deseo humano frente al abismo.
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Este volumen recoge la mejor poesía social y política de uno de los poetas más relevantes de la poesía española contemporánea: Manuel Ruiz-Amezcua. En esta antología, el autor retrata con la singularidad de su voz el sufrimiento humano, la memoria de los marginados y la lucha incansable por la dignidad. Desde el dolor íntimo por la pérdida de la madre hasta el clamor colectivo por las víctimas de la historia —de Auschwitz a Gaza—, cada poema es un grito de resistencia y una búsqueda de verdad en un mundo marcado por la mentira y la traición. Con una voz que oscila entre la ternura y la rabia, entre la elegía y la denuncia, ''El rostro de los vencidos'' dialoga con grandes como Lorca, Machado y Hernández, mientras confronta las heridas de la España profunda y los horrores universales. Esta obra canta a los derrotados y los redime, invitando al lector a mirar de frente la oscuridad y a encontrar en la poesía un refugio para la esperanza. Perfecta para amantes de la poesía comprometida, este libro es un testimonio poderoso de la capacidad de las palabras para desafiar el silencio y transformar el dolor en un canto que conmueve y transforma. UNA POESÍA SINGULAR, PLURAL Y UNIVERSAL La obra poética de Manuel Ruiz Amezcua se lee, se estudia y se aprecia año tras año como más singular, más plural y más universal. Singularidad en el sentido de originalidad creativa y rigurosa personalidad ética, ''humanamente humana'', pluralidad como diversidad de inspiración, escritura e interpretación, universalidad como comunicación y como conocimiento del mundo en sus múltiples facetas y desde sus muchas periferias. Una poesía fuera de las modas pasajeras del día y de las modalidades comunes, poesía que es ''magia, sorpresa, fascinación''. Universalidad también entendida como expansión cuantitativa y difusión internacional. CRISTIAN DE PAEPE, Universidad de Lovaina. UNA TRAYECTORIA AMPLIA Y VALIOSA En calidad de catedrática de Literatura Española en la universidad La Sapienza de Roma, y estudiosa y traductora de poesía española contemporánea, me complace realzar la amplitud y relevancia de la trayectoria literaria de Manuel Ruiz Amezcua. Su voz poética tiene una fuerza y una singularidad que la configuran como una de las más destacadas del panorama español contemporáneo. Manuel Ruiz Amezcua ha sabido guardar la memoria literaria de los grandes maestros del siglo XX, interiorizando su lección y cultivando una lengua poética renovada y viva, donde la tradición formal y antigua se combina con el uso del verso libre, típico de la época contemporánea. ISABELLA TOMASSETTI, Universitá degli Studi di Roma ''La Sapienza''.
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Un Dios Padre senil y cansado, aturdido por las voces aduladoras de los ángeles, un Jesús indolente, derrotado y en decadencia, y una María obsesionada por el sexo y cansada de ser virgen, decidirán pedir los servicios del Diablo para desatar una plaga que castigue a los hombres por sus excesos. Escrita por Oscar Panizza en 1894 y ambientada en la corte papal de los Borgia, esta obra —en la que en su día un tribunal encontró noventa y tres blasfemias manifiestas— está marcada por una poesía desbordante, negra y despiadada gracias a la cual el Diablo, creador por encargo del Sumo Hacedor de la sífilis, se convierte en el más grande exponente de la dignidad humana. La presente edición, traducida del alemán por Luis Andrés Bredlow, lleva un prólogo de André Breton y un epílogo de Julio Monteverde en el que se hace un recorrido por la asombrosa persecución que desde su primera edición hasta nuestros días ha sufrido este texto.
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Una erótica personal del deseo invertido, en la que sensualidad y sexualidad son inseparables. «Quise escribir sobre el deseo entre mujeres, lo hice desde mi punto liminal, moví el centro. Escribí sobre la pérdida hasta encontrar un objeto de mi agrado. Las amantes, el territorio, todo sobrevino después, gracias al lenguaje. Quise saber hasta dónde era capaz de nombrar aquello que no conocía aún, a veces utilizo la palabra placenta para describir esa sensación de abrirse paso a navajazos a lo largo del poema. Quise escribir el mismo poema hasta el silencio: piel. Ahora está este libro, que reúne mis imágenes amadas. Hice un espejo.»
