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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Eduardo Jordá nació en Palma de Mallorca en 1956. Ha publicado la novela La fiebre de Siam (1988), el volumen de relatos Orco (2000) y el libro de viajes Tánger (1993), así como dos volúmenes de diarios: Terra incognita (1997) y Canciones gitanas (2000). Tiene en prensa un libro de poemas, Ciudades de paso. Con La estación de las lluvias ganó el IV Premio Renacimiento de Poesía. La poesía de Eduardo Jordá medita sobre el paso del tiempo y la finitud humana, a la vez que evoca los lugares amados (Irlanda, Tánger, la India) y se interroga sobre los horrores del siglo XX.
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Un volumen que recoge tres de las cinco obras teatrales que José Luis Sampedro escribió entre 1950 y 1982. El teatro de José Luis Sampedro, poco conocido por sus lectores y al que los especialistas han prestado quizá menor atención, pone en escena temas que aparecen en sus obras narrativas y ensayísticas: la lucha por la libertad, la entrega solidaria y la protesta colectiva, pero sin alejarse jamás de los problemas del individuo, como el dolor, el sentimiento de la muerte y la incertidumbre de la trascendencia. La paloma de cartón es un alegato contra el telón de acero, una farsa pacifista que fue merecedora del Premio Calderón de la Barca en 1950. Un sitio para vivir es un drama sobre la angustia existencial y la toma de conciencia de una nueva realidad social, económica y ecológica en un mundo cada vez más esclavista. El nudo, inédita hasta ahora por deseo expreso del autor, es una tragicomedia grotesca que se acerca al pos realismo característico de los últimos veinticinco años de la obra narrativa de Sampedro. Todo ello va precedido por un magnífico estudio del profesor Francisco Martín Martín, especialista en la obra teatral de José Luis Sampedro. La opinión de la crítica:«Auténticos valores literarios e ideológicos propios de una pluma privilegiada.»Rafael López Izquierdo
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La faceta de dibujante de Kafka y su temprana vocación por el dibujo surgió, según cuenta el editor de la edición original, Niels Bokhove, al contemplar en el escaparate de una tienda dos cuadros que le dejaron una fuerte impronta. Éste nos señala un significativo ejemplo de la función de las artes plásticas en la prosa de Kafka, la figura del pintor Titorelli en El proceso, en quien proyectaba su ideal de convertirse en un escritor reconocido. Pese a que por lo general se relacionan con su universo literario, muchos de los cuarenta dibujos que se presentan en esta original edición son bocetos de sus días de estudiante, acompañados por un fragmento de texto específico del autor. El proceso de asignar los pasajes de la obra de Kafka a cada uno de los dibujos, recopilados por Max Brod, distingue dos tipos de fragmento: por un lado están los que acompañaban originalmente a los dibujos, y de otra parte aquéllos que han sido escogidos de la obra completa de Kafka y que intensifican el dibujo y a la inversa. Tan inclasificables como su literatura, estos dibujos conducen a la misma discusión acerca de si cabe o no considerar a Kafka expresionista. Ante esto, preferimos quedarnos con la cita de Brod: «Puedo deciros el nombre de un gran artista, Franz Kafka».
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Alta Provença
'La ficció anomenada realitat no existeix en aquests poemes, que vénen a ser un sol poema, el de la poesia, la mística de la poesia en la representació desrepresentada de l'ascesi cap al poema absent, autoreferencial, inassolible, on tot passa i res no és alhora que no hi passa res i tot tothora és, eternament. Metapoesia feta poesia.'' (Carles Hac Mor). El llibre d'Antoni Clapés i amb epíleg de Carles Hac Mor està format per quatre grups de poemes que porten per títol La veritat sense casa, Alta provença, Qasba, El viatger no sap i Newgrange.
