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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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«Yukio Mishima ha pasado a nuestro universal recuerdo por haber sido el escritor japonés que, con mayor decisión y manifiesta evidencia, defendió la pureza de la cultura tradicional japonesa. De hecho, al querer dejarle al mundo un testimonio fiel de semejantecompromiso, rubricándolo en sangre, llegó a asumiry realizar en sí mismo una de las muertes voluntariasmás inimitables que han existido: el seppuku.El 25 de noviembre de 1970, al mediodía de una soleada y fresca mañana, se abre el vientre con una espadacorta muriendo al poco, conforme al ritual antaño practicado por los guerreros samurái durante generaciones».Estas palabras de Isidro-Juan Palacios nos adentran en una vibrante biografía que busca interpretar a Mishima desde nuestro mundo, desentrañar a este escritor convertido en hombre de acción que habíanacido aún en un Japón premoderno y que luego vivió en un Japón occidentalizado tras el desastre de la Segunda Guerra Mundial. Muy pronto se las ingenió para darle la vuelta a esta adversidad impuesta, tanto en su fuero interno como en el hacer de su vida pública,y sorprendió a todos. De ello trata este libro. De unmisterio envuelto en arte.
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SOÑOS DE PIRATA é o meu terceiro libro. Ve a luz nuns momentos escuros, tristes, cheos de inquedanzas no conxunto da sociedade, onde o día de mañá non é para moitos e moitas, nin moito menos, un momento de ilusión, senón máis ben o contrario. Mais aínda así este poemario fai un chamamento á ilusión e á esperanza, a non deixarse vencer. Segue a ter un alto contido social e de loita continua, así como o recoñecemento da muller galega na vida e desenvolvemento do País. Atrévome a tocar un tema aínda tabú, a DEPRESIÓN, que segue a ser unha enfermidade tabú e que avanza a pasos axigantados nunha sociedade deshumanizada, que despreza a súa propia casa, a TERRA, e non se decata que a terra nun chisco nos pode sacar do medio. SOÑOS DE PIRATA é, pois, un poemario que chama á ilusión, a ver a Luz aínda nas peores situacións. Espero vos guste, e se vos axuda a coller forzas nalgún momento difícil da vida, pola miña parte énchome de orgullo. Conta coas fotos da excelente fotógrafa coruñesa Ana Ruiz, como forma de plasmar de forma visual as alegrías, temores e medos da vida. MOITAS GRAZAS. Salvador Ribadomar
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Desde la compra de una máquina de escribir, una mesay una silla en 1968 hasta la decisión de contratar aPatricia Highsmith, a Tom Wolfe, a Carmen Martín Gaite, a Martin Amis o a Ryszard Kapuscinski, el libro sumerge al lector en la agitación diaria de Anagrama através de las cartas de Herralde a autores, agentes,críticos, periodistas y colegas desde la fundación dela editorial y hasta el año 2000.
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Somos aquello en lo que decidimos perder el tiempo. Estos poemas no hablan del arrepentimiento sobre algo que se ha ido y se quiere recobrar, sino que celebran el tempus fugit y afirman que es precisamente esa pérdida y su observación lo que nos constituye. Este libro explora nuestra manera de relacionarnos con el tiempo: el pequeño intervalo en que tarda en bajar un ascensor o en llegar un autobús, las horas dedicadas a las preguntas de la vida, los minutos de meditación sobre las ausencias, los instantes en que es posible celebrar la amistad y el amor. Decía Pessoa que ''Perder el tiempo comporta ya una estética'', idea que ha guiado al autor en la construcción de un poemario que revela una sensibilidad e ingenio singulares. Este segundo título consolida a Guillermo Marco Remón como un poeta innovador, en el que los recursos de la tradición se combinan para dar nuevas formas y temas. En el último poema este libro proporciona, además, la respuesta al sentido de la vida.
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El corazón es una achura que no se vende, dirá la poeta, como un artificio de poder, casi un mantra que se desprende de sus aullidos como la carne de los huesos, como el aire sucio del pulmón, como un universo que se resquebraja y de sus grietas emerge una raíz sólida para hacer la paz con el olvido. Los poemas reunidos en este libro conforman una liturgia propia y lábil: la de creer una y otra vez en la potencia del amor.
