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Llibres de poesia
Llegir poesia exercita el cervell i fa canviar la manera en què veiem el món. Per això, et recomanem repassar la nostra gran selecció de llibres de poesia. ¡Lectures que aixecaran la teva passió! Compra llibres de poesia online. En aquesta secció trobaràs una àmplia i variada selecció de llibres de poesia en format de tapa dura i tova, i en múltiples idiomes: castellà , català i anglès. Descobreix els millors llibres de poesia moderna, així com antologies de poesia espanyola i catalana, poemaris, compilacions i obres clàssiques dels principals exponents d'aquest gènere literari, com Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre altres.
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Un padre entra con su hijo a un museo. Las salas se suceden, los cuadros hablan, y entre Botticelli y Jeff Wall se teje una conversación que ninguno de los dos olvidará. Descripción de cuadros para Guillermo reúne treinta poemas escritos ante las obras maestras de la pintura occidental. Velázquez, Goya, Leonardo, Van Gogh, Friedrich, Monet: cada lienzo se convierte aquí en una pregunta dirigida a un hijo joven. ¿Qué es la verdad? ¿Qué debemos a los que sufren? ¿Cómo se vive con dignidad? Santiago Elso Torralba no escribe sobre pintura. Escribe desde la pintura hacia la vida. Cada poema extrae de la imagen un principio, una advertencia, una enseñanza que el autor querría dejar en manos de Guillermo antes de que el mundo le exija respuestas. El resultado es un libro de doble naturaleza: guía de museos y carta de amor paterno, crítica de arte y educación moral, poesía y conversación pendiente. Para quien haya contemplado un cuadro y haya querido transmitir algo de esa experiencia a alguien querido, este libro es el lenguaje que faltaba.
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«Els poemes de Bishop no són simples narracions ni retrats. Són espais on el pensament flueix, on la visió es transforma en reflexió. [...] Quan llegim Bishop, no llegim històries amb un principi i un final. No hi trobem resolucions morals, ni grans revelacions. Llegim un estil concret i únic d'observar. De registrar el món, d'habitar-lo. Una cosmovisió precisa, plena d'interrogants, que transforma els objectes més anodins —una peixera, un mapa, una escala, un vestit vell— en finestres cap a una veritat més abismal. Llegir Bishop és veure el món amb ulls nous. Com una pintora, ens ensenya a mirar. I a mirar bé.» Del pròleg d'Anna Gual Aquesta és l'edició definitiva de l'obra d'una de les poetes més grans en llengua anglesa. Viatgera, aventurera, plena de curiositat per tot allò que desconeixia, Elizabeth Bishop va observar i descriure la natura, el paisatge, la geografia i les vides humanes amb una precisió miniaturista. Els seus poemes combinen humor i tristesa, dolor i acceptació, i giren al voltant de la relació i els vincles de l'ésser humà amb la natura, així com de la nostra fràgil capacitat per controlar el caos i donar sentit a l'existència. Perfeccionista de mena, dedicava fins i tot anys a polir els poemes abans de donar-los per bons. D'ençà de la seva mort, la seva obra ha estat reconeguda per lectors i crítics com una de les fites indiscutibles de la poesia nord-americana del segle XX. Elizabeth Bishop (Worcester, Massachussets, 1911 - Boston, 1979) va perdre el pare quan tenia només vuit mesos. Als cinc anys, li van internar la mare en un hospital psiquiàtric, i no la va veure mai més. Aquestes pèrdues van marcar profundament la seva vida i obra. Es va criar amb els avis i va estudiar al prestigiós Vassar College, on va fer amistat amb la poeta Marianne Moore, la influència de la qual va ser determinant en la seva carrera. Guardonada amb el Premi Pulitzer i el National Book Award, va viatjar i viure en llocs tan diversos com el Brasil, França, Nova York i Florida. La seva mirada, sempre atenta i melancòlica, ens revela un món íntim i sorprenent en tot allò quotidià.
