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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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Max Estrella, un anciano poeta ciego, recorre las calles de un Madrid decadente acompañado por su fiel amigo don Latino de Hispalis. Max se enfrentará a la dureza de la vida en una ciudad donde abunda la miseria. En su camino, mantendrá conversaciones que revelarán las injusticias y contradicciones de la sociedad de principios del siglo XX.Una obra cumbre de la literatura española que inaugura el género del «esperpento», caracterizado por una representación deformada y grotesca de la realidad. Esta edición escolar, con análisis del profesor Jesús Peris Llorca, invita a los estudiantes a explorar el estilo único de Valle-Inclán y a comprender su incisiva crítica social.
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Aunque la vida se ponga difícil, siempre hay un amigo dispuesto a tenderte una mano (o una pata).Qué complicado es para un gato lidiar con los seres humanos. Son inestables, irracionales, indecisos, una especie a observar con desconfianza. Richard Gold no es la excepción: lo tiene todo, pero pasa el tiempo en el sofá en bata, bebiendo, mientras ve torneos de dardos. Hasta el día en que aparece Frankie, un gato callejero, feo y descarado que pone su vida patas arriba. A pesar de que Gold es insoportable, Frankie lo elige: Richard será su humano. Tal vez sea porque tiene un televisor enorme, una cama muy cómoda y mucha comida. O, tal vez, porque ambos necesitan un amigo y comparten algo profundo y extraordinario, aunque todavía no lo sepan. «Una novela increíble que contagia las ganas de vivir», STERN.
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Una dramatúrgia de Mercè Sarrias basada en el llibre del mateix títol de Jordi Panyella. En els cinquanta anys de la seva mort, es reivindica la injustícia de l'execució de Salvador Puig Antich, condemnat en un judici ple d'irregularitats. Es vol recuperar el record de la mort injusta d'un home jove i, al mateix temps, recuperar la nostra memòria democràtica.
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Denise Despeyroux ha construido en los últimos años una de las trayectorias más singulares de la dramaturgia contemporánea. Su teatro, traducido, representado y estudiado en numerosos países, se caracteriza por esa mezcla de humor inquietante, hondura filosófica y ternura inesperada que lo hace inconfundible. «Teatro denisíaco» reúne siete piezas fundamentales escritas entre 2015 y 2025, precedidas por un prólogo que funciona como confesión íntima y manifiesto estético. Allí, la autora evoca el mito de Ariadna y el laberinto como metáforas de la creación y la vida, invitando al lector y al espectador a perderse en un territorio donde la verdad aparece disfrazada de paradoja, y la comedia convive con la herida. Las obras aquí reunidas —«La tentación de vivir», «El planeta añil», «Paciencia debe morir», «Tiempos mezquinos», «La omisión del si bemol tres», «Salvar a Apollinaire» y «Misericordia»— componen un mosaico de personajes que buscan, tropiezan y a veces se reinventan. Desde la comedia romántica teñida de desesperación hasta los juegos de la memoria y la traición, el teatro de Despeyroux se sostiene en un pulso verbal deslumbrante y en una estructura dramática que sorprende por su libertad. Lo que comienza como una situación reconocible -una conversación de pareja, una reunión de terapia, una sala de hospital- se transforma pronto en un territorio de extrañeza, donde lo cotidiano roza lo absurdo y lo fantástico para revelar el fondo de la experiencia humana. Su teatro interroga la identidad, el deseo, la fragilidad y la esperanza con una escritura que no teme a la confesión ni a la ironía, a la ternura ni a la crueldad. Como el hilo de Ariadna, estas obras trazan un recorrido posible para escapar del laberinto y, al mismo tiempo, enseñan que quizás el verdadero viaje consista en aprender a habitarlo. «Teatro denisíaco» es, así, una invitación a entrar en un universo propio, donde el amor y la traición, la memoria y el olvido, lo sagrado y lo cómico, se entrelazan en un mismo gesto teatral.
