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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
![Qué [no] es el cine](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwf67e26f1/images/large/1567561.66.jpg?sh=240 "Qué [no] es el cine")
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¿Por qué vemos [tanto] cine? Lo cierto es que ya no podemos pensar en esa bulimia audiovisual con la residual y anacrónica metodología de la crítica cinematográfica, ni con la grandilocuencia de muchas de las Grandes Teorías, interesantes pero obsoletas, ni con los prejuicios inculcados por un Sistema Universitario desprovisto de sentido crítico.Para aprender algo de nosotros mismos a través del cine, para mejorar nuestra forma de imaginarnos, deberemos antes orillar la autocomplacencia y proponer discursos y metodologías que también puedan atraer a las nuevas generaciones.
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Desde la temática sobrenatural hasta ficciones especulativas sobre el futuro, pasando por el realismo mágico o las narraciones sobre pasados míticos, las series de ciencia ficción nos han ofrecido los relatos más transformadores, feministas y degenerado
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Por primera vez, se publica en bilingüe un libro que ahonda en la obra de Frans van de Staak, un «cineasta de cineastas», un eslabón perdido en la historia del cine.En el cruce entre el cine narrativo, la poesía experimental, el teatro de vanguardia, las artes plásticas, la música de improvisación y la losofía del lenguaje, Frans van de Staak (Ámsterdam, 19432001) ocupa un lugar único en la historia del cine.Desde los textos de Baruch Spinoza, Hubert Poot y Wallace Stevens a las frases hechas del lenguaje ordinario, las películas de van de Staak aíslan y reinterpretan la sensualidad de los signos de la vida moderna, de la in exión de una voz a la manera de anudarse los cordones de un zapato. A partir de sus propios escritos, entrevistas y materiales preparatorios de sus proyectos, este libro invita a recorrer el fulgurante conjunto de su filmografía, que testimonia una originalidad radical en su concepción de las posibilidades del cine.
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Entre 1929 y 1948, Hollywood era una ciudad formada por pequeños imperios creadores de sueños. Los grandes estudios cinematográficos eran feudos de talento... enormes, densos, bulliciosos, diversos. Era la edad de oro de las películas, y cada estudio hizo su contribución distintiva a la industria del cine: Paramount, donde Adolph Zukor dejaba a sus directores plena libertad para que expresaran todo su talento, MGM, donde el rey era el productor y basaba su política en ofrecer las más grandes películas interpretadas por los más grandes actores, Warner Brothers, regida por la frase clave de Jack Warner: «No lo quiero bueno, lo quiero el martes», Fox y su estética conservadora, RKO, abierta a todo tipo de filmes, Univer¬sal, la auténtica “industria” del cine, un monstruo gigantesco si personalidad propia, mimético de todos los demás estudios, pero capaz de darnos también los mejores clásico del cine de terror. Ethan Mordden, en su atento repaso a los principales estudios de Hollywood en los grandes años de la producción cinematográfica, nos ofrece una apasionante retrospectiva que abarca toda una época y un lugar. Lleno de anécdotas e incidentes, “Los estudios de Hollywood” son a la vez una exploración autorizada y un gran revival de la época en que se cimentó uno de los fenómenos más revolucionarios de nuestro siglo: el cine.
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Un emocionante recorrido por los ingredientes del éxito de la historia de la Tele en España. Pasado y presente para vislumbrar el futuro de esa Tele que nos ha convertido en quienes somos.De Chicho Ibáñez Serrador a La casa de papel .De Crónicas
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En este libro, Jan Doat nos descubre un método para la educación del lenguaje corporal que ofrece, sin duda, una ayuda práctica a los alumnos y alumnas de arte dramáticoSi se compara una obra de teatro con una sinfonía, se puede decir que el actor es, a la vez, el instrumentista y el instrumento, instrumentista, porque traduce, con su inteligencia, su sensibilidad y su sentido artístico un texto escrito, así como el músico traduce su partitura, instrumento, porque solo puede exteriorizarse con la voz, la mímica, los movimientos del cuerpo.La actuación sutil y emotiva de un personaje exige de los actores y actrices una fluidez expresiva que debe ser desarrollada.