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RAÚL ZURITA (Santiago de Chile, 1950) se ciñe a la gran tradición poética chilena desde la publicación de sus primeros libros Purgarorio (1979) y Anteparaíso (1982). Su obra, traducida a cerca de una decena de idiomas, es reconocida como una de las más sólidas y fascinantes de la literatura contemporánea. INRI, un canto para la permanencia y el memorial de lo que se desvanece ante un acto de crueldad. La poesía de Raúl Zurita parte de la cicatriz, de la entraña, es una guerza de impacto, una suerte de golpe solar vertido en palabras, en actos poéticos. Este desbordamiento interior, esta herida, se extiende en el poeta chileno más allá del papel, hasta las cordilleras, hasta la vastedad del cielo, como si ese sentir no cupiera en un solo cuerpo y tuviera que abrirse ilimitadamente. En el año 2020 ha sido galardonado con el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.
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Octavio Paz (Ciudad de México, 1914-1998) recibió el Premio Nobel de Literatura de 1990. Fue considerado, durante décadas, uno de los más notables poetas y ensayistas en lengua española. Con Piedra y sol -términos queridos y significativos en la cosmovisión paciana-, Luis Antonio de Villena ha pretendido trazar una antología personal y plural de su labor poética. Una obra, hito de nuestra modernidad, que se abre en la secuela de nuestro 27 y la Generación mexicana de «Contemporáneos» y que culmina en la constante búsqueda del «poema total», en un rico lenguaje de imágenes, entre la profundidad, la sorpresa y el diálogo con la tradición. Quizá, verdaderamente, Paz fuese el último cronológicamente de nuestros grandes modernos. Hondura y fulgor.
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Este texto prodigioso recorre el laberinto de la Europa finisecular de la mano de un singular flâneur. Bajo la óptica de la crisis, los intelectuales del momento levantaron un coherente y oscuro sistema de signos que constituye un fragmento ignorado y fundamental para recomponer la genealogía de la mentalidad posmoderna. Es ésta una oportunidad única para conocer los míticos pasajes de Benjamin, el infierno de Strindberg, las noches de spleen de Baudelaire, los rituales de magia de Papus y la teurgia de Eliphas Lévi, las intoxicaciones de opio de Alfred Jarry y la galería secreta de monstruos sexuales de Krafft-Ebing. El recorrido del ensayo pasa por manifestaciones literarias, artísticas o escénicas del Fin de Siglo, pero recuperando también la importancia de prácticas de la vida cotidiana como los diarios íntimos, el esoterismo, el consumo de drogas, la sexualidad, la decoración o la vestimenta. Para articular su investigación, el autor se apropia del mito clásico de Narciso como el relato modelo que explica ese momento en toda su complejidad. Todo está incluido en este fascinante viaje a través de la historia de la subjetividad contemporánea.
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José Emilio Pacheco nació en Ciudad de México, en 1939. Profesor universitario, ensayista, novelista, traductor, es -sobre todo- uno de los grandes poetas de la lengua. Algunos de sus títulos decisivos son Los elementos de la noche (1966), No me preguntes cómo pasa el tiempo (1969), Islas a la deriva (1976), Desde entonces (1980), Los trabajos del mar (1983), Ciudad de la memoria (1989), La arena errante (1999) y Siglo pasado (2000). La editorial Visor ha publicado una antología de su obra, En resumidas cuentas (2004), y próximamente aparecerá en esta misma colección un nuevo libro titulado Como la lluvia. Ha recibido, entre otros, el Premio Octavio Paz (2003), el Premio Pablo Neruda (2004), el Premio Ciudad de Granada Federico García Lorca (2005) y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2009).
