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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Sostiene Aristóteles en su poética que el metro yámbico es especialmente adecuado para el diálogo. Sale de forma espontánea al hablar, es más natural que los versos heroicos, pero no por ello exento de cadencia, ritmo y armonía. Esta métrica atañe sobre todo al ámbito privado, a la subjetividad de los sentimientos. ''Rumores yámbicos'' constituye el particular homenaje de su autora a las Heroidas de Ovidio. Un poemario epistolar de mujer a mujer, cartas escritas en la más estricta intimidad, muchas clandestinas, se diría que susurradas al oído. Se trata de confidencias rumorosas que atraviesan fronteras, surcan el Mediterráneo de orilla a orilla, conectan a cada una de estas mujeres de agua y tierra que otean, incansables, el horizonte.
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Bilboko Udaleko Kultura eta Hezkuntza Sailak, duela hiru hamarkada baino gehiagotik, Gabriel Aresti Ipuin Lehiaketa deitzen du idazle bilbotarraren omenez. Lehiaketa horrek bigarren helburu bat ere badu, literatur sorkuntza bultzatzea, hain zuzen ere.Liburu honetan biltzen dira 2023. eta 2024. urteetan irabazi zuten kontakizunak, Oihane Fernandez Mendia, Isidoro Calvo Lorenzo, Amaia Iturriotz Etxaniz, Amagoia Muxika Telleria, Maitane Perez Argote eta Oskar Azkona Garcia idazleen lanak. Euren literatur kalitatea ikusita, ipuin horiek argitaratzeak merezi izan du, literaturaren eta egile handi guztiek landu duten genero honen zaleen gozamenerako.
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Comedia de fingimientos, disfraces, versos galantes, canciones pastoriles y juegos de promiscuidad -tal como la describe en su prólogo Vicente Molina Foix-, A VUESTRO GUSTO pone broche final a un pequeño ciclo de cómico de gran brillantez en la obra de William Shakespeare (1574-1616) precedido por «Las alegres casadas de Windsor» (BA 0928) y «Mucho ruido y pocas nueces» (BA 0927). Situados la acción y sus enredos en el idílico bosque de Arden, especie de Arcadia sobre la que no parece pesar el mal, sobresalen en esta entretenida comedia el personaje de la astuta y ambigua Rosalinda, que nos recuerda a la Porcia de «El mercader de Venecia» (L 5681), así como el del singular, marginal y melancólico Jaques.
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“La hermana aprendida es una muestra espléndida de cómo la poesía puede narrar el digno acontecer de lo senil sin sentimentalismos ni renuncias a la intensidad lírica. Ana Martín Puigpelat ha escrito un libro maravilloso sobre la feminidad anciana y abre así las puertas de un territorio que nos interpela con su vigencia y no ha sido muy explorado por la literatura entre nosotros”. CARLOS JIMÉNEZ ARRIBAS
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De las partes que me faltan es un poemario que explora las fisuras de la identidad, en el que la autora construye una poética desde la fractura. Con una voz transparente, a veces cruda, estos poemas recorren las cicatrices que deja el deseo infantil de encajar, la mutilación simbólica impuesta por las convenciones sociales y, finalmente, la búsqueda quizás tardía de un lugar propio desde donde simplemente poder ser. Dividido en tres secciones —Niña rara, Amores en el margen y La fractura—, este libro es una reflexión sobre la superación del daño acumulado a lo largo de la vida y también, entre líneas, sobre el derecho a nombrarse.