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Què fa que un director esculli un guió i en rebutgi molts d'altres? Com mantenir l'estat d'ànim d'un actor o una actriu que ha repetit una escena dramàtica més d'una vintena de vegades? Com es prepara una escena exterior amb un centenar d'extres i diverso
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Durante el período 1939-1975 España estuvo gobernada por una dictadura nacionalista que controló y orientó la producción cinematográfica. El estudio de la imagen de España en los largometrajes de ficción realizados entre estos años nos mostrará el dibujo
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Los tres días del cóndor, ''Todos los hombres del presidente'', ''Network''... Cincuenta años después del estreno de estas películas, el mundo ha cambiado bastante. Y lo ha hecho, en buena medida, tal como estas obras profetizaron. El poder en las sombras, ese que permanece inalterable más allá de mandatarios y directores ejecutivos, es hoy más peligroso que nunca, gracias a convertir en cómplice silencioso a parte de la ciudadanía con su apatía sumisa.En los días de los vídeos generados por IA, el auge de las ultraderechas, las ''fake news'' o el negacionismo científico, este libro viene a rescatar una docena de películas que denunciaron el temor de la población frente a los abusos del poder, la impunidad corporativa y la manipulación mediática. Una frustración generacional que les llevó a gritar aquello de “¡Estoy más que harto y no pienso seguir soportándolo!”.“Uno de los méritos de este excelente libro de Márquez Sánchez es iluminar nuestro presente con un pasado no tan distante. Y, lamentablemente, cabe decir que nuestro presente no queda demasiado bien parado”, Ignacio PeyróJavier Márquez Sánchez (Sevilla, 1978) es periodista y escritor. Ha sido subdirector de las revistas Cambio16, Esquire, Forbes y actualmente de Tapas, y es colaborador habitual de medios como Efe Eme, Historia y Vida, La aventura de la Historia o Cadena SER.
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En este ensayo sorprendente, Fabrice Hadjadj mira a Tom Cruise más allá del cine. El héroe de Misión: imposible siempre está corriendo. Pero ¿qué busca? ¿De qué huye? Cruise encarna nuestra búsqueda de vocación en un mundo que solo ofrece papeles y funciones. Cuando un actor se convierte en símbolo de una generación, inevitablemente refleja algo de su época. Por eso, al hablar de Tom, hablamos también de toda la humanidad. En la saga de Misión: imposible se repite una escena clave: el protagonista recibe un mensaje, acepta el riesgo y actúa antes de que sea demasiado tarde. Hadjadj propone leer este motivo como una metáfora de nuestra propia existencia. Tal vez nosotros también fuimos enviados. Tal vez nuestra vida también tiene un propósito. La verdadera pregunta es si aún estamos dispuestos a escuchar la llamada, que se autodestruye rápido, y si quien nos envió realmente existe, y si es benévolo o malévolo. Entre filosofía, teología y cultura popular, este libro nos invita a despertar y a recordar una idea que creíamos perdida: vivir puede ser todavía una aventura y ninguna misión es tan imposible como parece.
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Este libro recoge alrededor de doscientos textos y artículos por el historiador del cine Diego Moldes publicados en el primer cuarto del siglo XXI, desde el año 2000 hasta la primavera de 2025. Contiene análisis detallados sobre películas de cineastas de los que Moldes es un experto, como Hitchcock, Polanski o Jodorowsky, o que ha estudiado en profundidad, caso de clásicos como Ford, Lang, Orson Welles, Bergman, Fellini o Sam Peckinpah, de directores modernos como Clint Eastwood, Víctor Erice, Woody Allen, Spielberg, Terrence Malick o Scorsese o de películas contemporáneas de nuestro siglo, dirigidas por Christopher Nolan, Denis Villeneuve, Guillermo del Toro o los hermanos Coen. Este magno ensayo puede leerse como una enciclopedia a modo de canon de nuestro tiempo, propuesto por Moldes a los lectores más cinéfilos y a estudiantes de cine y del mundo audiovisual. Una parte significativa del volumen lo dedica a la, siempre compleja, relación entre la literatura y el cine, es decir, las adaptaciones.«Diego Moldes ocupa un lugar específico como ensayista cultural: alguien que mira más allá de las películas para ver sus relaciones con novelas, obras de teatro o crónicas históricas, y para ver el mundo pensado que subyace a las ficciones de la sala oscura. De ahí que en esta antología de escritos muy plurales uno quede sorprendido por la certera mirada que el autor muestra tanto en textos pequeños o coyunturales como en artículos más pensados, a veces esbozos de auténticos ensayos».José Luis Sánchez Noriega, del prólogo.
