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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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«Espejo mágico dime una cosa, ¿Qué mujer de este reino es la más hermosa?»El cuento de Blancanieves, recogido en esta edición junto a once relatos más, es uno de los más famosos de los hermanos Grimm. Desde su primera publicación en 1812, no ha habido ninguna colección de cuentos tradicionales que haya influido en tantas generaciones de lectores y servido de inspiración para numerosas adaptaciones.
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«Hay que hablar sobre la muerte, por amor a la vida», escribió la poeta María Velasco. Ese es uno de los exergos que sostienen este singular poemario, casi una monografía en verso que recorre rituales, duelos, geografías y experiencias mortuorias. De la cama del hospital al cristal del tanatorio, del libro de difuntos a la urna con cenizas, de los cadáveres del Ganges a los brujos andinos, de los cráneos coronados de flores a los buitres que devoran la carne putrefacta, de los ataúdes de Ghana a las exequias jazzísticas de Nueva Órleans, de los espectros entrevistos en un cuadro de Munch a las peregrinaciones a cementerios de Mariana Enríquez: el autor de Necrópolis vierte al lenguaje poético interesantes reflexiones sobre un tema universal e inagotable.
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En este poemario se respira para vivir. Es la voz en off de una criatura dotada de alma. Un intento atávico de encontrarle sentido a la existencia, de celebrarla. En un mundo incierto sin anclajes temporales y que discurre entre el sueño y la vigilia, la alteridad de la voz poética interpela a todos los seres: ''Sin distinción entre animal o flor, en cada gota hay un yo y un nosotros''.
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Presentamos en este pequeño volumen la adaptación teatral que de El guitón Onofre de Gregorio González (Rincón de Soto, La Rioja, 1575) han realizado Bernardo Sánchez y Pepe Viyuela. Y que está siendo puesta en escena por este último en compañía de Sara Águeda.Una pieza que da a conocer las andanzas de Onofre, un buscavidas que vagó por numerosas poblaciones españolas «aspirando a una vida respetable». Un hombre de vida libre que afirmaba que «la mayor felicidad es no servir a ninguno», y que narra «la manera de vivir que tomó por no servir y cómo lo prendieron por ella».A pesar de ser considerada como la tercera novela picaresca española, tras el Lazarillo de Tormes (1554) y la primera parte del Guzmán de Alfarache (1599), El guitón Onofre no se publicó en su época, y el manuscrito estuvo perdido durante casi cuatro siglos, hasta que en 1927 fue encontrado en París en una librería de viejo. La Biblioteca Riojana la difundió en los años noventa en edición de Fernando Cabo, pero el texto original —que data del año 1604— no es muy conocido. No tardaremos en publicar también dicho original, según el manuscrito que se pudo recuperar.
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La antología redescubre la faceta más desconocida de un autor que cantó el amor desde sus primeros hasta sus últimos poemas.Al margen de su popularidad, Antonio Gala fue un autor extremadamente versátil y polifacético cuyo éxito en otros géneros -el teatro, el artículo, la novela, el ensayo e, incluso, la televisión y el cine- ha ocultado su temprana y valiosa dedicación a la poesía, reconocida pero desplazada en favor de los perfiles más difundidos de su obra. Tanto ese éxito como su propio pudor a la hora de publicar, que lo llevó a dosificar las apariciones líricas posteriores a su brillante estreno literario con el libro Enemigo íntimo, accésit al premio Adonáis de 1959, han hecho olvidar que Gala era sobre todo y ante todo poeta, condición que queda clara en cualquiera de sus páginas. Editada por Luis Cárdenas García y Pedro J. Plaza González, responsables del rescate de sus poemas de juventud, la antología Cantaré mañana todavía ofrece una visión panorámica de toda la obra poética de Gala, incluyendo los títulos menos difundidos y algunas composiciones inéditas. El conjunto permite resituar al poeta como uno de los nombres más relevantes del núcleo andaluz -tantas veces obviado- de la llamada Generación del 50, redescubriendo a un poeta imprescindible y, paradójicamente, casi desconocido que cantó, como pocos, el amor desde sus primeros hasta sus últimos poemas.
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Juan José Téllez Rubio (Algeciras, 1958) se dio a conocer como poeta con Crónicas Urbanas, en 1979, cuando experimentaba con la estética de la contracultura. Siguieron, desde entonces, colecciones de relatos, libros de ensayos, una larga carrera periodística y textos poéticos como Medina y otras memorias, Ciudad sumergida, Bambú, Daiquiri, Trasatlántico, Las causas perdidas, Las grandes superficies, Los amores sucios y, ahora, Los últimos pieles rojas. En este último libro, reflexiona sobre la progresiva extinción de las utopías que marcaron a su generación, tanto en el ámbito político como en el sentimental.
