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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Esta edición de la obra reunida de Américo Castro pretende rendir tributo a la lucidez, honestidad y valentía de una obra ingente que se ha visto relegada al olvido, tras haber sufrido ataques desde diversos frentes. Su tarea mitoclasta en contra de los tópicos y falsedades de la historiografía tradicional supuso una visión de la idiosincrasia particular del pueblo español dirigida no solamente a comprender mejor su pasado, sino a saber quiénes son y adónde van o deberían ir los españoles. En palabras de Juan Goytisolo, «la redefinición y rescate de la España de las tres culturas, la exquisita percepción del conflicto intercastizo en su dimensión literaria, su permanente y luminosa obsesión con el genio de Cervantes, son los temas centrales de una vasta producción que, encarada al pasado, apuntó con todo a nuestro futuro».
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En el panorama del ensayo español contemporáneo no abundan los textos dedicados a la literatura comparada, es decir, que se atrevan con el enorme esfuerzo metodológico que supone manejar, además de varias literaturas, un ingente material que aúna múltiples disciplinas, que van de las ciencias humanas y sociales a la filosofía. Podemos, pues, felicitarnos doblemente por cuanto no sólo presentamos uno de los ensayos más ambiciosos y exigentes que se hayan escrito en nuestro país en los últimos años, sino porque su autor, Claudio Guillén, es una autoridad en la materia, reconocida internacionalmente. El índice de Múltiples moradas bastaría ya para seducir tanto al lector curioso como al especialista, pues por sus páginas no sólo desfilan los grandes nombres y las tendencias o estilos de la literatura universal, sino que la mirada crítica del autor es capaz de iluminar territorios específicos de las humanidades: el dolor del exilio en la literatura, el surgimiento de la noción pictórica del paisaje, la idea de la obscenidad en el erotismo clásico, la evolución del género epistolar, el nacimiento de los nacionalismos literarios. . . «Lo que me ocupa es la historia literaria, lo que me preocupa es la forma de pensarla», escribe, en efecto, Guillén en el prólogo. «Creo que esta forma, lo repito, es una experiencia común, errante, vagabunda, compartida con muchos, desarrollada en varios campos por los historiadores, críticos investigadores, no todos contemporáneos, que más admiro y a los que todo debo.»
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El exterminio ha inaugurado en su imposible posibilidad, en su inmensa e insostenible banalidad el después-de-Auschwitz (en el sentido en el que lo interpretara Adorno). Celan: la muerte es un maestro que viene de Alemania. Se trata de la imposible posibilidad, de la inmensa e insostenible banalidad de nuestro tiempo, de este tiempo (dieser Zeit). Podrá uno mofarse permanentemente de la miseria», pero somos los contemporáneos de aquello: la culminación de lo que Nous y ratio, como Logos-armazón, todavia hoy (heute), de lo que somos-, по habrán podido evitar significar: que el asesinato es lo primero con lo que hay que contar, que la eliminación es la forma más segura de identificación. Sobre este fondo sombrio, aunque de luz, se alza por doquier la realidad que no alcanza más que a lo inmundo de un mundo en adelante mundial. Dejando a un lado los acontecimientos más evidentes, nada, ni tan siquiera la más simple, la más desoladora de las historias de amor, podrá sustraerse a esta oscura condición de la época: cáncer del sujeto, ego o masas. Negario con el pretexto de no caer en el pathos, es puro sonambulismo. Transformario en pathos, para hacer todavia arte (sentimiento, etc.) es inadmisible.La pregunta que quiero plantear la más brutal posible, quizás odiosa es la siguiente: Pudo Celan, no tanto situarse, sino situarnos frente a eso? Estaba todavía la poesía y si era asi, qué poesía, qué como acto de poesía capacitada para ello? No deja de ser una forma. en retroceso (y retrocediendo ahora un gran número de peldafos. replegándose sobre aquello mismo que estuvo en su origen), de repetir la pregunta de Hölderlin: Wozu Dichter...? En efecto, para qué?