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El ball de bot és molt més que una dansa: és un espai de trobada, un llenguatge compartit que ha permès als mallorquins expressar-se, celebrar i resistir al llarg dels segles. A El ball de Mallorca. Una aproximació etnogràfica, l'antropòloga Maria Munar Lladó ens parla d'aquesta tradició que no només sobreviu en un context de transformació social i cultural, sinó que s'expandeix i reviscola entre les noves generacions. Entre l'etnografia, l'anàlisi social i la recerca històrica, aquest llibre vol ser una invitació a endinsar-nos al món del ball de Mallorca des de les places, les escoles i els espais íntims on aquesta pràctica té lloc. Una obra imprescindible per als amants de la cultura de Mallorca i per a totes aquelles persones que han ballat o ballen i que vulguin entendre millor l'abast social i cultural del ball a la nostra illa.
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A finales de la década de los sesenta, el terror era un género encallado en el pasado, confinado a los autocines y las salas de serie Z y despreciado por la crítica. “Shock Value” cuenta la sorprendente his-toria de cómo una mezcla de instinto comercial y pasión personal alumbró una nueva y ambiciosa forma de arte. Directores como Wes Craven, Roman Polanski, John Carpenter y Brian de Palma revolu¬cionaron el género en los años setenta, explorando sus miedos más profundos para derribar tabúes e imprimir en las películas de terror un realismo descarnado, un estilo combativo y una arista política. Zinoman cuenta cómo estos rompedores cineastas dieron a luz clásicos del cine como ‘La noche de los muertos vivientes’, ‘La semilla del diablo’, ‘Carrie’, ‘La matanza de Texas’ y ‘La noche de Halloween’, creando un modelo de cine de terror que luego ha sido imitado hasta la extenuación, alcanzando en raras ocasiones su originalidad. ‘Shock value’ cuenta la sorprendente historia de la génesis de estas pelí¬culas, que hoy en día siguen siendo incomprendidas incluso por algunos de sus fans más incondiciona¬les. Sus directores fueron jóvenes voluntariosos y a menudo obsesivos que en muchos casos trabajaron fuera de los confines de Hollywood y con presupuestos mínimos, y cuyo éxito dependió tanto del conflicto creativo como de sus visiones personales.
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Ingmar Bergman no concibió los escritos que se recogen bajo el título Cuadernos de trabajo como una obra destinada a su publicación, sino como un diario íntimo de su actividad creadora en el que iba perlando el modo en el que se desarrollaría el argumento de sus obras cinematográficas. Con estos dos volúmenes reunimos casi medio siglo de diarios de Bergman. Contiene cartel exclusivo.