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¿Qué sucede cuando los espacios que habitamos se convierten en prisiones? En este volumen, Luis Bartolomé Herrero nos invita a adentrarnos en tres cerrojos de tierra, lugares cerrados donde la memoria, la violencia y la desesperación cobran vida. Desde una taberna rural anclada en el pasado hasta un desván cargado de fantasmas familiares y un piso en cuarentena que exacerba los miedos, cada obra explora la fragilidad humana y la imposibilidad de escapar de un pasado o un presente opresivo. En sus páginas, los personajes, atrapados en sus propias circunstancias, intentan respirar, recordar, sobrevivir. Con una voz que mezcla el costumbrismo con el humor negro, el autor nos muestra el lado más grotesco y doloroso de la realidad, invitándonos a reflexionar sobre el peso de los recuerdos y la lucha por romper con lo que nos define. Estrenadas por la compañía Catarsis en el Teatro Juan Bravo de Segovia, estas piezas dibujan un mapa íntimo y colectivo de un tiempo que aún nos duele. Son historias que nacen de lo cotidiano, pero que, como los buenos cerrojos, guardan en silencio lo más profundo.
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La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera es el séptimo y último volumen de la Biblioteca Federico García Lorca y el cuarto de los que reúnen su «Teatro completo». En este volumen se ofrecen al lector clásicos lorquianos como La casa de Bernarda Alba y Doña Rosita la soltera. Asimismo, se incluyen conferencias y charlas ofrecidas por el poeta en torno a sus textos, lo que permite una aproximación aún más personal a su obra. La edición y los prólogos, a cargo de Miguel García-Posada, permiten al lector acercarse a la complejidad de su obra y disfrutar, a lo largo de los siete volúmenes que componen esta Biblioteca Federico García Lorca, de uno de los autores españoles más relevantes del siglo XX. Luis Buñuel dijo...«De todos los seres vivos que he conocido, Federico era el primero. Ya se pusiera al piano para interpretar a Chopin, ya improvisara una pantomima o una breve escena teatral, era irresistible. Era como una llama.» --------------------------------------------------------------------------BIBLIOTECA FEDERICO GARCÍA LORCA Poesía competa:1. Libro de poemas | Primeras canciones | Canciones2. Romancero gitano | Poema del cante jondo3. Poeta en Nueva York | Sonetos Teatro completo:4. La zapatera prodigiosa | Mariana Pineda5. El público | Así que pasen cinco años6. Bodas de sangre | Yerma7. La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera--------------------------------------------------------------------------
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Su primera pieza, La cantante calva, estrenada en el Théâtre des Noctambules en mayo de 1950, lo lanza a la fama. Al compás del rotundo posterior éxito de Rinoceronte, ya incorporado a esta colección, los sucesivos estrenos de Ionesco fueron constituyendo otros tantos logros de resonancia internacional. Por eso es que se incluyen en este volumen El Rey se muere y otras tres piezas de indudable fortuna en los escenarios del mundo.
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Antígona, inspirada en la tragedia homónima de Sófocles, desarrolla el tema clásico desde un punto de vista moderno, especialmente atento a los factores psicológicos, con una gran altura conceptual y belleza formal. Integra este volumen Jezabel, una de las famosas “piezas negras” del autor.
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En octubre de 1909, Francisco Ferrer, pedagogo, librepensador y fundador de la Escuela Moderna, fue fusilado en Montjuïc tras un proceso militar plagado de irregularidades. Su nombre, borrado de la historia oficial, sigue siendo para muchos desconocido, pese a que sus ideas sobre una enseñanza laica, mixta, crítica y emancipadora marcaron a generaciones de educadores. En esta pieza teatral, el dramaturgo belga Jean-Claude Idée convierte aquel episodio en materia escénica: la voz del acusado, los interrogatorios, las memorias familiares y las heridas de una España dividida vuelven a resonar. Más que una biografía dramatizada, esta obra es un alegato contra el olvido y una reivindicación de la educación como acto revolucionario. Traducida por Pollux Hernúñez, llega por primera vez al lector en español para recordar que la pedagogía también se escribe con pólvora y tiza. Francisco Ferrer: «¡Viva la Escuela Moderna!» se estrenó en París en 2018, y en Bruselas en 2022. Ahora, por primera vez, llega al lector en español en la Colección Mínima Teatro de Punto de Vista Editores, que publica esta versión traducida por Pollux Hernúñez como parte de su compromiso con la memoria, la escena y la palabra crítica.