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Ana Blandiana (Timișoara, Rumanía, 1942), Premio Princesa de Asturias de las Letras 2024, es una de las voces más poderosas de la lírica contemporánea. Entre sus libros de poemas destacan Primera persona del plural (1964), El talón vulnerable (1966), El tercer sacramento (1969), El sueño dentro del sueño (1977) y El ojo del grillo (1981). Se hace silencio en mí (2024) plantea, desde un acuciante sentimiento de nostalgia del futuro, de la muerte y de la eternidad, las grandes preguntas del yo acerca de la vida, el paso del tiempo y lo divino. En estos poemas, Blandiana reconfigura constantemente la forma y la expresión poética, los temas y motivos con los que alcanza una serenidad cargada de significado, al tiempo que indaga en el misterio de la existencia y de la creación. Este libro, que sigue a Variaciones sobre un tema dado (2018), marcado por idéntica tensión interior, depura el lenguaje hasta alcanzar la revelación de la esencia y explora los conceptos del principio y del final, situándose en el cruce de dos mundos donde la frontera entre la vida y la muerte se disuelve, y lo tanático se transfigura en un nuevo soplo vital.
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El 27 de mayo de 1901 nació, circunstancialmente en Salamanca, Pedro Garfias, quien años después sería integrante de esa otra Generación del 27, marcada por el silencio y el olvido. Compartió durante la década de los veinte el destino de un grupo literario, dividido entre la tradición y la vanguardia (su única obra en ese período, El Ala del Sur, data de 1926). Sus acordes, romances y romancillos, marcaron la salida personal al vanguardismo primero (creacionismo, dadaísmo) e inclinaron su mundo poético hacia lo emotivo. En la Guerra Civil fue nombrado comisario político, en una fuerte labor de divulgación y agitación cultural. Volvió a renacer en él la poesía directa y sencilla al contacto con aquellos héroes de ese Sur tan querido y añorado por el poeta (Garfias había vivido su niñez y juventud entre Osuna, Cabra y Écija). Más tarde tras la derrota del Ejército Republicano embarcaría en el Sinaia para continuar la dura vida de exiliado en tierras aztecas. Es muy probable que en aquel paquebote, el ex director de Horizonte revista de vanguardia que él mismo dirigió entre 1922 y 1923, llevara en su mente algunos de los textos que después recrearía en el libro, su primer poemario del destierro, Primavera en Eaton Hastings, publicado en México, en 1941. Garfias publica también en México su lírica bélica y de compromiso (Poesías de la guerra española, 1941, Elegía a la presa de Dnieprostroi y otros poemas, 1943) y acentúa su etapa metafísica, con una poesía barroca y existencial y con postura nihilista (De Soledad y otros pesares, 1948, Viejos y nuevos poemas, 1951). La gran metáfora del río oscuro, revuelto frente a la mar eterna, que ya estaba en su poemario de 1948 da título a la que será su última obra: Río de aguas amargas (1953). Tras cinco años como Secretario del Director del Departamento de Acción Social Universitaria, de la Universidad de Monterrey, en Nuevo León su único trabajo estable, el poeta arrastró una vida errante con conferencias, recitales y amigos que lo acogen por todo México, en solidaridad con su desarraigo y dolor. Pedro Garfias se convierte así en un juglar vivo en pleno siglo XX. Todo él, poesía, amistad y soledad, destino completo de literatura y vida. Murió el 9 de agosto de 1967, en Monterrey, con tierra española en su boca, por su mismo deseo. Ahora se cumple su primer centenario. Nos dejó escribió: ''Espero que dos o tres versos míos puedan permanecer después que yo muera''. El responsable de esta edición, José María Barrera López, es especialista en vanguardias literarias, tema al que ha dedicado numerosas publicaciones (ediciones críticas, reediciones de revistas y monografías). Desde 1990 es profesor de Literatura Española en la Universidad de Sevilla.
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León Felipe (Tábara, Zamora, 1884-1968, México). Hijode un notario, vivió en distintas ciudades, hasta que la familia, en 2893, se instaló en Santander. Farmacéutico en Santander y varios pueblos, trabaja como actor profesional en compañías que recorrían España, yfue la revista ''España'' donde publica sus primerospoemas. En su voz personal, alejada de las tendencias poéticas del momento. Volvió a su vida itinerante y, tras una estancia en Guinea, marchó a México y luego a Estados Unidos, donde estudió en la Universidad de Columbia y, más tarde, da clases en distintas universidades. Publica allí el segundo libro de Versos y oraciones del caminante (1930), y tradujo a Waldo Frank y W. Whitman, autor que, junto con la biblia, va atener una influencia determinante sobre su poesía, tanto en la forma como en el aire profético y denostador. Al estallar la guerra civil se encuentra en Panamá, país al que dirige su poema Good by Panamá tras regresar a España. aquí publica y lee en varios recitales su poema La insignia (1973), canto a la lucha y a la unidad de los grupos republicanos. Exiliado en México, residirá allí hasta su muerte. La guerra, la derrota, el exilio, mitificados desde una actitud de rebeldía y vindicación, pero trambién la condición humana, se hacen presentes en sus libros.
