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Llibres d'art
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Les arts i les escriptures de la Barcelona més innovadora de la fi del segle xx no es poden explicar sense les revistes Àrtics (1985-1990) i Cave Canis (1995-2000). Amb textos de Vicenç Altaió, Manuel Guerrero i Oriol Pibernat, i obres de Brossa, Tàpies, Llopis, Colomer, Perejaume, Duran, Benito, Borrell, Llena, Amat, Evru, Serrahima, Esclusa i tants altres del llegat de Joaquim Pibernat a la Fundació Palau.
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¿Qué es el arte? ¿Por qué objetos con siglos de antigüedad siguen fascinándonos en la actualidad? ¿Qué misión poseen las instituciones de los museos, dedicadas a su conservación y difusión?El arte es un medio de conexión cultural con nuestro legado. A través de las obras artísticas, las civilizaciones precedentes se expresaron a sí mismas y nos transmitieron un mensaje, mensaje que actualmente se lee en clave de cohesión social, promoción de valores universales y construcción de una cultura para la paz.El arte se convierte, así, en una herramienta didáctica fundamental para lograr una educación integral y por competencias del alumnado. Por ello, este libro presenta al lector un análisis de las instituciones encargadas actualmente de la conservación y difusión de dichas piezas, los museos, así como de las posibilidades didácticas que estos poseen para hacer legible el mensaje de la obra de arte.El lector descubrirá en esta obra los entresijos del mundo del arte y sus diversos agentes, y encontrará una propuesta de reformulación del mundo del arte a partir de diversas teorías, que, más que dar respuestas cerradas, abrirán un marco de posibilidades para la reflexión sobre el arte en la actualidad.
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En la impresión que provoca la vieja Florencia predomina una felicidad persistente, una sensación de cordura, de algo humano y sensato, la sensación de un lugar propicio a la vida.ö
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En el presente volumen, el lector encontrará el estudio detallado de 140 santos fundamentales para una historia general del arte y para la historia del arte español. Cada uno de los artículos se abre con el relato de los episodios biográficos y legendarios que es preciso conocer para comprender correctamente sus imágenes, al que sigue una enumeración de los atributos con sus simbolismos y significados, haciendo especial hincapié en el estudio de las imágenes (aspecto, indumentaria, escenas, ciclos, grabados) y en aquellos ejemplos de especial relevancia para la iconografía del santo tratado. Se concluye con una bibliografía específica, que se completa al final del volumen con otra de carácter más general.
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Tirando de inocencia podríamos sorprendernos de que los pechos sigan recibiendo todavía tantos tabús, fantasmas, estereotipos, obligaciones sociales...Los pechos femeninos saturan el imaginario y, sin nunca confesarlo, son el eje de mil representaciones interesadas que participan en objetualizarlos y reprimirlos, dejándolos al margen de una dinámica de liberación que sin embargo sí parece haber llegado a otras partes del cuerpo. Camille Froidevaux-Metterie apostará aquí por sacarlos del ocultamiento, conversar abiertamente sobre ellos, retratarlos, pensarlos. Desde la experiencia directa de una cuarentena de mujeres, desde los 5 hasta casi los 80 años, revisitaremos la corporeidad de nuestra existencia, su inalienable materialidad, su sorprendente variabilidad, tanto entre diferentes personas como en un solo cuerpo a lo largo del tiempo. Desafiaremos aquí cualquier prohibición de mostrar y hablar de tetas, pezones y areolas. Tetas como rostros que condensan el conjunto de la experiencia vivida de lo femenino , pechos como un paisaje desde el que reconstruir nuestra historia de sometimiento y desde el que forjar también una historia colectiva de liberación.
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Avec sa préférence pour les solitudes immobiles, les formes robustes et permanentes et les végétations sèches, et en s’éloignant tout autant du « moi » romantique que de la pesanteur réaliste, Théodore Rousseau (1812-1867), personnel par les procédés qu'il emploie, mais non dans l'effet produit, a réussi à montrer le vif de la nature humaine en contact immédiat avec la nature extérieure, avec la vérité profonde et permanente des choses.
