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Llibres de poesia
Llegir poesia exercita el cervell i fa canviar la manera en què veiem el món. Per això, et recomanem repassar la nostra gran selecció de llibres de poesia. ¡Lectures que aixecaran la teva passió! Compra llibres de poesia online. En aquesta secció trobaràs una àmplia i variada selecció de llibres de poesia en format de tapa dura i tova, i en múltiples idiomes: castellà , català i anglès. Descobreix els millors llibres de poesia moderna, així com antologies de poesia espanyola i catalana, poemaris, compilacions i obres clàssiques dels principals exponents d'aquest gènere literari, com Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre altres.
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Tras las selecciones poéticas dedicadas a Rosalía de Castro y Celso Emilio Ferreiro, dos de los máximos exponentes de las Letras en Galicia, FAKTORÍA K refuerza la colección ‘Trece Lunas’ con la obra en castellano de Gabriela Mistral, cuya figura está unida al patrimonio histórico y literario chileno, y de Miguel de Unamuno, uno de los principales poetas del siglo XX, gran amigo de inventar lenguajes especiales: “Dipe-lepe ape Papecope quepe voype ape rompeperpelepe lospe moperrospe”. Admiraba la literatura que se transmite de niños a niños - canciones de corro, cuentecillos breves y burlescos, relatos orales, chascos- sin contaminación de los mayores. Y consideraba el lenguaje un juguete en sí mismo: “Una nueva palabra excita nuestra alegría igual que un nuevo bicho”, dijo en Recuerdos de niñez y mocedad.
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Hemos considerado siempre La Vida Nueva como la obra central del autor, en cuanto parteaguas de la misma, porque en esta los lectores de Zurita de la autodestrucción o de la proximidad de la salvación se encontraban sobre todo ante la naturaleza chilena, fundida con pulsiones, recuerdos y escenas personales de desastre o amor: escenas alucinadas donde de pronto aparecía un paisaje omnipresente de ríos, playas, desiertos, nubes, nevados, rompientes, etc., pero también rostros como vislumbres en aquel paisaje. Los lectores pudieron pensar que, con esta obra, Zurita salía de su mundo de destrucciones con un canto a la naturaleza. Y era fácil interpretar que entrábamos en un canto general, con épica clausurada, pero, al fi n, testimonio de la naturaleza chilena, como lo fue el de Neruda. Un canto que, en su progresión, va evidenciando que la naturaleza es amor, violencia y movimiento, y en cuya lectura, poema tras poema, comprendemos que aquella consigue reflejar un vivir con sus pasiones y sus muertes, como las de los seres humanos. Esa poetización personalísima de la naturaleza logra reflejar una forma de alma universal y dinámica que responde a una construcción panteísta, repleta, sin embargo, de motivos cristianos, de falsos versículos que firman falsos profetas, de verdaderos versículos que firman verdaderos profetas, de invenciones de fuentes o de usos geográficos concretos entre aguas que se abren en un éxodo chileno y bíblico, o de salmos. J. C. Rovira C. Valero Mi obra no la entiendo ni siquiera como una obra individual, aunque alguien la firme: un tal Zurita, por así decirlo, ¿ah? Después de todo un nombre es una especie de idea, una especie de abstracción. Lo que cuenta es obra, una obra que está emparentada con millones de otras obras, y que recoge de toda la historia, de todo su tiempo, y lanza finalmente un apelo también a los tiempos que vendrán. Es eso. Nacido en Santiago de Chile en 1950, Raúl Zurita estudió Ingeniería Civil en Valparaíso, ciudad en la que conoció al poeta y artista Juan Luis Martínez en 1970, desarrollando junto a él una consistente actividad artística, y que tuvo una importancia capital en el desarrollo de su obra. Fue uno de los fundadores del grupo CADA (Colectivo Acciones de Arte), grupo de jóvenes artistas que experimentaban con el cuerpo, el archivo, el lenguaje y la ciudad que entre 1979 y 1985 actuó en espacios trabajando la creación artística, buscando formas de resistencia y enfrentamiento a las formas represoras de la dictadura del general Pinochet. Zurita realizó diversas acciones utilizando su cuerpo como medio de expresión: «quería expresar la impotencia frente a la realidad y la necesidad de decir sin palabras». Dictadura que le marcó su vida y que le dejó significativas huellas emocionales y vitales, además de haber estado detenido y torturado. Terribles experiencias que son parte importante de su propuesta poética. La historia, la naturaleza y la biografía personal son la base fundamental del nuevo lenguaje que nos ofrece Raúl Zurita. Ha merecido numerosos premios internacionales, entre ellos el Pablo Neruda (1988), Premio Nacional de Literatura de Chile (2000), José Lezama Lima de Cuba (2006), Premio de la Crítica de Chile (2012), Premio Internazionale Alberto Dubito de Italia (2018), Premio Iberoamericano Mario Benedetti (2020), Premio Iberoamericano Reina Sofía en Salamanca (2020), Premio Internacional Federico García Lorca de Granada (2022).