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«Amalia Bautista y José del Río nos han dado cada uno una ciudad que es la misma y es distinta. Nos han dado de ella sólo unos trozos, trozos magníficos, valiosos, perdurables. Y esos trozos juntos forman una sola ciudad que complementa, que completa más bien, la nuestra. La ciudad que nos han dado es a un tiempo desoladora y cercana, bonita e inhóspita. Los poemas tienden a una tristeza insoluble y un tristísimo desgarramiento, el que nos produce el paso de un tiempo que todo lo devora: deseos, sueños y recuerdos. Las fotos nos llevan a lugares de la ciudad en los que quedamos expuestos a un mayor desasistimiento. Son poemas y fotos modernos, son cántaros rotos también. Claro que ?pongamos que no hablo de Madrid?, diríamos parafraseando la célebre canción del juglar, que de lo que están hablando Amalia y José no es ni siquiera de sus almas, sino de la mía y de la tuya, mon semblable.» Del prólogo de ANDRÉS TRAPIELLO
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Francisco Bejarano nació en Jerez en 1945. Ha publicado los libros de poesía Transparencia indebida (Universidad de Granada, 1977), Recinto murado (Renacimiento, Sevilla, 1980), Elogio de la piedra (Cuadernos de Cera, 1981), Las tardes (Renacimiento, Sevilla, 1988) y Antología (1929-1987) (Maillot Amarillo, Granada, 1990). En prosa creativa es autor de Las estaciones y Consolación de melancólicos, ambos publicados en la editorial Pre-Textos, Valencia, en 1998 y 2000 respectivamente. Ha publicado el ensayo Manual del lector y escritor modernos (Renacimiento, Sevilla, 1999) y la recopilación de artículos costumbristas de crítica social La torre de marfil (Renacimiento, Sevilla, 1991). Por Las tardes obtuvo el Premio Nacional de la Crítica en 1989. Por sus artículos periodísticos ha recibido los premios «Julio Camba» y «José María Pemán». Está incluido en las más importantes antologías de poesía contemporánea y traducido al italiano, francés, inglés y alemán. Aparte de su labor creativa, ha sido director de las revistas literarias Fin de siglo y Contemporáneos.
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Las dos obras que integran este libro son, sin duda, en la producción teatral del autor de El retrato de Dorian Gray, de las más significativas y definitorias. Se caracterixza por su brillante animación, fluidez en los diálogos, acción rápida y una corriente subterránea de amarga conciencia de sí. Esto último abre la via para una crítica de orden social y moral, que si bien otros concretaron más, en ninguno estuvo acompañado de la calidad que Wilde le imprime.
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Hace más de mil años, una dama japonesa, cuyo auténtico nombre desconocemos, dejó escrito un libro autobiográfico que no llegó a titular. Todo cuanto sabemos de ella está contenido en este breve volumen, pues el resto de su obra no se ha conservado. Su autora pertenece a ese extraordinario grupo de escritoras que floreció en Japón durante el periodo Heian, entre las cuales se encuentra Murasaki Shikibu, la incomparable autora del Genji Monogatari. Escrito durante el último periodo de su vida, este sincero y original relato autobiográfico -con ochenta y nueve poemas intercalados- nos cuenta los primeros viajes que realiza esta dama con su padre hasta llegar a Kyoto, su profundo amor a la literatura y la emoción conmovedora que sintió cuando recibió por primera vez el regalo de los cincuenta libros de la historia de Genji, sus decepciones como dama de compañía de la princesa imperial, sus peregrinaciones a los santuarios budistas, sus sueños, sus cuitas... Con una prosa limpia, natural y moderna, Sarashina nos sumerge en el corazón de un mundo lejano, dominado por el culto a la belleza, una suave melancolía y un profundo sentimiento budista acerca de lo ilusorias que resultan todas las acciones humanas. Sin embargo, su delicada y poética introspección no se aísla de todo lo mundano, sino que, al mismo tiempo, nos informa de la vida cotidiana de la época a través de precisas descripciones.