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Què tenen a veure els museus catalans amb la colonialitat? S'han nodrit de l'espoli sistemàtic d'altres continents? Les seves narratives contribueixen a difondre missatges supremacistes? Han estat eines de propaganda imperial? Representen la diversitat del nostre país? Han de retornar part dels fons que conserven? A qui?Aquesta obra col·lectiva qüestiona la realitat de les institucions museístiques de Catalunya i aprofundeix en les seves vinculacions colonials amb el Marroc, les Filipines i la Guinea Espanyola. Les investigacions que aquí es presenten, resultat de la recerca pionera d'un equip molt divers que inclou especialistes en temàtiques colonials, permeten donar a conèixer fets que fins ara romanien ocults i que poden ajudar a replantejar el present i el futur dels museus al nostre país.
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Daniel Romaní (Barcelona, 1966) és periodista i escriptor. Ha publicat assaigs, novel·les i diverses obres per donar a conèixer el patrimoni català, entre les quals destaca Monuments de Catalunya (2017, publicat per Viena Edicions). Col·labora regularment al diari Ara.
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El libro no solo revisa la trayectoria de Nochlin, sino que también la honra de la mejor manera posible: continuando con su legado de cuestionar y desafiar el statu quo, promoviendo una estela infinita de preguntas y descubrimientos en el campo de la historia del arte. De manera amena ofrece una perspectiva fresca y necesaria sobre la historia del arte. A través de una mirada interdisciplinar, explora cómo el legado de Linda Nochlin ha evolucionado y sigue influyendo en la investigación contemporánea. Es una obra fundamental para aquellos interesados en enfoques innovadores y críticos dentro de la teoría del arte. Este libro reúne a una destacada selección de académicas y profesionales cuyas trayectorias aportan una riqueza única a sus reflexiones sobre la figura de Linda Nochlin y su impacto en el pensamiento contemporáneo. Procedentes de reconocidas universidades e instituciones museísticas, las autoras aquí reunidas no solo trabajan desde los estudios de género como especialistas en feminismos y arte contemporáneo, sino que provienen de diferentes disciplinas como la música, la literatura, la práctica curatorial y artística, lo que enriquece las aportaciones del presente volumen. Sus experiencias en la docencia sobre estas cuestiones amplían aún más el alcance y la profundidad de este trabajo. Además, la dedicada labor de las editoras, Carmen Gaitán Salinas, Esther Romero Sáez y Vanesa Villarejo Hervás, ha sido fundamental para coordinar esta colaboración multidisciplinar y garantizar la calidad y cohesión del resultado final. Todas ellas se encuentran unidas afectiva e intelectualmente a la figura de Linda Nochlin, cuya influencia sigue vibrando en el contexto contemporáneo de la historia, el arte y los feminismos.
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Lectura para todo aquel al que le guste el arte, y para todos loscuriosos Marozeau se zambulle tras el escenario de algunas obrasmaestras, desde el Busto de Nefertiti hasta el Guernica de Picasso 12capítulos = 12 obras de arte = 12 historias asombrosas
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Según la Biblia hebrea, Lilith fue la primera mujer que Dios quiso darle como compañera a Adán, y la hizo,a semejanza de él, del polvo de la tierra. Y Lilith,viéndose su igual, se rebeló un día ante sus constantes exigencias y lo abandonó. Huyó a los espacios y tuvo amores con diversos demonios: fue la primera mujer liberada de la historia de la humanidad. Fue la primera ''femme fatale''. El propósito de este libro esaveriguar las causas por las que en el último terciodel siglo XIX surgieron del pincel de tantos artistasno solo desagradables, sino infames, imágenes femeninas. ¿Cuáles fueron las razones del surgimiento de aquel relato visual que complacía a los hombres y desagradaba a las mujeres? Evidentemente había un origen en toda esta iconografía. El principal fue el nuevo despertar de la conciencia en la mujer de su papel secundario en el mundo y, como consecuencia, su protestaformalizada en los primeros y categóricos movimientosde las sufragistas. La sociedad patriarcal observabaalarmada que le surgía una inesperada competidora, insospechada, debido al sometimiento al que, ancestralmente, la había marginado. Para confirmar la perfidiade la mujer, los artistas de la época ofrecieron ominosas epresentaciones de ella, sin darse cuenta de que al mismo tiempo ponían de relieve su miedo y deseo.Para ratificar su denuncia incluso acudieron a imágenes religiosas que corroboraran la maldad innata delser femenino. Es así como recobraron, entre otras, lafigura de Lilith.