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Els Turcs al Friül és una obra de teatre històric que presenta una Cjasarse (localitat on es varen refugiar els germans Pasolini amb la mare) que fusiona dos moments històrics diferents però semblants: el context de destrucció i control per part de l'ocupació alemanya durant la segona guerra mundial i la tèrbola situació de l'any 1499 quan, poc després de la caiguda de Constantinoble, els turcs provinents dels Balcans representaven una autèntica amenaça amb atacs continuats contra la República de Venècia. Amb el temps, Els Turcs al Friül ha esdevingut un text enigmàtic que mostra determinats temes i aspectes que Pasolini desenvolupa i dissemina anys més tard. A través d'aquestes pàgines, l'escriptor construeix un autèntic monument de paraules amb una poderosa força simbòlica i lírica.
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Oscar Wilde: el escritor que desafió con su ingenio mordaz la moral de la sociedad victorianaEsta comedia frívola para gente seria, o, como también la describe Oscar Wilde, «una farsa admirable para el estilo, pero fatal para la escritura», es quizá la obra más conocida y representada del genial autor irlandés. En ella, Wilde se consagra al ingenio del lenguaje y hace del estilo, la cháchara y el sinsentido el núcleo de la pieza. Comedia de enredos que lanza sus dardos al matrimonio, la religión o aquello que nos hace respetables, narra la historia de dos hombres, Jack y Algernon, que emplearán toda clase de engaños para añadir emoción a sus vidas.Traducción y prólogo de Mauro Armiño
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La acción de Casa de muñecas (1879) tiene como protagonista a Nora, una mujer que simula estúpida frivolidad pero que en verdad es inteligente y aguda. Nora se vio forzada años atrás a recurrir a una artimaña financiera para costear un viaje en salvaguarda de la salud de Helmer, su marido, al tiempo que su padre se hallaba moribundo. A medida que la tensión del conflicto va in crescendo, la monotonía burguesa de la protagonista se va convirtiendo en un nudo corredizo que va dejándola sin aire. Ante su impotencia, observa la imposición de todo un mundo de valores contradictorios que amenazan su idea de felicidad. Teatro de ideas, pero intensamente dramático, la obra del noruego Henrik Ibsen (1828-1906) ha influido profundamente en la evolución de la escena europea contemporánea.
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Fadi ha llegado al final del camino, su proceso de radicalización está a punto de culminar en un final que puede significar su desaparición física y una catástrofe desde el punto de vista de la seguridad pública. La tragedia está servida, pero algo le está ocurriendo: una voz interior le impide conducir en paz la furgoneta hacia su fatal destino. Un acontecimiento imprevisto en una gasolinera a partir del encuentro con una joven prostituta rumana abocará a la inusitada pareja a una huida en forma de road movie a través de buena parte de la geografía del estado. Al final del relato, el protagonista se dará cuenta de que, ni en su peripecia ni en la sala de interrogatorios en la que la historia nos está siendo revelada, las cosas son ni han sido nunca lo que parecían.