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Desde el cielo de mi boca es un vestido, un traje que se ajusta a toda piel, a todo cuerpo, a toda estación de la vida, al umbral de cualquier entrada. Es un balcón con vistas a recuerdos fugaces y un viaje a la nostalgia del amor fallido. Isel Zahor nos ilumina sobre el arte de saber echar de menos. Desde la mirada de quien sabe reconocerse en las victorias y en las derrotas, este es un libro sobre ser capaz de echar abajo las paredes y viajar hasta quien queremos. El lector encontrará aquí un hogar al que siempre acudir cuando no pueda recordar de dónde viene o hacia dónde va. Es este un poemario sin antojos ni falsedades, enunciado desde una mirada que no emite juicios, sino verdades.
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L'illa del tresor
Quan el jove Jim Hawkins descobreix dins el bagul d'un vell mariner un mapa que condueix a un tresor enterrat, s'inicia una de les aventures més apassionants de tots els temps. A bord de l'Hispaniola, en Jim s'endinsa en un viatge ple de perills, intrigues i traïcions, amb el carismàtic i ambigu John Silver com a guia i adversari. L'illa del tresor és molt més que un relat d'aventures: és una història sobre la cobdícia, el coratge i la pèrdua de la innocència, que continua fascinant lectors de totes les edats. Amb una prosa viva i un ritme impecable, Stevenson va crear el model del gran llibre d'aventures modernes i un mite literari que encara brilla com un tresor a l'horitzó.
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Peter Pan
Hi ha un lloc on els infants mai no envelleixen i on els somnis esdevenen reals sota les estrelles. És el País de Mai Més, i només cal seguir en Peter Pan per arribar-hi. Amb ell, la Wendy i els seus germans descobreixen un món d'infants perduts, indis, fades que brillen com espurnes i pirates governats pel temible capità Garfi. Enmig de vols nocturns i aventures perilloses, sorgeix una pregunta que mai no deixa de fascinar: créixer és guanyar o perdre? Entre màgia i melangia, Peter Pan ens convida a creure en l'impossible i a recordar que, mentre guardem la flama de la imaginació, sempre hi haurà un racó secret on encara és possible volar.
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Esta adaptación de Cyrano de Bergerac mantiene la esencia del original, pero con un argumento muy actual. Marc, un joven para quien Internet es la única realidad, emprende un viaje vital en el que aprenderá a valorar experiencias que no viviría nunca en la pantalla de un ordenador. Una obra que combina espíritu aventurero, luchas de espadas, comedia y nuevas tecnologías.
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La última función de Silvia K.
Ella no creía en el matrimonio por amor. A él solo le importaba su invernadero y mantenerse fuera de la sociedad. ¿Serán capaces de mantenerse firmes en sus ideales?A pesar de ser la mayor de sus hermanos, entre los planes de Elizabeth no encajaba un matrimonio inminente. Tenía claro que, a largo plazo, era lo lógico para una mujer de su clase, y en ese siglo, pero, al igual que estaba convencida de ello, también sabía que nunca se casaría por amor. Había presenciado el sufrimiento de su madre tras la muerte de su padre, y se juró a sí misma que jamás se enamoraría.Con lo que no contaba, era con los tejemanejes de su abuelo.De la noche a la mañana su futuro la situó lejos de Londres para casarse con... ¿el duque de Peachwood?Un hombre que, desde el fallecimiento de su esposa e hijo, en extrañas circunstancias, no había vuelto a aparecer en sociedad. Se había recluido en el campo y no se relacionaba con nadie.Su única obsesión, según los cotilleos de los salones londinenses, eran los melocotoneros que tenía en su invernadero.
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De tripas corazón de Lucía Patiño es un libro conmovedor, lleno de fuerza, de tristeza, de ternura, de ironía. Es un libro sobre la materia que somos, en donde las palabras son ''la luz al final del poema'', es decir, en donde la poesía es la manera que encuentra la poeta de habitar un cuerpo frágil, quebrado, con una piel rota y unas palabras que también se parecen a la piel, pues logran cicatrizar las heridas. Estos poemas son las cicatrices, o la marca de esa fortaleza en la fragilidad. Es un libro sobre lo que es tener cuerpo, un cuerpo enfermo. Sobre el dolor físico. Sobre la brecha entre la poesía y el lenguaje médico, aparentemente objetivo, científico, que también se llena de potencial poético al pasar a través de esa conciencia doliente. Porque el dolor es único e intransferible. Y es lo más humano, lo que nos hermana. Allá donde el dolor no se entiende, la palabra llega a preguntarse si somos nuestro cuerpo, o nuestro nombre, o algo a medio camino entre nuestra materia y nuestras palabras, si somos nuestra voz. Esta es una voz que pasa a través del dolor y lo transforma, lo convierte en poesía. Aquí la poesía nos sacude. Nos ayuda a sanar.