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Angela Marinescu (Arad, 1941-Bucarest, 2023) es una de las voces más relevantes de la poesía rumana contemporánea, con una obra poética provocadora e inclasificable, surgida de una inteligencia artística máxima, de gran influencia en las generaciones más jóvenes. Su legado poético se compone de unos veinte volúmenes, un recorrido que se inicia con Sangre azul (1969) y termina con Los pájaros en el cielo gritan (2021). Entre ellos destaca El parque (1996), un libro que sorprende por su intensidad estremecedora y permite indagar en temas como la enfermedad, el sufrimiento y la locura. Empleando un registro oscuro-expresionista, la poeta configura un parque negro, «lleno de sangre y sombras», un universo visionario poblado por monjas con túnicas de hierro, arrodilladas junto a los muros, por un niño con los labios rojos, por muchachas desdobladas y la propia protagonista con su máscara trágica y «con las manos llenas de oscuridad». Las alusiones bíblicas, varias veces en latín litúrgico, acentúan el dramatismo. La ostentación del instinto, la sensualidad violenta se perfilan como vía hacia la transcendencia.
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«La poesia moderna és essencialment destrucció, una mena de mística furiosa que tendeix a buidar-nos del món sensible, del món de les aparences», segons Palau i Fabre. Efectivament, a Aiguatge hi ha la necessitat imperiosa d'estimbar la realitat més propera, d'escantellar les hores que ens malmeten en una dansa sufí circular que ens reté dintre de nosaltres mateixos, sense escapatòria. Apareix, a més, la urgència d'una saba guaridora revinguda del crit poètic. És per això que el món que es descriu a Aiguatge sovint fa soroll de cambra buida i la veu poètica acaba llançant metralla als que deshonestament perforen i malmeten la claror. Un recorregut vital on la veu poètica fuig del fred i la foscor i s'amara de l'aigua benigna per emprendre descalça la via inconeguda en una mena d'exercici vivificador.
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En este poemario, Fernando Díaz San Miguel construye un territorio donde la escritura se piensa a sí misma: un espacio hecho de vacíos, silencios y huellas, como lo hiciera Stéphane Mallarmé o el proyecto imposible de Eduardo Chillida en Tindaya. El libro se construye a través de cinco secciones: «Lugar»,«Nudo», «Hueco», «Meiosis» y «Fuego», que asimismo constituyen estados de la memoria y del lenguaje. Dentro de ellos conviven el duelo íntimo, la experiencia amorosa y la reescritura constante como única forma de permanencia. La voz poética se desplaza entre lo vivido y lo recordado, entre lo propio y lo ajeno, incorporando fragmentos, ecos, como sucede en la memoria. Libro de la sed indaga en la forma y la estructura del poema, en la búsqueda de su sentido, y lo hace a través de diferentes mecanismos: los de las estructuras musicales, la del Tractatus de Wittgenstein, la del almanaque y la del collage, para ordenar, con todos ellos, la forma de una música. Cada poema es una estructura que nunca se cierra del todo, cada página es una variación de la propia voz de su autor. En este libo, escribir es sostener una búsqueda de aquello que se escapa, de aquello que permanece como sed que no siempre se sacia.
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La consolidació d'Andreu Gomila com a poetaLa possibilitat és un llibre de poesia que neix d'un seguit d'interrogants relacionats amb l'experiència. Què ens fa humans? Què ens fa estar vius? Hi ha alguna cosa més important que l'amor? Què passa si ens equivoquem o fracassem? Hi ha espai per a la redempció? De què serveixen els records? El llibre es tanca amb un poema llarg i formalment divers, en què la literatura esdevé una possibilitat, una font de vida, un espai per experimentar, per equivocar-se, per divagar sense haver de buscar cap veritat.
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El presente poemario del joven poeta gazatí Mosab Abu Toha inaugura nuestra colección ``Poesía necesaria``. Se trata de un libro sin concesiones, donde el dolor, la ter nura, la rabia, la resiliencia, sumud en árabe, se hace poema que golpea nuestras conciencias y no deja lugar a la equidistancia.
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Este conjunto de poemas es un canto polifónico al pueblo saharaui, su lucha silenciada, su dignidad resistente y su memoria viva. Los versos viajan entre el desierto y la ciudad, entre el amor callado y la denuncia explícita, entre la historia heredada y la experiencia personal del destierro. A través de un lenguaje contenido, pero profundo, la voz poética recoge retazos de historia, de infancia truncada, de encuentros breves bajo normas culturales rígidas, de manifestaciones apagadas por la represión y de una tierra que, aunque lejana, sigue siendo patria en la piel. La emigración, la identidad y la memoria son hilos que cruzan estos poemas, que resisten al olvido y siembran preguntas. Son versos para recordar, para contar y para seguir soñando con el regreso.