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El símbolo de la seducción amorosa, de la arrogancia y el cinismo, la figura del burlador, toma cuerpo en el personaje de don Juan que la literatura española ha difundido universalmente. Don Juan Tenorio, el drama romántico escrito por José Zorrilla, es la versión más exitosa de un tipo de seductor, muy común en nuestro acervo cultural, que ya llevaba más de dos siglos pagando sus culpas en los escenarios. Aunque el carácter ejemplarizante se haya perdido en la versión de Zorrilla, lo fundamental, lo que ha pervivido, es el tipo de persona que seduce por el mero placer de la conquista, sin que le importe en absoluto dejar ultrajadas a sus víctimas. Los donjuanes y los tenorios de hoy, ya sean hombres o mujeres, siguen teniendo en este ''drama religioso-fantástico'' una de sus mejores y más populares traslaciones.
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David es un adolescente impulsivo y violento que se aleja de la realidad gracias a la magia los skaters. Sara, su profesora, vive su propia crisis personal.Sara y David son dos seres a la deriva que se encuentran por necesidad, que se atraen irremediablemente, pues ambos se sienten perdidos y desamparados en un mundo hostil. David es un adolescente impulsivo y violento que se aleja de la realidad gracias a la magia de los skaters. Sara, su profesora, que vive su propia crisis personal, se enfrenta a los problemas en el aula, lo que la llevará a cuestionará el sistema educativo vigente. Monopatines (Skaters) es una obra comprometida, pionera, que aborda la vida diaria de la Educación Secundaria Obligatoria.
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Ubú irromp al Théâtre de l'Œuvre de París l'any 1896 i sacseja l'escena burgesa amb un crit que marcarà la història de la modernitat teatral: «Merdra!» Així comença ''Ubú rei'', però les peripècies d'aquest grotesc personatge, amb el cap en forma de pera i una espiral dibuixada a l'immens ventrell, no han fet altra cosa que començar. Després del deliri de grandesa per ser rei, decideix convertir-se en esclau i buscar la felicitat en la submissió, envaeix la casa d'un col·leccionista de poliedres, esdevé pare d'un bell arqueòpterix a causa de qüestions de banyes i recupera la naturalesa original de titella en un guinyol. Alfred Jarry converteix la burla d'un grup d'escolars a propòsit del seu professor de física en un univers literari que desemboca en la invenció del cèlebre personatge que centra l'interès d'aquesta edició: Ubú. El volum que presentem inclou per primera vegada en català les quatre peces teatrals que protagonitza -''Ubú rei'', ''Ubú encadenat'', ''Ubú cornut'' i ''Ubú al turó''-, així com versions alternatives i una selecció d'articles, discursos, cartes i conferències que Jarry escriu al voltant del teatre. La prosa apassionada que el caracteritza, i que neix de la creació col·lectiva, juga amb la tradició literària i explora el poder infinit de les paraules per fer d'Ubú una sàtira despietada del poder, la cobdícia i la condició humana. Alfred Jarry (Laval, 1873 - París, 1907) va ser dramaturg, novel·lista, poeta i autor d'altres textos sovint inclassificables. Amb l'obra ''Ubú rei'' (1896), va dinamitar les convencions escèniques, va obrir el camí al teatre de l'absurd i es va acabar convertint en precursor del dadaisme i el surrealisme. No només va donar transcendència i continuïtat al mite d'Ubú, inspirat en una paròdia escolar, sinó que també va inventar la ciència de les solucions imaginàries anomenada patafísica. La seva vida, marcada per l'excentricitat i la provocació, es va fondre amb la seva obra fins al punt d'adoptar l'extravagància del mateix Ubú. Malalt i empobrit, va morir prematurament als trenta-quatre anys i va deixar un llegat literari que encara ressona i continua fascinant lectors i creadors.
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Escaleras al techo (1945) es una obra peculiar y diferente, es al mismo tiempo una historia de amor, una comedia y un experimento con un toque de ciencia ficción.El cuaderno de Trigorin (1981) es una adaptación libre del clásico La gaviota, de Antón Chéjov, transformado por el genio de Tennessee Williams en un poderoso drama contemporáneo.Tennessee Williams nació el 26 de marzo de 1911, en Columbus, Mississippi, donde su abuelo era ministro episcopal, y murió el 25 de febrero de 1983, en Nueva York. Entre otras piezas fundamentales del drama psicológico contemporáneo, publicó también: El zoo de cristal (1944), Un tranvía llamado Deseo (1947), Verano y humo (1948), Lo que no se dice (1958) y Período de ajuste (1960).