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Querida lectora, querido lector, El libro en el que estás por adentrarte, este onceno volumen de la Primera Enciclopedia de Tlön, puede ser leído -como la Divina Comedia- de tres maneras: 1. Literal: como el facsímil del único ejemplar del que se tiene noticia de la Primera Enciclopedia de Tlön, encontrado por Borges en un hotel de Adrogué a finales de 1937 o principios de 1938, 2. Metafórica: como el producto de una «sociedad secreta y benévola» surgida con el fin de inventar un país, establecida en Lucerna o Londres a principios del siglo xvii, y cuya meta fue alcanzada en 1914, cuando el último volumen de la Primera Enciclopedia de Tlön fue remitido a sus miembros, o 3. Fantástica: como una antología de cuentistas menores de cuarenta -uno por cada país de lengua española-, convocados por la Editorial Páginas de Espuma para celebrar sus primeros veinticinco años de vida. A cada cual elegir la suya. Atentamente, Los editores
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El pecado y la noche es una colección de relatos en los que Antonio de Hoyos y Vinent despliega todo el esplendor de su estética decadentista y simbolista. A través de una prosa preciosista y sugerente, los cuentos exploran el conflicto entre el deseo y la culpa, el cuerpo y el alma, la fe y la transgresión. Ambientados en espacios sombríos, aristocráticos o místicos, los personajes de estos relatos —andrógenos, visionarios, pecadores o ascetas— encarnan una búsqueda desesperada de belleza y sentido, muchas veces al margen de la moral tradicional.En un Madrid envuelto en luces tenues y decadencia moral, El pecado y la noche, libro de relatos, habla, través de ambientes suntuosos, figuras ambiguas y rituales de placer, de un mundo de pasiones prohibidas, donde el pecado se convierte en vía de conocimiento. Escrita con un estilo preciosista y simbolista, la obra combina erotismo, misticismo y crítica social, explorando temas como la identidad sexual, la culpa religiosa y la doble moral de la alta sociedad. Con esta obra, Hoyos y Vinent plantea una profunda reflexión sobre el alma moderna, atrapada entre la carne y el ideal, la fe y la transgresión.El volumen incluye los siguientes cuentos: Las ciudades sumergidas, La noche del Walpurgis, Hermafrodita, El hombre de la muñeca extraña, Una hora de amor, La santa, La caja de Pandora, Los cómplices, La domadora, Embrujamiento, Las preciosas ridículas, Madame d'Opporidol, Miss Decency y Ninón.Cada uno de estos relatos representa una faceta del universo estético y espiritual de Hoyos y Vinent, donde la noche actúa como metáfora del misterio, el deseo y la redención imposible.
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Princesa del desert, La
Fàtima renuncia a ser soldana d'Arwan per culpa d'una guerra fraticida i es refugia al poble dels habitants del desert. Però, amb el pas del temps, el govern pacífic de la ciutat torna a perillar i els partidaris de la restauració autèntica busquen la princesa desapareguda.
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Todos los relatos de uno de los mayores escritores del siglo XX publicados con las ilustraciones originales del autor.El 19 de noviembre de 1942, en el gueto de Dorhóbych, el pequeño pueblo austrohúngaro, hoy ucraniano, del que apenas había salido desde su nacimiento en 1892, muere asesinado por un SS Bruno Schulz, hoy considerado uno de los mayores escritores del siglo XX por la densidad poética de su prosa, la forma en que convierte el lenguaje en un acto de magia y, sobre todo, por la experiencia sin retorno de leerlo o de entrar en el universo lúgubre de sus dibujos.Los que puedan considerar que estas afirmaciones son una exageración no tienen nada más que abrir este volumen, cuya primera edición en 2008 supuso una reivindicación de este artista total, y leer «Las tiendas de color canela» o «Sanatorio bajo la clepsidra», donde, según las palabras expresadas en el prólogo de Francesco M. Cataluccio, «metamorfosis, disfraces, viajes en el espacio y en el tiempo se superponen con el auxilio de una lengua poética rebosante de metáforas».«Figura mítica cada vez más recuperada y reivindicada, en esos cánones cambiantes que evolucionan y se desplazan sin cesar con los gustos y tendencias de cada época y que ahora mismo lo sitúan, de pleno derecho, junto a otros grandes del siglo XX como Kafka, Nabokov, Pessoa, Musil o Robert Walser [...], un mito que tiene mucho que ver con el carácter metafísico, grotesco y enigmático, absolutamente singular, de su obra, tanto de la literaria como de la pictórica -carácter que lo emparenta con artistas como Goya, Alfred Kubin o Egon Schiele-».Mercedes Monmany, Letras Libres