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Premio SGAE de Teatro Infantil y Juvenil, 2009Una obra sobre la difícil realidad de la emigración.Mina tiene diez años y vive con sus padres. Su vida cambia cuando se entera de que irán a vivir lejos, al otro lado del mar. El primero en marcharse será su padre, que buscará trabajo y una casa para todos en ese nuevo país. Mina no entiende por qué no pueden irse todos juntos, ni por qué no se puede prosperar más cerca.Su mejor amigo, Leandro, y su abuelo son los únicos con los que habla de las cosas que no entiende, de todas las preguntas que lleva dentro. Durante el año que dura la larga espera, entre carta y carta de papá, Mina, casi sin darse cuenta, se irá preparando para marcharse. Por fin llega el momento de las despedidas, pero también del reencuentro.
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Aquest volum recull els millors poemes de Teodor Llorente, l'autor més important de la poesia catalana de la Renaixença al País Valencià. Amic de Verdaguer i Frederic Mistral, la seva obra és clau per a la literatura cata-lana del seu temps, i un referent per a tots els poetes valencians posteriors. En les poesies de Llorente hi trobem tots els temes jocfloralescos: l'amor, la pàtria (València, però també Catalunya), els poemes de circumstàncies, el sentimentalisme i l'historicisme. Ben coneguts i populars són els seus versos dedicats a Jaume I, o a la llengua comuna de catalans, valencians i balears. És una poesia fàcil d'entendre, amb una forma ben cuidada, i amb un lèxic ric i popular. Encara molt descone-guda pels lectors catalans connecta amb la poesia romàntica de finals del segle XIX i de ben segur que els te-mes i les formes sonaran familiar a moltíssims lectors. El llibre es divideix en els tres camps temàtics de la Renaixença: Pàtria, Amor, Fe, més un quart bloc dedicat específicament a les relacions de Catalunya, València i Balears. L'edició és a cura de l'especialista en Llorente, Rafael Roca, doctor en filologia catalana per la Universitat de València.
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La ausencia del amor, más que el amor mismo, es el tema principal de estos poemas contados al oído, como un susurro, pero que se transforman en un discurso constante e intencionado, donde también fluye lo cotidiano con musicalidad.Las composiciones provienen de una mujer que mira de frente a la vida y que llama a las cosas por su nombre. No tiene miedo porque la experiencia le revela el camino para afrontar las situaciones con alegría, con brío y a veces incluso con desdén.La autora nos sugiere la idea de que hay un tiempo y un espacio para la armonía y que esa dicha se puede alcanzar a través del ritmo y la cadencia que forman las palabras. Hay intención de ir más allá del sufrimiento, del ansia de atesorar las cosas, es más bien una sensación de querer observar antes que de poseer.También el desamor y el desengaño atraviesan los versos de Poemas desencadenados, pero la memoria recurre al abandono y al retorno como fuerzas que dominan la escena, de esta forma se expresa la autora con dulzura en versos llenos de emoción y verdad.
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Aquí hay materiales para un derribo. La clave está en la preposición, que denota fin o término, que denota sentido de un movimiento. Hacia. Ese «para» da una pista de lo que se agita debajo de este título: una pila de lenguaje específico que se enfrenta a otra pila de lenguaje imaginario, archivado e irreal. Significados que se fijan sobre significantes, a fuerza de repetirlos o imponerlos. Lenguaje entendido como gesto y tacto. Como si cada poemario, que se extiende aquí adentro, fuera un movimiento geológico que interviene en la construcción de un paisaje. Y como si cada movimiento, aquí suspendido, trazara el contorno de ese paisaje borrándolo. Este libro, que en realidad son tres, es así de misterioso. Si decides adentrarte en este ciclo, que también es génesis, Carlos Bueno Vera, poeta secreto, sin redes, te recibirá como aquel personaje que dijo: «Soy como un guía de ruinas arqueológicas». Y añadir en voz baja: «Por cierto, aquí no hay ruinas, no hay antigüedad, no se construyó nada».
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Lo que se vuelve raíz es un poemario que deviene de la escucha atenta y de la perplejidad ante un lenguaje que no puede decir y, no obstante, es la grieta póstuma para acceder a lo que, de todos modos, ha de quedar temblando, indecible, bajo la piel de las palabras. Un libro que vida y muerte construyen en concierto, desconcertándose. No pretende otra unidad que la del hilo que imanta los fragmentos de la memoria y de la inmanencia del instante.