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Novelas como ''Luna de lobos'', ''La lluvia amarilla'' o ''Escenas de cine mudo'' han llevado a Julio Llamazares a ser reconocido como uno de los narradores más relevantes de la literatura española contemporánea. Sus inicios, sin embargo, se dieron en el terreno de la poesía con ''La lentitud de los bueyes'' (1979) y ''Memoria de la nieve'' (1982), dos libros en los que laten las preocupaciones vertebrales de toda su obra. Su lírica persigue la recuperación de las raíces culturales de un universo rural y mítico a través de la descripción épica y romántica del paisaje, de sus costumbres, de sus leyendas y de sus pobladores. Con esta historia silenciada dialoga el hablante lírico al imprimir sobre ello su propia proyección sentimental y existencial para retratar un paraíso perdido, colmado de una tristeza telúrica y de un fatalismo insuperable que nos muestra el final de una cultura milenaria.
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La vida transcurre apacible, como una coral de silencios, hasta que los inevitables contratiempos la convierten en un corro de miradas de soslayo. Solo desprendiéndose de algunas adherencias es posible encontrar de nuevo el camino. O así parece sugerirlo este poemario desprendimientos con el que su autor rememora algunas vivencias, reales o imaginarias, de su periplo vital. Las ilustraciones interpretan a su manera los versos, dejando siempre al eventual lector la última palabra. Un cierto regusto mediterráneo, la savia de una infancia rural y la pasión por la música, a juzgar por algunos de los poemas, parecen equipaje suficiente para cierta apuesta sin arras por la que se decanta el autor. Aunque algunas interrogantes puedan seguir presentes. Primer poemario de un veterano jurista cuyos versos desprenden, por encima de las contrariedades, una pasión por la vida y sus placeres primarios. Bajo el seudónimo Antonio de la Grosa esconde su identidad un veterano abogado y profesor de Universidad, aficionado a la propiedad intelectual e industrial, que se lanza por primera vez al foro de la poesía. En su haber cuenta con un puñado de obras jurídicas aderezadas no pocas veces por el tamiz de los versos. El prologuista Antonio Castán, su amigo y compañero de profesión, aclara que el autor carece de pretensiones y conoce bien las diferencias entre escribir un libro de poemas y oficiar de poeta. Le acompaña en este cambio de rumbo la pintora María Aurora Casado de Amezua, portadora también de su propio seudónimo, quien se estrena en la aventura del libro ilustrado después de una dilatada trayectoria en la que se combinan las cosas del Arte con la programación informática.
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La selva que rodea y que acecha. Carreteras secundarias y arroyos de lluvia. Una finca llamada Alegría. Vidas de quienes rara vez consiguen lo que quieren, vidas de ida y vuelta, vidas acomodadas a la violencia o que desaparecen de un zarpazo. Con su escritura, Margarita García Robayo combina existencias, espacios y tiempos porque «uno puede llenar el hueco de historias, y las historias de más huecos y esos huecos de más historias: la vida es una historia que contiene otra y que contiene otra. Uno no está condenado a una sola historia». Las ilustraciones de Powerpaola son la otra mirada que enriquece este río que nos atrapa y nos alegra al mismo tiempo.
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Forats (2a edició)
Forats aplega 33 poemes dividits en 4 seccions, ''Cau'', ''Esquerda'', ''Tall'' i ''Espiell'' que dirigeixen el subjecte cap enfora en una actitud d'acceptació. El ritme s'elabora acuradament, exempt de llenguatge culte però amb un estil net que homenatja tant els clàssics com la poesia jove actual, on l'autora aconsegueix un lloc amb aquesta obra que ressegueix lemes com la ferida, el neguit, el desfici dels cossos, la pell, la ciutat, la buidor, el parany, la mudança, les cicatrius, la màscara i el crit. Aquesta obra va estar premiada pel jurat del 21è Premi de Poesia Alella a Maria Oleart, format per Maria Cabrera, Manuel Guerrero i Lluïsa Julià. Forats és el seu primer poemari i transita de dins cap enfora a la recerca d'una identitat que s'escapoleix de definicions. De la introspecció de l'origen i fins a la mirada furtiva cap a l'entorn, encercla els traus individuals i col·lectius per tal que no s'estenguin en el buit.
