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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Una declaración de humor es en realidad una declaración de amor por la más genuina de las tradiciones literarias de la lengua española: la que disfruta haciendo el humor a través de la literatura.
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Miscel·lània Jordi Bruguera, 2
Segon volum del recull de treballs en honor del filòleg Jordi Bruguera.
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Igual que quien injerta sobre la rama abierta el brote nuevo, así te llevo en brazos al dormirte. Me ha pesado entender que dando vida estás atándote a la vida, y creces cuando ayudas a crecer. Cada día me ato más a ti para que corra el tiempo por nosotros. Te llevo en brazos pero eres tú quien me sostiene. Juan Manuel Romero. Juan Manuel Romero (Sevilla, 1974) es autor de Las invasiones (DVD, 2006) y Hasta mañana (Pre-Textos, 2008), por los que obtuvo el Premio de Poesía Joven Radio 3 y el Premio de Poesía Emilio Prados, respectivamente. Licenciado en Filología Hispánica, ha realizado también estudios de Estética e Historia de la Filosofía. Ha sido incluido en antologías como La inteligencia y el hacha, Campos magnéticos, Y habré vivido o Alzar el vuelo.
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Muñoz, además de haber publicado dos libros de relatos que no han pasado desapercibidos entre la nueva generación de cuentistas, abrió en 2006 un blog, El síndrome Chéjov, que rápidamente se convertiría en un espacio de referencia para el género. En él aparecieron reseñas, críticas, artículos, narraciones breves y, sobre todo, una larga serie de entrevistas a los escritores de cuentos más representativos del panorama español, que muy pronto destacaron por sus especiales características. La familia del aire recoge esas treinta y seis entrevistas –en una edición que incluye útiles índices y amplias bibliografías sobre el género– que, en conjunto, forman una historia reciente del cuento español, narrada por sus propios protagonistas. Treinta y seis autores, jóvenes y clásicos, conocidos para el gran público y apuestas por descubrir, que analizan su trabajo, desvelan sus intereses y exponen, de viva voz, su poética del cuento. Si la pentalogía militante Pequeñas resistencias era un atlas del nuevo cuento en español, La familia del aire ayuda a perfilar la geografía del género a través de testimonios que pronto serán referencia inexcusable para estudiosos y amantes del cuento. Conoce a los miembros que la integran. Bienvenido a La familia del aire.
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José del Río Sainz (Santander, 1884-Madrid, 1964) fuemarino de formación y vocación, uno de los más importantes periodistas santanderinos de la primera mitaddel siglo XX (corresponsal de guerra en Marruecos, director de periódico, articulista elogiado por ChavesNogales), y un singular poeta caracterizado por su energía, prosaísmo y plasticidad. Autor de poemas que tienen casi siempre algo de suceso narrado que queda trascendido mediante una comprensión lírica de la realidad, José del Río es calificado por Gerardo Diego como un poeta cuya enorme personalidad se manifiesta enla conciliación de contrarios: modernismo y realismo, parnasianismo y prosaísmo. Premio Fastenrath de poesía en 1925, el propio poeta, en las líneas autobiográficas que en 1934 publicó en la segunda antología preparada por Gerardo Diego, señala que por edad y formación es seguidor de Rubén Darío y que la cualidad que prefiere en los versos es la musicalidad. En esasmismas líneas dejaba apuntado, con humor y lúcida ironía, «he recibido banquetes y homenajes, una puñaladay una flor natural, que es lo que más me duele». Concha Espina escribió sobre él: «es como sus versos: fuerte, descuidado, sincero, valiente».