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Dins el bosc, salvatge per definició, s’hi enfonsen uns camins que tot de cop es perden is’endinsen en espessors impenetrables i uns altres que sempre porten a llocs previstos onomés entrevistos. N’hi ha que, per indrets escarpats, s’aventuren per mons improbables.Donant a llum el vers per concepció i escriptura, Quim Vilar traça per boscos terrestres icelestes un camí pel qual penetra per posar en poesia, amb un rar enginy, la natura que elmira i que ell mira.
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'Em vaig adonar que les paraules amagaven el drama intens d'una part de la meva vida (vint-i-quatre anys). Vaig saber que tu hi eres, endins d'aquells mots sorgits del fons de mi mateixa'', ens diu la pròpia autora respecte el poemes que omplen aquest recull.
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'Punto Triple del Agua'', de Regina Salcedo —obra ganadora del Premio Internacional de Poesía José Hierro 2025—, explora la metamorfosis íntima a través de una estructura tripartita que evoca los tres estados del agua: sólido, líquido y gaseoso. Con un lenguaje poético, se teje un diálogo entre lo elemental y lo existencial, disolviendo las fronteras entre lo íntimo y lo universal. Un poemario profundamente personal que propone una travesía simbólica del ser, donde la palabra se hace materia fluida, capaz de transformarse y trascender.
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La obra de un poeta imprescindible, reunida en un solo volumen.«Poéticamente atesora una austeridad y una sobriedad que entroncan más con la poesía inglesa que con la latina, pero que se ocupan de un tema tan propio de la modernidad como el de la soledad: el hombre frente a sí mismo, el hombre en su cuarto, en su jardín, el hombre a solas con sus recuerdos, con su infancia perdida.» Octavio Paz«Frente a los poetas prosaicos hoy convertidos en poetas oficiales, es realmente reconfortante volver a la mejor tradición lírica.» J.A. Masoliver Ródenas, La Vanguardia«El resultado es una poesía a la que no dejamos de volver porque es hospitalaria y se deja habitar, una poesía que nos habla en tono de confidencia de eso que pasa ante nosotros y a menudo no percibimos, real como la vida misma.» Jordi Doce, El Mundo «A Álvaro Valverde le ha gustado siempre la imagen de las aguas cristalinas de las gargantas de la sierra, cuya transparencia engaña al brazo que pretende alcanzar los guijarros del fondo. [...] Porque entiende que así debe ser su poesía: profunda y transparente, sencilla, pero honda, tan ajena al ''torpe asedio, el fingido gesto, / la erudición sabida'' como a los ''teóricos, abstrusos'' y puntillosos comentarios que contaminan la ''dulce ignorancia'' del lector, del usuario, la suma, en fin, de la expresión diáfana con el contenido profundo y perdurable de la meditación y la memoria.» Así comienza el epílogo que Gonzalo Hidalgo Bayal ha escrito para esta edición que comprende cuarenta años de escritura poética. Ajeno a las banderías de su generación, la de los años ochenta o de la Democracia, «sin ruido, con discreción que lo aleja de la feria de las vanidades, Álvaro Valverde ha ido creando su literatura», afirma F.J. Irazoki. El lector puede disfrutar ahora de los textos que componen sus libros sucesivos, ya publicados, y los poemas de uno inédito, Geografías del jardín. Su voz singular, meditativa y melancólica, confirma a Valverde, según Fernando Aramburu, «como uno de los nombres mayores de la poesía actual española».
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Un poemari escrit arran del Primer d'Octubre i la convulsió política que va fer trontollar el país. Són, per tant, poemes sorgits d'uns dies i uns fets que formen part de la nostra memòria col·lectiva i que, gràcies a la ploma perspicaç d'Enric Casasses, agafen volada i esdevenen un cant a l'amor, a la llibertat i a les nostres maneres de viure.
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Quadern de Roma ens convida a viure una història d’amor a través de la serena gratitud de qui contempla la vida amb admiració, corprès davant dels miracles que succeeixen al seu voltant, dins seu i de la seva ànima.García Herrera, amb la calidesa d’uns versos emparats per una passió íntima i reflexions plenes de maduresa, ens transporta al cor de la ciutat de Roma. Cada poema és part d’una mirada enlluernada i profunda, del trajecte pels carrers de la Història i pels llençols rebregats d’una història d’amor.