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Cuando estamos en medio de la fiesta y han cortado el pastel, en lo más alto, pienso en que este momento no va a durarnos nada. Mientras el anfitrión reparte platos de una tarta grandísima, yo me detengo. Y miro a cada niño, a cada padre, y me veo a mí: nos veo, papá, nos veo. Me detengo a pensar en que hace un rato estábamos soplando tranquilos a las velas y ya nadie se acuerda, supongo que era esto el carpe diem. Otra parte de mí, como un desdoblamiento, me insiste en agarrar mi trozo de tarta y no pensar, entonces cojo la cuchara y muerdo un pedazo y cuando me doy cuenta han pasado diez años y escribo este poema. ''Quién lo diría'', de Félix Moyano. Félix Moyano (Córdoba, 1993) ha publicado Insostenible (II Premio Valparaíso de Poesía, Valparaíso Ediciones, 2017), Los amores autómatas (XXXIV Premio Andaluz de Poesía «Villa de Peligros», Diputación de Granada, 2019) y La deuda prometida (Accésit de la 75.ª edición del Premio Adonáis de Poesía, Rialp, 2022). Ha sido incluido en las antologías Algo se ha movido: 25 jóvenes poetas andaluces (Esdrújula, 2018), Piel Fina. Poesía joven española (Maremágnum, 2019), Antología de las mejores poesías de amor en lengua española (ed. Luis María Anson, 2020), Cuando dejó de llover: 50 poéticas recién cortadas (Sloper, 2021) y Prohibido fijar carteles: 30 poetas sin tierra (PUCE, 2022), entre otras.
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Un Dios Padre senil y cansado, aturdido por las voces aduladoras de los ángeles, un Jesús indolente, derrotado y en decadencia, y una María obsesionada por el sexo y cansada de ser virgen, decidirán pedir los servicios del Diablo para desatar una plaga que castigue a los hombres por sus excesos. Escrita por Oscar Panizza en 1894 y ambientada en la corte papal de los Borgia, esta obra —en la que en su día un tribunal encontró noventa y tres blasfemias manifiestas— está marcada por una poesía desbordante, negra y despiadada gracias a la cual el Diablo, creador por encargo del Sumo Hacedor de la sífilis, se convierte en el más grande exponente de la dignidad humana. La presente edición, traducida del alemán por Luis Andrés Bredlow, lleva un prólogo de André Breton y un epílogo de Julio Monteverde en el que se hace un recorrido por la asombrosa persecución que desde su primera edición hasta nuestros días ha sufrido este texto.
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Poemario del autor Aníbal Malaparte.En esta nueva compilación del poeta revolucionario Aníbal Malaparte, los fantasmas se congregan para atormentar nostálgicamente las conciencias de la juventud trabajadora, proletaria, desanimada y desempleada. Esa que se encuentra en los cafés de mala muerte, envuelta en cuero negro y rabiosa por necesidad. Esa que del amor ha conocido las mayores historias, si bien las más fugaces. Para la que los prospectos del futuro se asemejan más a esa luz al final del túnel que no es más que un tren presto a arrollarles a toda velocidad.Somos los únicos que podemos decir con seguridad que no es que pasemos de largo de la vida, sino que la vida concreta ha pasado de largo de nosotros. Con necesidades, pero sin preocupaciones, atinamos a desvanecernos en el instante de un sufrido hedonismo, a fundirnos en el abrazo de una imposible camaradería. A declarar estruendosamente el sinsentido de la existencia concreta, para inmolarnos en una bandera roja de dolor y preñada de insípida esperanza. JOSÉ LUIS GÓMEZ RAMÍREZ.
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Poesía intimista, personal y, también, social.Ciertamente, su poesía es una exquisita muestra de sensibilidad, una apuesta por la emoción y la reflexión introspectiva con ritmos clásicos y sutiles armonías. Su originalidad reside en la atmósfera que crea, la manera en la que novela el dolor y avanza por las emociones hasta llegar a la luz.