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La poesía, el arte de escribir poemas, no es natural, a través de un procesos util, el autor, al escribir y muchas veces sin darse cuenta, se inventa y se convierte en otro: un poeta. Pero la realidad de sus poemas y la suya propia no es artificial o deshumana, se ha transformado en una forma a un tiempo hermética y transparente que, al abrirse, nos muestra una realidad más real y más humana. Los poemas no son confesiones sino revelaciones.' 'Traducción y creación son operaciones gemelas. Por una parte, según lo muestran los casos de Baudelaire y de Pound, la traducción es indistinguible muchas veces de la creación, por la otra, hay un incesante reflujo entre las dos, una continua y mutua fecundación.' 'Mis versiones son, más que traducciones, incluso imitaciones, en el sentido tradicional de la palabra. […] Las diferencias entre creación y traducción no son menos vagas que entre la prosa y el verso. La traducción es una recreación, un juego en el que la invención se alía a la fidelidad: el traductor no tiene más remedio que inventar el poema que imita. […] Estas versiones son el resultado de la pasión y de la casualidad. Fueron, casi siempre, una diversión o, más exactamente, una recreación. El punto de partida fueron poemas escritos en otras lenguas, el de llegada, la tentativa de escribir, con ellos, poemas en la mía. Muchos de esos poemas fueron compuestos en otros siglos, en mis versiones quise que tuviesen la antigüedad de todas las obras de arte: la de hoy mismo.'
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Con este libro, escrito cuando contaba diecinueve años, Pablo Neruda alcanzó una popularidad inesperada por el modo novedoso con que aborda el tema del amor y el erotismo. Neruda lleva el dolor de la ausencia amorosa a ese punto de felicidad serena que forma parte de toda melancolía. Está obra impulsa a la reflexión y a la vivencia personal de nuestras propias pasiones. Disfruta de esta magnífica obra poética donde cada cada vaporosa palabra y cada sutil enunciado te trasladan a un mundo mágico de amor.Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Poemas de France Preseren
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Una humilde costurera que se hace pasar por una exquisita modista francesa. una anciana condenada a ver morir a todos los seres que ama. un noble celoso que contrae matrimonio con la hermana de la dama a la que ha matado. la matriarca de un antiguo linaje que intenta, en vano, salvar a su familia de la ruina. una joven judía que renuncia a todo por vivir una pasión prohibida. un joven excéntrico que abandona a su amante cuando esta le declara su amor incondicional. una mujer enamorada que se consume viendo cómo engaña su esposa al hombre que ama. Estos son solo algunos de los personajes que pueblan los dramas de Emilia Pardo Bazán, una de las escritoras más destacadas del siglo XIX español cuyos textos teatrales, cien años después de su publicación, siguen sorprendiendo a los lectores.
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La singular producción literaria de Karl Kraus (Jicin, Bohemia, 1874 - Viena, 1936), compuesta de ensayos, polémicos artículos, poemas y aforismos, despertó la fascinación de un importante elenco de intelectuales del pasado siglo (autores como Theodor Adorno, Walter Benjamin o Elias Canetti dejaron constancia de ella en sus escritos). Además, las páginas de su publicación, Die Fackel (La antorcha: El Acantilado, 220), resultan un escenario privilegiado en el que observar la gestación de la acuciante crisis lingüística que aquejaba a un Imperio austrohúngaro agonizante. A través de la pintura de Gustav Klimt, la música de Arnold Schönberg, la ar-quitectura de Adolf Loos, la literatura de Hugo von Hofmannsthal y la filosofía de Fritz Mauthner o Ludwig Wittgenstein, la presente obra analiza, en el contexto de la Viena de 1900, algunas de las causas de una preo-cupación por la naturaleza del lenguaje cuya herencia continúa vigente.
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'Morfología de la sangre'' es una obra que emerge desde los afectos y los lazos familiares. Un libro que culmina con la expresión lírica de la maternidad. Pilar Cámara se desangra en sus páginas para crear un imaginario poético único, en el que expresa la complejidad del amor, el dolor y los vínculos. Abrir la ''Morfología de la sangre'' de Pilar Cámara es adentrarse en un cuerpo. Un cuerpo de mujer -sus versos establecen, además, una interesantísima genealogía femenina, como quien se declara hija también literaria y sentimentalmente- que poetiza desde las entrañas. En el que lo que se es viene definido por la bifrontalidad, por dos rostros simultáneos que son el del amor y el del dolor. Amor y dolor que se presentan en este poemario como única posibilidad resultante de la proximidad entre el yo poético y los demás, en unas relaciones interpersonales, esencialmente las familiares, que serán muy cuestionadas a lo largo de las páginas. A los otros descubrimos que se enfrenta quien canta con el corazón al aire, con una epidermis que no termina de proteger, porque los seres, dice, son filos y son piedras, y se rozan entre sí -¿es un roce o una rozadura?-: ''un hijo'', leemos, ''es ficción en la piel''. Y es que la máxima expresión de esos vínculos familiares será la maternidad.