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Las sabias e inspiradoras reflexiones de un icono del cine, ilustradas con elegancia por Megan Hess.Marilyn Monroe iluminó las pantallas de la Edad de Oro de Hollywood. A lo largo de su vida, breve pero inolvidable, exhibió una creatividad extraordinaria y un estilo inconfundible. Este libro, de la prestigiosa ilustradora de moda Megan Hess, es un tesoro repleto de sabias reflexiones que nos servirán de inspiración. «Marilyn Monroe inspiró a numerosos artistas, desde Andy Warhol hasta Madonna. Todo tipo de personas han hablado largo y tendido sobre ella, sin embargo, sus propias reflexiones también están cargadas de sabiduría. A lo largo de su breve vida, Marilyn aprendió mucho sobre las relaciones, la creatividad, la fama y, por supuesto, el estilo. Fue un auténtico icono del glamur, cuyo estilo nunca ha sido igualado. Sus palabras han sido una fuente de inspiración para mí y confío en que también lo sean para todos los lectores.»Megan Hess
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Concebido a la sombra de la aspiración a ''prácticas'' de ruptura que desde 1970 animaba a cineastas-teóricos como Godard y Straub, El tragaluz del infinitopretende ser, ante todo, la crítica de los discursos teóricos e históricos que tendían a naturalizarel sistema de representación ''hollywoodiense''.Eligiendo el periodo del cine primitivo, Noël Burchse enfrenta explícitamente a los lugares comunes queen torno a la genealogía del lenguaje cinematográficose han venido repitiendo incansablemente.La aportación de Burch a una historia de las escrituras fílmicas, capaz de integrar junto a los vitales análisis textuales la imprescindible inscripción de estos textos en el contradictorio flujo de la historia, es una de las más relevantes de las realizadas en los últimos años.
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Tienes en tus manos una guía de viajes única e intransferible, porque en cuanto la leas y te apuntes a cualquiera de los itinerarios que proponemos, la experiencia que vivirás será diferente a la de cualquier otro lector y ya no volverás a ser el mismo. Te proponemos conocer 80 países a través de la serie que mejor los refleja. Podrás conocer: la casi inaccesible Coreadel Norte a la que accederás solo con carnet de seriéfilo alistándote en sus servicios militares, los másherméticos del mundo, una perspectiva única del «paraíso del ISIS» desde los Emiratos Arabes de la que poco se habla, o los Estados Unidos siendo un prófugo chileno convertido en hincha de rugby de los Panthers.Si quieres vivir las experiencias de viaje más insólitas desde tu propia casa, esta es la guía que necesitas.
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A los doce años Montgomery Clift inició una brillante carrera en los escenarios de Broadway. A los treinta se convirtió en uno de los actores más admirados de Hollywood. Era un hombre solitario, orgulloso, sensible y distante. Adorado por millones de personas, respetado por sus compañeros fue no obstante un enigma para todo el mundo. Era famoso por sus ataques de ira, por sus extravagancias. Su ambigüedad sexual que le torturó a lo largo de su vida, su inex¬plicable angustia y un afán autodestructivo que le empujaba a consumir grandes cantidades de píldoras, drogas y alcohol dieron de él una imagen de personaje atormentado y difícil. Patri¬cia Bosworth, tras llevar a cabo una minuciosa investigación y reunir multitud de testimonios de familiares, amigos y conocidos de «Monty» -como le solían llamar ha realizado una de las más completas y apasionantes biografías de uno de los grandes mitos de Hollywood.
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Ingmar Bergman es un autor cuya filmografía ha sido analizada y diseccionada hasta el hartazgo. No obstante, la prevalencia de aspectos visuales, estructurales o estilísticos en los trabajos realizados ha copado el mundo editorial, sin que la verdadera esencia de Bergman haya sido desvelada. Porque, aunque era director, también fue guionista y, pese a que él mismo renegase de su talento como escritor, su mayor afán era el de ser considerado un intelectual de primer orden como August Strindberg. Ingmar Bergman. El cine de las cicatrices opera a la inversa que la totalidad de la bibliografía que gira en torno al director sueco, analizando los diálogos de sus películas respecto a las temáticas que le obsesionaban como persona: la religión, los actores, la violencia, la sexualidad, la trascendencia, la muerte, la enfermedad mental y la familia. Cada una de sus cicatrices fue trasladada a su filmografía de manera ineluctable, lo que resultó en un corpus cinematográfico extraordinariamente rico y susceptible de ser analizado desde la propia biografía y devenir del director. Tras la lectura de este volumen, se entenderá que las filias y fobias de Bergman marcaron su carrera como autor cinematográfico, siendo fácil rastrear su personalidad en cada título, lo que revela una obra completamente íntima y fascinante.