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Vicente Cervera Salinas nació en Albacete en 1961. Su obra poética consta de los siguientes libros: De aurigas inmortales (1993, reeditado en 2018), La partitura (2001), El alma oblicua (2003) y Escalada y otros poemas (2010), así como de las antologías Figli del divenire/Hijos del devenir (2013) y Panóptica (2015). Es profesor de Literatura hispanoamericana en la Universidad de Murcia y ha publicado diversas monografías y ediciones sobre temas de su especialidad. Destacan sus trabajos sobre los vínculos entre la poesía y la filosofía, habiendo obtenido el Premio Anthropos de Ensayo por su obra La poesía y la idea: fragmentos de una vieja querella (2005). «El sueño de Leteo es un canto a lo perdido, escrito con la serena lucidez que da la distancia, pero también una constancia de cómo de las cenizas de la memoria puede volver a brotar el fuego». Piedad Bonnett «Vicente Cervera agita en sus versos sensualidad, misterio y erudición. Entre el himno y la elegía, El sueño de Leteo es su mejor libro hasta la fecha. Pasen y lean a un auténtico poeta». Luis Bagué Quílez «El sueño de Leteo es fundamentalmente un libro de poemas de amor puro y romántico. Un soplo hölderliniano de exaltación y desgarro recorre los poemas de la primera parte del libro. Hay evocación del tiempo de la dicha, y dolor y resignación de un presente conflictivo y vacío. Pero la vida empuja, y paulatinamente, en los poemas de la segunda y tercera partes del volumen, de nuevo irá haciéndose la luz. El lector, al fin, emerge renovado y cierra el libro con melancolía y aceptación, conforme de que todo sucediera, y de que ocurriera como en estas hermosas páginas se dice». Eloy Sánchez Rosillo
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Coronado de sueños, escrito entre 1894 y 1896 y traducido ahora por primera vez al español, es la culminación de la etapa juvenil de Rainer Maria Rilke (Praga, 1875 - Montreux, Suiza, 1926) en su ciudad natal. Consciente desde los primeros versos de su misión como transformador de lo visible en lo invisible a través de la celebración del mundo, escuchamos ya la voz inconfundible del poeta, que a través de los 51 poemas que componen la obra nos abre su corazón de forma conmovedora. Temas como la rosa, el silencio, las fuentes, la muerte prematura o la búsqueda de una religiosidad propia aparecen ya aquí, esbozados con trazos tímidos pero genuinos, y acompañarán al autor a lo largo de su evolución estilística, como una siembra de juventud que cuidará con mimo y a la que consagrará toda una vida para desentrañar sus misterios y recoger más tarde sus frutos en forma de las Elegías de Duino y los Sonetos a Orfeo. Llevará así «por primera vez a la perfección el poema alemán», en palabras de Robert Musil, que concluía que «Rilke no fue solo una cumbre de su época, fue una de esas alturas en las que el destino del espíritu hace pie para pasar sobre las épocas».
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Lope de Vega es, sin lugar a dudas, el auténtico creador del teatro nacional español. Su vastísima producción dramática abarca todos los géneros, pero entre sus obras más emblemáticas destaca ''Fuenteovejuna'', escrita poco antes de 1619. Se trata de un drama histórico en tres actos que narra la rebelión de un pueblo contra la opresión de un señor feudal, reivindicando la justicia popular y confiando en la intervención moderadora de una monarquía legítima y justa. La obra, basada en hechos reales, ha sido interpretada como un símbolo de unidad colectiva frente a la tiranía. A partir del siglo XIX, en paralelo con los cambios políticos, ''Fuenteovejuna'' alcanzó gran prestigio, consolidado en el siglo XX. El célebre crítico Menéndez Pelayo la consideró “una de las obras más admirables de Lope”, y su vigencia sigue intacta hasta hoy.
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El miedo es un ser robusto y tremendamente inteligente, tanto que sabe disfrazarse. A veces, de hecho, se disfraza y se pone una máscara veneciana para empezar a bailar. El miedo tiene gran alcance y, como una epidemia, puede hacer sucumbir a millones de personas a la vez. Todos los días, el miedo existe, el miedo lucha y se nos cuela dentro retorciéndose entre nuestras grietas. Su forma favorita de entrenamiento es justamente esta: con una pesa hecha de hueso y corazón, el Señor Miedo hace reflexiones sobre la alfombra persa. Pero lo más grave, lo más terrible, es su facilidad para hablar cualquier idioma, porque el Miedo, al igual que el Amor, es políglota y ningún idioma se le resiste, así que... ahora yo les pregunto, ¿cómo podemos combatirlo? Pues sin duda, con la poesía. En este texto verán pues cómo afronto un momento vital difícil —mi reciente separación— usando un arma sin duda tan poderosa como el Miedo, los versos, y lo hago desde la humildad y desde la consciencia más absoluta de que se puede vencer. Todos podemos vencer nuestros temores.