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Poemas del monje libertino, de Ikkyu (9788497167949) es una edición de Josep Manuel Campillo. En sus poemas, Ikkyu Sojún (s. XV) muestra su elevado valor ético y erudito, sensual e iconoclasta. Considerado como uno de los grandes de la literatura japonesa, en sus poemas se llama Nube Loca (Kyo-un).Además de ser un gran poeta, Ikkyu desempeñó un papel destacado en la historia del Zen, y algunos de los episodios de su vida siguen siendo narrados en templos y monasterios. Figura en la tradición histórica de artes como la música de flauta, la ceremonia del té, la caligrafía, el ikebana y el teatro Noh. Nacido en Kioto, vivió en el Japón del siglo XV, una tierra de turbulencias y violencia, de arte y creatividad.
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«Si nunca hubiera visto una fotografía de Annie Costello y jamás la hubiera escuchado recitar a viva voz, podría pensar que los poemas que me encuentro en estas páginas los ha escrito no ya una mujer joven, delicada y bellísima, sino quizá alguna poeta antigua, con rostro increíble, de esos que te dejan frío primero y enamorado después.Muchos primeros libros lo son, o pretenden serlo, pero en las páginas de Catábasis encontramos ese grado de dulzura y ese grado de desgarro suficientes como para convencernos de que el universo que aquí late tiene tanto de una Sylvia Plath como de una Lolita. Y tanto de un haijí japonés como de un Federico García Lorca. Y tanto de un personaje de una serie para teens hormonados, como de una reflexión profunda propia de una voz loca y quebrada de una novela de Lispector».Miguel Luna
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Acusado de plagio tras el éxito de Una tumba para Boris Davidovich, llevado al paroxismo por la intelligentsia comunista, Danilo Kiš escribió su «libro de la redención». En él nos conduce hacia una metáfora global, la de la lección de anatomía desarrollada como símil del Arte. Festín sangriento en el que el arte triunfa sobre la banalidad y las ideologías totalitarias, Danilo Kiš se nos muestra como un cirujano inclinado sobre el cadáver del kitsch artístico e ideológico.
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El novelista Luis Goytisolo, a partir de los años de la Transición, reunió sus artículos ensayístico-literarios en El porvenir de la palabra (Taurus, 2002). Una obra, justamente, en la que ya despuntan algunos de los temas que en el presente ensayo alcanzan su pleno desarrollo. Pero sólo aquí, en Naturaleza de la novela, el autor plantea y desarrolla los aspectos fundamentales a los que alude el título. ¿Qué es ese género literario llamado novela, lo que hoy entendemos por tal? ¿Cuándo se inicia? ¿Cuáles son sus orígenes y características? ¿Cuáles los factores directos e indirectos que propician su formación como género, los componentes incluso inconscientes que están en su gestación? ¿Por qué ahora parece haber entrado en crisis? Preguntas y respuestas, en algunos casos, que al lector se le harán evidentes y que sin embargo nadie había formulado hasta ahora. A modo de ejemplo, la distinción que Goytisolo establece entre novelistas bíblicos y evangélicos, según el autor en cuestión se halle más próximo –sin siquiera habérselo formulado– al modelo narrativo bien del Antiguo Testamento, bien del Nuevo, casi un juego. Se trata de un ensayo escrito por un novelista, similar a los que escribieron Valéry, Huxley o T. S. Eliot, y que Goytisolo tanto valora. Y si los mejores críticos suelen ser mediocres novelistas, los novelistas y poetas pueden llegar a ser excelentes críticos en la medida en que perciben los problemas desde dentro. Algo que sin duda ha conseguido Luis Goytisolo con esta obra: un ensayo sobre la novela que se lee como una novela.