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El vacío experimentado en el confinamiento del año 2020 se proyecta sobre el vacío existencial que acosa al ser humano en la alta modernidad, completándose así el cuadro esbozado por Eliot cien años antes.«Amiga lectora, amigo lector, la deslumbrante luz de este poemario no reside en su fulgor sino en sus alargadas sombras, en su original mecánica simbólica tan arraigada en el surrealismo existencial de Poeta en Nueva York, de García Lorca, Hijos de la ira, de Dámaso Alonso o Sumido 25, de Miguel Labordeta. No te será fácil su lectura si no te dejas llevar por su oblicua senda, ese camino escondido que te conducirá por un paisaje de delirios irracionales donde el viento susurra sus verdades: una desgarrada reflexión sobre la contemporánea civilización occidental y el lugar inane, fantasmagórico, que el sujeto posmoderno ocupa en ella, barrido por el ser microscópico del virus (...)El vacío de Fernando Gil Villa es un extenso poema inquietante y conmovedor, fraguado en siete cantos, transcendente y terriblemente triste por su devastador mensaje de nimiedad vital: la vida es un lento regreso al futuro desconocido / desde el pasado desconocido, / por un corredor de vacíos. Feliz deriva» (Vicente Vives)
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Cugula neix d’un tall, d’un sot que esventra la terra, d’una ferida que a voltes s’obre de nou i d’altres roman saturada per cucs i flors. És un recull de textos, poemes i relats que l’autora ha publicat prèviament, però també conté poesies inèdites, com la majoria d’il·lustracions de l’obra, fetes per diverses persones. Durant la lectura, us enredareu amb males herbes, potser trobareu refugi i no necessitareu escapar de la mort.«L’estiu del 1988, quan la meva mare tenia el ventre ple, rodó, inflat d’aigua i de mi, li van dir que esperava cugula, és a dir, que pariria una mala herba.»En aquest llibre hi col·laboren diverses artistes que han il·lustrat alguns dels textos: Cesca Gelabert Calvo, Maria Ardiaca Paredes, Vanesa Freixa Riba, Mercè Esteban Comas, Eugènia Trallero Cordero, Mar Hurtado Pairés, Elena Rafart Plaza, Marina Barberà Domingo, Berta Peris Estany, Gat Cosmonauta, La Tartera, Laura Bonet Gorchs, Maria Anaïs Miranda Solé, Núria Curcoll Vallès, Gala Jodar Daniel, Jordi Delgado Granados, Jesús Rosan, El Local Disseny Gràfic, Verònica Collado Molina, Pol Eroles Palacios, Thalia Lavaill Duró i Rosa Vilalta i Guillamon.
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La historia de esta antología es la historia de una pasión múltiple y única: la que reúne vida y literatura. Elizabeth Bishop vivió en Brasil entre 1951 y 1967. Su historia de amor con Lota de Macedo, relatada en el libro de Carmen L. Oliveira Flores raras y banalísimas, le abrió las puertas del mundo cultural brasileño. Esta antología, en la que contó con la colaboración de importantes poetas norteamericanos como W. S. Merwin, Mark Strand, James Merrill o Richard Wilbur, no solo es una muestra del interés que la poesía brasileña despertó en Elizabeth Bishop sino también una prueba contundente del gran momento creativo que vivió la poesía brasileña en la segunda mitad del siglo XX. Los nombres de Manuel Bandeira, Carlos Drummond de Andrade, Vinícius de Moraes o João Cabral de Melo Neto son ya familiares para el lector de cualquier idioma. Conviven aquí con otros no por menos conocidos menos enriquecedores, en esta antología que presenta una visión singular –por inteligente, viva y cercana– de uno de los momentos poéticos más ricos del siglo XX.
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En aquest recull de poemes hi trobam els temes, els aspectes, els caires que originaren i marcaren els altres poemaris de Jaume Santandreu editats fins ara. Però també hi ha part de la seva vida, ja que cada obra literària de l'autor és l'acta notarial d'allò que sentia i de com es trobava en el moment de crear-la: el sexe, la religió, l'església, Déu, el poder, el poble, la pàtria, la família, la marginació, però aquesta vegada sublimant la manera d'acarar-s'hi per compondre un compendi de gratituds sense cap espai ni per al ressentiment ni per als subterfugis: d'ample panorama, clar, diàfan, acolorit, a raig, aficadís, sense estridències. Una obra, en definitiva, que no podia quedar inèdita tant pel que representa en la vida de Jaume Santandreu com en el seu corpus literari, perquè és la clau que tanca —qui sap si premeditadament— el cercle de les seves aportacions poètiques. (Del proemi de Jaume Mateu i Martí)
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Poesía de la conciencia, sobre los inmigrantes que huyen de la pobreza y los refugiados que de la guerra huyen, y que intentan llegar a Europa.