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A modo de homenaje, y sin perder nunca de vista el sentido del humor, Luis Felipe Comendador hace un repaso a un selecto grupo de poetas destinados a pasar a la posteridad. Es muy consciente de que a los grandes bardos de la rima les cuesta morir después de muertos, porque no estar complica el irse... Queda aquí, de este modo, un parnasillo particular extrañamente (in)cómodo en el que los elegidos puedan pasar su destiempo hasta el olvido y, muy al fondo, mucho, esa sensación de final de quien aún está viviendo y no acaba de hacerlo. Este libro tan original como divertido, que reclama un lector cómplice capaz de apreciar tamaño alarde de calidad y buen hacer poético, ha obtenido el IV Premio Nacional de Poesía Ciudad de Lucena Lara Cantizani
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El koyagire es un manuscrito de extraordinaria importancia en la historia de la escritura y la literatura japonesas, pues es uno delos mejores y más bellos modelos de kana renmen (escritura de más de dos caracteres seguidos), en el que se alcanza la máxi
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Ya desde el título del tercer libro de poemas, Borrar el silencio , Ana Delgado nos ofrece una audaz declaración de intenciones queentronca con su, ya manifestada con anterioridad, necesidad de alcanzar ese conocimiento de sí misma, escurridizo y sólo ac
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Llibre gris
Un llibre que pretén recórrer en un munt de versots el recorregut vital del poeta, des d'una taula parada a frec de pell, que implica el fet de viure, fins al darrer badall del món, quan un ocellot vindrà des d'algun lloc per engolir-nos i endur-se'ns cap a racons de goig i de misteri on, de fet, tot el que neix és injustament balder i innecessari.
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A través de un lenguaje oblicuo y plegado sobre sí mismo, La estúpida belleza de las deflagraciones se nos muestra como un libro que intenta poner en palabras fragmentosdel dolor de una existencia, consciente desde el principio de su abocamiento al fraca
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Cor dels amants
Una parella jove senfronta a una situació de vida o mort. De manera simultània, cada amant ens presenta versions lleument diferents dels mateixos fets. L'actual director del Festival d'Avinyó, ha reescrit el seu primer text de l'any 2007. En aquesta nova
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La mamella de Déu
Aquest poemari pretén reivindicar el dret a l'espiritualitat de la confusió: la Santíssima Trinitat es tradueix en la figura de la divinitat, de la mare i del jo poètic. La primera, la divinitat, no apareix com una guia ni una salvadora, sinó com la mare del pecat i, per tant, de la culpa. La segona, la mare, és l'encarregada de dotar el jo poètic de l'herència de la intimitat. És així com, seguint els desitjos més innocents de l'autora, La mamella de Déu es manifesta com el diàleg d'una nina petita que xerra amb una veu interior i vol creure que és Déu.45è Premi de Poesia Catalana Josep M. López-Picó de la Vila de Vallirana - 2021.
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Història d'un rei vell que tenia el nas
El rei Ruc Primer té el nas vermell de tant de veure vi. Tanta és la seua obsessió, que deixa les bótes sense ni una gota. Però, a pesar d'això, no està content i vol casar la princesa Maria amb el vinater que li oferisca el millor vi.