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Tercer libro de poemas de Vega Cerezo, es como una de esas piedras deslumbrantes que buscábamos de niños en la tierra. Esas que algunas raras veces aparecían entre otras vulgares, apagadas, semejantes entre sí, piedras que no ofrecían a nuestros ojos necesitados de bellezaù ninguna forma, ninguna arista, ningún color ni textura memorables. Así este libro: entrañable y poderoso, un libro para volver a él una y mil veces, para tenerlo siempre cerca, para hacer de él un objeto que medie entre nuestro cuerpo y el mundo, un objeto que a la vez desnude y embellezca la brutalidad del mundo, un objeto que a la vez nos exponga y nos proteja de esa brutal belleza.
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Patrick Kavanagh (Inniskeen, 1904-Dublín, 1967) es uno de los principales poetas irlandeses del siglo XX. De origen campesino, su poesía se desarrolla entre oposiciones que marcaron su experiencia biográfica: de un lado, el amor por el campo y el rechazo a las restricciones vitales que impone. De otro, su inclinación por la mística y la denuncia de las opresivas estructuras católicas de la época. Atraído por la poesía de T.S. Eliot -el primer libro que, ya adulto, tomó prestado en una biblioteca fue La tierra baldía- y de W.H. Auden, a quien consideraba el mejor poeta inglés del siglo XX, su obra se apartó de la imagen idílica y esencialista de Irlanda que habían creado los autores del movimiento simbolista, como W.B. Yeats. Ese rechazo abrió el camino para una poesía hecha sobre la dureza de lo rural, que transformaba la genealogía literaria y política del país, de ahí partirían poetas posteriores como Seamus Heaney -que ha escrito excelentes páginas sobre Kavanagh-, Derek Mahon o Paul Muldoon. Su obra, no muy extensa, incluye dos novelas autobiográficas -The Green Fool (1938), Tarry Flynn (1948)- y cinco libros de poemas, entre los que destaca el poema-libro The Great Hunger (1942), considerado como una de las obras centrales de la poesía irlandesa moderna.Fruela Fernández (Langreo, Asturias - 1982) ha publicado una plaquette, Círculos (KRK: 2001), y diversas traducciones de Marie Luise Kaschnitz, Edoardo Sanguineti, Hugo von Hofmannsthal o Ezra Pound. Aparece en numerosas antologías de poesía reciente, como La lógica de Orfeo, Veinticinco poetas españoles jóvenes, Última poesía española, Poesía en Mutación o La inteligencia y el hacha. Coordina el festival Cosmopoética junto a Carlos Pardo y Juan Antonio Bernier.
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Durante el reinado de Felipe II, el príncipe Carlos, heredero del mayor imperio de la historia, vive sumido en el desánimo ya que la mujer que ama está casada con otro. Conquistarla no sólo supondría romper los vínculos del matrimonio, sino también contravenir las leyes naturales, ya que ese otro es el mismísimo rey, su padre. Don Carlos es una tragedia amorosa en la que se suceden las intrigas con la sublevación de los Países Bajos como telón de fondo. Esta obra, fruto de uno de los mayores talentos del teatro alemán y universal, sirvió de inspiración para la famosa ópera de Verdi de mismo nombre, y constituye un fascinante canto a la amistad, el amor y la libertad humana.
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La brújula de Poesía con Norte, en 2013, apuntó en la misma dirección que en 2012: a un norte que no pretende ser un punto fijo, concreto y limitado, sino un ancho horizonte con muy diferentes propuestas de viaje. En la Fundación Marcelino Botín, de Santander, se realizaron seis lecturas que de alguna manera venían vertebradas por un título consensuado con los autores. Como novedad, quisimos añadir al ciclo la sección “Maestros y promesas”, que consistía en la lectura, por un lado, de un poeta de una veteranía incustionable y, por otro, la de un poeta joven de muy poca obra publicada, pero que parece prometer ya un largo e intenso recorrido. Como “maestro” tuvimos la suerte de contar con Francisco Brines, que será el único en este libro que rompa la pauta de la reflexión de corte más ensayístico, para expresarse a través de una entrevista. Lorenzo Oliván Autores que intervienen: Luis Antonio de Villena, Ada Salas, Ana Rodríguez de la Robla, Carlos Marzal, Josep Maria Rodríguez, Carlos Alcorta, Manuel Vilas, Vicente Valero, Fernando Abascal, Francisco Brines y Marta San Miguel.