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Este libro va dirigido a cualquiera que quiera mejorar en el dibujo del rostro humano, ya sea si empieza desde cero o es un artista más experimentado. Desde las estructuras faciales básicas hasta los rasgos más detallados, aprenderá los fundamentos del retrato, además, le proporcionará el espacio necesario para practicar en sus páginas. Aprenda a comprender la anatomía y la forma, emplear la luz y la sombra, realizar bocetos de perfil y de frente, dibujar detalles como el cabello y las arrugas y captar el parecido y las expresiones. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar caras!
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Las residencias artísticas en escuelas, principalmente en colegios e institutos, han proliferado en los últimos años por todo el territorio español. Sus programas y proyectos buscan trascender las relaciones tradicionales entre arte y escuela, desplazando los habituales lugares de producción artística, en museos y centros de arte, para trasladarlos a contextos educativos. Con ellos se busca involucrar más activamente a estudiantes y docentes en la creación contemporánea yproponer una intervención pedagógica en la que el arte pueda concebirse como una herramienta para el aprendizaje multidireccional. Este libro pretende dar a conocer algunas de las residencias que se han llevado acabo en centros educativos del ámbito español en laúltima década, y que son buena muestra de la pluralidad de planteamientos y desarrollos que han tenido a través de diferentes programas , tales como “EN RESiDENCiA”, “Levadura”, “Una artista viene a vernos”, “Intraescolar”, “Resistències Artístiques”, “Claves. Residencia de jóvenes músicos en escuelas” y “Aquí trabaja un artista”. Son las voces de artistas, docentes, alumnado, profesionales de la mediación y de la gestión cultural las que se recopilan en esta obra, reflexiones y experiencias que inciden en la dimensión colectiva de estas residencias, haciéndolas más ricas, complejas y transformadoras.
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Moriremos mirando recoge todos los textos del fotógrafo Alberto García-Alix, escritos entre 1987 y 2020, que abarcan diferentes géneros e intenciones: guiones, ensayos, cuentos, reflexiones y artículos sobre las grandes pasiones que le han acompañado la fotografía, los amigos, las motos, los tatuajes, la música, que conforman una obra marcada por un sangrante carácter autobiográfico. Más de 50 textos que van desde su primera colaboración en la revista Sur Exprés hasta el guion del vídeo De donde no se vuelve, pasando por los ensayos escritos para sus libros o sus textos para la revista El canto de la Tripulación. Un volumen imprescindible para conocer esta faceta del artista, un pacto con la palabra que corre paralelo a su evolución como fotógrafo.
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Este catálogo de exposición reúne obras de tres artistas románticos: los noruegos Peder Balke (1804-1887) y Lars Hertervig (1830-1902), y el español Eugenio Lucas Velázquez (1817-1870), ofreciendo un paralelo entre sus respectivos paisajes para mostrar cómo plasmaron sus visiones interiores de la naturaleza a través de técnicas experimentales que, en cierta medida, anticiparon la manera suelta del Impresionismo y otros movimientos de la pintura moderna.
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Este libro analiza las implicaciones estético-políticas de la presencia del cuerpo en las prácticas performáticas de los últimos años de la dictadura franquista. La performance, como estrategia estética, puede convertirse en un espacio de resistencia desde el que torcer la lengua para interrumpir la literalidad del discurso e imaginar visualidades periféricas. El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que lo circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les «da cuerpo». Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unos actos y el relato de quienes los cometieron. Citar implica recuperarlos y repensarlos desde posicionamientos feministas que contribuyan a cuestionar la historiografía del arte contemporáneo en el Estado español.