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Se incorpora a esta colección uno de los más importantes autores de la literatura dramática contemporánea. Jean Anouilh (1910-1987) pertenece a la corriente de renovación teatral que en su país surgió al término de la Segunda Guerra Mundial, y es uno de sus representantes más conspicuos. Su teatro, que incursiona preferentemente en la comedia, se caracteriza siempre por excepcionales cualidades de brillantez y frescura, encuadradas dentro de un marco de auténtica maestría de la estructura dramática y dominio de la situación escénica.
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PREMI DE TEATRE CIUTAT D'ALCOI Un turista japonès que visita Barcelona per allunyar-se de la soledat, unadona embarassada que no estima el pare del seu fill,un publicista trepa, una publicista enganyada, un nen que se sent sol i ignorat... Aquests personatges coincidiran en l'espai i el temps del centre de la ciutat, en un món globalitzat on totes les grans urbs comencen a perdre els trets que les identifiquen. El queno saben és que aquesta trobada canviarà les seves vides per sempre.
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El text Qui em cremarà la casa? afronta un tema que probablement mai no ha pujat fins ara als escenaris: què passa quan mor una llengua. L'autor ens proposa un viatge al fons del cor d'una cultura desconeguda i ens mostra el contrast entre un món antic i autèntic i un de modern i salvatge. Al món es parlen, actualment, entre 6.000 i 7.000 llengües. Diuen els especialistes que d'aquí a 75 anys, només en quedarà un 10%. L'obra ens acosta a un cas concret, que és la síntesi de molts casos. Un home i una dona vells procedents de no se sap on, han anat a parar a una ciutat occidental. No coneixen la llengua del país. D'altra banda, ningú no sap quina llengua parlen. Són una petita illa, enmig de la multitud. En morir ella en un accident, l'home queda incapacitat de parlar amb ningú. Quan ell mori, què en quedarà, del món que s'expressava en aquella llengua? En el pròleg, Albert Mestres destaca la ''visió còsmica que dona sentit a aquest món'' que es perd. Diu que ''l'obra tracta, a través d'una tragèdia individual, d'una tragèdia col.lectiva a escala humana, la de l'empobriment brutal del nostre planeta'' i qualifica el text d'impressionant i commovedor.
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«Y vosotros, dondequiera que estéis, ¿sabéis vosotros qué es lo que os quita el sueño?».Todo arranca en una noche de insomnio en un barco que navega desde Sicilia con destino al continente. Es un viaje en el tiempo más que en el espacio, porque el Mediterráneo, mito y realidad, encierra todas las historias, las más bellas y también las más terribles.Incapaz de dormir, el viajero es asaltado por imágenes que ha ido descubriendo en su vagar por la isla de Sicilia. Sobre todo, las de unos formidables mosaicos en cuyo centro hay sendos barcos que transportan animales: los de la catedral de Monreale, que cuentan la historia del arca de Noé, y los de la villa romana del Casale, el mayor de los cuales, que lleva por título La gran cacería, representa la captura en África y Asia de fieras que se exhibirán en los anfiteatros del Imperio.«¿Conseguiría dormir si supiese qué me quita el sueño?».«Una de las obras del mejor Mayorga, el que no se casa con nadie, el filósofo, el implicado con nuestro tiempo y nuestra historia». José-Miguel Vila, Diario Crítico.