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El Dolmen es un hermoso poema que recoge la experiencia de la autora como arqueóloga, pero también su relación personal con el mundo y la espiritualidad.El texto, con un leguaje contenido y mistérico que reclama el balbuceo, la pincelada impresionista, la palabra asombrada, nos hace regresar —fundiendo la experiencia íntima en la excavación con la experiencia humana de la cultura que utilizó los dólmenes para buscarle a los suyos un lugar en el más allá— a aquellos días de frío y soledad, de indefensión y desamparo en los que los hombres y mujeres comenzaban a establecer, sobre las bases inseguras de sus sentimientos, la idea de lo sagrado.El poema consigue recrear una atmósfera misteriosa, trágica e intemporal en la que percibimos que todo está ocurriendo en este mismo momento, en el instante en el que la autora recoge unas cuentas de collar o un fragmento de vasija de barro, y con ellos se adentra en un túnel milenario hasta el corazón de un grito que elevará a nuestra especie por encima de sí misma.La magia y la espiritualidad, el anhelo de algo superior, la esperanza en la pervivencia en otro mundo sin penalidades, impregnan este poema que es mucho más que un registro, que un diario de excavación, porque es la representación viva de una voz que se eleva entre las grandes piedras del dolor para reclamar, desde el miedo, el sufrimiento y la soledad de un mundo primigenio, algo diferente. El poema, más que una construcción lingüística supone, en este sentido, una forma hermosísima de fijar, mediante las palabras, una imagen trascendente de lo que somos. (BASILIO SÁNCHEZ)En 1986, mientras prospectaba en Ávila, encontré un dolmen que pude excavar un año después: el dolmen del Prado de las Cruces, en Bernuy Salinero. Cada tarde, al volver de la excavación, ardía sobre el horizonte un sol que se iba perdiendo entre las colinas y la muralla. Sentía que estábamos abriendo un lugar tan remoto en la prehistoria como cercano, íntimo y vital.Las aves volaban sobre nosotros llenas de presagios. Las piedras megalíticas del círculo y del corredor se convirtieron en grandes guerreros que desde entonces me protegen, en las mismas puertas del abismo de la existencia, la vida y la fe.Hacía tanto frío que nos poníamos periódicos debajo de la ropa, pero la emoción de abrir esta página tan remota de nuestra existencia nos calentaba por dentro.Sólo el viento rompía ese hilo de tensión que al otro mundo de lo oculto nos lleva.
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El octavo poemario de Natalia Carbajosa, nos adentra en un territorio sensorial definido por versos limpios y despojados de artificios. Una plenitud que aúna mesura, lucidez y esplendor como prueba de la madurez poética de la autora. Los poemas de Lugar adentran al lector en un paisaje interior y exterior con belleza, precisión y limpidez recordándonos el trabajo artesano del oficio poético: ese esmero cuidado y paciente que construye desde lo sencillo, lo complejo. Trae Natalia Carbajosa a su poemario una cita del poeta y premio Nobel Czeslaw Milosz que por su belleza y acierto son una hermosa invitación a la lectura de este poemario que las replica en su parte final. «El propósito de la poesía es recordarnos lo difícil que es seguir siendo persona con nuestra casa abierta, su puerta sin llave e invisibles huéspedes entrando y saliendo a su antojo». Bienvenidos a Lugar, disfruten de su lectura.
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Enlairament i altres contes
EL LLIBRE AGLUTINA EL RELAT GUARDONAT I 14 CONTES FINALISTES Hi ha un moment en què ho saps. Ho notes. El cos se t'alleugereix. Res no et pesa i intueixes que, si obrissis els braços només que fos una mica, et desenganxaries de terra. Aquest és el moment que fa que tot plegat valgui la pena. Aquest comentari correspon a la narració guanyadora, Enlairament, de Ramon Macià Codina, en el 27è Premi de narrativa curta per Internet Tinet (Premis Literaris Ciutat de Tarragona 2023- 2024). A més, el llibre inclou una selecció dels millors relats que s'hi van presentar. * Cada relat va acompanyat d'una il·lustració de l'alumnat de segon del CFGS d'Il·lustració de l'Escola d'Art i Disseny de la Diputació de Tarragona. Guanyador: Ramon Macià Codina Finalistes: Rafel Casas i Garrosset (Palamós, 1970), Rosana Andreu Febas (Cambrils, 1972), Joan Adell Álvarez (Blanes, 1938), Llorenç Español Nolla (Girona, 1971), Pere Gorgoll i Noell (Amer, 1962), Aina Riera (Palma de Mallorca, 1982), M.Àngels Farrero i Biel (Lleida, 1987), Núria Martí Constans (Calella, 1966), Oriol Montesó Llaó (Tarragona, 1978), Isabel Torras Genís (Barcelona, 1965), Eva Denia Valls (Barcelona, 1976), Pau Bosch Mola (Anglès, 1995), Clara Centenera Ribas (Palamós, 1989), Carlos García Cádiz (Mataró, 1993).