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Virginia Woolf anotó en su diario que Katherine Mansfield «escribía todo el día», y este Cuentos y prosas breves da testimonio al lector de la escritura, casi compulsiva, que la neozelandesa llevó a cabo desde la infancia hasta pocos meses antes de su muerte en 1923. En la lectura de estos textos se evidencia la necesidad que tenía de poner por escrito mucho de lo que pasaba por su mente, por su imaginación, por su vida diaria. Y no descubrimos nada nuevo si señalamos su asombrosa capacidad de observación y su maestría para reproducir hasta el más mínimo detalle, de su magnífica capacidad para hacer visible un ambiente determinado y transmitirlo sin necesidad de muchas palabras.El volumen que presentamos recopila, por primera vez en español y en orden cronológico, tanto los relatos que la autora publicó en vida en diversas revistas como los cuentos y prosas breves de los cuadernos de notas, con el deseo de presentar al lector todo el material inédito en nuestra lengua hasta la fecha.Estas páginas –seleccionadas y traducidas por Patricia Díaz Pereda– acercan al lector al universo creativo de Mansfield y permiten descubrir su evolución como escritora a la par que intentan completar el retrato literario de una de las grandes innovadoras y maestras del relato corto en lengua inglesa.
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Hombre de vida asendereada y de múltiples ocupaciones por razón, sobre todo, de su voluntad de ascender en la escala social, Pierre-Augustin Caron, más conocido como Beaumarchais (1732-1798), dejó, con todo, dos obras dramáticas magistrales: El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1781). En El barbero de Sevilla, como nos explica en su introducción Mauro Armiño, el genio del autor consiguió hacer de una intriga y unos personajes trillados una comedia absolutamente original en la que destaca la fuerza que supo imprimir a todos los personajes, pero sobre todo al conde Almaviva y especialmente a Fígaro, heredero del criado de la comedia clásica que alcanza la categoría de protagonista en igualdad de condiciones que su antiguo amo, y en el que cristaliza una de las grandes creaciones de la tradición dramática europea.
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Pocos libros, y menos aún tratándose de poesía, han alcanzado la difusión de Veinte poemas de amor y una canción desesperada. Expresión de sentimientos universales y siempre vivos, de una diversidad de manifestaciones amorosas, esta obra de Pablo Neruda, pese a haberse convertido con el paso del tiempo en una obra clásica, conserva intacta, como afirma certeramente Jorge Edwards en el prólogo que la antecede, «su magia secreta, contagiosa y peligrosa».
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El último libro de uno de nuestro poetas más imprescindibles: Elegía en Portbou.Elegía en Portbou es un libro estremecedor, de una gran altura estética y emocional, en el que Antonio Crespo Massieu indaga en la memoria de más de medio siglo de derrotas y esperanzas. En el dolor, sin duda. Pero también en los actos de bondad y de resistencia. El poema es espacio de acogida, de salvación de tanta vida aniquilada. En su afán de totalidad pretende ser testamento personal y colectivo, levantar acta de una biografía y de un espacio histórico: el que va desde la derrota del 39 hasta el final de la dictadura y nuestro mismo presente. La palabra nombra en este extenso poema, inacabado y abierto por su misma pretensión, las heridas del siglo XX, quizá el más cruel de la Historia. Crespo Massieu rescata las voces perdidas, los nombres olvidados, mediata acerca de la vida y la muerte y nos sitúa ante la indecible belleza que se contempla desde el blanco cementerio de Portbou.