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Luis Antonio de Villena (Madrid, 1951) es uno de los más reconocidos escritores españoles de los últimos años. Como novelista ha merecido el Premio Azorín (1995), el Sonrisa Vertical (1999), entre otros, y como poeta el Premio Ciudad de Melilla (1997), Generación del 27 (2004), Viaje del Parnaso (2007), etc. En 1981 ganó el Premio de la Crítica. «He querido pintar la vejez y mi vejez avanzando, desde muchos ángulos, culturales, vitales, cotidianos, incluso observando las calles y gentes de mi barrio madrileño. La vejez se repite porque es el solo tema. Pero soy y he sido abogado, enamorado, defensor de la juventud. Por eso (y por contraste) las pinceladas juveniles pretenden mostrar que, solo aferrado a la pasión, al arrecho y al entusiasmo de la juventud y con juventud, logras que no se arrugue el alma. El cuerpo es torpe y sin gracia, pero el corazón que ama el exceso joven, sigue ardiendo en la vieja llama. El deseo como fármaco. Amo la juventud y detesto la vejez, ni bella, ni noble ni sagrada». Luis Antonio de Villena
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Pedro López Lara (Madrid, 1963) realizó la carrera de Filología Hispánica, a cuyo término cursó los estudios de Doctorado. Ha publicado diversos artículos y reseñas sobre temas literarios, así como numerosos manuales didácticos de Lengua y Literatura. En 2020 fue galardonado con el Premio Rafael Morales. El poemario premiado, Destiempo, se publicó en 2021, año en que obtuvo el Premio Ciudad de Alcalá de Poesía por la obra Museo (publicada en 2022). Ha sido asimismo finalista de los premios Ciudad de Badajoz, Hermanos Argensola, Tomás Morales, Juan Ramón Jiménez y Lorenzo Gomis, en todos los casos en la convocatoria del «curso» 2020-2021, único en el que se presentó a certámenes poéticos. Otros poemarios suyos publicados son Meandros (2021), Dársena (2022), Escombros (2022), Filacterias (2023), Iconos (2023), Singladura (Renacimiento, 2023), Muestrario (2023), Incisiones (Renacimiento, 2024), Cancionero (2024), Guiñol (2024), Trapecio (2024), Expiación (2024) y Escolios (2024). Con Epílogo, el autor da por concluida su obra poética y quiere, llegado a este punto, aclarar que no debe confundirse el «furor editorial» con la precipitación en la escritura: todos los poemas estaban escritos y organizados en libros antes de que el primero de estos se publicara.
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Amor a la brega (2a edició)
'Velles paraules en acció, ritmes planetaris i el foc de la celebració en deliri i en revolta. Un tornado, una ventada: ''si cou és que ens espiga''. Les paraules s'alcen com el ball, com la follia de dir les coses quan el so creix i cria, com les espigues, música i cançó. Els versos se t'enduen, t'arrosseguen, et menen a port.'' Així comença el postfaci de Mercè Ibarz. Blanca Llum Vidal conversa i fa emergir les veus de poetes com Víctor Català, Mercè Rodoreda, Palau i Fabre, Ferrater, entre molts altres. Un poemari que també és un cant al canvi històric, a la transformació radical de les coses.
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Com l'oculta flor d'un cactus
Gemma Casamajó i Solé és autora dels poemaris Bloc de notes (premi Les Talúries 1999), Terra campa (premi Jordi Pàmies 2013) i Domèstica maragda, publicat en aquesta mateixa col·lecció l'any 2022. Els seus poemes han estat recollits en les antologies Flamarades sortiran i Poetes de Ponent (de la Renaixença als nostres dies).
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Poemas habitados por figuras han sido fundamentales –el padre, la madre, los hermanos, los amigos, los enemigos– en el trayecto literario del autor, y también por referencias a su intimidad, para celebrar el oficio de la poesía como espacio de reunión y generación de vida. Vida que mata, sí, pero vida que resurge siempre atentamente y que en este libro es presentada de forma prismática, de la periferia al centro, en una tentativa por diagnosticar la época y, mediante ella, desaparecer.
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Visor de poesía Visor Libros
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Enlairaments
Seguint la pauta iniciada per l'autor en el recull de seixanta-dos sonets Cafès i àtics (2015), el present poemari és un aplec d'altres seixanta-dos sonets reivindicant la forma, la lírica i la ironia. Horitzons urbans, evocació d'estius remots, recreació del passat, reflexions sobre la vida i cavil·lacions sobre la mort.
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Este libro concilia las tradiciones culturales de Occidente y Oriente. Recoge la herencia filosófica de Epicuro y Lao-Tse, dialoga con un triple cuerpo de lecturas: las grecolatinas, las áureas y las orientales. Contrario a las convenciones sociales que impone el modelo capitalista, Adamar pondera los valores de la naturaleza, el recogimiento, la sencillez, la austeridad, el equilibrio, la serenidad y el amor.
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Anillo de silencio es el primer libro de poemas de la nicaragüense Claribel Alegría. Fue recopilado por Juan Ramón Jiménez y Zenobia Camprubí en 1943, después de el premio Nobel español la acogiera como su discípula en la capital de Estados Unidos. El libro se publica en España por primera vez.