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Trazos de juventud es, en esencia, el diario íntimo de un joven que escribe mientras aprende a vivir. Cada poema es una página arrancada de su vida, un trazo de su juventud, un instante eternizado de emoción y sentimiento. Verso a verso se dibuja un viaje de vida y escritura, que abarca de los diecisiete a los veinticinco años, donde cada línea es un paso para comprender el mundo y a sí mismo. A lo largo de los poemas se observa cómo evoluciona su forma de entender el amor, la muerte o la soledad, abandonando poco a poco la adolescencia para entrar de forma plena en la edad adulta.
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Meandre és el riu, aquell riu mític i remorós que cantava l'enyorat Gerard Vergés. És la remor constant de l'aigua, aparellant passat, present i futur. És també el silenci menut, íntim i discret del pensament en solitud, és la vida que reneix a cicles regulars amb la discreta però implacable constància de l'univers. Però també és la metàfora de la vida, de tot allò que, dia rere dia, s'ha convertit en la nostra essència més privada, en els batecs que ens fan ser com som, fruit de mil meandres, de mil tempestes, de mil riuades, sabent que, d'una manera o altra, com el riu mateix, tornarem a fluir, potser amb menys cabal, per les ribes i els marges agafant el camí dels crepuscles.
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Este poemario es la historia de un árbol que no se acuerda de sus frutos, de una enfermedad, el Alzheimer que te acorrala y mata, pero que en medio de esas dentelladas, me ha permitido echar un vistazo a la historia de mi vida reciente y lejana. Cuando no todo es el dolor y la pérdida, las hipotenusas se dejan ver con toda su belleza. Calma y furia, lágrimas y bofetadas de felicidad adornan lo que soy porque fueron lo que fui.
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Los poemas de la autora transitan entre lo visible y lo invisible, entre lo mínimo y lo inmenso, entre lo cotidiano y lo sagrado.La voz Ereignis, clave en la filosofía heideggeriana, suele traducirse como ''el acontecimiento apropiador'' o ''el evento'': ese momento en que el Ser y el Hombre se pertenecen mutuamente. Ahondando en la resignificación del término por el pensador alemán, Carmen Palomo Pinel lo aplica a la palabra acontecida, que no designa sino que revela. Cada poema es lugar donde el ser se pronuncia y se oculta a la vez. Pero aquí el concepto se hace íntimo: el lugar del acontecimiento es lo profundo del corazón, la mirada que reconoce la belleza aun en lo roto. El libro transita entre lo visible y lo invisible, entre lo mínimo y lo inmenso, entre lo cotidiano y lo sagrado. En él conviven el asombro ante la materia y la fe en una significación última del mundo. A través de la reflexión, la ternura, la pregunta por la belleza, siempre atravesadas por la conciencia de fragilidad, cada texto busca una pequeña revelación: un modo de decir sin poseer, de mirar con gratitud.
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Un mundo apocalíptico donde la lluvia debe ser traducida, el silencio canta más fuerte que el habla y los pájaros cableados repiten grabaciones de sus ancestros extintos. Al 2040 empieza con una pregunta puntuada como si de una afirmación se tratara: «Estamos / acaso ya extinguidos. De quién es / el mapa». Sus poemas son cantados por alguien que está escribiendo esos mismos versos mientras mira por la ventana de una sala de radioterapia, y lo que ve fuera son los retazos de una tierra en ruinas: un mundo apocalíptico donde la lluvia debe ser traducida, el silencio retumba más fuerte que el habla y los pájaros, conectados a la red, repiten grabaciones de sus extintos ancestros.En estos poemas visionarios, Jorie Graham hace a la vez de historiadora, de cartógrafa y de profeta, y, con imágenes de precisión cinematográfica, nos muestra múltiples futuros potenciales, que abarcan desde vistas aéreas de costas remodeladas hasta primeros primerísimos planos de un gusano excavando en la tierra. Todo ello con la banda sonora de sirenas entre los escombros, contemplando la pérdida de las especies que los habitaron y de quienes les dieron nombre.Con la crisis climática en suspenso, este libro funciona como una carta abierta urgente destinada al futuro, a la par que vamos siendo cada vez más conscientes de la profunda belleza de este mundo que estamos destruyendo, mientras buscamos con apremio una orientación que, quizá, ya no esté a nuestro alcance.