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Cinco poemas largos y unitarios conforman este Libro de los trazados, cinco partes que, con una impecable estructura interna, dibujan magistralmente el trayecto de un aprendizaje y una aceptación, según esa «asombrosa capacidad de Vicente Valero», como dice Antonio Gamoneda, «para la conversión del pensamiento y el lenguaje discursivos en pensamiento y lenguaje poéticos». El libro se inicia con un ascenso solitario («La subida») por el bosque, entre acantilados, persiguiendo aprehender esa celebración interminable que es la primavera, su magisterio fértil, en una original –,y paradójica–, reinterpretación de la misma como estación última, como conquista final. «Taller de paisajistas», la segunda composición, ofrece, disfrazada de lecciones de pintura, toda una poética: cómo el arte consigue acceder a los secretos de la naturaleza, cómo puede rescatar también el poder sugestivo de sus luces y colores. El punto de inflexión se produce en la tercera parte del libro, «Curva en el camino del bosque», donde la injerencia del dolor y la muerte trastoca la visión de las cosas, ahora ya más inhóspitas, aunque siempre en los límites de un mismo paisaje, cuyo emocionado recorrido es también una forma de consuelo. En «Voces para una danza infinita», el refugio lo ofrece la identificación panteísta entre el alma y la naturaleza, esta vez representada por la noche y la lluvia. Mientras que es la última parte, «El río», la que le descubre al sujeto poético –,a través de una corriente que es mero fluir inevitable, pura forma inaprensible–, una aceptación, una sabiduría, entre la desolación y la promesa. Cinco trazados diferentes que nos invitan a celebrar la naturaleza, el arte, la vida.
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Piezas poéticas, epigramas, soleares, greguerías, aforismos, apotegmas, proverbios, aerolitos, paremias, sentencias,máximas, décimas, doloras, humoradas, haikus, tankas...Toda literatura breve tiene cabida en esta antología de 100 autores antologados por el maestroEnrique Gracia Trinidad y la editora Alicia Arés.Esta antología reúne a 100 autores esenciales dela liteatura contemporánea en castellano y su obra breve, es decir, piezas poéticas, epigramas, soleares,greguerías, aforismos, apotegmas, proverbios, aerolitos, paremias, sentencias, máximas, décimas, doloras,humoradas, haikus, tankas...En el caso de los poemas, los textos breves son sin duda un plato muydeseable. No porque la poesía deba ser breve, que noes el caso, ni por aquello de «lo bueno si breve, dos veces bueno», sino porque la condensación que ya lleva en sus entrañas lo poético, se engrandece con lopequeño —perdón por jugar al oxímoron—, y esa condensación extrema, ese ir al grano y evitar la paja, lo agradece mucho el buen lector que se sitúa rápidamenteen la reflexión, en la complicidad y en la suspensión de ánimo, extremos que siempre convienen a la lectura poética.Por cierto, si alguien piensa queeste libro es un poco cajón de sastre, tiene toda larazón, pero no olvidemos que sin todo lo que los sastres llevan en su gaveta terminaríamos más bien desnudos y no es el caso. Usemos estas páginas para ayudarnos a vestir, si no nuestras carnes, sí nuestra fantasía, nuestro ingenio y nuestras emociones.
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Una cosa que es fue publicado por primera vez en 1997 en los Estados Unidos y se compone de poemas inéditos escritos por Robert Lax a lo largo de los años setenta. Precursor de la generación beat, místico y uno de los referentes principales del minimalismo lírico, su trabajo se enmarca en la tradición de vanguardia norteamericana: una generación de artistas como John Cage, William Burroughs, Thomas Merton o Ad Reinhardt. La filosofía cotidiana, la meditación y la realización artística personal son la esencia de un trabajo en el que se alterna una lírica de corte narrativo con otros poemas en los que la economía de medios está al servicio de un arte: el arte de contar las cosas simples de la manera más simple. Los grupos verticales de sílabas, son, en palabras del propio Lax, «un desenredo lento y paciente de la canción interna y eterna del alma», las repeticiones de palabras proporcionan un sentimiento de serenidad, y no es extraño que se haya querido ver en ello un modelo para la práctica de la meditación o la disciplina espiritual.
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El vuelo de la luz es un homenaje poético que recorre las fronteras, la soledad, el tedio y el sueño, pero sobre todo, el amor, por lo tangible y lo intangible.El vuelo de la luz, que habla desde adentro, desde el corazón, desde la furia de vivir, desde la búsqueda que no cesa, que es incómoda, sincera, atropellada. Pero también habla hacia afuera: en busca de la luz, de los otros, del temblor del paisaje. Dice: “Escribo porque no pertenezco a nada”. Y a la vez pertenece a todo: a la frontera, a la soledad, al tedio, al sueño, al delirio, a la impaciencia (“el tañido impuntual de la impaciencia”) y, ante todo, al amor. Ese amor por lo inmediato, por las pequeñas cosas, por México, que ha sido la gran revelación de su vida, por las mujeres, por esa Giselle a la que le pide: “Léeme” cuando quiere decir, tal vez, “Ámame”. Este es un libro sobre el abismo, el silencio y sus signos, la aventura a campo abierto (que, como la palabra, “duerme en el llano de la razón”), las heridas de la carne y el deseo de volar por los aires con la espada del lenguaje entre los dientes.