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La imaginación sufre en nuestra época diversos hostigamientos, a los que no son ajenos la literatura y el arte. Valores comerciales ya presentes en el momento de la escritura y no sólo en el de difusión –,su lugar lógico–,, inclinan la balanza novelística hacia una estética muy próxima al “,basado en hechos reales”, de los telefilmes. Algo que no tendría nada de malo si ese déficit imaginativo, índice de un extraño retorno a la mímesis clásica, se compensase con una rica imaginación técnica y con talento al exponer ese crudo, incluso morboso, hiperrealismo. Mediante la distinción de “,gradientes”, literarios de realidad, este ensayo explica cómo el peso de lo real puede acabar lastrando las obras prosísticas hasta hundirlas. Tendencias de moda como las narrativas de “,no-ficción”, la memoria confesional o traumática, la crónica y cierta autoficción son examinados desde una teoría literaria que defiende la necesidad de comparar, que valora la excelencia en un tiempo aún posmoderno de infinita relatividad, y que detecta los modos en que los criterios comerciales devienen preceptores literarios, haciendo funcionar al mercado como crítico y rebajando la intensidad artística que siempre ha caracterizado a la mejor literatura. Vicente Luis Mora (Córdoba, España, 1970) es Doctor en Literatura española contemporánea y Licenciado en Derecho. Ha sido profesor de Literatura española en EADE (Málaga) y profesor invitado en las Universidades de Brown (Estados Unidos) y Estocolmo (Suecia). Entre sus ensayos y monografías se cuentan El sujeto boscoso. Tipologías subjetivas de la poesía española contemporánea entre el espejo y la notredad (Iberoamericana Vervuert, 2016, I Premio Internacional de Investigación Literaria “,Ángel González”,), El lectoespectador. Deslizamientos textovisuales entre literatura e imagen (Seix Barral, 2012), La literatura egódica. El sujeto narrativo a través del espejo (Universidad de Valladolid, 2013), Singularidades. Ética y poética de la literatura española actual (Bartleby, 2006), La luz nueva. Singularidades de la narrativa española actual (Berenice, 2007), y Pasadizos. Espacios simbólicos entre arte y literatura (Páginas de Espuma, 2008, I Premio Málaga de Ensayo). También editó la antología La cuarta persona del plural. Antología de poesía española contemporánea (1978-2015) (Vaso Roto, 2016), que va por su segunda edición. Ha publicado las novelas Fred Cabeza de Vaca (Sexto Piso, 2017, XXVIII Premio Torrente Ballester de Narrativa), Alba Cromm (Seix Barral, 2010), el libro de relatos Subterráneos (DVD, 2006), la obra en marcha Circular (Plurabelle, 2003, Berenice, 2007), y los libros de poemas Mester de cibervía (Pre-Textos, 2000, Premio Arcipreste de Hita), Nova (Pre-Textos, 2003), Construcción (Pre-Textos, 2005), Tiempo (Pre-Textos, 2009) y Serie (Pre-Textos, 2015). Realiza crítica cultural en su blog Diario de lecturas (http://vicenteluismora.blogspot.com).
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La muerte transita por los quince cuentos que componen La mano muerta y otros relatos de azúcar y fuego, silenciosa, casi fantasmal. A veces solo es el recuerdo de una persona fallecida, en otras ocasiones está vestida de diablo o viene acompañada de la crueldad de una guerra, de cuatro metros y medio de ola o del poder de aquellos que se olvidan de tierras lejanas, de calles de ciento veintitrés metros y barrios anodinos o de naranjas envenenadas. La muerte también es una huida cuando no parece haber otro camino posible, una ruptura sentimental, un premio que absorbe el aliento del hermano gemelo abandonado en un psiquiátrico, un adolescente que se niega a todo a las once de la mañana, un escritor famoso o los anillos de los árboles, que reflejan toda una vida. Y una biblioteca rodeada por buitres que lloran poco y tienen mucha prisa. Escritos de manera exquisita, con la delicadeza que Rafael Ruiz Pleguezuelos transmite a sus obras, incluso con elegancia y cierta vena poética, estos relatos son historias muy cercanas y a la vez lejanas, tan familiares que las encontramos en el vecino, en el hijo, en el amigo o en la noticia que leemos todas las mañanas en la prensa.