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Francisco Bejarano nació en Jerez en 1945. Ha publicado los libros de poesía Transparencia indebida (1977), Recinto murado (Renacimiento, 1980), Elogio de la piedra (1981), Las tardes (Renacimiento, 1988), Antología (1929-1987) (1990), El regreso (Renacimiento, 2002), Un juego peligroso (Antología poética 1977-2002) (2011) y Contra el júbilo (Renacimiento, 2024). En prosa es autor de Las estaciones (1998) y Consolación de melancólicos (2000). Ha publicado la recopilación de artículos costumbristas de crítica social La torre de marfil (Renacimiento, 1991) y el ensayo Manual del lector y escritor modernos (Renacimiento, 1999). Por Las tardes obtuvo el Premio Nacional de la Crítica en 1989. Por sus artículos periodísticos ha recibido los premios «Julio Camba» y «José María Pemán». Está incluido en las más importantes antologías de poesía contemporánea y traducido al italiano, francés, inglés y alemán. Aparte de su labor creativa, ha sido director de las revistas literarias Fin de siglo y Contemporáneos.
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Nova edició d'un dels llibres essencials de Josep Carner.El veire encantat (1933) és un dels grans llibres de plena maduresa de Carner, i un dels que van tenir més èxit en vida d'ell: l'any mateix que va aparèixer ja es va haver de reeditar. Per primer cop des de llavors, ara els lectors poden descobrir una col·lecció extraordinària de poemes del més extraordinari dels poetes. Al fons de la boscúria, un dia sense vent, passo, de dol l'ànima estreta, alens de boires lliguen misteriosament les nues branques violeta.
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Este volumen póstumo de Luis García Arés se nos revela como el vértice donde converge su legado lírico. A través de sus páginas, el lector se embarca en un viaje donde la cultura clásica y la hondura espiritual se abrazan en un diálogo eterno. Desde la serenidad de los mitos griegos hasta la calidez de los afectos cotidianos y la fe más profunda, estos poemas son un refugio frente al ruido y la prisa del mundo contemporáneo.En un tiempo de versos fragmentados, García Arés recupera la autoridad del soneto y la musicalidad del romance con una precisión de orfebre. Es una obra que nace del contacto con los verdaderos maestros, en donde no se ha pretendido una originalidad vana, pues el autor sabía que nadie es dueño absoluto de su voz. Consciente de que su poética, tanto por temática como por estructura, no encaja en las corrientes actuales, el autor apuesta por la intemporalidad frente a la moda.La arquitectura de este libro sigue un orden vertical: una temática que, partiendo de Dios como fuente de toda poesía, desciende hacia la Naturaleza y atraviesa el interior del hombre. Cada rima y cada acento actúan como los hilos de un tapiz minuciosamente urdido, donde el rigor formal es el cauce perfecto para dotar de cuerpo a la idea.Atenea Pensativa es el encuentro con un hombre que supo mirar la vida con la pureza del sabio y el asombro del niño. Una obra reveladora para quienes buscan en la poesía algo más que palabras: una verdad que perdure, la prueba de que el pensamiento, cuando se hace verso, es capaz de detener el tiempo.
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Eduardo Mitre (Oruro, Bolivia, 1943) es profesor de literatura latinoamericana en Saint John's University, Queens, y miembro de número de la Academia Boliviana de la Lengua correspondiente de la Real Academia Española. Entre sus libros de poesía figuran Mirabilia (1978), Camino de cualquier parte (1998), Vitrales de la memoria (2008) y A cántaros (2021). Aunque ya nada es lo mismo es una crónica poética de un tiempo trágico, marcado por la pandemia, la guerra en Ucrania y el genocidio palestino, entre otras calamidades. Poesía polifónica, dicha por una pluralidad de voces: la temerosa de un migrante latinoamericano, la tierna de la madre inmigrante, la del amigo que nos habla en sueños... Poesía crítica, elegíaca y, por momentos, celebratoria, tocada por la gracia del asombro ante la vista de un par de tijeras o de majestuosos árboles vecinos, y por el don o donación de la escritura cifrada en una máquina de escribir Underwood, que un joven teclea, imprimiendo en la página el título de su primer libro, Ferviente humo.