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Existen películas y personalidades cinematográficas que arrastran consigo un historial de tragedias capaz de pulverizar cualquier estadística hasta el punto de ser consideradas malditas. De Nosferatu a la saga Harry Potter, los trece capítulos de esta obra nos adentran en las muertes prematuras, los fenómenos inexplicables y las «coincidencias» perversas de cada caso, guiándonos en un recorrido fascinante por el lado más siniestro y asombroso del cine. Este libro une los magníficos collages de una artista como Rebeka Elizegi con los impactantes textos de un experimentado escritor como David Luna, textos ficcionados sobre algunas películas famosas que acumulan desgracias de un modo misterioso y sor prendente. Además, se puede completar la lectura escuchando la música asociada a las historias por medio de códigos QR.
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José Luis Garci ha seleccionado sus 19 obras maestras del cine del siglo XXI y ha encargado a varios especialistas de prestigio queden su visión de ellas. Se ha encargado también de la iconografía del libro.
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The Rocky Horror Picture Show, musical de culto por antonomasia cuyo legado pasa de generación en generación, no solo revolucionó el cine y el teatro, sino que dejó también una profunda huella en la cultura pop gracias a su espíritu irreverente y a una mirada queer adelantada a su tiempo.El periodista y cronista cultural Popy Blasco se sumerge con toneladas de glitter en el fenómeno Rocky Horror, desentrañando sus múltiples capas con contagiosa pasión en un ensayo que combina análisis cinematográfico, crónica personal y reflexión histórica. A lo largo del libro, nos cuenta el nacimiento de la obra a partir de la imaginación de Richard O’Brien, cómo fue el paso de los escenarios a la gran pantalla y el proceso por el que, después de su inicial fracaso en taquilla, se convirtió en un inesperado éxito en las sesiones de medianoche, instaurando el concepto de audience participation.Además, el autor examina con detalle la banda sonora, marcada por influencias glam y rock y la desbordante estética camp de un filme repleto de guiños al cine de ciencia ficción y terror de serie B (y Z). Explora también el impacto que ha tenido la película en la contracultura en general y en la comunidad LGTBIQ+ en particular, que la ha abrazado como un espacio de rebeldía y expresión de la identidad que tiene mucho de litúrgico. También nos presenta a sus inolvidables personajes —Frank-N-Furter, Brad, Janet, Riff Raff y compañía—, invitándonos a bailar el «Time Warp» por toda la eternidad.
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El cine ha tratado desde distintos puntos de vista el tema de la banca y los banqueros, tal y como nos muestran grandes películas que desfilan por estas páginas como, por ejemplo, La locura del dólar, Qué bello es vivir, Bonnie y Clyde, Wall Street, The Game, Margin Call, El lobo de Wall Street, Comanchería... Los autores, profesionales del sector financiero y amantes del cine, tratan estos y otros filmes escogidos desde tres perspectivas complementarias: el banquero como personaje, analizado en su dimensión moral, las crisis financieras tal y como han sido retratadas por el séptimo arte, y el banco como escenario de películas. El resultado es un libro lleno de enseñanzas y reflexiones que recorre la imagen de la banca labrada por el cine a lo largo de su historia. El lector encontrará que la relación entre ambos mundos, tan distintos, resulta ser sorprendentemente rica y compleja, comprobará que, como en un guion bien construido, crítica y admiración, comedia y drama se alternan con la misma naturalidad con que lo hacen en la vida real.
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El wéstern, uno de los más populares y longevos géneros cinematográficos, es el protagonista de Desenfunda, forastero! Alfonso Bueno López, quien ya diseccionara el cine musical en Más allá del arcoíris, se interna en el celuloide más inhóspito, rescatando una galería de obras insólitas del Wild West, protagonizadaspor cowboys, pistoleras, tahúres, guerreros, buscadores de oro, samuráis y hasta astronautas. En este libro se repasa más de un siglo de películas de vaqueros,analizando cincuenta de los mejores y menos conocidos largometrajes del Oeste. Un recorrido apasionante,lleno de anécdotas y curiosidades, por los más extraordinarios wésterns, realizados por los mejores narradores de las leyendas de la frontera, de John Ford a Quentin Tarantino.