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Un diálogo ficticio -o no- con la obra de Louise Bourgeois, para cuestionarnos de qué forma impacta la maternidad en el desarrollo de una obra creativa. ¿Cuándo surgen estos poemas? No en el momento en el que los leemos, no en el momento en el que se escriben, sino en el instante en el que la artista Louise Bourgeois concibe ''Ode à Eugénie Grandet (Oda a Eugénie Grandet)'', que presentó en su última exposición. Surgen cuando Sara Herrera Peralta se cuestiona de qué forma -un modo, una intensidad también- impacta la maternidad en el desarrollo de una obra creativa, en sus espacios simbólicos y físicos, incluso en la elección de los materiales. ¿Tela e hilo? ¿Verso y brevedad, con la urgencia del apunte?Desde esa ''Oda'', desde las piezas bordadas que Bourgeois afrontó en la misma época, El piar de los pájaros y el goteo del agua que cae del techo recoge un diálogo ficticio -o no- entre la artista y Sara Herrera Peralta. La invitación a profundizar en su obra escrita y bordada, menos conocida que sus esculturas y grandes instalaciones, y la invitación al cuestionamiento del ejercicio de la escritura poética, del gesto del bordado o de la traducción, frente al confinamiento del espacio doméstico, los conflictos y las amenazas sociales, el desplazamiento, la migración o la identidad: poemas con los que conversamos -que preguntan, que escuchan, que responden- a través de la memoria íntima y colectiva, de la genealogía propia de la autora y de las imágenes del mundo que habitamos.En El piar de los pájaros y el goteo del agua que cae del techo caben poemas en verso y poemas en prosa, imágenes y prosas atravesadas por la lírica. Sara Herrera Peralta ha escrito un libro sobre las circunstancias desde las que se aborda la creación artística, con sus límites y con sus posibilidades, y sobre las dificultades con las que siempre se han encontrado las creadoras. La experiencia personal como experiencia colectiva y política: una obra de riesgo, libre y brillante.
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Coriolano condensa de un modo extraordinario las características del Shakespeare universal.Coriolano, una de las obras más políticas de William Shakespeare, ha sugerido en el mundo contemporáneo interpretaciones antagónicas. Sin embargo, no es un teatro de ideas, sino de personajes y «caracteres». Es, quizá, la última tragedia de su autor y, como tal, refleja los rasgos más característicos del Shakespeare maduro y universal, al tiempo que manifiesta una singularidad en el plano estético e intelectual que la convierten en su obra más inquietante: T. S. Eliot la consideró, junto a Antonio y Cleopatra, su mejor logro artístico. Frente a la espiritualidad de Hamlet o Macbeth, Coriolano es una obra de acción que insiste en lo material, en lo más elemental de la historia: la lucha por la supervivencia o, incluso, la mera subsistencia. Ángel-Luis Pujante, uno de los mayores conocedores en España de la obra de Shakespeare, consigue mantener en su traducción el estilo austero y el lenguaje lleno de paradojas, antítesis y dilemas de Coriolano, mientras que analiza en la Introducción el carácter de esa singular tragedia.
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Una de las obras de referencia de la poesía popular y obra cumbre de Pablo Neruda.«Veinte poemas de amor y una canción desesperada es un libro doloroso y pastoril que contiene mis más atormentadas pasiones adolescentes, mezcladas con la naturaleza arrolladora del sur de mi patria. Es un libro de amor porque a pesar de su aguda melancolía está presente en él el goce de la existencia.» Con estas palabras definía Pablo Neruda este volumen que el lector tiene en sus manos, aparecido en abril de 1924, cuando el poeta apenas tenía diecinueve años. Se iniciaba así el milagro de un texto escrito por un estudiante provinciano, bohemio, pobre y poco afortunado en el amor. Con el tiempo, el joven se convirtió en un poeta universalmente consagrado, y este libro, en uno de los poemarios más leídos, publicados y traducidos en el mundo.
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Estos poemas se fueron escribiendo bajo el presentimiento de que empezar una relación aboca a su fin. La derrota está escrita en el libro de la vida y, sus páginas, incluso las más alegres, pronostican el triunfo de la muerte, lo que es compatible con celebrar la existencia en cada una de sus levitaciones. El autor, que identifica a la persona amada con la naturaleza, apuesta por la melancolía como forma de conocimiento, e intenta demostrar que el fracaso puede ser luminoso como una hoguera. Asunto que amplifica la idea heideggeriana de que somos seres para la muerte. Así, el amor se convierte en trampolín que pone a prueba las costuras de la vida. No importa sucumbir ahogados. La muerte triunfa, pero es signo de vitalidad. Y el que no esté dispuesto a sufrir será incapaz de amar.