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«Escribir como quien viaja solo». Hace mucho, quizá demasiado, que el nómada talento de Miguel Ángel Arcas era un secreto en movimiento. Poeta, editor, agitador, curioso general, Arcas ha ido forjando un extraordinario corpus aforístico. En algún otro libro el autor los había denominado aforemas, neologismo que sintetizaba su fuente bifronte y su intermitente disposición versal. ¿Qué sería un aforema? Una idea que tiembla mientras piensa: «La oscuridad es un cadáver, / y no sabes de quién». Una visión que se hace sólida: «Una piedra respira por tu tacto». Una reflexión moral distraída, o amplificada, por el propio lenguaje: «Error: dolor y motor». La fusión, en definitiva, de metáfora y concepto. Más que formular dogmas, los fulgores de Más realidad desvelan los mecanismos de aquello que nos parecía cierto, observados mediante la inteligencia. Pero esa inteligencia trasciende los angostos límites de la lógica, para adentrarse en el resbaladizo territorio de la poesía. Pensar, para Arcas, pareciera ser el arte de la sospecha convertida en asombro. Revisar las ideas heredadas y lugares comunes para enfrentarlos con sus mentiras sintácticas, sus contradicciones metafóricas, sus verdades paralelas. «La verdad, como poco, lleva una doble vida». Minucioso atentado contra la rutina, poesía y pensamiento desordenan las cosas. «El viento se llevará las palabras», replica o resopla Arcas, «pero no las destruye». Leyendo estos aforismos, breve despertar literario en nuestras soñolientas letras, uno siente que sus vibrantes palabras nos reconstruyen.
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Mi madre lava la ropa en la linde del jardín. Más allá está la acequia y más allá de la acequia, el río, con su cesta de días y de muertes. Pero mi madre lava la ropa en la artesa y a mano, con un cepillo de plástico sin dientes, sujeto a la nervadura de sus dedos. Aún joven lava mi madre las camisa de su marido, los pañales de Carlos y Beatriz, las blusas blancas de Dora, los vestidos que se pone día a día en una pequeña manda de pobreza, traje de la dignidad, amor al fin de cuentas, porque qué es sino una madre fregando a la hora del calor en la linde del agotamiento. Escobilla y escobilla mi madre los ropajes manchados de verde, de negro, de malva, piel que los hijos nos hemos quitado y que todavía ríe su encuentro con la hierba, el escondrijo en el matorral, caparazones movedizos surgidos bajo las piedras: semillas de los hombres que ahora somos, un poco más serios y menos juguetones, pero todavía llenos de color. (...) Julio Espinosa Guerra (Santiago de Chile, 1974) ha publicado cinco libros de poesía, de los que destacan Las metamorfosis de un animal sin paraíso (2004, Premio Villa de Leganés), NN (2007, Premio Sor Juana Inés de la Cruz) y sintaxis asfalto (2010, Premio Isabel de Aragón, Reina de Portugal). Además ha publicado la novela El día que fue ayer (2006) y las antologías La poesía del siglo XX en Chile (España, 2005) y Palabras sobre palabras: 13 poetas jóvenes de España (Chile, 2010). Ha colaborado en publicaciones de diversos países y participado en numerosos encuentros internacionales, además de haber dado conferencias, cursos y charlas en las universidades de Göttingen, de Salamanca y de Jaén, entre otras. Su obra se encuentra recogida en numerosas antologías y revistas chilenas, españolas, mexicanas y argentinas, y ha sido traducida parcialmente al sueco, alemán, italiano e inglés. Director de la Escuela de Escritores de Zaragoza y de la revista de creación y pensamiento poéticos Heterogénea, en el año 2011 se le otorgó el prestigioso Premio de Poesía de la Fundación Pablo Neruda a la trayectoria poética. En el año 2013 Alfaguara publicará en Chile su segunda novela, La fría piel de agosto. Reside en España desde 2001.