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Las tres obras teatrales que se publican en este volumen constituyen un intento por consolidar un teatro trágico en la España de la posguerra. Uranio 235 representa las consecuencias de la aparición de la bomba atómica y de la Guerra Mundial. Escuadra hacia la muerte trata sobre el conflicto que supone la obediencia a la autoridad en un grupo de soldados castigados por distintos motivos y obligados a permanecer como vanguardia en un frente bélico. La sangre y la ceniza narra la dramática historia de Miguel Servet y su enfrentamiento con la intransigencia filosófica y teológica de Calvino y con su gobierno autoritario. Las tres piezas fueron textos significativos de los intentos de un intelectual que quiso transformar el teatro de su tiempo y usar la escena como un ámbito público de reflexión sobre el ser humano y su destino. Cada una de estas obras supuso un impulso estético con el que Sastre trataba de encontrar una escritura suficiente para comprender la historia y la vida.
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Una humilde costurera que se hace pasar por una exquisita modista francesa. una anciana condenada a ver morir a todos los seres que ama. un noble celoso que contrae matrimonio con la hermana de la dama a la que ha matado. la matriarca de un antiguo linaje que intenta, en vano, salvar a su familia de la ruina. una joven judía que renuncia a todo por vivir una pasión prohibida. un joven excéntrico que abandona a su amante cuando esta le declara su amor incondicional. una mujer enamorada que se consume viendo cómo engaña su esposa al hombre que ama. Estos son solo algunos de los personajes que pueblan los dramas de Emilia Pardo Bazán, una de las escritoras más destacadas del siglo XIX español cuyos textos teatrales, cien años después de su publicación, siguen sorprendiendo a los lectores.
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Aunque se sirva de la carcajada incontenible, Tres sombreros de copa encierra una visión amarga y demoledora de la existencia. Mihura aborda cuestiones como el amor, la felicidad,el sentido de la vida, la libertad de elegir ola estrechez de unos modelos sociales que ahogan al individuo a través del contraste entre lo trágico y lo cómico, en contraposición al teatro de humor que triunfaba en España hacia 1930, que cerraba los ojos ante la realidad del hombre contemporáneo. Su trabajo de construcción dramática, la comicidad generada por lo inesperado y lo absurdo, y un excepcional uso del lenguaje —su principal recurso humorístico— hacen de esta obra uno de los pilares de nuestro teatro de vanguardia. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Explora les profunditats emocionals de ''El deute'', un drama captivador que revela els secrets més ocults de les relacions humanes. Descobreix les emocions ocultes i els secrets que poden canviar-ho tot.. El deute és una captivadora peça teatral que t'endinsarà en les complexitats de les relacions humanes, amb personatges que no oblidaràs fàcilment. En l'obra de teatre El deute, Rodolf Sirera ens convida a explorar les capes més profundes de les relacions humanes a través d'una peça teatral carregada d'intensitat i matisos. . Sirera brilla per la seva habilitat a l'hora de crear diàlegs naturals i introduir conflictes amb subtilesa. A mesura que la trama avança, la tensió augmenta de manera palpable, mantenint el lector en un estat de constant expectació. . El deute es converteix així en una poderosa reflexió sobre el pes de les decisions passades i la forma com aquestes poden influenciar el present, oferint una perspectiva única i reveladora sobre la condició humana.
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'El eco de la culpa'' es un drama teatral en un acto que explora el peso de la memoria y las heridas abiertas por la violencia política. En el escenario sobrio de una ermita, un ex miembro de ETA recién salido de prisión y el hijo de una de sus víctimas se enfrentan en un tenso diálogo que oscila entre la rabia, el arrepentimiento y la imposibilidad del perdón. A través de silencios cargados de significado y una atmósfera opresiva que envuelve cada gesto, la obra invita a reflexionar sobre el dolor heredado, la memoria colectiva y los límites de la reconciliación. En un tiempo en que el relato corre el riesgo de diluirse entre equidistancias y falsificaciones, ''El eco de la culpa'' reivindica la necesidad de nombrar las cosas por su nombre. Frente a la tentación contemporánea de confundir responsabilidades o de ocultar bajo consensos ambiguos a quienes provocaron el dolor, este texto sitúa a cada cual en su lugar: hubo víctimas y hubo verdugos. Y es precisamente en esa claridad —incómoda, pero necesaria— donde la obra encuentra su propósito moral.