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Taller de ausencias de Imanol Gómez Martín es una obra poética extensa y plural que reúne casi tres décadas de escritura. Su estilo combina la imaginería surreal con el lirismo confesional, alternando versos libres de tono meditativo con haikus de precisión mínima. La temática oscila entre la memoria y la pérdida, el diálogo con la muerte, la contemplación de la naturaleza y las reflexiones sobre el arte y la creación poética. El autor despliega una voz que asume influencias culturales y literarias —de Celaya a Bonnefoy, de Panero a Eliot—, pero las somete a un pulso personal. La estructura es fragmentaria y coral: libros y secciones diversas conviven sin forzar un hilo argumental, unidas por un mismo pulso elegíaco. El léxico es rico y cambiante, alternando lo coloquial con lo culto. Hay un juego constante entre la luz y la sombra, entre la materia sensorial y la abstracción filosófica. La naturaleza se convierte en espejo de la interioridad, y el mar, la bahía o la lluvia funcionan como motivos recurrentes. Es un libro que reivindica la poesía como resistencia a la pérdida y como taller donde se repara el sentido.
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Tras la publicación de toda su obra poética previa en Lunwerg, Si el mar no regresa es el primer poemario de Sara Búho en dos años. Un viaje de retorno a la infancia y un paseo emocional a través de un elemento que ha sido denominador común de su crecimiento personal y como autora: el mar como paisaje, recuerdo y abrazo. Un poemario que convierte el océano en un espejo íntimo donde se reflejan la memoria, la calma, el miedo y la transformación. A través de imágenes marinas -olas que sanan, arenas que guardan el tiempo, orillas que esperan- Sara Búho explora la vulnerabilidad con una delicadeza luminosa. El mar aparece como un territorio emocional: un lugar donde las despedidas y los reencuentros conviven, donde las heridas cicatrizan con sal y donde el viaje interior se vuelve inevitable. Entre la introspección y la ternura, la autora invita a mirar hacia dentro con la misma profundidad con la que se contempla el horizonte.
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Chejóv tiene una forma propia, como los impresionistas. Uno mira y tiene su impresión de que el artista porne sus colores tal como le van a parar a las manos y como si sus pinceladas no tuvieran ninguna relación entre ellas.Pero si uno se aleja un poco y lo mira mejor, recibe una impresión extraordinaria, la de encontrarse frente a un cuadro claro e indiscutible.
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Vallejo resolvió renunciar del todo a la tradición poética previa, en un gesto de absoluta libertad estética, crea un lenguaje que expresa fielmente los aspectos más primarios, instintivos y oscuros del ser humano, es decir, se asomó a los bordes mismos de lo indecible, asumiendo los riesgos de resultar ininteligible o balbuceante. Es significativo que en 1922 sea el año en el que aparecieron The Waste Land de T. S. Eliot y el Ulysses de Joyce, al lado de los cuales bien puede colocarse Trilce: son tres distintas y altas manifestaciones de los profundos cambios que estaban produciéndose en la literatura occidental.
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El cielo sin caminos ahonda en los temas recurrentes de su autor: una mirada atenta a la naturaleza, el amor a la música y la poesía o la renovada indagación sobre la propia identidad y el paso del tiempo. Celebración y elegía, realidad y deseo, fruto y pérdida se entremezclan en él, como se suceden los elementos en uno de esos días de primavera en que hace de todo. Solo así pueden alentar los versos si se quieren no ya reflejo de una vida, sino de la vida: vida en sí.
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José Luis Cuerda es, sin duda, uno de los más grandes directores que ha dado el cine español, a estas alturas, huelga decir que algunas de sus películas son auténticas obras maestras. En ellas ha cultivado con esmero lustrosos imaginarios propios que ya han pasado a formar parte del imaginario colectivo. En estas Memorias fritas, Cuerda hace un repaso de muchas de las facetas de su vida, de sus apetencias y estímulos en el terreno de la creación. Hilarantes por momentos, sabias, emotivas, elocuentes, reflexivas, cariñosas, un poco gruñonas, siempre salpimentadas con mucho humor -también con un principio de llanto- estas poliédricas memorias abarcan desde su infancia en Albacete hasta su reciente abuelía, pasando por el resto de su vida: el seminario, su trabajo en tve, sus películas como director, sus películas como productor, su relación con la literatura, sus militancias políticas, sus pinitos como vinatero, su afición a hacer pintadas en internet y un largo etcétera. Siendo fiel a la máxima de Voltaire -la mejor manera de resultar aburrido es contarlo todo-, José Luis Cuerda nos ofrece en Memorias fritas una extraordinaria panorámica de lo que ha sido y es su vida.