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Pocos escritores han pensado y sentido el amor con tanta intensidad y lucidez como Rainer Maria Rilke. En el centenario de su fallecimiento, esta antología inédita nos devuelve al poeta en su dimensión más humana y profunda desde el eje que vertebra toda su obra: el amor.Poemas y textos en prosa —cartas, reflexiones, páginas íntimas— trazan la cartografía de una experiencia amorosa que, además de fundirse en el otro, deviene aprendizaje y transformación interior. En su escritura conviven fuerzas en tensión permanente: la cercanía y la huida, el apego a lo tangible y el anhelo de trascendencia.La cuidada selección, la traducción y el prólogo de Carmen Gómez García ofrecen una lectura coherente y renovada de su universo afectivo, que respeta la musicalidad y la hondura de una de las voces más influyentes de la poesía moderna.
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Caminar amb els sentits ben atents pels vorals humits i pedregosos d´una riera regala pau i saviesa. Amb aquest llibre, us convidem a endinsar-vos en el curs d´una riera i a deixar-vos seduir.
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La voz de Instante abisal bordea el margen de los signos y se interna en un devenir existencial. Son poemas de la encrucijada que alientan al lector a fluir hacia el asombro desde una actitud irreverente.Con sus versos, Díaz Cid, interfiere el sistema y nos exhorta a salir del orden predeterminado para habitar nuestras experiencias desde lo profundo. Su poética es consciente de que todo instante es un vínculo, un eterno recomenzar que toca las fibras de la emoción al escuchar el llamado imperioso de un nuevo canto. Con sus imágenes el poeta nos invita a habitar con pasión distintas entidades. Nos muestra las siluetas de un significado repleto de emociones y nos convoca a sumergirnos en una lectura impactante.Su poesía está en estado de alerta: lo desconvocado, lo disidente, lo ajeno y lo fuera de lugar son llamados para hacerse presentes en la disyuntiva. Partitura textual que nos transporta al interior, donde el soporte no sólo es la palabra, sino el furor de la vida al enfrentarnos con lo atosigante de nuestra actualidad en una reflexión franca, emotiva e inquietante.José Antonio Cieno Almenara
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Si a alguien se ha reconocido a través de los tiempos como el mensajero del amor, es al poeta. Él ha sabido engrandecer y convertir en sublime ese estado etéreo del alma y expresarlo en versos, en palabras que nacen en el corazón y pulsan la sensibilidad como las cuerdas de un violín que estremecen las emociones y que, en ocasiones, permanecen inmortales a lo largo de los siglos.Cada uno de los poemas aquí contenidos es un canto al amor en la edad madura, porque no solo los corazones jóvenes pueden sentir con esa intensidad que hace perder la cabeza, también en la madurez se puede experimentar el amor con la misma fuerza, o quizá mayor, ya que suele presentarse cuando menos se le espera.Si el amor de juventud tiene la frescura y la impaciencia del despertar a un mundo mágico, llegado un momento de la vida es un regalo que permite experimentar que el alma no se hace vieja, que puede volver a sentir con la misma pasión y con la misma intensidad, ya sin miedos, sin temores, sin inhibiciones, más valientes, más sabios.Victoria Eugenia García.
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Tras varias décadas en silencio, la voz poética regresa a la escritura como quien vuelve a casa: en busca de la belleza escondida en lo cotidiano, en los gestos mínimos, en aquello que a menudo pasa desapercibido. Es en ese territorio íntimo donde intenta comprender —y sostener— las pérdidas que irrumpen sin previo aviso.Los poemas de Qué fácil es llorar con la excusa de las cebollas transitan con naturalidad entre el temor y la dicha, el amor y la melancolía, el duelo y la ternura de las pequeñas cosas que sostienen la vida. Cada verso, delicadamente tejido, abre un espacio donde las emociones se expanden y encuentran su eco.Sin artificio, pero con una sensibilidad precisa, este libro invita a detenerse, a mirar de nuevo y, sobre todo, a sentirse un poco más vivo. Tercera entrega de una trilogía poética que continúa el camino del aún inédito Lluvia cálida de primavera.