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¿Existe Pessoa? Esta pregunta es algo intempestiva, pero bien merece la pena intentar contestarla, si no a un nivel metafísico, sí a un nivel textual. La cuestión, por lo demás, no es nueva y podría reformularse de un modo más abstracto y abarcador: ¿existe el autor? Este libro espera dar testimonio del nuevo boom de los estudios pessoanos, que comenzó a forjarse en 2006 y del cual es responsable una nueva generación de investigadores del mundo entero. Esa nueva generación, tan diversa como la anterior, camina hacia una meta que está próxima a cumplirse, la de tener a todo Pessoa on-line (ya lo está su biblioteca particular y una parte de los textos), y se ha encargado de volver a abrir los «baúles », de volver a hacer un balance de lo que está inédito, de volver a revisar lo que fue editado, de volver a fomentar el estudio de la obra del autor portugués sin descuidar la edición de la misma. Profesor, traductor, crítico y editor, Jerónimo Pizarro es el responsable por la mayor parte de las nuevas ediciones y nuevas series de textos de Fernando Pessoa publicadas en Portugal desde 2006. Profesor de la Universidad de los Andes, titular de la Cátedra de Estudios Portugueses del Instituto Camões en Colombia y Premio Eduardo Lourenço (2013), Pizarro volvió a abrir los baúles pessoanos y redescubrió «La Biblioteca Particular de Fernando Pessoa», para recurrir al título de uno de los libros de su bibliografía. Fue el Comisario de la visita de Portugal a la Feria Internacional del Libro de Bogotá (FILBo) y hace varios años coordina la visita de escritores de lengua portuguesa a Colombia. Coeditor de la revista «Pessoa Plural», asiduo organizador de coloquios y exposiciones, actualmente dirige la Colección Pessoa de Tinta-da-china.
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Aquesta Obra Completa -Nova edició, revisada- constitueix un nou projecte d'edició de l'obra estellesiana que conté estudis introductoris, un treball de reorganització cronològica de les obres i d'edició filològica dels poemes estellesians. En aquest tercer volum s'apleguen les següents obres: A mi acorda un dictat, Colguen les gents amb alegria festes, Renana, Homenatge il·lícit a Lluís Milà, Epitafis, Ritual, Rosa de nit, Quadern per a ningú, Per a tota la mort, L'amant de tota la vida, L'ofici de demà i El gran foc dels garbons.
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Sólo unos meses después de publicar su último poemario en catalán, Marinejant, Pere Gimferrer vuelve al castellano con No en mis días, otro libro extraordinario que se suma a una trayectoria ineludible en cualquiera de las dos lenguas. Fechados entre 2012
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Unas pocas palabras en la frontera misma del silencio, como las que se retiran, discretas, cuando es hora de que los cuerpos hablen. Unas pocas palabras: signos, indicios solamente. Un poco de aire conmovido entre la mano y la página. Es bastante. Es incluso demasiado. José Cereijo nació en Redondela (Pontevedra) en 1957. Desde 1968 vive en Madrid. Los dones del otoño es su sexto libro, y quinto de poemas (es autor también de una colección de relatos), en lo que el autor quisiera no llegase a parecer insistencia, sino sólo natural crecimiento.
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La pols
El pare s'ha mort. Això és el que ha sentit en Jacob quan ha despenjat el telèfon, tot i que dos minuts més tard se n'ha oblidat per complet. Ni tan sols ho ha comunicat a la seva germana Ruth, amb qui conviu temporalment. Aquest és el principi del llarg dia i mig que passa des de la mort del pare fins al seu enterrament. Són unes hores intenses per a cadascun dels personatges, que mostren les veritats més humanes que sovint ens entossudim a amagar en un text guardonat amb el Premi de la Crítica de Barcelona 2014 i el Premi Crítica Serra d'Or 2015.