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En este libro nos sumergimos en una aventura de evolución y de aceptación que marcará la línea a partir de la cual afrontar la convivencia en una nueva comunidad. La resistencia del entorno a los cambios y a una inminente metamorfosis es contrarrestada a través de dos poderosos artilugios: el arte y la cultura, como salvoconductos para lograr la paz y la armonía.
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La más emblemática e influyente de las muchas antologías que existen de Ramón López Velarde (1888-1921) es la que seleccionó y prologó cuidadosamente el también poeta mexicano Xavier Villaurrutia (1903-1950). Este calificó a López Velarde como el «Adán» de la poesía mexicana moderna, y a su obra como «la más intensa, la más atrevida tentativa de revelar el alma oculta de un hombre, de poner a flote las más sumergidas e inasibles angustias, de expresar los más vivos tormentos y las recónditas zozobras del espíritu ante los llamados del erotismo, de la religiosidad y de la muerte». La presente edición se basa en las tres versiones que Villaurrutia hizo de esa antología a lo largo de su vida, como instrumento no solo para adentrarse en los secretos de la poesía lopezvelardeana sino, como él mismo reconoció, para examinar y descubrir su propio yo. Pero esta edición incorpora una novedad: un apéndice con prosas de El minutero, el «otro» libro de López Velarde, cuya complejidad y hondura Villaurrutia fue también el primero en reivindicar y que planeaba editar poco antes de morir.
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La poesía de Diana Bellessi se tensa en su propia donación, afirmada en la inmediatez de la mirada hacia el esplendor de las formas, incluye el ideal de una oralidad de lazos comunitarios. Articula un pensamiento crítico de enorme coherencia con una marcada impronta social de un modo completamente novedoso. No es la ilusión referencial ni documental lo que la anima, sino la capacidad lírica de ver el mundo en el arrebato de una gracia del lenguaje. Esta pobreza herida es la materialidad humana que recorre el libro. Su poesía es pacientemente dulce, poblada de diminutivos, de resabios del habla, apócopes de la intimidad popular en el seno de versos frágiles que esplenden, rítmicos, cantados, donde esta riqueza ya no está vedada.
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La más antigua y famosa de todas las antologías poéticas japonesas. Cien poemas de cien poetas diferentes en una edición ilustrada y en versión bilingüe.Hyakunin Isshu es el nombre que comúnmente recibe una antología poética japonesa en la que se recogen cien poemas de cien poetas diferentes, seleccionados y ordenados de acuerdo con el criterio de su autor. Han surgido muchas obras de este tipo en distintas épocas, pero la más antigua y famosa de todas es la presente, traducida aquí al castellano y en versión bilingüe: Ogura Hyakunin Isshu, de Fujiwara no Sadaie (Kioto, 1162-1241).Compuesta por encargo del padrastro de su hijo con el fin de decorar las puertas correderas de su residencia en el monte Ogura, este erudito se atribuiría gracias a ella uno de los mayores clásicos de la poesía de Japón, y la más fiel representación de la cultura del buen gusto del siglo XIII, siguiendo una cronología de casi seiscientos años de historia, hasta alcanzar su propio período, en el que participa incluyendo su poema en la colección.Hombres y mujeres de todos los estratos sociales, desde emperadores, hasta damas de la corte y monjes, conviven en este entramado rico y variado, cantando a coro como «los inmortales de la poesía waka», tejiendo un tapiz de las cuatro estaciones, del amor, del desamor, de los viajes, y de otros quehaceres, marcando un ritmo magistral y memorable, fruto del inestimable intento de lograr por aquel entonces que cien melodías sonasen como una.