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Como una suerte de una Caperucita roja dantesca, la voz lírica de La prohibición de las uvas en la áspera patria se asoma a las zonas oscuras de El jardín de las delicias sin más Virgilio que su Angustia, su Vergüenza y su Ira como tres hadas madrinas que la acompañan ante el despido anticipado de su ángel de la guarda. La autora explora los matices del cautiverio de un prisionero sin sentencia y de quienes velan por él desde el exterior, presas a su manera de ese destino que los afectos une. A lo largo de sus versos, el arte se cuela en los intersticios de aquellos muros que aprisionan, acariciando musicalmente las sordas contradicciones de la voz poética para devolverles un sentido en medio de lo grotesco. Con humana ternura, Ángela Aldama crea una armonía de matices donde se vislumbra como un reflejo que, si durante una condena afuera se siguen criando hijos y flores, también en el cemento hostil se pueden cultivar jardines.
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«El título de este libro nace de la necesidad (no del verbo necesitar desesperadamente, como muchas veces se utiliza y además con dependencia, sino del verbo ''quiero hacerlo con todas mis fuerzas y noto que se me va a salir del alma si no lo hago'') de decir ''Te quiero'', pero tener el sentimiento de hacerlo muy pronto.Apenas llevábamos viéndonos dos semanas y sentí que todavía era precipitado decirle aquellas 8 letras.Entonces recordé las palabras tan conocidas de Víctor Küppers: ''Planta que no riegas, planta que palmas''. - Tengo que decirte algo -le dije, de repente-. Te riego.Porque las plantas, como las relaciones humanas, necesitan cariño y tiempo, dedicación.Y eso es lo que deseaba de una relación. Una persona a la que regar y que me regase, con la que crecer a diario, con la que formar un equipo.»''Te riego'' habla de la superación, del amor propio, de la ansiedad, del dolor y del miedo.''Este libro ha sido mi oscuridad, mi reapertura de heridas, mi infierno y mi desespero. Mi kriptonita y mi talón de Aquiles. Pero, sobre todo, mi salvación'', afirma la autora.
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Les idees són desitjos que volen esdevenir ésser vius -frustracions, egolatria, esperances que no arriben, orgull foll que les aboca a sentir-se maltractades. Tan sols un referent simbòlic a redós de l'omnisciència podria dialogar amb elles sobre les seves virtuts i els seus greuges. (del Proemi del llibre)
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El devenir de los días es un viaje poético por las tres grandes estaciones de la existencia: la vida, el amor y la muerte. Con una voz clara, serena y profundamente humana, Juan Jesús Aznar convierte la experiencia personal en una meditación universal sobre el paso del tiempo y la fragilidad del ser. Sus versos, sostenidos por una emoción contenida y una mirada lúcida, abrazan lo cotidiano con la sabiduría de quien ha aprendido a aceptar el tránsito inevitable de los días. Hay en ellos gratitud, melancolía y una fe tranquila en la palabra como refugio frente a la fugacidad. Entre la ternura y la reflexión, el poeta nos invita a acompañarlo en este recorrido vital donde la memoria, el amor y la conciencia del final se entrelazan para recordarnos que vivir también es aprender a despedirse.
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Figura clau en la literatura francesa del segle XX, Paul Éluard va formar part del grup fundador del dadaisme i del surrealisme, però va evolucionar cap a postulats més personals. En aquest sentit _Donar a veure _és essencial: és la frontissa que mostra la seva transició cap a una poesia més social -compromesa, fins i tot- i més accessible. Aquí és on desenvolupa millor la seva idea que «hi ha altres mons, però estan en aquest». Perquè per a Éluard, la funció del poeta és fer visible el món, la realitat, d'una altra manera, més profunda. Diu Andreu Gomila: «Donar a veure és un llibre profundament estètic. En bona mesura, és una antologia temàtica de la seva obra (sobre la relació d'art i pensament) fins al 1939, cosa que vol dir que recull l'època de màxima esplendor, d'ell i del surrealisme. Hi ha des de poemes en prosa a conferències, escrits sobre art, estudis, els poemes que va dedicar als seus amics pintors (entre els quals, Picasso, Dalí i Miró)... Hi ha, sobretot, el seu ideari, una reflexió que entrecreua amb els filòsofs i poetes del seu temps i els que el van precedir.» TRADUCCIÓ I INTRODUCCIÓ D'ANDREU GOMILA
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Nanas de la Luna es un grito al recuerdo, a lo visceral y sincero. Es una puerta abierta al alma y a los paisajes que el tiempo va dibujando en la piel y en la palabra. En sus páginas habita la voz de lo que callamos cuando las palabras se nos hacen piedra en el pecho y, aun así, buscamos decirnos. Este libro reúne poemas desnudos de prejuicios, ataduras o formas fijas. Es una invitación a caminar sin prisa por sus versos, a leer con el ritmo que cada poema te proponga, con la libertad de sentirlos como propios. Aquí se canta a la pérdida, al deseo, a la raíz y a todo aquello que, aunque invisible, nos nombra y nos atraviesa.