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Sortilegio. La palabra fusionada con la acción es unsortilegio. Revivir a Stanislavsky y a Shakespeare para atacar las tradiciones de la palabra es un sortilegio. Este libro trata de la palabra no dicha y del cuerpo que se atreve a decirla. Este libro trata de losespacios en blanco entre las palabras y no de los significados que tienen en una mesa de análisis. Este libro trata de que un actor y un director comprendan que para entender, primero hay que hacer. No entenderpara poder hacer. Este libro trata del tamaño de lamesa de análisis del texto. Su medida es la del lugardonde se ensaya. Por un extraño sortilegio de tiempos y formas, Stanislavsky y Shakespeare coinciden conel autor. Han vuelto a descubrir el valor del conocimiento cuando lo aporta el actor y no queda enclaustrada entre la prisión de un lenguaje que debe atreversea dar un paso al costado. El libro de la técnica interpretativa que evita que un actor diga: Eso nunca loharía mi personaje. El libro de la técnica interpretativa que comprende la tarea de imaginar como un desafío del cual se ocupa el cuerpo. La Astucia del Cuerpo. Dejemos que hable.
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Este libro lejos de modas y coyunturas nace de la fascinación por el cine de Visconti y el universo cultural de sus grandes películas de madurez. Con la crisisde la modernidad como trasfondo y la decadencia comoleitmotiv, el lector transitará de la literatura a la filosofía y la historia, para adentrarse en un complejo universo donde estética y política se entremezclan, el mal y el bien conviven en rara complementariedad, la sofisticación no logra enterrar a lo grotesco,y la muerte se convierte en anhelo. En este universode luz crepuscular y sutil melancolía, con tanta elegancia como ironía, exponen sus pensamientos Platón,Schopenhauer y Nietzsche. Allí escriben sus cuentos maravillosos Thomas Mann y Giuseppe di Lampedusa, allíviven y padecen reyes, príncipes y artistas mientrassuena la música de Verdi, Wagner o Mahler. Este libro es una invitación a recuperar de la mano del mejorcine de Visconti lo mejor de la gran cultura europeade finales del siglo XIX y principios del XX, para reflexionar entre otras cosas sobre el erotismo y la belleza, sobre la vida y su tragedia, o sobre la quiebra de la civilización burguesa y la barbarie fascistamientras escuchamos el preludio del Tristán e Isolda,nos acordamos de cómo Sigfrido descubrió el miedo onos dejamos llevar por el adagietto de la Quinta de Mahler hasta fundirnos por unos instantes en la tentadora infinitud del ser, primigenio y caótico. El autor: ANDRÉS DE FRANCISCO (1963) es doctor en filosofía yprofesor titular en la Universidad Complutense de Madrid. Autor entre otros libros de 'La mirada republicana' (Catarata, 2012) y editor de 'Harrington, StuartMill y Marx', ha desarrollado un creciente interés por la interpretación filosófica de obras y géneros cinematográficos, interés que empezó con su 'El westerncomo cine político y moral' (La balsa de la Medusa,2011) y ha concluido por ahora con el presente libro'Visconti y la decadencia'.
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Una guía para comprender por qué The Last of Us es un videojuego tan importante, que ha marcado a toda una generación y ha cautivado a los más de 40 millones de espectadores que han visto la serie. En sus páginas conocerás el origen de Ellie, los secretos
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En el Museo del Holocausto de Washington DC no se entra con entrada sino con pasaporte. Puedes ser una mujer, un anciano, un joven, un niño o un hombre. Yo he sido Bertha Adler, Aron Dereczynski, Moishe Menyuk y Zalie Waldhorn. He leído sus vidas con detenimiento, siguiendo los pormenores antes de desembocar en las cámaras de gas o en una fosa común después de un fusilamiento. Nunca me dieron el pasaporte de un superviviente porque eso, según los trabajadores que te venden la entrada y te entregan el pasaporte, sería hacer trampa. Este libro quiere ser un recordatorio de todas las personas que puedes ser en el Museo del Holocausto de Washington DC, pero también de todos aquellos cuyo rastro se pierde en las páginas infames de la Historia, contra las que luchan y han luchado algunas de las mejores películas de la historia del cine.