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Para encontrar la paz es necesario despojarse de todas las capas que a menudo nos visten. Capas adquiridas en el contexto social en el que nos desenvolvemos. El miedo, la neurosis, la ansiedad, la depresión son parte de nuestro día a día en un mundo cada vez más individualista y en el que buscamos la aceptación a través de la imagen. Giuliana cuenta su universo interior, su relación con este mundo, desde sus ojos. Pero en ella habita ahora una multitud de voces. Quizá su locura no es más que la asunción de esa identidad múltiple o quizá resida en la extrañeza que provoca en el otro haber nacido con piel de esparto.
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Vive en la ciudad del frío y enciende esos versos para que el calor entre por los sentidos, porque Antonio Manilla es un pescador de emociones: las guarda hasta que las escribe. En su poética transparente, donde importa el grado de legibilidad del mensaje, no deja afuera ninguno de los procedimientos de la poesía.
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«La docta y admirable magia de los juegos poéticos de Aitana, sus versos enigmáticos, tan sugerentes y tan hipnóticos», Luis Alberto de CuencaSalve se despliega ante nosotros como una liturgia, una danza entre lo móvil y lo inmóvil, una sed, ruinas, soledad. Entre ritos funerarios y soles adriáticos, las voces se acompasan, se elevan, se despiden y anuncian que la vida no es más que un suceder tranquilo, tierno, apasionado. Hasta la fecha, la obra lírica, teatral, narrativa y audiovisual de Aitana Monzón ha recibido más de cuarenta reconocimientos, entre los que destacan el IV Premio ESPASAesPOESÍA con su libro La civilización no era esto, el Premio Andreu Febrer 2023 por su traducción de Mina Loy y su puesto como finalista en los Galardones de Juventud 2023 (Instituto Navarro de la Juventud).
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¿Hay alguien al otro lado? ¿Hay alguien donde desaparecen las olas? ¿Alguien como yo? ¿Y cómo es? ¿También le han dicho que es pequeño?Poco sabemos de M, sólo la inicial de su nombre, que ya no es un niño, que está en la playa y le gustaría ser como el mar, que tiene los ojos azules, que a veces está triste, que a veces grita pero no tiene voz, piensa mucho y se hace muchas preguntas:¿Hay alguien del otro lado? ¿Hay alguien allí donde las olas desaparecen? ¿Alguien como yo? ¿Y cómo está allí? ¿También le dicen que es pequeño? ¿Y cómo puedes estar tan triste con un sol como éste? ¿Y tan feliz al mismo tiempo?Joanna Concejo escribe e ilustra una historia delicada y profunda, que apunta hacia abajo, en la búsqueda de uno mismo, y se eleva alto, hasta el corazón, hasta la cabeza, para contar la ira, el dolor y la felicidad del alma humana.
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«Escribir me ayuda a comprender mejor la vida y la muerte, que vienen a ser hermanas gemelas. Poner sobre el papel un pensamiento supone ponerte ante un espejo a través del arma que es el lenguaje» Niño de Elche.Conversar es el arte de dar vueltas en compañía a través de la palabra. Esta vez la compañía elegida por Niño de Elche es una obra escultórica realizada en madera por el poeta, sacerdote y escultor nicaragüense Ernesto Cardenal que representa a un monje trapense. De ahí que dicha conversación transite por un diálogo entre silencios y confesiones así como una especie de diario íntimo donde las temáticas que se tratan en él guardan relación con la mística, la relación con Dios, el sonido, la paz del hogar y su cotidianidad así como las diferentes experiencias personales que Niño de Elche ha ido observando a lo largo de su vida y trayectoria artística.