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#challenge: apaga o móbil un par de horas, concentra ese cerebro virtualizado que tes e adéntrate nunha intranet de versos sen ''postureo'' nin filtros.
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Un peso ligero es un viaje a través de las contradicciones con las que convivimos cada día. Un poemario honesto y cercano que recorre la fragilidad, el crecimiento y las emociones que nos construyen. Aquí aparecen las inseguridades que levantan certezas y los miedos que nos obligan a avanzar. Un libro para quienes han sentido que la vida pesa demasiado y, aun así, han seguido. No busca respuestas, solo acompañar y recordarte que el peso, compartido, es más ligero. Porque no siempre se trata de dejar de sentir el peso, sino aprender a caminar con él.
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Pelayo Fueyo (Gijón, 1967) ha vivido a camino de Gijón y Oviedo, aunque se ha criado en Luanco, una villa del norte de Asturias. Autor de más de una decena de poemarios en los que asiduamente repara en la problemática del individuo, examinando y divagando sobre la identidad de la naturaleza humana y sus contradicciones, con extraordinaria habilidad poética. La infancia, el amor, la muerte, la poesía son tópicos que caracterizan este libro. También, como estilística, el símbolo, la introspección metafísica y el tono elegíaco. No hay una experiencia de viaje exterior sino a la ciudad como ámbito circunstancial, y en último caso hacia «los huesos», desde el inconsciente. «Porque yo considero la poesía como una forma de conocimiento imaginario, que trasciende la historia por el mito, y realza el espíritu con la palabra bella».
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La obra es una recopilación de poemas y reflexiones que exploran la identidad personal, la salud mental y las vivencias cotidianas de la autora. El inicio establece un tono introspectivo muy marcado, donde se invita al lector a un ejercicio de reconocimiento propio. A través de las páginas, el texto propone un viaje emocional que transita desde la crisis y la frustración interna hacia la esperanza y el aprendizaje.
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El amor, la tierra y el vuelo poético: la indiscutible vigencia de Miguel Hernández. La más poderosa fusión entre la poesía de amor y el alma de la tierra.El rayo que no cesa es una de las cumbres indiscutibles de la poesía española del siglo XX. En ella, Miguel Hernández despliega su voz desgarrada, vibrante y profundamente humana, que atraviesa la pérdida, el amor, el deseo, la desesperación y la muerte. El «rayo» del título supone una metáfora totalizadora del amor como fuerza tanto destructiva como generadora, que habla de padecimiento y revelación. A través de 28 sonetos y una elegía mítica, «Elegía a Ramón Sijé», Hernández combina barroquismo y sensibilidad popular, tradición e innovación, dando lugar a un libro que tiene un lugar propio en la literatura española y en nuestra memoria particular. En la celebración del centenario de El rayo que no cesa, acompañamos esta preciosa edición, ilustrada por Lady Desidia, con un apartado especialmente dedicado a sus poemas de la tierra, de su vivaz experiencia de pastor. Así el libro se ensancha con la voz del poeta cuando canta su «otro» amor, el amor profundo y diáfano que sentía por la naturaleza, la tierra, sus flores, sus frutos, su cambiante paisaje. Esta edición supone la confluencia de sus grandes pasiones, el amor carnal, humano, y el amor rural, y en ambos reconocemos su inabarcable vuelo poético.
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Edición bilingüe Español-Portugués.En Burnoutopía, el autor João Ernesto explora la cruda realidad del agotamiento laboral y la alienación a través de una colección de poemas. Los versos, escritos en español y portugués, capturan la experiencia de un trabajador que lucha por encontrar un propósito más allá de su empleo.
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A Transitant entre vaires i boires, primera part d'una trilogia, Pep Lladó aposta per una poesia aparentment senzilla, travessada d'ironia, humor i un punt de sarcasme. Els poemes giren entorn d'un tema universal -l'amor i el desamor, dues cares d'una mateixa monedai dibuixen un recorregut vital reconeixible per a qualsevol lector. El llibre funciona com una crònica íntima d'uns anys marcats per absències, frustracions i ferides emocionals, però també per la voluntat de resistir i tirar endavant. El poemari es completa amb il·lustracions a color de l'artista Rafel Moreno, que hi aporten una dimensió visual i emocional nova.