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'La lluvia es el llanto del desvelado''. Con esta sentencia, el poeta abre las puertas de un universo nocturno, desgarrado, compuesto por poemas y prosas que laten, que fluyen como ríos oscuros a lo largo de esta obra en la que se contempla el insomnio desde numerosas perspectivas, hermanadas todas ellas por la soledad. A través de metáforas, se va construyendo un mundo singularísimo en el que los besos no dados se transforman en gritos y el miedo en un gigante. Porque, desde el insomnio, la realidad adquiere tintes surrealistas y la conciencia del poeta despierta ''caliente como una bestia''. El poeta lanza su corazón a los leones y no cuenta ovejas, sino caballos crepusculares, y se niega a dormir para no despertar sin conocer el nombre del verdadero amor. Christian Zurita Estrella se sirve de multitud de imágenes sorprendentes para alumbrar con la linterna del lenguaje el paisaje interior del insomne. Juega con los signos de puntuación y con la disposición de los versos para lograr un ritmo intenso, creciente, que empuja al lector a avanzar inexorablemente por ese sueño o pesadilla dictada por la vigilia. Las numerosas referencias literarias, mitológicas y bíblicas, reflejan el amplio fondo de lecturas de un autor cuyo talento no queda desmentido por su juventud. Nos encontramos ante una obra que es temblor, sombra y latido que nos devora. MARINA CASADO
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La narrativa breve de Agustín de Foxá figura entre lo mejor que brotó de su pluma. Hasta la aparición de Misión en Bucarest y otros relatos no era fácil encontrar los cuentos de Foxá en el mercado. Era necesario rescatar esa espléndida parcela de su producción literaria. Junto a la historia principal, Misión en Bucarest, lamentablemente inacabada, se encuentran otros seis relatos tan bien urdidos como bien escritos. En Misión en Bucarest comparece el Foxá diplomático, pues la capital de Rumanía fue uno de sus primeros destinos como secretario de embajada. «Olor a cera» es un delicioso cuento taurino que responde al interés que despertaba en su autor la fiesta nacional, mientras que «Viaje a los efímeros» tiene que ver con Swift, la utopía y la ciencia ficción. En «Hans y los insectos», un especialista en exterminar insectos acaba siendo víctima de una conjura urdida por hormigas, a las que Foxá detestaba. «Satarán» aborda el tema de los grandes mitos que surgirían en América con motivo de su descubrimiento. «El príncipe Pablo» es un cuento muy decadente, en la línea de autores como Valle-Inclán, Barbey d’Aurevilly o Villiers de l’Isle-Adam. El último relato, «El lobizón», es una valiosa aportación de Foxá al mito terrorífico del hombre lobo. Son estupendos los cuentos de Agustín, conde de Foxá. Hoy resucitan de la mano de la editorial sevillana Renacimiento. Sean muy bien venidos. L.A.de.C.Unos relatos tan desconocidos como fascinantes. Una prosa excepcional.
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Los protagonistas de este libro sienten que han perdido la libertad para ordenar su propia historia dentro de otra historia que es mucho más grande que ellos mismos. La madre celosa del tiempo que su empleada de hogar pasa con sus hijos, el adolescente vigoréxico obsesionado con construir un cuerpo que lo convierta en mejor persona, el anciano judío homosexual que llora abrazado a los jerséis de su amante cuando se le rompe la lavadora... y la vida. Una colección de personajes que luchan por encajar en el relato de sus propias vidas, héroes y fracasados al mismo tiempo. Labari indaga en estos cuentos en el deseo, la diferencia de clase social o el racismo, y en las carencias de todo tipo que nos impiden descifrar nuestra identidad sin atender a dogmas o a recetas. Al contrario, enfrenta el peligroso deseo de reunir lo que es distinto a través del lenguaje y se lanza a escribir desde fronteras, palabras e idiomas nuevos.
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El nuevo poemario de la joven poeta Laura Ramos.«Antes de que comenzara el relato del mundo, dos personas se sentaron para hablar de los insectos», velan las primeras líneas del segundo poemario de Laura Ramos (Avilés, 1996). Desde ese momento se suceden personajes e historias varias, ligadas a la oralidad y a los orígenes de las cosas: expertos recolectores de remolachas sacan su jugo, robots fabricantes de libros se enamoran en su puesto de trabajo, gatos se cansan de sus melodramáticas dueñas. En el espacio del poema en prosa cabe todo: lo trágico y lo cómico, lo cómico y lo trágico. Y es que quienes cuentan esta historia bromean con acidez, o lloran mientras bromean, como es habitual en la vida. Una vida en la que, de todos modos, siempre pasan cosas bellísimas.