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Se reúnen bajo este título, Qué es el amor, algunos de los poemas más destacados de la producción poética del autor argentino. Es una vieja historia, y cuando digo vieja quiero decir nuevísima, quiero decir que está pasando ahora y esperándome en todos los rincones del futuro. Algo se abrió, primero. Entonces acá estoy, mi cara muda, como el que va empapándose de una lluvia invisible. Afilo mi armadura y mi caballo para que sean siempre fieles al corazón que nace si me quito. A través de los días y mi sangre. A través de mi sangre, mis labios y mi lengua. Alejandro Crotto nació en Buenos Aires en marzo de 1978. Publicó los libros de poemas Abejas (Bajo la luna, 2009), Chesterton (Bajo la luna, 2013), Once personas (Bajo la luna, 2015), Francisco -Un monólogo dramático (Bajo la luna, 2017) y Quiero (Audisea, 2023). Publicó también una traducción anotada del Infierno de Dante Alighieri (Audisea, 2020), la crónica Final (Ninguna orilla, 2022), escrita con su hermano Marcos Crotto, y el libro de ensayos Los porqués de la rosa (Mardulce, 2024). Enseña poesía y traducción de poesía en la Universidad de Buenos Aires y en la Universidad Nacional de las Artes. Dirige desde 2017 la revista Hablar de poesía.
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“No hay nada más frío que la bastarda tibieza” dice el último poema de los 3 cuerpos que viven en este poemario. 3 cuerpos que viven la tibieza desde distintos mundos para dar paso a pensamientos intermedios que alivian, en forma de evasión, una(s) vida(s) atravesadas por lo bastardo. Aquí se reconoce, se dene, se entiende y se justica hasta cierto punto a la bastarda tibieza como la hija no reconocida entra la calentura y el frío abandono.
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El poemario propone una lectura de indicios, a base que avanzamos en los poemas entendemos que ha habido un accidente y leemos a la hija que mira a la madre y que mira el frío, el silencio, lo injusto de quedarse con quien no está, pero está y no deja continuar. La vida intentando hacerse paso desde el daño. El poema en murmullo, sin ruidos ni artificios dejando que el blanco señale, que el silencio lo haga. Un poemario que trabaja sobre temas como el duelo, la pérdida del padre, el dolor que nos señala como distintos y nos aparta.
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Fuente Ovejuna se cuenta entre las comedias más apasionantes de Lope de Vega. En ella el autor reivindica la fuerza y el sentido de justicia que subyacen a la colectividad, representando a través de las acciones de un pueblo que se rebela contra una autoridad local los valores humanos de la dignidad, el coraje y el apoyo mutuo. Su importancia literaria y social han sido enormes, tanto que incluso han dejado huella en nuestro refranero, como lo prueba el hecho de que la expresión ''Todos a una, como en Fuente Ovejuna'' todavía se utilice para reivindicar la unidad en la lucha contra la injusticia y por el bien común.
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Poesía Vaso Roto
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Primera entrega de los ensayos reunidos del mejor prosista español del siglo XX. En 1955, tras escribir El Jarama, Rafael Sánchez Ferlosio se retiró de la circulación para sumergirse durante 15 años en la gramática, lo que él llamó «altos estudios eclesiásticos». Esa época de estudios solitarios derivó en una abundante escritura que fue viendo la luz de manera intermitente a lo largo de muchos años, pero probablemente resume mejor que ninguna otra las preocupaciones fundamentales de la reflexión ferlosiana. Este volumen, primero de los cuatro que compondrán los Ensayos reunidos, recoge los escritos más directamente ligados a esos años de dedicación a la gramática: Las semanas del jardín, «Guapo» y sus isótopos, las Glosas castellanas y la traducción y notas del Victor de l'Aveyron de Jean Itard, que se recupera tras más de veinte años, entre otros. «Primero incurrí en ''la prosa'', o sea ''la bella página'' (Alfanhuí), después quise divertirme con el habla (El Jarama), y finalmente, tras muchos años de gramática, encontré la lengua (representada no tanto en la última novela, sino particularmente en los escritos no literarios).»Rafael Sánchez Ferlosio en La forja de un plumífero
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Publicada originalmente en 1993, Cultura e imperialismo es una obra indispensable que restablece el diálogo entre la literatura y la vida, y permite comprender uno de los procesos históricos y culturales más complejos de la modernidad. En el siglo XIX y principios del XX, mientras las grandes potencias se esforzaban en construir y mantener imperios que se extendían desde Australia hasta las islas del Caribe, Occidente fue el protagonista incontestable de un esplendor cultural que vio nacer obras maestras tales como la Aida de Verdi, Mansfield Park de Jane Austen, El corazón de las tinieblas de Conrad o El extranjero de Camus, por citar solo algunas. Con todo, y a pesar de la magnitud del fenómeno imperialista que caracterizó esa época, la mayoría de críticos literarios y culturales nunca prestaron la suficiente atención a su influencia sobre la cultura. Mediante un brillante análisis, Edward W. Said examina estas obras junto con la de escritores de la talla de W. B. Yeats, Chinua Achebe o Salman Rushdie, para demostrar como la periferia sujeta al orden impuesto por la metrópoli supo crear su propia cultura vigorosa, opositora y resistente.