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La obra de un poeta imprescindible, reunida en un solo volumen.«Poéticamente atesora una austeridad y una sobriedad que entroncan más con la poesía inglesa que con la latina, pero que se ocupan de un tema tan propio de la modernidad como el de la soledad: el hombre frente a sí mismo, el hombre en su cuarto, en su jardín, el hombre a solas con sus recuerdos, con su infancia perdida.» Octavio Paz«Frente a los poetas prosaicos hoy convertidos en poetas oficiales, es realmente reconfortante volver a la mejor tradición lírica.» J.A. Masoliver Ródenas, La Vanguardia«El resultado es una poesía a la que no dejamos de volver porque es hospitalaria y se deja habitar, una poesía que nos habla en tono de confidencia de eso que pasa ante nosotros y a menudo no percibimos, real como la vida misma.» Jordi Doce, El Mundo «A Álvaro Valverde le ha gustado siempre la imagen de las aguas cristalinas de las gargantas de la sierra, cuya transparencia engaña al brazo que pretende alcanzar los guijarros del fondo. [...] Porque entiende que así debe ser su poesía: profunda y transparente, sencilla, pero honda, tan ajena al ''torpe asedio, el fingido gesto, / la erudición sabida'' como a los ''teóricos, abstrusos'' y puntillosos comentarios que contaminan la ''dulce ignorancia'' del lector, del usuario, la suma, en fin, de la expresión diáfana con el contenido profundo y perdurable de la meditación y la memoria.» Así comienza el epílogo que Gonzalo Hidalgo Bayal ha escrito para esta edición que comprende cuarenta años de escritura poética. Ajeno a las banderías de su generación, la de los años ochenta o de la Democracia, «sin ruido, con discreción que lo aleja de la feria de las vanidades, Álvaro Valverde ha ido creando su literatura», afirma F.J. Irazoki. El lector puede disfrutar ahora de los textos que componen sus libros sucesivos, ya publicados, y los poemas de uno inédito, Geografías del jardín. Su voz singular, meditativa y melancólica, confirma a Valverde, según Fernando Aramburu, «como uno de los nombres mayores de la poesía actual española».
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Pour que chantent les salamandres, editat en occità i francès, ha estat traduït a l’anglès, l’hebreu, el noruec i l’holandès, amb una càlida acollida de la crítica en mitjans com The Guardian, Al Araby Al Jadeed o Haaretz Daily.
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Todo respira recorre los meses del año como quien atraviesa, también, las estaciones de la vida. A través de una mirada atenta a la naturaleza, estos poemas encuentran en lo que brota, florece, resiste o cae una forma de nombrar lo que nos habita. En sus páginas aparecen la memoria, los lugares que nos han hecho ser quienes somos, los vínculos que nos sostienen y las pérdidas que también nos transforman. Con una voz íntima, el libro invita a detenerse y a reconocer en lo cotidiano –un jardín, un aroma, la luz de una estación, un paisaje conocido– algo propio. Cada poema abre un espacio de calma donde la experiencia personal dialoga con los ciclos de la tierra. En ese ritmo sereno, este poemario nos recuerda que nada se pierde del todo: la vida cambia de forma, pero sigue latiendo.
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Katalin llega con su hermano Gontzal y su madre a Garraitzeta, una localidad frente al mar, a empezar una nueva vida en Haize-Begi, la antigua casa familiar. Es el final del verano, tiempo de mareas vivas, comienzo de las fiestas. No lo saben pero, siglos atrás, en medio de un incendio que asoló el pueblo, una joven consiguió huir hasta un caserón donde confluyen los cuatro vientos. Mientras ponen a punto su nuevo hogar y se preparan para el inicio de las clases, los hermanos descubrirán un secreto familiar guardado durante generaciones.