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«En el verano de 2023, un tsunami de enormes proporciones sacudió la industria cinematográfica mundial. El estreno de ''Barbie'', de la cineasta estadounidense Greta Gerwig, que llegó precedido de una gigantesca campaña de marketing, batió récords de todo tipo: fue, con diferencia, la película más rentable del año, y también el primer taquillazo de tales dimensiones dirigido por una mujer. Más allá de las cifras, se convirtió en un fenómeno de masas que provocó, y esta vez la frase hecha es más pertinente que nunca, auténticos ríos de tinta. Nadie quiso quedarse al margen. Es evidente que algo pasó con ''Barbie''. Nos guste o no, ''Barbie'' ya forma parte de todo un sentido definitorio de nuestro tiempo, tanto en lo que se refiere al debate intelectual, como a su repercusión a nivel social, y a cuestiones como la resignificación cultural de la célebre muñeca o del propio concepto de blockbuster, el papel del feminismo en las narrativas pop y la industria del cine, o la facilidad con que el capitalismo es capaz de reinventarse a través de su inagotable capacidad para sacar beneficio de cualquier concepto. No haber visto Barbie -y, no menos importante, carecer de una opinión sobre ella- significaba estar fuera de juego. En una sociedad que articula su funcionamiento mediante la polarización, era lógico que ''Barbie'' también provocara posicionamientos encontrados, hasta el punto de tener repercusión incluso en la geopolítica cultural, mientras la juguetera Mattel y Warner Bros., principales productoras de la película, se frotaban las manos y ponían las calculadoras en marcha: el film costó 145 millones de dólares y en apenas cuatro meses ya había recaudado más de 1 300». Este volumen, compuesto de seis artículos críticos en torno a la película y a sus diversas lecturas culturales, busca ser una herramienta que nos ayude a aterrizar un fenómeno que trasciende con mucho a la propia muñeca en la que se inspira.
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En el libro se analizan los procesos en que se divide la creación de una serie. Desde cómo surge y se vende la primera idea, hasta cómo se termina de producir el último capítulo. Un recorrido teórico que no solo nos muestra cómo se trabaja la escaleta, e
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Este libro revela la experiencia del dramaturgo Calonge con su compañía La Zaranda. En el teatro las palabras no se detienen, las frases más que en el papel quedan en la tensión del aire. El autor quiere ir másallá de los diálogos dramáticos de sus actores/personajes, para encontrarlos sin el refugio actoral, arrumbados en la memoria y, a modo de responso prosaico, despedirlos.
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Qué es el Séptimo Arte. Cuál es su historia. Cómo se hace una película.Quiénes son los que la hacen. Cómo se ha de ver y analizar un film.Escrita por José María Caparrós Lera con intención divulgativa, estasencilla Guía del espectador de cine compendia todo lo que hay quesaber sobre la «fábrica de sueños» y que el espectador curioso se habráplanteado sin duda más de una vez. Una selección de 250 títulos claves yun glosario básico de términos relacionados con el cine aportan asimismouna dimensión ilustrativa que puede resultar sumamente útil tanto alautodidacta como al profesor. Del mismo autor en Alianza Editorial: 100 películas sobre Historia Contemporánea y 100 documentales paraexplicar Historia .