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Este libro se adentra en la memoria más reciente de la familia Baroja. El autor parte de la muerte de su padre, el cineasta y escritor Pío Caro Baroja (1928-2015), para iniciar un recorrido histórico y sentimental a lo largo de una de las genealogías más significativas de nuestras letras recientes. Desde una intimidad abierta y lúcida, se rememoran las figuras destacadas del árbol familiar (las del tío abuelo Pío Barojay Nessy, narrador preeminente de la generación del 98, sus hermanos Ricardo, pintor, y Carmen, etnóloga yescritora, y los hijos de esta, el antropólogo e historiador Julio Caro Baroja y el propio Pío), pero también se evocan y recorren los espacios que habitaron,desde la antigua casa familiar de Itzea, en Vera deBidasoa, hasta los más recientes en Andalucía y América. Un cuaderno autorizado de historias, olores y voces, de lugares y gentes que resisten el tiempo o quese hunden en él, elaborado a partir de una voz tanpersonal como cargada de reminiscencias.
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Santa Teresa, Soledad Acosta, Zenobia Camprubí, Teresa Wilms Montt, Lily Iñiguez, Marga Gil Roësset, IdeaVilariño, Susan Sontag, Alejandra Pizarnik y MarianaEva Perez son las diez autoras objeto de este ensayo.Leerlas es irse de viaje hacia los límites de la existencia y de la identidad, pues es en sus cuadernos personales donde se mostraron desnudas en extremo, contodos sus deseos y su dolor expuestos. Si los diarios empezaron siendo herramientas censoras por parte deinstancias de autoridad, ellas consiguieron transformarlos -aunque pagaran un alto precio por ello- en espacios de libertad. Este libro existe por todas las mujeres que transformaron su malestar y su marginalidad en parajes para la rebelión artística, en territorios para la insubordinación y la conquista de sí.
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Los uniformes' es un libro extrañamente unitario en el tema pero muy versátil y polimorfo a la hora de modelar su contenido. El título es un magnífico correlato objetivo para tratar de las grandes cuestiones humanas, muchas veces circunstanciadas en la vida diariay en referencias históricas y literarias, es decir, para decantar, bajo la moda y las apariencias, la esencial desnudez del transcurrir existencial.
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Sombra de la memoria es una antología que reúne a setenta poetas hispanoamericanos con los que se puede observar una evolución lírica independiente de tonos particulares y variaciones propias de las literaturas nacionales y que lleva al lector a reconocer el modernismo, las vanguardias literarias y la búsqueda de una identidad americana hasta las más notorias expresiones contemporáneas de la poesía. El vasto y equilibrado panorama ofrecido por Philippe Ollé-Laprune incluye verdaderas joyas de Rubén Darío, Leopoldo Lugones, Ramón López Velarde, César Vallejo, Nicolás Guillén, Xavier Villaurrutia, César Moro, José Lezama Lima, Vicente Gerbasi, Octavio Paz, Nicanor Parra, Gonzalo rojas, Cintio Vitier, Álvaro Mutis, Ida Vitale, Blanca Varela, Tomás Segovia, Juan Gelman, Gerardo Deniz, Alejandra Pizarnik, José Emilio Pacheco y Francisco Hernández, por mencionar sólo algunos nombres.