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En este primer libro de poemas, Clavelinda Fuster yuxtapone dos registros: uno personal, con versos fundamentalmente amorosos, y otro más político en el que se muestra a la humanidad empeñada en el alzamiento de una obra desmesurada. La metáfora de la Torre de Babel actúa como hilo conductor para mostrarnos la difícil convergencia entre un proyecto individual y las grandes empresas colectivas. El universo de este libro es ambivalente, moviéndose entre la idea de la ruina inexorable y la esperanza de una pronta reconstrucción. Los versos de Clavelinda Fuster son, con frecuencia, descaradamente satíricos, pero no escasean tampoco los momentos más sosegados e intimistas.
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António Nobre (Oporto, 1869 - 1900), es el precursor del modernismo poético en lengua portuguesa y uno de los principales referentes de Fernando Pessoa, autor de uno de los poemarios más importantes de la literaturaportuguesa: Só, publicado en 1892, y hasta ahora inédito en español.
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LEOPOLDO PANERO nació hace ahora 100 años, en 1909. Publicó en vida sólo dos libros: Escrito a cada instante y Canto personal. Su autoexigencia, y lo breve de su vida (murió en 1962), no le permitieron más. Ha sido habitual, demasiado habitual, marginarle por cuestiones que nada tienen que ver con la literatura. Esta antología pretende que sea ella, la literatura, la que ocupe el primer plano. Y eso, por una razón muy sencilla: Leopoldo Panero es uno de los mayores poetas españoles de la posguerra, y acaso del siglo XX. Esto, que podrá confirmar cualquiera que lea sus versos, debería servir para que finalmente, en efecto, se le lea, en lugar de descalificarle (por cierto, con notoria injusticia), o simplemente olvidarle. Cuando eso ocurra, cuando se lean sus versos, su emocionada y certera visión de las cosas, su hondura, su intensidad, su transparencia, no dejarán, no podrán dejar, indiferente a ningún lector de poesía que de veras lo sea. Leerle, pues, y devolverle el lugar que sin duda merece su obra espléndida, es algo no sólo justo, sino enteramente necesario para la normalidad de nuestra cultura. Ya hace demasiado tiempo que sobre la consideración puramente literaria (única que debiera contar, a estas alturas), prevalecen otras que nada tienen que ver con la literatura, y bien poco con la verdad. Ya hace demasiado tiempo, en resumen, que nos lo estamos perdiendo.