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Un ensayo imprescindible que aborda el marco como canal de comunicación y elemento discursivo, analizando sus implicaciones físicas, virtuales y conceptuales en el arte.Sabemos que, en el contexto de la pintura actual, abordar el marco como objeto de estudio puede parecer para algunos una simple insistencia en una convención que se creía definitivamente olvidada. Sin embargo, la diversidad de los lenguajes contemporáneos nos permite cuestionar esta actitud: la tradición del marco ha despertado en las últimas décadas un gran interés entre artistas, pinacotecas y galerías de todo el mundo, reclamando con fuerza la atención del entorno académico.El marco, bajo cualquier forma que adopte, plantea interrogantes complejos en todos sus niveles. Es, quizá, uno de los elementos más perturbadores que interactúan con la pintura, operando como frontera y nexo a la vez.¿Qué enfoques se analizan en esta obra?• Sintaxis y objeto: El marco analizado desde su materialidad, su forma física y su función tradicional en el espacio expositivo.• Entorno y pensamiento: El concepto del marco como entorno y como la construcción organizada de un pensamiento grupal.• Ilusión y virtualidad: Su papel como ilusión intrínseca de la propia pintura, explorando cómo los límites y el fuera de campo se articulan dentro de la representación.Editado por Ediciones Asimétricas, este volumen monográfico reúne las valiosas reflexiones de siete artistas visuales, docentes e investigadores. Una lectura fundamental para comprender la teoría del arte contemporáneo y los mecanismos visuales que definen nuestra forma de mirar una obra.
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La exposición celebra la dimensión artística del automóvil, vinculándola con los ámbitos paralelos de la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía y el cine. Con este enfoque integrador, la muestra cuestiona la separación entre las distintas disciplinas y ofrece una exploración de los modos en que estas se relacionan visual y culturalmente. La exposición analiza asimismo las afinidades existentes entre la tecnología y el arte. Se muestra, por ejemplo, cómo el uso del túnel de viento ayudó a dotar al automóvil de una forma aerodinámica, a fin de que pudiera ir más rápido empleando la energía de manera más económica, esta revolución aerodinámica tuvo su eco en las obras del movimiento futurista y de otros artistas de la misma época, y ello también se reflejó, finalmente, en el diseño industrial de todo tipo de productos, desde electrodomésticos hasta locomotoras.
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El color es pigmento e ilusión visual, materia y cognición. Este libro presenta una serie de experimentos y ejercicios para explorar las posibilidades del color a partirde esta doble naturaleza. Con su habitual estilo ameno e instructivo, Peter Boerboom
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El patrimonio cultural constituye uno de los ámbitos científicos más complejos de abordar, ya que, además de la diversidad de bienes que lo conforman, confluyen en torno a él numerosos intereses y efectos de tipo social, político, ideológico, económico, urbanístico, etc. Esta multidimensionalidad del patrimonio cultural ha propiciado que toda clase de agentes, disciplinas y colectivos se acerquen a él para extraer del mismo aquellos objetivos o beneficios que consideran legítimos a sus particulares intereses. Este hecho está dando lugar en la actualidad al desarrollo de una serie de tendencias que pueden ser muy peligrosas para el patrimonio cultural, para el mantenimiento y la sostenibilidad de un adecuado sistema de reconocimiento y tutela del mismo. Tendencias como las relacionadas con la utilización de la memoria y la identidad como referentes para la patrimonialización de un bien, la expansión incontrolada del patrimonio cultural inmaterial, la suplantación de la tutela por la gestión, la simplista apelación a la participación ciudadana, la desconsideración de los procesos formales de declaración de bienes, y las implicaciones jurídicas que ellos implican, especialmente en los de carácter paisajístico. Para poder transitar correctamente por este desconcierto patrimonial el autor nos induce a acudir a la seguridad de los límites de la ciencia (y la de sus profesionales), que otorga, en este caso, los principios y fundamentos de la disciplina de la tutela del patrimonio cultural, haciendo valer así el armazón científico construido a lo largo de siglos con el objetivo de disponer de un instrumento poderoso, universal, democrático, legítimo, justo, solidario, inclusivo... para defender uno de los más preciados (y apreciados) tesoros de la humanidad, su propia historia, su propia existencia. Evitar dilapidar este excepcional y universal logro es el objetivo de esta publicación.