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Michelangelo Buonarroti (Florencia, 1475-Roma 1564), uno de los gigantes de las artes plásticas de todos los tiempos, cuyo genio se dio a conocer en su ciudad natal merced a los auspicios de Lorenzo de Medici y floreció en Roma, bajo el mecenazgo papal, fue también un extraordinario poeta. Su producción en verso fue largo tiempo considerada menor con respecto a sus obras escultóricas y pictóricas, tras su publicación por un sobrino, con torpes enmiendas, en 1623. Fue en 1863, al ser publicadas las Rime por el erudito Cesare Guasti en edición completa, conforme a los manuscritos del artista, cuando se estableció la cronología de los poemas (sonetos, madrigales, canciones y fragmentos) y pudieron apreciarse la singularidad y el desarrollo de la obra. A partir de este importante hito editorial se inauguran los estudios de la poesía buonarrotiana, cuya originalidad e importancia en el contexto estético de su tiempo ha sido destacada por grandes poetas, escritores y críticos literarios del mundo occidental contemporáneo. Musicalizadas por Hugo Wolf, Benjamin Britten y Dmitri Shostakovich, las Rimas de Michelangelo han sido traducidas al inglés, al alemán, al francés, al portugués y al castellano. Entre los más ilustres y felices traductores de algunos de estos poemas se encuentran William Wordsworth, Rainer Maria Rilke y George Santayana. A diferencia de otras versiones de esta obra, concentradas en los sonetos, la presente edicion ofrece muestras de otras formas métricas en una selección que incluye las composiciones más representativas del genio poético buonarrotiano. Manuel J. Santayana (1953, Camagüey, Cuba) vive exiliado en Estados Unidos desde 1967. Ha publicado dos libros de poesía: De la luz sitiada (Miami, 1980) y Las palabras y las sombras (México, 1992), el primero comentado por Alberto Baeza Flores y Orlando González Esteva, y el segundo por Eduardo Milán (en Vuelta, 1992). Versos y prosas suyos han aparecido en La urpila (Montevideo), Linden Lane (Nueva York) y Encuentro de la cultura cubana (1999). Es traductor de Ronsard, Rilke, Yeats, Montale y Drummond de Andrade, entre otros poetas.
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Al llarg del temps, els qui han escrit la història de l’Àndalus no han deixat de meravellar-se de la instintiva genialitat dels andalusins en el conreu de la poesia àrab clàssica. A hores d’ara, però, no ens hauria de sorprendre gens que el focus més important d’irradiació de la cultura àrab a Occident durant segles donés una bona florada de poetes extraordinàries. De la quarantena de noms que ens han arribat a través de les fonts —cosa que indica clarament que aquest tresor literari no va ser pas fruit de l’atzar—, apleguem en aquesta antologia gairebé tots els poemes que s’han conservat d’elles, rutilants perles de la nit que per primer cop fan llum en català.
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Cuando las lágrimas son más fuertes que tú, y te ganan en la pelea por salir, ¿Qué haces? A veces intentamos respirar, pero no es suficiente. Puedes sentir cómo se derrumba el tiempo y tú sigues ahí, en el mismo lugar, tratando de que no se note que no estás bien de verdad. Vivimos en un mundo en el que constantemente debemos tener buena cara, buena actitud y un optimismo reiterado por el que no nos podemos quejar, y si lo hacemos debe tener un espacio, una hora y un lugar. Pero la realidad es que uno no decide cuándo llorar o cuándo gritar, simplemente pasa. Y tampoco podemos ser hipócritas con nuestras emociones y sentimientos, porque no todos los días son buenos días. Ya es hora de entender que no está mal sentirse mal.
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Autopsia del alma es un descenso a las heridas que forman, rompen y reconstruyen. Un libro de fragmentos íntimos donde el silencio, el duelo, el miedo y la furia se abren sin anestesia. Entre el mar y el fuego, el dolor se convierte en lenguaje y la vulnerabilidad, en fuerza. No busca respuestas, expone cicatrices. Es la crónica cruda de un alma que sobrevivió a sí misma para renacer.
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Cuando el autor le comentó a un amigo que llevaba tiempo sin escribir y que temía no volver a hacerlo, su amigo le regaló un pequeño cuaderno. Allí empezó a recoger los primeros poemas en prosa de los cincuenta y ocho que forman este libro. El título se lo ha prestado Christian Bobin. «La puerta de un solo nombre en todas las lenguas» es la poesía, que comunica con lo invisible, con el misterio. Esta puerta -hecha aquí de una madera breve y esencial- da ahora al amor, a la naturaleza, a Dios y a la habitación blanca de la propia poesía.
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Asamblea. Poesía reunida 1975-2025 agrupa en un solo volumen toda la poesía del escritor y artista visual Juan Carlos Mestre (Villafranca del Bierzo, 1957). Dotado de una pasmosa imaginación verbal, Mestre ha levantado a lo largo de medio siglo una obra rica y habitable, marcada de manera simultánea por el asombro y la ferocidad crítica, la exigencia estética y la solidaridad indignada con los desheredados del mundo. La 'asamblea' del título es la de los vivos y los muertos que no han tenido nunca voz, reunidos todos ellos en el espacio del poema, convocados por la palabra para decir su verdad. Este volumen recoge todos los libros del poeta publicados hasta la fecha, más un adelanto de su nuevo libro, El ciprés descapotable, y la primera traducción castellana de su libro en gallego 200 gramos de patacas tristes. Con la perspectiva que da más de medio siglo de compromiso con la palabra, Mestre ha procedido a una labor de escrutinio y reordenación que ofrece la versión definitiva de cada título. El libro se cierra con un apéndice de 'Poesía primera' que integra las dos series poemáticas escritas en la década anterior a la aparición de Antífona del otoño en el valle del Bierzo (1986). El resultado, testimonio de un talento excepcional y una fidelidad sostenida a los imperativos de la imaginación, es ya una de las obras de referencia de la poesía española contemporánea.