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«Escribía con una letra pulcra, redonda y firme. Unacaligrafía cuidada, tinta violeta, en folios y cuartillas de papel grueso que tenían en el encabezado un monograma con sus iniciales, S, Z, convertidas en sello, en divisa. Era educado, cortés, mirada inquieta, yen su rostro, tez clara y gesto relamido, destacabaun flequillo lacio sobre la frente y el bigote poblado, grave, de una formalidad administrativa»
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Perifèries
Premi de poesia Creu Verda de les Festes de la Serra 2016 de Montblanc.Perifèries és un viatge de l’interior a l’exterior, on es parla de l’amor, de l’absència, la fugacitat, la memòria i la cerca. Les Perifèries són enllà dels límits, de les fronteres, allà on tot és més fràgil i intens. L’espai que cal ocupar i transgredir. Tot i tothom té les seves pròpies Perifèries per a franquejar.Un poemari, bàsicament urbà, amb poemes narratius i atmosfèrics que beuen de la influència del llenguatge cinematogràfic i pictòric.
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Poesies musicades d'Eulària Anzizu
Els compositors de la música de les sis poesies d'Eulària Anzizu que s'ofereixen en aquest llibre van ser coetanis a ella: Gaietà Casadevall fou compositor, pianista i organista. Va compondre obres de música religiosa, cançons d'àmbit profà i diverses peces per a piano. Va musicar, també, molts poemes de Jacint Verdaguer. Robert Goberna i Franchi va formar-se musicalment a l'escolania de Montserrat. Va compondre moltes obres religioses, així com obres corals profanes, música de càmera i cançons, i una notable producció de composicions per a orgue. Josep Masvidal es formà amb A. Barba. Fou ordenat sacerdot i va ser mestre de capella de l'església de Sant Pere de les Puel·les i, a partir de 1895 i fins la seva mort, de l'església del Pi, ambdues de Barcelona. L'obra conservada és religiosa i fou molt editada. Isabel Güell López, marquesa de Castelldosrius, era cosina d'Eulàlia Anzizu. Es formà amb el compositor de càmera de la família Josep García Robles, i a París amb l'organista Eugène Gigout. Va compondre nombroses obres, entre les quals una col·lecció de cançons sobre textos de Jacint Verdaguer, també compongué música de càmera i religiosa.
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Mientras escogía los poemas que figuran en esta edición, advertí una peculiaridad temática en la que nunca había reparado y que, si bien no es en absoluto infrecuente, a mí me pareció bastante llamativa. Ignoro si se trata de un hábito naturalmente adquirido o de una usual variante de la ley de las compensaciones, pero el caso es que conforme avanza en el tiempo mi obra poética, se van intercalando con mayor asiduidad las cuestiones amatorias, ya sea en términos directos o tácitos. Tal vez por eso no sólo he seleccionado los poemas que remiten explícitamente a asuntos amorosos, sino también aquellos que lo hacen de un modo más o menos elusivo. El ya largo trayecto que separa mi primer libro (Las adivinaciones, 1952) del último (Diario de Argónida, 1997), marca definitivamente una correlación más bien asimétrica entre el paso del tiempo y las estancias naturales del erotismo. Supongo que eso es una consecuencia no ya biológica, sino vinculada a la propia graduación expansiva de la sensibilidad. En todo caso, quizá sea ése un buen pretexto para buscarle algún dispositivo regulador a la presente antología, si es que ésta necesita realmente de una condición distinta a la de su propio trámite editorial. (De la Nota del autor)
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Macedonio. Fernández (Buenos Aires 1974 - 1952) es uno de los grandes renovadores. de la literatura hispanoamericana.. . J. L. B.
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Molt de conte!
Aquest recull aplega quaranta-un contes breus per a joves i per a no tan joves. Contes en què als protagonistes, personatges normals i corrents, els passen coses habituals, és a dir, fantàstiques. Contes tendres que poden ajudar a desxifrar la complexitat de les emocions i de les relacions humanes. Contes carregats d'humor i amb un llenguatge planer, però a la vegada ric, que arriben als joves i els enganxen des de la primera frase fins al sorprenent desenllaç que tenen la majoria d'aquests relats.El llibre té el valor pedagògic afegit de l'apartat final ''Per pensar d'un minut a una hora'', en què l'autor planteja tres preguntes per a cada conte per tal d'ajudar el lector a aprofundir o debatre els temes tractats: la sorpresa, el fàstic, la por, l'amor, l'ego, l'empatia, la vida, la mort, la solidaritat, el respecte, la gent gran, el culte al cos, les discapacitats, la hiperactivitat, les adopcions, la música, la lectura, la comunicació, la tecnologia, l'ecologia, els reality shows, el dret a decidir, la feina, l'èxit, les crisis de parella o les relacions entre pares i fills.Una obra ideal tant com a lectura individual o compartida.