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Madelman la verdadera historia.
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Las mujeres en el sistema artístico, 1804-1939 ofrece claves para esclarecer el relevante papel que en ese periodo desempeñaron las artistas en España, y en otros focos como Italia, Francia o Reino Unido. Promovido por el proyecto I+D+i Mujeres artistas en España, 1804-1939, el libro plantea una necesaria reflexión sobre la participación y consideración de las artistas en la escena cultural contemporánea, así como sobre los lenguajes plásticos que desplegaron y con los que impulsaron la renovación del arte y el desarrollo de las vanguardias. Conforme a ello, el libro contribuye a la construcción de un nuevo relato historiográfico, que valora, de forma justa, las invisibilizadas aportaciones de las creadoras a la Historia del Arte.
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L’exposició Els mons d’Alícia. Somiar el país de les meravelles integra les múltiples visions del personatge en els àmbits de la literatura, el cinema, les arts escèniques i les arts plàstiques, i el situa en un segle XXI que ha esborrat les fronteres entre la realitat i el món imaginari. Alícia hi apareix com una figura precursora: una nena amb una gran curiositat per totes les coses, que desafia la lògica de les idees immutables i troba el seu camí en un mon absurd.
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Tras el éxito de Acuarela creativa, Acuarela creativa con técnica mixta y Armonía de color para artistas, la acuarelista mexicana Ana Victoria Calderón nos invita a sumergirnos en un nuevo viaje de autodescubrimiento creativo a través de las formas y la simbología de la geometría sagrada. •, Descubre los fundamentos de la geometría sagrada, su papel en las diversas culturas y su influencia sobre algunos artistas. •, Conoce los materiales, técnicas y aspectos esenciales del dibujo técnico que te permitirán crear figuras básicas llenas de simbolismo: el círculo, la Vesica Piscis, el nudo gordiano... •, Ejercita tu creatividad y aprende a crear efectos sorprendentes a través de fascinantes proyectos conformados por motivos inspiradores y universales, como la semilla de la vida, la flor de la vida, el cubo de metatrón o el anillo.
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Como muchos grandes pintores del siglo xix, Ingres escribía sobre el arte. Lo hacía en cuadernos desordenados, en borradores de cartas de negocios, en cuentas de gastos, en papelotes dispersos en medio de otros papeles, pero que juntos conforman una de las obras sobre estética más significativas de la modernidad. Fue su alumno Henri Delaborde quien recogió, en 1870, los pensamientos dejados por el maestro, de los que esta edición destila su quintaesencia. Procedentes, pues, de fuentes diversas, y sin embargo singularmente coherentes, en ellos nace una reflexión sobre el arte que tiene en igual medida el sentido de la eternidad y el sentimiento de la vida, el eco del lenguaje confidencial y la vocación de lo absoluto. No estamos frente a un tratado o a una obra sistemática, sino frente a una suerte de aforismos que capturan una intuición, ante reflexiones sobre la pintura desarrolladas en medio de los alumnos, mientras se mueve entre los caballetes, da explicaciones delante del modelo y corrige los trabajos. Sin embargo, pocas páginas están recorridas como éstas por tal tensión metafísica, con un Ingres al margen de los clichés, que hace un elogio de la pureza de la línea, pero también de la emoción en pintura, una mística de lo Bello, que nos habla no del arte de su tiempo, sino del arte atemporal y sin etiquetas, del arte que es «eterno y único», como única y eterna es la belleza de la naturaleza.