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Michelangelo Buonarroti (Florencia, 1475-Roma 1564), uno de los gigantes de las artes plásticas de todos los tiempos, cuyo genio se dio a conocer en su ciudad natal merced a los auspicios de Lorenzo de Medici y floreció en Roma, bajo el mecenazgo papal, fue también un extraordinario poeta. Su producción en verso fue largo tiempo considerada menor con respecto a sus obras escultóricas y pictóricas, tras su publicación por un sobrino, con torpes enmiendas, en 1623. Fue en 1863, al ser publicadas las Rime por el erudito Cesare Guasti en edición completa, conforme a los manuscritos del artista, cuando se estableció la cronología de los poemas (sonetos, madrigales, canciones y fragmentos) y pudieron apreciarse la singularidad y el desarrollo de la obra. A partir de este importante hito editorial se inauguran los estudios de la poesía buonarrotiana, cuya originalidad e importancia en el contexto estético de su tiempo ha sido destacada por grandes poetas, escritores y críticos literarios del mundo occidental contemporáneo. Musicalizadas por Hugo Wolf, Benjamin Britten y Dmitri Shostakovich, las Rimas de Michelangelo han sido traducidas al inglés, al alemán, al francés, al portugués y al castellano. Entre los más ilustres y felices traductores de algunos de estos poemas se encuentran William Wordsworth, Rainer Maria Rilke y George Santayana. A diferencia de otras versiones de esta obra, concentradas en los sonetos, la presente edicion ofrece muestras de otras formas métricas en una selección que incluye las composiciones más representativas del genio poético buonarrotiano. Manuel J. Santayana (1953, Camagüey, Cuba) vive exiliado en Estados Unidos desde 1967. Ha publicado dos libros de poesía: De la luz sitiada (Miami, 1980) y Las palabras y las sombras (México, 1992), el primero comentado por Alberto Baeza Flores y Orlando González Esteva, y el segundo por Eduardo Milán (en Vuelta, 1992). Versos y prosas suyos han aparecido en La urpila (Montevideo), Linden Lane (Nueva York) y Encuentro de la cultura cubana (1999). Es traductor de Ronsard, Rilke, Yeats, Montale y Drummond de Andrade, entre otros poetas.
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Ven, pasa a mi cuarto de desquicios y loquera, hay amor en los cajones, desamor en los rincones, y sobre la mesilla, un cuaderno con una pluma inquieta. Debajo de la cama vive la alegría, comparte espacio con tristeza, cada mañana pelean para ver quién me acompaña durante el día, aunque hoy ya tengo a alguien que me besa, se llama poesía.
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La Marea del plenilunio comienza con un sentido homenaje a Federico García Lorca, uno de los más grandes poetas y dramaturgos que conoció la literatura. La sinrazón que quiso callar su vida y sus versos tan solo consiguió procurarle la inmortalidad. A lo largo de las últimas décadas fui, de tanto en tanto, dejando en mi carpeta de cartón azul algún poema, escrito al son que mi ánimo dictase. De ahí nace la diversidad de temas que se recogen en el presente ramillete de versos, que conforman un recorrido vital de quien esto escribe.
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Musgo y dientes es un poemario que recorre el duelo desde la figura del pájaro como símbolo del tránsito entre vida y muerte, cuerpo gestante y memoria. Dividido en tres secciones —«El desprendimiento del pájaro», «Una pluma hendida bajo la piel» y «La sombra del vuelo»—, este libro despliega una genealogía íntima, donde la orfandad, la maternidad y el linaje femenino se entrelazan. Como destaca Mónica Picorel en el prólogo: «Serrano canta a la muerte y canta con la muerte. Así dignifica la vida que se pierde ante sus ojos […] hasta convertir en luz lo que está destinado a las sombras». A través de un lenguaje ritual, sensorial y simbólico, Marina Serrano elabora una poética donde el dolor se transforma en raíz y vuelo, en cuerpo que late todavía, en musgo que reverdece entre los dientes.