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Los textos compilados en este volumen son homenajes a autores y colegas, a modo de crónica personal de una forma de entender la edición en el cambiante paisaje de las últimas décadas. Entre los autores en lengua española figuran Martín Gaite, Pombo, Pitol, Chirbes, Vila-Matas, Marina, Piglia, Villoro, Pauls, Méndez o Kiko Amat. Entre los escritores traducidos, Nabokov, Cohen, Bourdieu, Magris, Tabucchi, Baricco, Kapuscinski, Barnes, Sharpe, Bukowski, Carver, Tom Wolfe o Arundhati Roy. Algunos de los textos están dedicados a editores que son también amigos: Castellet, Calasso, Tusquets, Pániker, Pepe Martínez, Vilanova, Vallcorba, Porrúa, Pradera, así como Roger Straus y Morgan Entrekin o Jesús Aguirre. «Memorias fragmentarias de un tiempo y de un país, en definitiva, un retrato de época, agudo, divertido e inteligente» (Francesc de Carreras, La Vanguardia).
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Como dice la escritora argentina María Moreno: “Este es un libro extraordinario. No tiene referentes. Uno puede preguntarse, ¿para qué sirven los referentes? A Bárbara no le hacen falta. Este libro es el futuro, una suerte de discurso profético, pasado el cataclismo, de la poeta vidente. El juego con los géneros literarios lo convierte alternativamente en una crónica del apocalipsis, algún verso de amor perdido o una verdadera tragedia. Bárbara Belloc es la poeta más radical de su generación, y El sonido es el futuro por los temas que trata y porque su lenguaje no tiene familia”. Bárbara Belloc es una de las poetas más importantes de su generación en Argentina. Su poesía ha sido traducida y publicada en antologías de México, Brasil, Italia, Alemania, Canadá, China y Eslovenia. También ha grabado discos con composiciones propias y se ha convertido en un referente contracultural tanto en el ámbito de la edición como de la creación. Su poesía, de corte reflexivo, crítico y rizomático logra una voz única, insustituible y enérgica, capaz de someter el lenguaje a una expresividad lírica donde la norma cultural es sometida continuamente a revisión.
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«Este libro es importante, pues si es cierto que la tragedia ha muerto, nos hallamos ante una pérdida cultural vital. No cabe duda de que provocará polémica. La pasión y la perspicacia con que Steiner escribe sobre las tragedias que le han conmovido prueban que laspalabras todavía pueden ilustrar y revelar.» The NewYork Times Book Review «Todos los hombres tienen conciencia de la tragedia en la vida. Pero la tragedia como forma teatral no es universal», señala George Steiner, quien, en La muerte de la tragedia, se enfrentaa una cuestión que ha preocupado también, entre otros, a Lukács, Kafka o Sartre: ¿por qué la tragedia, que evolucionó desde la Antigüedad hasta la época de Shakespeare y Racine, calla o declina, a partir de esemomento, en el teatro? George Steiner trata de determinar a qué se debe este ocaso en un riguroso estudioque traza un fascinante recorrido desde el teatro isabelino hasta Brecht o Beckett.
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Adam Zagajewski es ya un clásico contemporáneo. Pocos escritores poseensu lúcida inteligencia y su capacidad de observación con tal economía deestilo. En este nuevo libro nos propone una vez más el encuentroluminoso entre la vida diaria y el arte. Envuelto en el magnetismo queejercen dos ríos franceses, el Garona, en el oeste, y el Ródano, en eleste, el poeta evoca, a lo largo de sus cauces, sus amores, sus viajes,los sonidos de la infancia transmutados, casi milagrosamente, en una epifanía.
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Estas singulares páginas de carácter autobiográfico dan cuenta de los años decisivos que forjaron la vida de quien ha sido definido como «uno de los mejores escritores del mundo» (Francine Prose, The New York Times). Las personas, circunstancias y lugares que le influyeron -la infancia en Brandeburgo, los años estudiantiles en Berlín, su exilio en los Países Bajos, el ejercicio de la medicina con la resistencia holandesa, la pérdida de sus padres- se entretejen, en el relato de Hans Keilson, con el impacto de la crisis económica, el antisemitismo y la guerra, pero la amistad, la música y la escritura también tienen un papel relevante. El resultado es el retrato único de una época convulsa y, a la vez, una aproximación a una mente y a una sensibilidad excepcionales.