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Los tres títulos que se incluyen en este volumen ofrecen textos muy representativos de tres facetas esenciales en la obra de este autor fundamental y controvertido, coetáneo de la Generación del 98 y nacido en España pero considerado por muchos como un escritor paraguayo: su literatura de denuncia, sus ideas estéticas y su pensamiento social. Además, estos tres escritos corresponden también a tres momentos cruciales en la evolución del proceso creativo de Rafael Barrett: De Estética fue publicado en agosto de 1905 y pertenece a la primera etapa de Barrett, cuando su transformación americana es todavía incipiente, se trata de un texto casi íntegramente europeo en su contenido y en sus referencias. Los artículos que constituyen Lo que son los yerbales se publicaron por primera vez en junio de 1908 y corresponden a los momentos más intensos de su acción agitadora, además de haberse convertido en uno de los textos fundadores de la «no ficción» latinoamericana. La cuestión social apareció en marzo de 1910, corresponde, por tanto, a su etapa más madura. Tras el único libro publicado en vida, Moralidades actuales, inmediatamente otras obras fueron editadas en Montevideo, siempre con selecciones de sus textos aparecidos en periódicos. En 1911 El dolor paraguayo (cuyo índice llegó a preparar el propio Barrett) y Cuentos breves. En 1912 cuatro libros: Al margen, Ideas y críticas, Diálogos, conversaciones y otros escritos y Mirando vivir. También empieza a ser editado en otros países de América. En España la obra de Barrett se conoció pronto. En 1919 la editorial América publica en Madrid Moralidades actuales y Cuentos breves. Luego se produce un largo vacío de casi sesenta años hasta la publicación en 1976 de Mirando vivir, una excelente selección de artículos realizada por Carlos Meneses. «Rafael Barrett fue un precursor en todos los sentidos.» Augusto Roa Bastos
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Mendigo es una muestra suficiente de la poesía de Jesús Aguado, un acercamiento al que, sin miedo a exagerar, es uno de los más verdaderos poetas de nuestro tiempo: poeta antiguo y moderno a la vez, capaz de hacernos sonreír y capaz de emocionarnos con aquella táctica antigua e infalible de los poetas: hacernos protagonistas de sus cantos. Sus náufragos, sus enamorados de lo imposible, sus heridos, son piezas de un puzzle milagroso y afirmativo. Su poesía no sólo nos refleja y nos conmueve: también, y sobre todo, nos da aliento y fuerzas para la celebración de todo lo que, por el mero hecho de ser, nos celebra (Del prólogo de Juan Bonilla). Jesús Aguado nació -casi en Sevilla- en 1961. Es autor, entre otros, de los siguientes libros de poesía: Los amores imposibles (1990), Libro de homenajes (1993), El placer de las metamorfosis (1996), El fugitivo (1998), Los poemas de Vikram Babu (2000), La gorda y otros poemas (2000 y 2ª ed. aumentada 2001) y Lo que dices de mí (2002). También es responsable de la Antología de poesía devocional de la India (1998 y 2ª ed. 2007), Kabir. Poemas breves (2001), La casa se mueve. Antología de la nueva poesía cubana (2001), Antología de poemas de las tribus de la India (2003), Rafael Pérez Estrada en la India (2004), El vecino inquietante. Segunda antología de poesía devocional de la India (2005) y Heridas (2005). También es responsable de la Antología poesía devocional de la India (1998 y 2ª de 2007), Kabir. Poemas breves (2001), La casa se mueve. Antología de la nueva poesía cubana (2001), Antología de las tribus de la India (2003), Rafael Pérez Estrada en la India (2004), El vecino inquietante. Segunda antología de poesía devocional de la India (2005) y No pasa nada. La poesía beat y oriente (2007).
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'En líneas generales, sé cómo me he convertido en escritor. Lo que no sé precisamente es por qué razón. ¿Realmente tenía necesidad de alinear palabras y frases para existir? ¿Me bastaba con ser el autor de algunos libros para ser? [...] ¿Tenía yo, pues, algo particular que decir? Pero ¿qué es lo que he dicho?...''
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La. vastedad, la complejidad y la genialidad de la poesía de Johann. Wolfgang Goethe ( Frankfurt 1749-Weimar 1832) explican por qué la. cultura de su tiempo, y hasta nuestros días, lo consagró. como a un semidiós.
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«Entre los líricos de la dinastía Tang, Du Fu es un gigante. Prolífico –,han llegado hasta nosotros más de mil cuatrocientos de sus poemas, aunque otros muchos se han perdido, destaca no por el número, sino por la calidad de sus versos».