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El poemario que escribió Ted Hughes en silencio a su primera esposa, Sylvia Plath «Este libro irrumpe con la fuerza inesperada de un rayo y leerlo es como sufrir su descarga eléctrica. [...] Nunca se había visto nada parecido en literatura.» Andrew Motion, The London Times A lo largo de las páginas de este libro, Ted Hughes, desde el centro de la intimidad, recuerda su relación con Plath, empezando por el día en que se conocieron, durante una fiesta en Cambridge, en 1956, pasando por su boda, su luna de miel, el nacimiento de sus dos hijos y los constantes y fatales tormentos que desembocaron en el suicidio de la poeta. Más allá de la anécdota biográfica, Cartas de cumpleaños es ya uno de los poemarios fundamentales de finales del siglo XX, una valiente conversación con una amada sombra en el quieta contraluz del recuerdo, una celebración de la vida, de la pasión extrema, lo mismo que una poderosa meditación sobre la muerte. Y, por encima de todo, esta obra constituye la fulgurante despedida de uno de los mayores poetas de nuestro tiempo.
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Los vikingos constituyeron un pueblo guerrero y pagano que se expandió fuera de su Escandinavia natal a partir del siglo VIII, protagonizando durante los tressiglos siguientes, con sus violentos y constantes ataques, una época en la que ejercieron una enorme influencia en la historia del Viejo Continente: en las islas británicas, como saqueadores de ciudades y luego como jefes guerreros que litigaron con la casa real sajona por su dominio, en Francia, donde ocuparon Normandía y atacaron París en varias ocasiones, en Italia,fundando el reino normando de Sicilia, e interviniendo con sus incursiones en el Califato de Córdoba y enel Imperio bizantino y, a través de los ríos del norte, en la región del mar Báltico y en Rusia, cuyos primeros estados (la Rus de Kíev) aparecen vinculados aaventureros vikingos. Pero además de esta fama de cruentos guerreros, los vikingos legaron una enorme riqueza cultural, fuente de inspiración permanente del imaginario popular europeo: la literatura de sus poetas, los escaldos, recopiladores de leyendas y cuentospopulares y autores de poemas que narran gestas, creencias paganas de la mitología nórdica, historias de conquistas, reinados o tradiciones, transmitidas originalmente de forma oral y fijadas por escrito a partirdel siglo XIII en sus sagas. De todo ello se nutre este libro, en cuyas páginas se suceden relatos míticos, historias de fantasmas y de seres sobrenaturales (elfos, trols, tritones), cuentos de brujería y de hadas, leyendas épicas o historias de santos y forajidosque ofrecen en su conjunto una imagen representativade la cultura vikinga que brilló con luz propia en la Europa medieval.
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¿Cuándo puede o debe el crítico cargarse a un autor? ¿Cuándo merece la pena declarar públicamente por qué determinado libro que uno estima malo es malo? Continuamente se publican obras infames, no obstante, diga lo que diga el crítico contra uno de esos libros, lo cierto es que no lo ha escogido por azar de entre un montón de otros parecidos. Ha ignorado los otros y, lo quiera o no, ha dirigido la atención del público hacia éste en particular. ¿En qué casos está legitimado o incluso obligado a hacerlo? Cargarse un libro, sí, pero ¿para qué y para quién? La respuesta a semejantes preguntas depende sobre todo de lo que se pida y exija a la crítica. Y estas exigencias, a su vez, tienen que ver casi siempre con las esperanzas que cada cual tiene depositadas en la literatura. A éstas y muchas otras preguntas responde el reputado crítico Marcel Reich-Ranicki en el presente ensayo, una defensa de la labor del crítico y de su papel fundamental en la construcción de una tradición literaria propia.
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No se elige lo que se recuerda, y por tanto tampoco lo que se escribe ni lo que regresa. ''El rumor de la ceniza'' es el sonido que deja la vida cuando se consume, las huellas en las que aún puede intuirse lo que fue: ocurre en un templo abandonado y en una isla griega y en el hueco que queda en el otro lado de la cama, ruinas que son bellas porque prometen lo que ya se perdió, y sin embargo perdura. En ese pacto entre memoria y biografía se cifra esta biografía iluminada con luz de grieta. Aquí dentro hay fuego y pavesas que aún calientan las manos y alguien perdido que busca un verano, tal vez porque el invierno ya lo lleva dentro: siempre hace frío en los domingos. Y hay algo que late a lo lejos, y un mar que crece y se acerca, y un cielo no tan vacío, y una oración para uno mismo.