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Al llarg del temps, els qui han escrit la història de l’Àndalus no han deixat de meravellar-se de la instintiva genialitat dels andalusins en el conreu de la poesia àrab clàssica. A hores d’ara, però, no ens hauria de sorprendre gens que el focus més important d’irradiació de la cultura àrab a Occident durant segles donés una bona florada de poetes extraordinàries. De la quarantena de noms que ens han arribat a través de les fonts —cosa que indica clarament que aquest tresor literari no va ser pas fruit de l’atzar—, apleguem en aquesta antologia gairebé tots els poemes que s’han conservat d’elles, rutilants perles de la nit que per primer cop fan llum en català.
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En Estudi de les humitats, Víctor Benavides Escrivà converteix l’arquitectura i les patologies d’una casa en metàfora d’una identitat col·lectiva en crisi. Els murs que degoten, les esquerdes i les eflorescències esdevenen correlat d’una memòria fràgil, d’uns vincles que es trenquen i d’un món que cada vegada se’ns mostra més inhabitable. Amb una veu poètica precisa i fonda, aquest llibre cus la intimitat familiar amb la història compartida, i fa de l’aigua —que tot ho impregna— una imatge de persistència i de resistència.
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Els llibres de poesia són obres impreses que reuneixen composicions líriques centrades en l’expressió estètica del llenguatge. La poesia explora emocions, pensaments i experiències a través del ritme, la imatge i la metàfora. Els llibres de poemes permeten gaudir d’una lectura pausada i reflexiva en format paper, afavorint la relectura i la interpretació personal de cada text.
Què és la poesia i què ofereixen els llibres de poemes?
La poesia és un gènere literari que utilitza el llenguatge de manera condensada i simbòlica per transmetre sensacions i idees.
Definició
Els llibres de poemes recopilen textos escrits en vers o en prosa poètica que destaquen per la seva musicalitat, la seva intensitat expressiva i la seva capacitat de suggeriment. Cada poema proposa una experiència íntima que convida a la reflexió.
Diversitat temàtica i estilística
La poesia pot abordar temàtiques com l’amor, la memòria, la natura o la crítica social. Existeixen estils clàssics i contemporanis, així com propostes experimentals que exploren noves formes d’expressió.
Com triar llibres de poesia
Escollir entre diferents llibres de poemes implica atendre la sensibilitat personal i el tipus de veu poètica que es vol descobrir.
Criteris de selecció
És recomanable considerar l’estil de l’autor o autora, l’època literària i la temàtica predominant en l’obra.
- Poesia clàssica o contemporània.
- Obres centrades en la introspecció o en la dimensió social.
- Antologies que reuneixen diferents veus poètiques.
- Edicions comentades per facilitar la comprensió del text.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de poesia en format paper presenten diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Reculls complets d’un autor o autora.
- Seleccions temàtiques de poemes.
- Antologies generacionals o històriques.
- Llibres il·lustrats que dialoguen amb el text poètic.
La cura de la maquetació i la disposició del vers a la pàgina formen part essencial de l’experiència de lectura en paper.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de poesia en paper estimula la sensibilitat estètica, el pensament simbòlic i la capacitat interpretativa.
Desenvolupament del llenguatge
Els llibres de poemes enriqueixen el vocabulari i fomenten l’apreciació dels recursos expressius, com la metàfora i el ritme.
Experiència reflexiva
La lectura pausada que propicia el format en paper permet interioritzar el significat de cada poema i establir un diàleg personal amb el text.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de poesia?
Els llibres de poesia s’adrecen a persones que busquen una experiència literària íntima i profunda.
- Lectors i lectores interessats en l’expressió lírica.
- Estudiants que treballen l’anàlisi poètica.
- Persones que valoren la lectura breu però intensa.
- Qui vol descobrir noves veus poètiques.
Preguntes freqüents sobre llibres de poesia
Quina diferència hi ha entre poesia clàssica i contemporània?
La poesia clàssica sol seguir estructures mètriques tradicionals, mentre que la contemporània experimenta amb formes i estils més lliures.
Com triar un llibre de poemes adequat?
És recomanable considerar la temàtica, l’estil de l’autor o autora i el tipus de poesia que desperta més interès personal.
Què aporten els llibres de poesia a nivell educatiu?
Afavoreixen el desenvolupament del llenguatge, la interpretació simbòlica i la sensibilitat literària.
Per què llegir poesia en format paper?
El format en paper permet apreciar la disposició del vers, facilita la relectura i afavoreix una experiència de lectura més concentrada.