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SURREALISMO: sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón ajeno a toda preocupación estética o moral. En 1924 Breton firmaba el primer manifiesto del surrealismo, donde se precisaba el intento de los surrealistas para salir de los rígidos esquemas de la razón y de la observación realista de los hechos para buscar significados ulteriores y vínculos más auténticos con las profundidades del yo. Apoyándose en los descubrimientos freudianos, se tendió a examinar el mundo de los sueños y del inconsciente, con interés por estados como el automatismo psíquico, la locura, la hipnosis, para registrar sus datos e intentar la unificación de los contrarios en el proyecto de una reconstrucción integral de la personalidad. SURREALISMO: sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón ajeno a toda preocupación estética o moral. En 1924 Breton firmaba el primer manifiesto del surrealismo, donde se precisaba el intento de los surrealistas para salir de los rígidos esquemas de la razón y de la observación realista de los hechos para buscar significados ulteriores y vínculos más auténticos con las profundidades del yo. Apoyándose en los descubrimientos freudianos, se tendió a examinar el mundo de los sueños y del inconsciente, con interés por estados como el automatismo psíquico, la locura, la hipnosis, para registrar sus datos e intentar la unificación de los contrarios en el proyecto de una reconstrucción integral de la personalidad.
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Con la luna de marzo llegó / la foto y todos / estábamos vivos...» Desde la perspectiva sonámbula que se intuye en estos versos cabe leer el singularísimo libro de Olvido García Valdés: un espacio en el que se funden la aguda realidad del mundo y la conciencia de irrealidad de la vida. El paisaje y sus animales, las imágenes de la memoria, los ciclos de la naturaleza, las condiciones de existencia de las mujeres, las evocaciones oníricas, el trasunto pictórico de las escenas, los objetos domésticos... todo parece estar bañado por una luz extraña y abisal. Hasta que el lector comprende que quien habla ha conocido la confidencia de la muerte, que sus ojos han sentido esa penumbra bullente próxima a lo inorgánico. Y bajo una mirada así la vida no sólo resulta precaria, sino irreal, nuestra presencia, aleatoria, evanescentes, las relaciones con los otros, pero en la trama que tejen fragilidad y muerte, en el libro asoma otra línea de fuerza: la necesidad de recuperar paulatinamente la naturalidad de sentirse vivo y dar cuenta del mundo.Con su diversidad de formatos, donde lo breve y fragmentario convive con lo extenso, el verso con la prosa, con su ascetismo verbal y sus insólitas transiciones, con su pretendido aire de piezas inacabadas —,saturadas, en realidad, de significación—,, las composiciones de Y todos estábamos vivos van fraguando uno de los recorridos emocionales más intensos y complejos de la poesía española contemporánea.
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Desde que publicara en 1996 El equipaje abierto (Marginales 152), sus incontables lectores han recibido muestras de su fecundísimo don de narración, pero Felipe Benítez Reyes, que no en vano es Premio Nacional de Poesía, la cultiva con la mesura que ésta exige. Así llega ahora, cuatro años después, Escaparate de venenos, que no dudamos en calificar de obra mayor en su trayectoria poética, y que confirma -y ahonda más, si cabe- la gravedad, el carácter reflexivo, casi metafísico, que ya anunciaba su libro anterior. Estamos ante un poemario decisivo en la lírica española. Amargos, de una helada lucidez, en muchas ocasiones estremecedores, com una colección de venenos, así son estos poemas. Vivencias desengañadas, reflexiones certeras sobre el presente, el amor, la poesía, la noche, las ciudades…,Allí donde posa su mirada, el poeta ve signos de un desolado sinsentido, en todo se proyectan las sombras de la caducidad, de lo efímero y vencido por la edad. Los ciclos se suceden, pero permanecen las mismas pasiones, las mismas angustias, ese «cofre de sangre y ceniza» que es la historia humana. Como en un escaparate, en cada poema se contemplan escenas, retazos de vidas dispares, vidas condenadas al eterno fluir del tiempo, a la supremacía de la fugacidad. Agrupados en nueve partes, nueve núcleos temáticos que evolucionan y amplían admirablemente motivos mayores, Escaparate de venenos nos brinda una visión desencantada, pero sabia, ácida y desgarrada, expresada con infalible adjetivación, mediante iluminadores símbolos e imágenes que llevan la faz inconfundible de nuestro tiempo.