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'Zombi'' (Dawn of the Dead, 1978) se hizo célebre por sus alegóricas imágenes de muertos vivientes deambulando por un centro comercial. El paralelismo estaba claro: nosotros éramos los zombis que frecuentábamos los espacios compuestos por concatenaciones de tiendas como cuerpos sin voluntad, únicamente guiados por el dinero y el consumo. Fuimos moldeados como zombis hace mucho, cuando pusieron el dinero a pie de calle para que fuéramos de cajero en cajero a consumir aunque no necesitáramos nada. Ahora solo tenemos que enseñar el móvil. El truco está en hacerlo cada vez más fácil. En este espléndido libro, Ramón Monedero descifra las numerosas concomitancias entre uno de los géneros cinematográficos con más adeptos y la realidad que nos circunda. El autor revisa los títulos clásicos junto a los menos conocidos, y extrae de ellos un sinfín de claves que sorprenderán al lector y que revelan un mundo zombi tan inquietante como plausible. Desde Marruecos a Yemen pasando por Egipto, desde Islandia a Hong Kong, pasando por toda Europa, la crisis suscitada por el colapso de Lehman Brothers conllevó que el pueblo se enfrentara contra el sistema, en muchos casos de forma violenta. De hecho, la imagen de «las fuerzas del orden» reduciendo a los manifestantes recordaba mucho una película de George A. Romero. Y no es casualidad. El cine de zombis, en general, siempre se ha estructurado en torno a esa defensa contra la masa de muertos vivientes. Lo civilizado frente a lo monstruoso... ¿O es al revés?
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Este libro quiere reivindicar al doctor Mabuse como el archivillano definitivo, reivindicar su figura como un mito moderno. Estas páginas analizan el personaje literarioy cinematográfico, concentrándose en la magnífica e incomparable trilogía de Fritz La
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La verdadera historia de los supervivientes de los Andes, protagonistas de La sociedad de la nieve, la nueva y aclamada película de J. A. Bayona. ¡Viven! El triunfo del espíritu humano relata esta escalofriante peripecia y la de los familiares de sus protagonistas, que nunca dejaron de buscarlos. En 1972, partió de Montevideo, con destino a Santiago de Chile, un avión Fairchild Hiller FH-227 de las fuerzas aéreas uruguayas en el que viajaba el equipo de rugby Old Christians y sus acompañantes. Sin embargo, les aguardaba un destino muy distinto del que habían proyectado. Las infernales condiciones climatológicas determinaron la catástrofe y el aparato se estrelló con los Andes. Solo dieciséis de los cuarenta y cinco pasajeros que viajaban en el avión sobrevivieron al accidente y a los casi tres meses de indescriptibles rigores que sufrieron a consecuencia del hambre, el frío y el dolor. Sin otras provisiones, se vieron obligados a enfrentarse al horror de alimentarse con la carne de sus compañeros muertos, en un acto desesperado por conservar la vida.
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Lo que Stanislavsky intuía a partir de la observación de sus actores a principios del siglo 20, ahora, la neurociencia viene a explicarlo desde un punto de vista científico. Como dijo Peter Brook «la neurociencia ha empezado a comprender lo que el teatro ha sabido desde siempre».A partir de esta idea Javi Luna ha centrado su trabajo e investigación de los últimos años. Al estudio de los grandes maestros de la interpretación ha unido el estudio de algunos de los nombres que más importancia están cobrando en el mundo de la neurociencia (Antonio Damásio, Giacomo Rizzolatti, Ignacio Morgado, Nazareth Castellanos o Mariano Sigma). Pero siempre desde un punto de vista práctico y experimental, usando sus clases como laboratorio donde «testar» cada una de las conexiones que intuía entre estos dos mundos. Un viaje fascinante, que le ha llevado a entender el porqué de muchas de esas cosas que los actores y los directores hacemos o decimos, sin saber muy bien el por qué. El resultado es un estudio muy práctico y lleno de ejemplos concretos. Cuestiones como la memoria, las neuronas espejo, las emociones y los sentimientos, el proceso de identificación personaje/actor/espectador, la creatividad, la imaginación y la intuición, explicados y dirigidos al servicio del arte actoral. Todo con el fin de dotar al interprete de unas herramientas concretas, que le den seguridad y confianza. En nuestro cerebro está la base de nuestro comportamiento (de nuestras emociones y sentimientos), entendamos cómo funciona, y tal vez podamos comportarnos (emocionarnos y sentir) como lo haría nuestro personaje.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.