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La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos. Edición especial revisada con ilustraciones.Edición especial revisada con ilustraciones. Para entender el arte no hace falta ser un experto. «Ve más allá de lo que nos han contado.»La Sexta «Una de las divulgadoras de arte más seguidas en castellano.»El País «Muy interesante y fácil de seguir. Un libro que valdría la pena solo por cómo transmite el respeto al arte contemporáneo, lo contextualiza y le da sentido.»La Voz de Galicia Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo xx, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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« ,La pression sentie claire et prête, la main de Manet énonçait dans quel mystère la limpidité de la vue y descendait, pour ordonner, vivace, lavé, profond, aigu ou hanté de certain noir, le chef-dÆúuvre nouveau et français. ,»a.s ideas de este genial psicoterapeuta, que no fue un recolector neutral de datos, sino un buscador de soluciones. Erickson demostró que el poder cambiar está latente en el paciente, quien tiene que ser despertado, ayudándolo a reconocerse tal cual es. Propuso la utilización de anécdotas para establecer empat¡a con un paciente y con los procesos que están o no dentro de su conciencia inmediata. En lugar de producir ericksonianos ortodoxos, muchos terapeutas de diferentes orientaciones recibieron inspiración de él, quien estimuló avances que se ramificaron en múltiples direcciones. ,s. Como en las danzas de la muerte medievales nadie se salva en este epistolario de las pasiones humanas. Y, desde luego, el toque de gracia corresponde a una ardilla.
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Una publicación imprescindible para entender las claves del coleccionismo de arte.Dani Levinas reúne, en este libro, treinta y cuatro entrevistas a las grandes figuras del coleccionismo contemporáneo, heterogéneas personalidades que hablan de sus motivaciones para coleccionar y de sus maneras de compartir generosamente con el público su pasión por el arte. Levinas es, a su vez, un gran coleccionista que, en este contexto, se nos presenta como un coleccionista de coleccionistas. En sus palabras, lo que distingue a estos hombres y mujeres es su forma de ver el mundo.
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La monografía que tienes en tus manos es el primer trabajo académico nacional en torno a la recreación histórica y su contribución a la educación patrimonial y a la difusión del conocimiento del pasado. El término «historia viviente» (living history, conforme a su denominación en inglés), describe las acciones encaminadas a traer la historia a la vida. La principal diferencia entre una recreación y una actuación dramática es el grado de inmersión, así como el componente científico, una recreación histórica sigue el mismo método científico que ampara a la historiografía: investigación y búsqueda en las fuentes, análisis de las mismas con contextualización del periodo o hechos que recrear, y reconstrucción en vivo con todo lujo de detalles de tales hechos o momentos concretos. La recreación histórica no solo se circunscribe a la puesta en escena de actores, sino que a ello une la reconstrucción de cultura material, distintas aptitudes, modelos históricos e incluso usos lingüísticos de épocas pretéritas, lo que contribuye a la experimentación y por tanto a la investigación en factores y elementos que las fuentes, por su finitud, son incapaces de mostrar. Este trabajo científico persigue constituir un hito pionero en el tratamiento de esta disciplina como una herramienta de primer orden en la difusión del conocimiento y la educación patrimonial, para sensibilizar a administraciones y otras entidades de la existencia de un modelo distinto de conmemoración del pasado, fundamentado en el contacto con los centros de producción científica como son las universidades y centros de estudios, así como la involucración en el fenómeno de otros centros depositarios de la responsabilidad de la difusión de la historia y el patrimonio como son los museos y centros de interpretación o los bienes de patrimonio.La reunión y coordinación de los artículos que conforman esta monografía surge de la plataforma Compromiso de Caspe, un proyecto académico y multidisciplinar que reúne a investigadores nacionales de distintos perfiles y que tuvo su primer gran encuentro en el II Congreso Internacional Ciudad del Compromiso, celebrado en octubre de 2019.
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* Una lectura obligada para todo aquel que se sienta hechizado con el arte excepcional. * Un esclarecedor homenaje a 100 piezas artísticas que revelan qué es lo que las hace obras maestras. * Chloë Ashby explica por qué cada pieza que presenta resulta tan vital. Incluye obras seleccionadas para ofrecer una yuxtaposición única de estilos, medios y escuelas artísticas, para que incluso los más expertos historiadores del arte se crucen con obras infravaloradas, fuera del canon tradicional, y para conocer a visionarios rebeldes que aún ejercen su influencia en artistas de vanguardia. Con datos sobre los géneros más importantes, este libro es un resumen de las obras de arte que importan y una descripción de por qué no se las puede perder. Repleto de enlaces y sugerencias para leer, escuchar, ver y disfrutar. La vida es demasiado corta para el arte malo. Las propuestas de este libro valen la pena.