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Fernando Oreste Nannnetti (1927-1994) padecía esquizofrenia y pasó la mitad de su vida recluido en el pabellón penitenciario del manicomio de Volterra, en cuyomuro escribió un libro de más de setenta metros de largo ayudándose con la punta metálica de la hebilla del chaleco de su uniforme. La canción de NOF4 se sumerge en la vida y en los escritos lapidarios de Nannetti, e indaga, con aliento híbrido entre la biografía,el ensayo y el poema en prosa, cuestiones esencialesde la naturaleza humana como el origen y sentido dela escritura, los límites de la locura, la soledad ola creación artística.
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Naturaleza urbana narra manifestaciones naturales en un contexto urbano desde el punto de vista de un citadino. Narra cómo los humanos observamos, vivimos, negamos, o tratamos de controlar a la naturaleza en una metrópoli, aquí, a la naturaleza no solo se le observa y describe, sino que también se le motiva, se le invoca, y se le agradece. Esta colección de poesía es cómplice de la naturaleza, en su lucha cotidiana de seguir existiendo en tanta ciudad.
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Si barroco es lo que se desborda afuera para enroscarse íntimo, ese movimiento es una estrategia para decirse a sí mismo. Ya nada se dice a sí mismo. El desborde del mundo –incluida la estrategia capitalista del despojo– fue tal que esa mismidad ya trae consigo varias vueltas de tuerca. Pero en la poesía de Reynaldo Jiménez sí: es un movimiento de desaparición para crear una intimidad completa. Claro que, avisado por Leibniz-Deleuze, hay un pliegue, una dobladura que es también aviso de salto: aquello permanece agazapado, latente, listo para el zarpazo –o menos bestia: para zarpar del puerto de Buenos Aires al siempre imposible Mar de Los Sargazos. Poesía que no amenace ya no recuerda que es poesía. No sólo que se defienda. Que amenace más allá de todo amén o así sea una memoria de un origen que nunca fue –se crea un origen tan ficticio en poesía que la materia salta feliz.Eduardo Milán
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Los relatos de Morales Lomas surgen de lo más profundo del ser humano, de sus desvelos, de sus miedos, desu esperanza, de su imaginación o resistencia, pero también de su alambicado existir, que no es solo esa realidad que nos han vendido sino una que está enraizada en el misterio, en el absurdo, en la fantasía o enlos más íntimo de nuestras pesadillas, y se desarrollan en forma de alegorías, deformación, sarcasmo, distanciamiento, simbologías diversas y juegos escénicos. De todo ello habla este escritor a lo largo de másde cuarenta años de narrativa breve en los que recogehistorias creadas desde finales de 1970 hasta la actualidad. En él aparecen sus libros El sudario de lasestrellas, Juegos de goma, Tesis de mi abuela y otrashistorias del sur, El viento entre los lirios y también un buen número de relatos inéditos. Un mundo heterodoxo y rico en matices con el que sigue a sus grandes y admirados Melville, Poe, Borges, Cortázar, Bukowski, Cheever y Burroughs.
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Catalogado habitualmente como prerromántico por los historiadores de la literatura, William Blake (1757-1827) es, sin embargo, una figura que desafía cualquier intento de clasificación y que ocupa un privilegiado lugar en la lírica inglesa. Rebelde, visionario y místico, rompió con las doctrinas oficiales de su tiempo (teológicas, morales, políticas y estéticas) y se anticipó a muchos pensadores que hoy forman parte del acervo cultural de Occidente. El suyo es un mundo donde el mal es una fuerza necesaria y las leyes morales son cadenas impuestas al hombre, al que el poeta aspira a liberar a través de la imaginación, la visión y el conocimiento. La presente “Antología bilingüe” ofrece una amplia selección de la obra de William Blake, traducida y prologada por Enrique Caracciolo Trejo. No faltan en ella sus poemas más conocidos, como «El Tigre» o «Un árbol emponzoñado» y viene completada por un glosario de vocablos de sentido especial en la cosmogonía del autor y una cronología.
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