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Esta edición de la obra reunida de Américo Castro pretende rendir tributo a la lucidez, honestidad y valentía de una obra ingente que se ha visto relegada al olvido, tras haber sufrido ataques desde diversos frentes. Su tarea mitoclasta en contra de los tópicos y falsedades de la historiografía tradicional supuso una visión de la idiosincrasia particular del pueblo español dirigida no solamente a comprender mejor su pasado, sino a saber quiénes son y adónde van o deberían ir los españoles. En palabras de Juan Goytisolo, «la redefinición y rescate de la España de las tres culturas, la exquisita percepción del conflicto intercastizo en su dimensión literaria, su permanente y luminosa obsesión con el genio de Cervantes, son los temas centrales de una vasta producción que, encarada al pasado, apuntó con todo a nuestro futuro».
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En el panorama del ensayo español contemporáneo no abundan los textos dedicados a la literatura comparada, es decir, que se atrevan con el enorme esfuerzo metodológico que supone manejar, además de varias literaturas, un ingente material que aúna múltiples disciplinas, que van de las ciencias humanas y sociales a la filosofía. Podemos, pues, felicitarnos doblemente por cuanto no sólo presentamos uno de los ensayos más ambiciosos y exigentes que se hayan escrito en nuestro país en los últimos años, sino porque su autor, Claudio Guillén, es una autoridad en la materia, reconocida internacionalmente. El índice de Múltiples moradas bastaría ya para seducir tanto al lector curioso como al especialista, pues por sus páginas no sólo desfilan los grandes nombres y las tendencias o estilos de la literatura universal, sino que la mirada crítica del autor es capaz de iluminar territorios específicos de las humanidades: el dolor del exilio en la literatura, el surgimiento de la noción pictórica del paisaje, la idea de la obscenidad en el erotismo clásico, la evolución del género epistolar, el nacimiento de los nacionalismos literarios. . . «Lo que me ocupa es la historia literaria, lo que me preocupa es la forma de pensarla», escribe, en efecto, Guillén en el prólogo. «Creo que esta forma, lo repito, es una experiencia común, errante, vagabunda, compartida con muchos, desarrollada en varios campos por los historiadores, críticos investigadores, no todos contemporáneos, que más admiro y a los que todo debo.»
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El exterminio ha inaugurado en su imposible posibilidad, en su inmensa e insostenible banalidad el después-de-Auschwitz (en el sentido en el que lo interpretara Adorno). Celan: la muerte es un maestro que viene de Alemania. Se trata de la imposible posibilidad, de la inmensa e insostenible banalidad de nuestro tiempo, de este tiempo (dieser Zeit). Podrá uno mofarse permanentemente de la miseria», pero somos los contemporáneos de aquello: la culminación de lo que Nous y ratio, como Logos-armazón, todavia hoy (heute), de lo que somos-, по habrán podido evitar significar: que el asesinato es lo primero con lo que hay que contar, que la eliminación es la forma más segura de identificación. Sobre este fondo sombrio, aunque de luz, se alza por doquier la realidad que no alcanza más que a lo inmundo de un mundo en adelante mundial. Dejando a un lado los acontecimientos más evidentes, nada, ni tan siquiera la más simple, la más desoladora de las historias de amor, podrá sustraerse a esta oscura condición de la época: cáncer del sujeto, ego o masas. Negario con el pretexto de no caer en el pathos, es puro sonambulismo. Transformario en pathos, para hacer todavia arte (sentimiento, etc.) es inadmisible.La pregunta que quiero plantear la más brutal posible, quizás odiosa es la siguiente: Pudo Celan, no tanto situarse, sino situarnos frente a eso? Estaba todavía la poesía y si era asi, qué poesía, qué como acto de poesía capacitada para ello? No deja de ser una forma. en retroceso (y retrocediendo ahora un gran número de peldafos. replegándose sobre aquello mismo que estuvo en su origen), de repetir la pregunta de Hölderlin: Wozu Dichter...? En efecto, para qué?
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