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«Deja que las velas se apaguen solas (como sucedió en Las higueras necesitan compañía) es poesía de primer grado. En este libro hay intuiciones de esa naturaleza comentada, pero también hay recuerdos, y cosas observadas en viajes, y homenajes a personas queridas, y elegías, y anhelos... Hay algo claramente zen en todo esto, pero esa quietud y esa paciencia y esa observación serena no resuelven el irresistible misterio de la literatura que nos va regalando Rafael Pérez Hernando. Misterio y belleza se alían aquí con la sorpresa». Juan Marqués
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La historia de Jasón constituye una de las leyendas más fascinantes de la mitología griega. Este héroe emprende un viaje en barco hacia la lejana Cólquide, acompañado de sus fieles compañeros, los argonautas, llamados así por la nave que los lleva, Argo. Durante la travesía, se enfrentarán a asombrosos peligros para llegar a su verdadero destino: el vellocino de oro. Si en la versión clásica del mito la astucia y la resistencia se revelan claves para demostrar que sin lucha no hay recompensa, en esta divertida adaptación se suma otro elemento clave: el sentido del humor y una irónica mirada actual sobre la historia.
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Ésta es la historia de Cristóbal de Lugo, criado del inquisidor Tello de Sandoval, quien, bajo la protección de su amo, actúa a su antojo, sin arrepentimiento, en los escalones más bajos de la sociedad, entre el hampa de Sevilla. Sin embargo, gracias a las alegorías de la Curiosidad y la Comedia, sufrirá un cambio repentino, se convertirá a la fe y al buen hacer, y será a partir de entonces fray Cristóbal de la Cruz...La carrera teatral cervantina entraña la historia de un fracaso estrepitoso, aunque sólo sea porque el grueso de su producción no fue nunca representado. De todos los títulos, El rufián dichoso destaca por ser la única comedia de santos que escribió el autor. De curiosa singularidad temática, y de altura inigualable también en lo ideológico y lo formal, supone un claro escenario de la visión de Cervantes sobre el teatro y el mayor desafía dramático al que hubo de enfrentarse.
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La vida es sueño puede presentarse sin vacilación como una de las más representativas obras de literatura española del Siglo de Oro. De unos variados materiales moralizadores, tradicionales y anecdóticos, supo extraer Calderón de la Barca, clérigo y humanista, un sentido filosófico y artístico que la hacen una de las más notables del ingenio humano. Traducida a muchas lenguas, repetidamente estudiada por investigadores extranjeros, todavía no ha sido superada esta obra en el teatro español. Enriquecen esta nueva edición del prólogo y las notas debidos al académico Martín de Riquer e ilustraciones a la pluma de Lorenzo Goñi.
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Dentro del monumental legado literario de Federico García Lorca (1898-1936), el mismo que lo consolidó como un prosista de excepción y lo encumbró como uno de los poetas más relevantes del siglo xx, quizá sea en su vertiente como dramaturgo donde logró llevar más lejos su visión trágica del mundo. El suyo es un teatro descarnado y poético, tradicional y moderno al mismo tiempo. Marcada a partes iguales por la elegancia del teatro modernista y la aspereza del neopopularismo, la obra dramática de Lorca se desarrolla desde las farsas y las comedias de juventud, Mariana Pineda (1927) o La zapatera prodigiosa (1927), hasta las tragedias y los dramas de la madurez, Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) o La casa de Bernarda Alba (1936). Todas ellas obras fundamentales de la historia de la literatura española y firmadas por un autor según el cual: «El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana.» El presente volumen recoge toda la producción teatral de Lorca así como textos inacabados, apéndices, versiones alternativas y canciones.