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Como bien escribe el propio autor en la coda que cierra este libro de poemas, celebra en sus versos la vida, la música y el placer que supone admirar la armonía y la belleza que la naturaleza despliega ante nosotros a diario. Dice, ''son piel estas palabras y estos versos /y es piel mía, lector,tu voz callada''
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Incisivo, sensual, evocador y sentimental, Veinte películas de amor y una canción de John Lennon, juega con esa memoria colectiva para evidenciar el poder del arte para generar más arte. Pasen y tomen asiento, aquí la poesía es la protagonista absoluta y el lector, su espectador de lujo.
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Infelicitat perfecta
La mare de Peter Handke era una dona invisible. Al llarg de la seva vida ?que va abastar el període nazi, la guerra i la prosperitat de la postguerra? va fer el possible per mantenir les aparences, per. va arribar a una conclusió terrible: ?Ja no soc una persona.? No gaire després, es va suïcidar amb una sobredosi de somnífers. A Infelicitat perfecta, el seu fill s'asseu a posar per escrit all. que sap, o que creu que sap, sobre la vida i la mort de la seva mare, tot i que topa amb una ?incapacitat d'expressió extrema?. Aquest llibre auster, escrupolós i profundament commovedor és un dels punts més alts de l'obra de l'escriptor guardonat amb el premi Nobel de Literatura el 2019.
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El cuento que sostienes entre tus manos se presenta en forma de prosa narrativa y se dirige a niños/as de entre 4 y 6 años de edad. Se trata de una poesía que muestra siete familias de gatos que viven todos en un mismo árbol. Cada uno tiene unas pasiones, aficiones, gustos y sueños que tras la lectura llevan al niño/a a preguntarse y reflexionar acerca de los suyos. La poesía presenta un ritmo y una rima sencilla, que a oídos de la niña/o suena en forma de poesía musical, musicalidad que facilita la evocación de la rima por su parte, de una forma natural, espontánea, divertida y casi instantánea. Los protagonistas del cuento muestran valores y actitudes positivas. La identificación de la niña/o con estos personajes favorecerá el desarrollo de las mismas. Concretamente, transmiten la importancia de trabajar en equipo, apoyarse en las amigas/os a la hora de alcanzar sueños o afrontar cualquier dificultad o reto, una gran capacidad resolutiva que favorecerá que la niña/o aprenda a resolver los problemas fácilmente y de forma autónoma y que no le generen frustración sino motivación, la importancia de crear un vínculo armónico con los padres a través del juego y la diversión, así como la aceptación de las diferencias intrapersonales que favorecerá el desarrollo armónico de la personalidad. ¿Quieres aprender con este cuento lleno de ilustraciones mágicas, valores y fantasía a través de sus protagonistas: Milu, Romero, Tomillo, Berto, Rita, Las amigas Pizpiretas, La Mamá Regaliz, sus hijos Pas, Te, Le, Ros y Maya?
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Amaba los relámpagos Vivía en una isla Su madre era Ninfa de un río que corría hacia el mar Su padre una herramienta De corte dorada Los antiguos escolios dicen que Estesícoro dice que Gerión tenía seis manos y seis pies y alas Era rojo y Su extraño ganado rojo despertaba envidia Llegó Heracles y Lo mató por su ganado También al perro «Todo lo que se sabe de Gerión», de Anne Carson. Anne Carson nació en Toronto (Canadá) en 1950. Poeta, ensayista, traductora y catedrática de estudios clásicos, ha dado clase en las universidades de McGill, Michigan y Princeton. Su tesis doctoral sobre Safo se publicó en 1986 con el título de Eros the Bittersweet. Desde entonces ha publicado varios volúmenes misceláneos de poemas y ensayos, entre ellos Glass, Irony and God (1992), Plainwater: Essays and Poetry (1995), Men in the Off Hours (Premio Griffin de poesía, 2000), The Beauty of the Husband (2001, Premio T.S. Eliot de poesía), Decreation. Poetry, Essays, Opera (2005) y NOX (2010). Ha reunido sus traducciones de Safo en el volumen If Not, Winter (2002). También ha traducido la Orestíada de Esquilo y varias obras de Eurípides (su versión de Ifigenia en Táuride es de 2014). Su novela en verso Autobiography of Red se publicó en 1998 con gran éxito crítico y comercial. Quince años más tarde, en 2013, vio la luz una segunda parte con el título de Red Doc>. En España se han publicado hasta la fecha La belleza del marido (un ensayo narrativo en 29 tangos) (Lumen, 2003, trad. Ana Becciu), Hombres en sus horas libres (Pre-Textos, 2007, trad. Jordi Doce), Decreación (Vaso Roto, 2014, trad. Jeannette L. Clariond) y Eros: poética del deseo (Dioptrías, 2015, trad. Inmaculada Pérez Parra).