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Esta antología: Leonar Cohen, A mil besos de profundidad, celebra los cincuenta años de la obra musical y poética del bardo canadiense, recogiendo sus mejores canciones y poemas a lo largo del período que va desde su primer libro de poesía, Comparemo
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«TODO el mundo culto sabe hoy que Mallarmé (1842-1898) acertó al llevar el verso clásico a un grado de perfección sonora, de belleza plástica e interior, de poder mágico que aún no había alcanzado, y creo que no alcanzará otra vez». ANDRÉ GIDE.
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No es exagerado decir que de todos los libros de Lêdo Ivo es Rumor nocturno el que mejor resume todos los tonos de su poesía, y no son pocos. Lêdo Ivo es el atónito observador de los desmanes de la sociedad contemporánea, del sufrimiento de la naturaleza herida. Su poesía es un paisaje en el que la floresta resiste frente al avance de los yates abarrotados de banqueros, de las excavadoras, del desconcierto. Una poesía que sabe que en último término, pese a todo y con La Fontaine, todo el universo obedece al amor. Una poesía a la vez carnal y espiritual que sabe que hay preguntas que no tienen respuesta, pero también que el secreto de la vida es aprender a convivir con ellas, a ser nosotros mismos un equilibrio entre dos signos de interrogación.
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En una carta a Joë Bousquet, Simone Weil confesaba su deseo de ser considerada una poetisa antes que una filósofa. Su obra poética, sin embargo, se reduce a un puñado de poemas, reunidos en esta edición. Los primeros, poemas de juventud, son ante todo un ejercicio formal donde prima la intención estética sobre los contenidos, aunque ya revelen las inquietudes sociales y políticas de su autora, y muestren su tendencia a trasladar una realidad liberada de toda fantasía. Los poemas últimos («Los astros», «El mar», «Necesidad» y «La puerta»), escritos en Marsella entre 1941 y 1942, elaboran las ideas que más ocuparon a Simone Weil —necesidad, obediencia, voluntad, espera—, y representan una especie de epítome de su pensamiento. Con Venecia salvada, drama incluido también en este volumen, pretendía Simone Weil recuperar el estilo de las tragedias clásicas griegas que tanto admiraba. Comenzó a escribir esta tragedia en 1940, y continuó trabajando en ella hasta su muerte, quedando la obra finalmente inconclusa. Trataba ahí de «retomar por primera vez desde Grecia la tradición de la tragedia en la que el héroe es perfecto», narrando el sufrimiento del ser humano sometido a la necesidad impenetrable, que lo impulsa a realizar actos que él mismo acaba aborreciendo, lectura también del sentido último de los actos generosos, donde el que así actúa expone su alma desnuda a toda herida
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Después de publicar Las flores del mal, de Baudelaire, y Poemas, de Verlaine, completamos con esta antología bilingüe la serie que hemos dedicado a los poetas malditos. Tal vez Rimbaud sea «el gran maldito» su vida y su obra han estado rodeadas de misterio, lo que ha agigantado su figura y es, sin duda, el poeta sobre el que más páginas se han escrito. Hemos elegido como título «El barco ebrio» porque creemos que este poema es muy representativo de la obra y la vida de Rimbaud, tan alejadas ambas de las costumbres burguesas y de sus normas paralizantes, tan deseosas de infinito y de luz. La tempestad bendijo mis desvelos marítimos. ¡Diez noches bailé, más ligero que un tapón de corcho, sobre el oleaje, al que llaman eterno embrollador de víctimas, sin añorar el necio ojo de los faros! En esta ocasión, es la pintora Alicia Martínez quien ha entablado diálogo con el poeta y, así como la obra de Rimbaud es muy rica en matices y contrastes, también lo es la interpretación plástica de los poemas y las técnicas utilizadas por la ilustradora.
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Dentro de la amplia y rica trayectoria de la parodia teatral en España La venganza de don Mendo es la obra maestra del género: Muñoz Seca supo aquilatar en ella los procedimientos característicos del disparate cómido o el astracán para ofrecernos una divertida burla del teatro más aburrido y presuntuoso de su tiempo. La obra, divertida e ingeniosa en extremo, encierra un mensaje duradero que siguen apreciando las generaciones actuales, como demuestran sus reiteradas reposiciones en los escenarios españoles.