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Este libro es un viaje a través del mar de la culpa, el miedo, la frustración y el dolor. Siendo en este una barca el único transporte, remándolo el amor, el único que impide que quede a la deriva. En otras palabras, una historia de amor, pero sin final feliz. Un amor que se quedó suspendido en el tiempo, perdiéndose mucho antes de lo debido. Sin razones, justicia, previo aviso y, sobre todo, sin consuelo. Es una evocación de su risa, sus locuras, altibajos, y nuestros sueños rotos. La historia de cómo dos almas se perdieron la noche en la que te perdí a ti.
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Els llibres de poesia són obres impreses que reuneixen composicions líriques centrades en l’expressió estètica del llenguatge. La poesia explora emocions, pensaments i experiències a través del ritme, la imatge i la metàfora. Els llibres de poemes permeten gaudir d’una lectura pausada i reflexiva en format paper, afavorint la relectura i la interpretació personal de cada text.
Què és la poesia i què ofereixen els llibres de poemes?
La poesia és un gènere literari que utilitza el llenguatge de manera condensada i simbòlica per transmetre sensacions i idees.
Definició
Els llibres de poemes recopilen textos escrits en vers o en prosa poètica que destaquen per la seva musicalitat, la seva intensitat expressiva i la seva capacitat de suggeriment. Cada poema proposa una experiència íntima que convida a la reflexió.
Diversitat temàtica i estilística
La poesia pot abordar temàtiques com l’amor, la memòria, la natura o la crítica social. Existeixen estils clàssics i contemporanis, així com propostes experimentals que exploren noves formes d’expressió.
Com triar llibres de poesia
Escollir entre diferents llibres de poemes implica atendre la sensibilitat personal i el tipus de veu poètica que es vol descobrir.
Criteris de selecció
És recomanable considerar l’estil de l’autor o autora, l’època literària i la temàtica predominant en l’obra.
- Poesia clàssica o contemporània.
- Obres centrades en la introspecció o en la dimensió social.
- Antologies que reuneixen diferents veus poètiques.
- Edicions comentades per facilitar la comprensió del text.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de poesia en format paper presenten diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Reculls complets d’un autor o autora.
- Seleccions temàtiques de poemes.
- Antologies generacionals o històriques.
- Llibres il·lustrats que dialoguen amb el text poètic.
La cura de la maquetació i la disposició del vers a la pàgina formen part essencial de l’experiència de lectura en paper.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de poesia en paper estimula la sensibilitat estètica, el pensament simbòlic i la capacitat interpretativa.
Desenvolupament del llenguatge
Els llibres de poemes enriqueixen el vocabulari i fomenten l’apreciació dels recursos expressius, com la metàfora i el ritme.
Experiència reflexiva
La lectura pausada que propicia el format en paper permet interioritzar el significat de cada poema i establir un diàleg personal amb el text.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de poesia?
Els llibres de poesia s’adrecen a persones que busquen una experiència literària íntima i profunda.
- Lectors i lectores interessats en l’expressió lírica.
- Estudiants que treballen l’anàlisi poètica.
- Persones que valoren la lectura breu però intensa.
- Qui vol descobrir noves veus poètiques.
Preguntes freqüents sobre llibres de poesia
Quina diferència hi ha entre poesia clàssica i contemporània?
La poesia clàssica sol seguir estructures mètriques tradicionals, mentre que la contemporània experimenta amb formes i estils més lliures.
Com triar un llibre de poemes adequat?
És recomanable considerar la temàtica, l’estil de l’autor o autora i el tipus de poesia que desperta més interès personal.
Què aporten els llibres de poesia a nivell educatiu?
Afavoreixen el desenvolupament del llenguatge, la interpretació simbòlica i la sensibilitat literària.
Per què llegir poesia en format paper?
El format en paper permet apreciar la disposició del vers, facilita la relectura i afavoreix una experiència de lectura més concentrada.