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Insecto ámbar es la metáfora de un ser atrapado en su mundo, en un pequeño universo ámbar, en la resina luminosa del sufrimiento, del dolor, del paso del tiempo y los recuerdos. Este libro incide y continua, tras W (Vaso Roto, 2017), un largo recorrido emprendido hace años por su autor y en el que ahonda en la reflexión familiar de lo genuinamente humano por medio de la memoria y el discurso confesional.
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Publicada originalmente en 1927, Lawrence y los árabes es la primera biografía de T. E. Lawrence y uno de los primeros libros extensos en prosa de Robert Graves. El propio Graves define así su propósito: «He intentado presentar con la mayor sencillez posible una imagen de una personalidad de complejidad exasperante. He intentado asimismo que historia tan enrevesada resultase inteligible y nítida...». Basándose en los relatos escritos de Lawrence, y en un minucioso intercambio epistolar con él, las dotes de narrador de Graves y su poder de síntesis y análisis construyen un retablo preciso, claro y fascinante de la peripecia vital de un personaje singular y la historia de un pueblo y unos parajes de perenne actualidad.
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Carne triste no es sólo un poemario brillante, sino un peculiar manifiesto generacional donde la cultura digital y la intimidad intransferible trabajan juntas para fabricar un calor sencillo y efectivo, capaz de fundir Pokémon y París en un mismo fruto rutilante. Aquí conviven Annie Ernaux y La Manga del Mar Menor, la purpurina y el ajedrez, los horrocrux y las pérdidas definitivas, el verano del 2000 y los fantasmas. Encabezado por un maravilloso prólogo de Aida González Rossi y Sofía Crespo Madrid, en cuya estructura resuenan las mismas influencias que configuran y articulan el tono general de los poemas, este libro es un brillante sucesor de los anteriores trabajos del autor y, con él, Pablo Baleriola se consolida como una de las voces poéticas más potentes y necesarias de su generación.
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Verano de 1972, Julio Cortázar recibe en Saignon, las pruebas de galera delLibro de Manuel y decide corregirlas lejos de su casa. Durante unos días abandona la ciudad francesa y a bordo de Fafner, su querida camioneta Volkswagen, recorre la Provenza con la única compañía de unas latas de conserva, vino tinto y una máquina de escribir. El resultado de esta travesía singular es esta breve obra maestra, donde la meta más significativa no será el libro corregido, sino las reflexiones laterales, el taller secreto que lo sustentaba, el modo de vida que permite una vida excepcional.
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Los tres autores aquí reunidos —Meister Eckhart (1260-1328), Angelus Silesius (1624-1677) y Paul Celan (1920-1970)—, a pesar de su distancia en el tiempo, parecen tener una misma vocación: crear un lenguaje que escape a toda pretensión interpretativa. Cuando leemos sus textos poéticos no podemos dejar de pensar que ninguna imagen puede ser extraída de su contexto de escritura sin que con ello caiga rota en pedazos en su resistencia a ser trasladada a conceptos. Y por eso los leemos una y otra vez, con la esperanza de que las potentes imágenes que brillan tras los cuerpos de escritura pierdan con el tiempo su significado aparente y se conviertan pronto en presencias. Esta lectura busca crear las condiciones para una comprensión en la que significado y presencia no discurran por caminos diferentes, y de este modo contribuir a una aproximación posible a tan imposible expresión poética.
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