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Este es un poemario que tiene como eje central el Holocausto y los horrores de la Segunda Guerra Mundial. A través de versos que recorren el genocidio desde dentro, La estación de la ceniza explora la naturaleza humana y lo cotidiano en medio del caos. Las anécdotas sencillas, los paisajes desolados de una Polonia marcada por la muerte y la diversidad de voces que emergen de la tragedia, trazan un camino íntimo y humano. Lirismo alternativo, de tonalidad sombría y desgarradora, que eleva un canto épico a las víctimas del Holocausto.
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Pierre Jean Jouve (Arras, 1887 - París, 1976) es uno de los más grandes poetas franceses del siglo pasado. Su obra, marcada por el descubrimiento del psicoanálisis, constituye un intento de revelar el poder del inconsciente a través de la poesía y la novela. De su producción destacan Paulina 1880 (1925), Sudor de Sangre (1935) y Materia celeste (1937). En los años profundos (1935), texto que hoy presentamos traducido por primera vez al castellano, brinda al lector una historia de amor ambientada en los dramáticos paisajes montañosos de los Alpes suizos. La mezcla entre sueño y realidad, la puesta en escena erótica y mística confieren a este relato todo su poder de seducción, siendo considerado como una de las cumbres de la prosa poética del siglo xx.
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Emoción e imaginación: el mundo personalísimo de Laura Ramos. Un mundo tiene el nombre de Nonú. En Nonú sucede la poesía de Laura Ramos, entre las montañas y los juegos de canica, tal como suceden las vidas, las historias. Hay quien llora y quien nace, quien recoge naranjas, quien cierra los ojos «como bolitas de cristal / o de serpiente» o marca con guijarros el camino a casa, al contrario que otros cuentos.¿Y cuáles cuenta Laura Ramos en Nonú? Dos poemas cada cual con su rumbo, justo así, unas veces cruzándose y otras bien lejos. ''Igual que él yo era una negociadora de la noche'' se titula como un verso de Anne Carson, y nos trae la historia de amor entre dos personas de dos mundos diferentes: el real, acaso el nuestro, y el mítico de Nonú. En sus distancias y en sus paradojas se canta sobre la maternidad, sobre el ecologismo, sobre la violencia como respuesta ante lo que se desconoce, y se canta desde la épica nueva y la respiración del romance. En otro sitio, con el eco del cancionero y sin abandonar Nonú, ''La verdadera estoria de la niña de goma'' presenta en el cuerpo la fisicidad del paisaje, y todo lo que rodea a quienes somos, y con su peso nos dice ante los demás. Un poema o un cuento o lo que Laura Ramos decida, sobre la enfermedad y el amor y la ternura, sobre la ficción como necesidad y refugio, sobre los relatos que ensayan otras posibilidades, con guías que no se leen pero se ven: Isabel Quintanilla, Leonora Carrington, Clara Peeters.Emoción e imaginación, poesía que es lenguaje y fábula, que inventa realidades o encuentra en esta otras con las que no contábamos: Nonú nos traslada al mundo personalísimo de Laura Ramos, una de las voces más prometedoras de la nueva poesía española.
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Adam Zagajewski es un poeta de la claridad. En sus versos asomaninviernos infinitos, sabor de hojas, arboledas y sonidos, casas como unbolsillo en un abrigo, violonchelos, aeropuertos, los vivos y losmuertos, un anhelo, la memoria y, a veces, el tiempo circular.Zagajewski es asimismo un poeta visual, de palabras que son celebracióndel mundo y sus imágenes. Es el canto de un instante que se expande, queinvolucra, y en el que converge la realidad toda, epifánica y plural,siempre presente. Poeta exiliado, la suya no es, sin embargo, una poesíadel exilio. Se le considera una de las figuras más relevantes y con másrepercusión internacional de la nueva generación de poetas polacos y,con el libro que hoy presentamos, Acantilado empieza la publicación desu obra poética.
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William Carlos Williams es, junto a Wallace Stevens o Marianne Moore, el gran renovador de la poesía
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Els estiuejants
Maksim Gorki retrata la burgesia benestant russa de principis del segle XX com un grup absurdament infeliç d'estiuejants, homes i dones que passen per la vida com per una mena de vacances contínues, gaudint sense pudor de tots els seus privilegis i alhora lamentant-se incansablement de les seves ambicions frustrades, el funcionament de la societat i la manca de sentit de les seves vides. Aquest estat de malestar íntim també funciona com a diagnòstic col·lectiu d'un món que aleshores semblava abocat a l'extinció, però que manté, a principis del segle XXI, tot el seu poder social, econòmic i cultural.
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