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Somos amputados al nacer, miembros fantasmas de nuestras madres, anticipamos el misterio de la poesía que dice lo perdido. Con esa certeza Ana Cagnoni construye sus poemas, milagro del espejo en el que volvemos a encontrarnos, en el que la completud parece una promesa realizable, al menos en las palabras que evocan las ausencias. Aquí, la poesía no solo representa una realidad tangible (lugares, personas, paisajes, objetos, seres vivos) sino que reproduce múltiples variables de lo que pudo haber sido, de la vida probable que devino en otra cosa: una mudanza, un accidente, una muerte, un nacimiento. Palabras que no solo son palabras, sino también puertas hacia las infinitas posibilidades del devenir, en un código que, sin embargo, no renuncia al realismo, sino que pretende capturar fotografías dispersas de una época, donde la fragmentación es la constante. ¿Qué tuvimos? ¿Qué tenemos? ¿Qué pudimos tener?: ''desde que me mudé de país,/ pienso que todo es un simulacro./ la granja es un simulacro de granja./ el tractor, de tractor. el desencanto./ mejor, después de todo,/ que sea un simulacro y no un error'', nos cuenta la Poeta, y en esa supuesta simplicidad, la complejidad del lenguaje y su posibilidad de representar el mundo se ponen en duda para confirmar lo que ya sabemos. Estamos frente a una poesía que escarba en lo aparente para restituirnos a lo verdadero: nuestra condición de extranjería, miembros fantasmas de lo incompleto, capaces, sin embargo, de evocar lo añorado para, de ese modo, volver a casa. CARLOS J. ALDAZÁBAL
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Soñé que era un tigre es una declaración de insolente rebeldía ante el dolor de vivir. Dentro de la tradición lírica clásica, Samé Juzó defiende que la más alta valentía es la búsqueda de la belleza, como sublime y, ciertamente humilde, justificación de la vida. La belleza como sentido vital, como moralidad, trasluce en estas páginas una sabiduría, a veces irónica, contradictoria, tierna, melancólica, desmesurada, cínica incluso, sobre una multitud de experiencias humanas, afines a toda sociedad y todo tiempo. La esperanza como fuego, la muerte como anhelado destino, la vida como osada aventura, el amor como placentero abismo, el sufrimiento como gozo purificador, la lectura como vuelo... y el tigre, ¡oh el tigre!, como arquetipo del héroe, es decir: del ser humano.
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Publicado originalmente en 1994, El libro de las siete puertas es una de las vigas maestras de su proyecto poético, concebido como un viaje iniciático a través de siete espacios fundamentales de aprendizaje: la muerte, la travesía misma, el otro, las palabras y su reverso (lo impronunciable), lo imposible, la desaparición y la luz. El resultado es una poesía ceñida, estricta, elemental, que nos ayuda a tomar conciencia del mundo y nuestro lugar en él.
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Se trata de un viaje que no presume de profundidades, sino que invita a explorar vértigos y alturas. Es, antes que nada, el viaje del goce a través de las palabras de María lo que envuelve, como un paisaje sonoro, la inquietante mirada lectora. Los poemas de Cruzamos por el ras de la montaña explicitan la importancia de la medida, el acierto de las luminosidades entre la brevedad, ¿lo pastoril? y el aforismo. Se trata de una voz singular por su búsqueda temprana entre los huecos que quedan en el sonido y el pensamiento. En las imágenes de la poeta las personas no se resguardan de las nevadas, ni los ríos refrescan. Los apelativos se esconden tímidos haciendo con ellos apariciones estelares, destellos de otros seres, de personas a las que el sujeto poético acude aun pareciendo no estar. El equipaje es el de la urgencia, escribe María «tomé de mi memoria lo que pude», no por ninguna clase de afán por la prisa. En sus poemas la urgencia construye un monolito de retales e inconexiones que invita a pensar en la memoria como un aparato retráctil, o un gamusino transitando siempre en el borde de lo real y lo onírico.
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William Butler Yeats (Irlanda, 1865 – Francia, 1939) recibió el Premio Nobel de Literatura en 1923. La poesía de Yeats es rica y diversa. Sus temas abarcan leyendas y mitos celtas y expresan su preocupación por el destino de Irlanda, dividida entre el protestantismo y el catolicismo.Se trata de una lírica compleja, pues se nutre de elementos heterogéneos: emplea rasgos surrealistas, esotéricos, románticos y simbolistas. A menudo, dentro del poema aparecen rupturas temáticas y hasta contradicciones. Hay poemas de intenso tono satírico, en otros, la melancolía resulta casi paródica. La riqueza y la multiplicidad de matices, temas y atmósferas que los poemas recrean sobrepasan todo intento de encerrarlos bajo algún calificativo. Leer a Yeats es asomarse a la historia de Irlanda y, por consiguiente, a su cancionero y sus luchas.
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