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Vells temps / Cendres a les cendres
La influència de Harold Pinter ha estat determinant en la dramatúrgia catalana de les últimes dècades. Vint-i-cinc anys d’evolució creativa separen els textos que presentem en aquest volum, amb tot, l’essència de la poètica el•líptica i alhora compromesa del premi Nobel es manté incòlume en tots dos. Si Vells temps (1971) presenta el conflicte que provoca en un matrimoni la visita d’una antiga amiga, Cendres a les cendres (1996) parteix del diàleg entre un home i una dona al voltant d’un antic amant. Es tracta de dues peces sobre la memòria líriques i melancòliques, que destil•len una gran dosi del misteri pinterià.
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Alrededor de 1980, en Dinamarca, un grupo de jóvenes revolucionaron el lenguaje poético existente hasta entonces. Tras la poesía político-social de los setenta, llegó una revolución estilística y lingüística incluso en los modelos de inspiración. David Bowie y la música punk fueron una influencia decisiva en la creación literaria. Los doce poetas que presentamos en esta antología, tan distintos y tan parecidos entre sí, son fruto de ese ambiente de libertad estética. Con su visión actualizada de la sociedad y el ser humano, y también de sí mismos, dan un nuevo enfoque a la poesía. En común tienen un idioma, una cultura y un lenguaje lleno de simbología, fuerza expresiva y luz que entra por las grietas de la conciencia. Son un pequeño reflejo de las tres últimas décadas, no sólo de la poesía danesa, sino también de la vida en Dinamarca. Daniel Sancosmed ha traducido estos poemas, seleccionados por él mismo en comunicación continua con la mayor parte de los propios poetas.
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L'infinit que no podem dir
Les poetes nord-americanes Anne Sexton i Sylvia Plath es troben per primera vegada en un curs d'escriptura impartit per Robert Lowell, poeta admirat per ambdues. Entre sessions establiren contacte i l'impacte de conèixer-se va ser tal que ja no van deixar d'estar pendents una de l'altra fins el suïcidi de Plath. Aquest treball mescla, passat pel filtre de la percepció diversa i lliure de cadascun dels autors, moments vitals, espais, viatges, paisatges, objectes, colors que han servit d'inspiració per a crear un anar i venir de missives de molt divers format i fetes des del respecte i l'admiració. Com és evident, qualsevol vers està tocat per l'experiència vital de qui l'escriu i, molt probablement, per un deix de la intimitat i torbació que aquest conjunt de poemes ha anat bastint. Al capdavall, què és la poesia, sinó un element disruptor destinat a commoure, a agitar l'esperit?
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Medianoche del mundo se compone de una serie de poemas que nacen de una misma raíz: la cotidianidad en uno de los países más peligrosos del planeta: El Salvador. Un niño asesinado de siete disparos, un hombre obligado a huir para siempre, una anciana ol
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Los micro relatos de José Moreno Villa (Málaga, 1887-México D. F., 1955) quedaron un tanto eclipsados por la obra micro narrativa de otros autores españoles coetáneos, como Juan Ramón Jiménez o Ramón Gómez dela Serna, publicada en distintas antologías ya desde hace tiempo. Es hora, sin embargo, de que los lectores de dentro y fuera de nuestro país puedan acceder a los micro relatos del malagueño, seleccionados y editados en esta nueva antología que aquí se presenta y que esperamos sitúe la producción micro narrativa de José Moreno Villa en su justo contexto histórico, que no es otro que el de los orígenes del género en el mundo hispánico.
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Memoria de la palabra es una colección de poemas que explora las profundidades del intimismo y el amor, llevando al lector a un viaje a través de los rincones más recónditos del corazón humano. Cada poema es una ventana abierta a las emociones más sinceras y vulnerables, capturando la esencia de los sentimientos que nos conectan en lo más profundo.Aquí, las palabras se convierten en un espejo que devuelve la imagen de un ser en busca de su propia identidad y propósito. Los versos invitan a la reflexión, a la aceptación de nuestras imperfecciones y a la celebración de nuestra singularidad.Finalmente, “La Memoria de la palabra” cierra el poemario con una visión de esperanza y renovación. Aquí, el amor se presenta como un faro que guía en la oscuridad, como un refugio en tiempos de tormenta. Los poemas en esta sección son un recordatorio de que, a pesar de las dificultades y los desafíos, cada persona se puede superar y siempre encuentra la manera de renacer y florecer, trazando nuevos caminos hacia la felicidad y la paz interior.Una obra que invita al lector a sumergirse en un océano de emociones, a descubrir la belleza en la vulnerabilidad y a celebrar la fuerza del amor que, en sus múltiples facetas, ilumina nuestras vidas y nos hace verdaderamente humanos.
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Sàtires
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