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Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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Catálogo publicado con motivo de la exposición Sigmar Polke. Afinidades desveladas, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 26 de noviembre de 2024 y el 16 de marzo de 2025.Las reflexiones sobre la pintura han sido una obsesión a lo largo de la historia tanto para los artistas como para los historiadores de arte. La obra de Sigmar Polke, artista alemán considerado como uno de los pintores más influyentes de la posguerra, se centra en la reflexión y la revalorización del arte pictórico, esencial en su aproximación creativa. Esta se concreta en términos de experiencia, de exploración y de azar, y potencia la mezcla imprevista de imágenes y materia, así como su superposición utilizando cualquier medio técnico.La relación entre Polke y la figura y la obra de Francisco de Goya es el trasfondo de esta exposición y del catálogo que la acompaña. El medio centenar de obras mostradas revela un conjunto heterogéneo de paralelismos entre ambos creadores, una conexión atemporal entre sus temas y su factura. Desde el encuentro de Polke en 1982 con la pintura del maestro aragonés Las viejas o El Tiempo, en el Palais des Beaux-Arts de Lille, las consecuencias sobre su obra se sucedieron con rapidez, afectando tanto a los motivos como a la técnica y los criterios compositivos.
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¿Para qué sirve un museo? Durante años multitud de activistas y gestores culturales han experimentado, también desde lo institucional, con las respuestas posibles a esa pregunta, explorando los límites del arte, su función política en sociedad y los condicionantes que impone ese particular marco que llamamos museo. Este ensayo nos ayudará a profundizar en la reflexión tomando como sujeto de estudio la práctica desarrollada en el Museo Reina Sofía durante el mandato de Manuel Borja-Villel. Durante algo más de una década se desarrollaron allí programas, proyectos y dispositivos de relación y negociación con comunidades y movimientos sociales que partían de un cuestionamiento crítico de los marcos institucionales. Se pretendía con ellos desbordar los lazos que vinculan al museo con la sociedad en la búsqueda de una profundización de sus fundamentos democráticos.Aunque estos procesos son en buena medida una singularidad, casi una anomalía, dentro del marco del museo neoliberal que se impuso en España desde la década de los 90, sin embargo, como se narra aquí, tiene sus raíces en el rol que se otorgó al arte.
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1874 est l'année de la premiàre exposition du groupe de peintres qui entrera dans l'histoire sous le nom d'« Impressionnistes », mais c'est aussi l'année de la 91e édition du traditionnel Salon de Paris de Peinture et Sculpture. Le journaliste et homme politique Ernest Duvergier de Hauranne (1843-1877), avec son compte rendu, plein de nuances et de sarcasme, des úuvres exposées au Salon Officiel, nous permet de saisir l'état de confusion et d'attente o- se trouvait alors l'art de la peinture en France.
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“Nueva York, tus maniquíes descabezados están ya dormidos, vertiendo toda su ‘perpetua sangre’, que fluye como las ‘fuentes quirúrgicas de la publicidad’.'' Dalí (1942)Este libro reúne artículos publicados en Estados Unidos durante los años treinta y cuarenta que nos descubren las claves del innegable protagonismo de Salvador Dalí y de su versión del surrealismo en la cultura popular de ese país.