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Santa y heroína francesa, Juana de Arco fue quemada en la hoguera a los 19 años por herejía y brujería tras su participación decisiva en la Guerra de los CienAños, que enfrentó a Francia e Inglaterra, guiada porvoces de origen divino que escuchó desde muy joven.Revolucionando el teatro de su época y rehuyendo conironía el drama histórico tradicional, George BernardShaw reconstruye en Santa Juana, su obra cumbre, lashazañas de una mujer rebelde, visionaria y esencialmente humana. Esta edición recoge el prefacio íntegroque el autor escribió para la publicación original.
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Secta tiene una finalidad clara y manifiesta: la escuela. Y una estructura íntimamente ligada a esta finalidad: los ejercicios y las jornadas.El cuaderno de ejercicios diarios que lo compone se despliega hacia la fundación de una escuela de técnica dramática, pero una escuela que: a) no es la escuela del artista, b) no es un lugar donde se aprende a actuar de la mano de maestros del arte de la interpretación, c) ni siquiera es un lugar, d) es una dimensión del saber, no un nexo en la transmisión del saber.Claudia Castellucci propone, así, un espacio colectivo pero no comunitario (es decir, no afectivo) destinado al desarrollo de un conocimiento agonístico (es decir, no pacificado) de la realidad, equidistante de cualquier tentación de carácter magisterial así como de esa tradición pasiva y apresurada que consiste en destilar con devoción un legado de la propia experiencia, y sobre todo atenta al mecanismo paradójico de la «secta»: un procedimiento acrítico estructuralmente destinado a producir las condiciones subjetivas de la acción. Incluso de la acción teatral.«Un viaje al mundo del conocimiento a través de una escritura cautivadora y trepidante. Un manual nada didáctico, lleno de sugerencias, donde también se pueden apuntar las propias reflexiones y anotar los resultados del viaje personal». Francesco Bove, «L'armadillo furioso»«Los estudios teatrales en el ámbito hispánico están de celebración, pues esta edición de Secta. Escuela de técnica dramática en lengua española abre un nuevo camino en la investigación en artes escénicas en el contexto hispánico y se integra de manera significativa como un eslabón más en la cadena de relaciones que la escuela establece, enriqueciendo así el panorama teatral actual». Belén Tortosa, del prólogo
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En 1895 se estrena en el teatro St. James La importancia de llamarse Ernesto, la pieza más brillante de Oscar Wilde (1854-1900) y también la última. De ritmo vertiginoso y parlamentos agudos, la obra aparenta ser una comedia de enredos y costumbres, pero deja entrever, como es típico en el dramaturgo irlandés, un trasfondo dramático, de donde emerge el retrato de una sociedad falaz, prejuiciosa y de doble moral.Pero las convicciones quedan expuestas, y ya no podrán permanecer soterradas bajo los buenos modales, respuestas displicentes y perezosas costumbres. Vera o los nihilistas, primera pieza teatral de Wilde, se representó en agosto de 1883, en Nueva York, en el transcurso de su gira por los Estados Unidos.
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El caballero de Olmedo, la obra maestra de Lope de Vega, en la cuidada edición de Francisco Rico. Un referente del teatro del Siglo de Oro.Este volumen presenta la que posiblemente sea la obra maestra de Lope de Vega como dramaturgo, y sin duda, la que más ha pulsado nuestra sensibilidad contemporánea: El caballero de Olmedo. Inspirada en una cancioncilla popular, la tragicomedia presenta un enredo sentimental que adquiere desde el principio tintes fatídicos y a la postre sobrenaturales, subrayados por imágenes simbólicas generadoras de una profunda melancolía y pesar. La obra se ofrece en la mítica edición de Francisco Rico, puesta al día por el filólogo y académico en sus últimos años. Esta edición quiere, así, constituirse en el homenaje de la Biblioteca clásica de la RAE al que fuera su fundador y director cuando se cumple un año de su desaparición.
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La Tempesta, de William Shakespeare. Traducció i pròleg Salvador Oliva. De la col·lecció Obres De William Shakespeare de Vicens Vives.
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.