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En José Martí confluyen el artista, el pensador y el hombre de acción, lo que ha contribuido a que su figura y su obra se hayan convertido en símbolo y en bandera objeto de variadas interpretaciones. Martí, en consonancia con su ideal político, también era un revolucionario en el arte.
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Esta es una novela que implica al lector desde la primera frase. La acción comienza con el asesinato de un miembro de la comunidad homosexual que iba a salir del armario. El caso llega a manos de Gianna Maglione, teniente de la policía de Washington y jefa de la Unidad de Crímenes del Odio, departamento encargado de los asesinatos motivados por raza, sexo o religión. Para la teniente Maglione, una mujer con raíces italianas, independiente, fuerte y con gran instinto policial, el caso le llevará hasta un desenlace laberíntico y sorprendente. Paralelamente, la periodista Mimi Patterson, reputada investigadora, tozuda y defensora de las minorías, será la encargada de narrar quién y porqué ha cometido estos asesinatos. Pero la vida de ambas se cruza en el camino de la investigación y entonces surgirá una interesante disyuntiva entre la vida privada y pública de las dos mujeres. La historia se desarrolla cronológicamente y con una fecha muy clara, ya que la persona que comete los asesinatos lo hace el mismo día del mes. Esto hará que las dos protagonistas aceleren sus instintos en busca del/la culpable antes de que vuelva a matar. La novela trata el tema de la homosexualidad, no sólo femenina, desde diferentes puntos. Estarán presentes las relaciones con la iglesia, la diversidad étnica, el matrimonio y los cambios que se han producido en la sociedad con respecto a los gays y lesbianas. También plantea la libre elección de salir o no del armario. Esta es la más importante reflexión y el mensaje que la autora quiere transmitir. La relación entre la jefa de policía y la periodista son un contrapunto al relato de los crímenes. Ambas, por su obsesión con sus trabajos, sufrirán con una relación que les hará plantearse cuáles son sus prioridades. Una novela llena de intriga y pasión.
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Para Benjamín Prado (Madrid, 1961) la creación literaria es una dedicación casi obsesiva, y así su obra incluye igualmente libros de poemas (el último, el titulado Iceberg), relatos o artículos, que diversas novelas, biografías y ensayos. Miguel García-Posada ha señalado el entusiasmo por la poesía y la pasión vital que rezuma la obra poética de Prado, y destaca su fervor por la condición memorable del poema añadiendo: «Prado busca ante todo que su poesía sea canto, lírica, canción».
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La mezcla de lo serio y lo cómico constituye uno de los puntales característicos de la comedia española que bien supo anotar Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias. Una combinación que traspasaba los límites del drama escrito para conformar la médula de lafunción teatral desde el siglo xvi hasta el xix, donde en alternancia con la obra principal ?una obra seria? se incluían piezas breves ?obras cómicas? entre jornada y jornada. En este ensayo, el autor nos acercaa la cultura teatral peninsular desde la perspectivaburlesca. El estudio diacrónico de la parodia en laliteratura dramática española de los siglos xviii, xix y principios del xx es, pues, el objeto de análisisy estudio de este capítulo de la historia del teatroen España, cuyo compendio encontramos en el Manolo (1769), de Ramón de la Cruz, y La venganza de don Mendo (1919), de Pedro Muñoz Seca, que abren y cierran dicho ciclo. De carcajadas, complicidad con el auditorio, excelencia artística y diálogo con los clásicos ?un diálogo de broma? es de lo que trata este libro. Habla de esta forma de entender los escenarios, desde la modestia de unos textos humildes cuya única pretensión era hacer reír al espectador con lo que antes lohabía hecho llorar. Porque era ahí, en esos contrastes entre lo alto y lo bajo, en esas caricaturas del teatro grande, hipérboles llenas de bobos, simples, graciosos, pícaros, gitanos, ridículos antihéroes ?gentes siempre marginales?, donde se refugiaba una parte de la esencia misma de la tradición escénica peninsular, tan presente desde sus mismos orígenes celestinescos. Finalmente, este libro se propone como un ensayode catálogo abierto, que se acompaña de una cronología que atiende no solo a los grandes movimientos literarios de estas dos centurias, sino también a las importantes transformaciones en el sistema de producciónque sufre el espectáculo dramático en ambos siglos ysu epígono hasta las primeras décadas del xx, esto es, la fractura de los dogmas neoclásicos, la apariciónde la burguesía como público y el teatro por horas.
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