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Arte (in)útil reflexiona en torno a la idea de artista emergente e institución cultural como ente legitimador. El contenido de este marco solo es la punta del iceberg sobre la mediatización cultural entre arte, artista e institución, pero sirve para entender cómo se inicia el artista en un circuito y qué mecanismos se utilizan para absorberlo. Así es cómo se aleja el arte de ser una herramienta política crítica de pensamiento, y se convierte en producción y, por tanto, en un producto más del contexto posfordista. A partir del cambio de paradigma sobre la idea de exposición con el objetivo de dar visibilidad a obras -una visibilidad necesaria para que lleguen a ser arte-, Daniel Gasol se pregunta si el artista se adapta a la producción institucional que se entiende como arte. El autor también valora si, por el contrario, es la exposición institucional la que dota al trabajo de una importancia hipotética, con la consecuencia indirecta de generar legítimamente creaciones colindantes de semejanza formal y conceptual. Gasol explora la existencia de diversos tipos de creación o contextos que proyectan qué debe ser arte, así como sobre qué consideramos arte emergente o obra expositiva. También cuestiona las instituciones adecuadas para exhibir producciones artísticas, y cómo el sistema del capital y laboral afecta a la creación y la exposición de arte. ¿Es útil, el arte? ¿Qué nos lleva a decidir qué consumimos? ¿Relacionamos inconscientemente que una obra artística es mejor por tener un volumen de audiencia elevado y por aparecer en los medios de comunicación? ¿Son los artistas realmente libres a la hora de crear o están sometidos a ciertos parámetros y se adaptan a ellos?
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Els llibres d’art són publicacions impreses que exploren les diferents disciplines artístiques des d’una perspectiva històrica, estètica i cultural. Els llibres de belles arts permeten aprofundir en moviments, tècniques i artistes fonamentals, oferint una experiència visual i reflexiva a través del format en paper. La seva edició acurada facilita una lectura pausada i la contemplació detallada d’imatges i continguts.
Què són els llibres d’art?
Els llibres d’art reuneixen estudis, assajos i reproduccions que analitzen obres, corrents i contextos històrics relacionats amb les arts visuals.
Definició
Inclouen continguts sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografia i altres disciplines artístiques, abordades des d’enfocaments acadèmics o divulgatius.
Valor editorial
El format en paper permet apreciar la qualitat de les reproduccions, la maquetació i el disseny, elements essencials en els llibres de belles arts.
Com triar llibres de belles arts
Seleccionar llibres d’art implica tenir en compte la disciplina artística, el període històric i el nivell de profunditat del contingut.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca un estudi general, un monogràfic dedicat a un artista concret o una anàlisi d’un moviment artístic específic.
- Història de l’art universal.
- Monografies sobre artistes destacats.
- Guies sobre tècniques artístiques.
- Assajos de teoria i crítica d’art.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres d’art en format paper presenten diferents enfocaments editorials i formats.
Tipus de llibres i contingut
- Catàlegs d’exposicions.
- Estudis acadèmics i assajos crítics.
- Llibres il·lustrats amb reproduccions d’obres.
- Manualitats i tècniques de belles arts.
Aquestes publicacions permeten comprendre l’evolució de les arts i el seu impacte cultural.
Beneficis culturals i educatius
Llegir llibres de belles arts en paper afavoreix l’educació estètica i el desenvolupament de la sensibilitat artística.
Apreciació estètica
Els llibres d’art permeten observar detalls, estils i tècniques que enriqueixen la comprensió visual.
Formació cultural
Aquestes obres contribueixen a contextualitzar moviments artístics i la seva influència en la societat.
Orientació lectora: per a qui són els llibres d’art?
Els llibres d’art s’adrecen a lectors i lectores interessats en les arts visuals i la seva evolució històrica.
- Estudiants de belles arts i història de l’art.
- Docents i professionals de l’àmbit artístic.
- Persones interessades en la cultura visual.
- Lectors que volen ampliar el seu coneixement artístic.
Preguntes freqüents sobre llibres d’art
Què inclouen els llibres d’art?
Inclouen estudis històrics, assajos crítics i reproduccions d’obres relacionades amb diferents disciplines artístiques.
Quina diferència hi ha entre els llibres de belles arts i altres llibres culturals?
Se centren específicament en disciplines artístiques i sovint inclouen material visual d’alta qualitat.
Com triar un llibre d’art adequat?
És recomanable considerar la disciplina artística, l’enfocament del contingut i el nivell de profunditat.
Per què triar llibres d’art en format paper?
El format en paper permet apreciar millor les imatges, la qualitat d’impressió i el disseny editorial.
