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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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A ver, que puedes ver las pelis que quieras, pero yo te voy a juzgar ¿No te pasa demasiado a menudo que esa película tan premiada y que tanto te han recomendado no te dice absolutamente nada? Que puede ser por muchas cosas: el típico director que hizo una buena pero no ha vuelto a salirle, al que le dan el Oscar un poco porque se lo deben por una mediocre, la que la crítica ha ensalzado porque sabe Dios lo que se ha gastado el estudio en promoción... o porque son malas y ya. A veces no hay más vuelta de hoja. No solo te explicamos el porqué, si no que además te recomendamos cientos de pelis mucho mejores con las que disfrutar de lo lindo.
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DESCUBRE GRANDES UNIVERSOS IMAGINARIOS DE LA MANO DE AUTORES CONSAGRADOSLa fantasía épica engancha, ¿verdad? Quien más quien menos se ha sentido atrapado en algún momento de su vida por alguna saga interminable repleta de señores oscuros, magos barbudos, espadas mágicas, duendes, quimeras o elfos.El éxito de dos nuevas superproducciones televisivas basadas en sagas literarias —“La casa del dragón”, precuela de “Juego de tronos”, y “Los anillos de poder”, precuela de “El señor de los anillos”— hacen de este un momento ideal para publicar un libro que dé un repaso al género narrativo que lleva un siglo arrasando.Historias apasionantes en las que el mal se enfrenta al bien encarnado en sus más diferentes valores: la valentía, el honor o la honradez, aderezado siempre con un tono de épica. Y que el autor de este libro ha sintetizado con manos expertas y mucho conocimiento para hacer de ello un compendio de lo más granado del mundo de la literatura, el cine, el cómic o los videojuegos.
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Todo sobre el rey de la fantasía moderna en esta nueva colección ilustrada imprescindible para los amantes de la literatura y el cine.En el reino de la fantasía moderna hay un único rey, y ese rey es George R. R. Martin. El autor de Juego de tronos y sus secuelas ha creado un mundo de fantasía sin parangón. Gracias a la complejidad de sus personajes y a sus escenarios espectaculares, los libros de Martin y su adaptación televisiva han cautivado la imaginación de todo el planeta. Los mundos de George R. R. Martin explora las fuentes de inspiración tras este universo minuciosamente detallado, desde acontecimientos históricos como la guerra de las Dos Rosas o las conquistas mongolas hasta películas, cómics, juegos y novelas, ofreciendo a los lectores una perspectiva nueva y fascinante de la obra del autor.
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Formas, tipos y estilos son los conceptos más habituales a la hora de estudiar la historia de la arquitectura, pero esta también puede abordarse desde la energía, el clima, los recursos materiales y la experiencia corporal. Tal es el propósito de esta '' Historiamedioambiental de la arquitectura '' (la primera ensu género), que presenta edificios, ciudades y territorios a través de su relación con los cuatro elementos de la tradición clásica: el fuego, la tierra, el agua y el aire. Por sus páginas desfilan tanto ejemplos populares (la casa en torno al fuego, los palafitostropicales, los hórreos o la casa patio) como modelos cultos (la '' domus '' romana, el monasterio cisterciense o el palacio islámico), acompañados por la historia, paralela pero no menos importante, de las técnicas (chimenea, calefacción centralizada, aire acondicionado), las infraestructuras (acueductos, canales, cloacas) y las ideologías (higienismo, helioterapia, naturopatía) que han moldeado nuestras ciudades y nuestra idea del confort y la salud. El resultado es un relato apasionante donde arquitectura, ciencia, filosofía, medicina y antropología se entreveran de unamanera inédita y fructífera.
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Libro que se inscribe en el llamado turismo de pantalla o cinematográfico. A través de un conocimiento más profundo de películas como El laberinto del fauno, Tesis, El día de la bestia, Dagon: la secta del mar, Las brujas de Zugarramurdi, Los otros, El orfanato, Quien puede matar a un niño, El espinazo del diablo... se describen los lugares donde se rodaron, además de numerosas curiosidades sobre los films, historias, anécdotas, consejos para visitar la zona y otros datos de interés.
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Ochenta años después del fin del nazismo, las imágenes que construyeron su imaginario siguen ayudándonos a entender cómo el poder moldea los cuerpos y las identidades. El nacionalsocialismo convirtió el cuerpo en un elemento central de su proyecto político y social. Durante aquel periodo, la imagen —y muy especialmente el cine— actuó como un instrumento decisivo para moldear identidades individuales y colectivas. En el encuentro entre estética y poder surge la noción de «cuerpo contenido» como clave interpretativa de la simbología nacionalsocialista: un cuerpo disciplinado y ajustado a los principios del régimen.La visión del cuerpo promovida por el nacionalsocialismo alcanzó su expresión más influyente en la obra cinematográfica de Leni Riefenstahl, en particular en sus películas El triunfo de la voluntad y Olimpiada. Sus innovaciones formales y narrativas contribuyeron a consolidar un «realismo idealista» que no solo dio soporte al imaginario nazi, sino que ha seguido proyectándose, de manera sutil pero persistente, en la estética contemporánea.«El cine de Leni Riefenstahl no solo documentó un régimen: creó una estética del cuerpo que contribuyó a convertir la ideología en espectáculo». (Nayra Sanz)
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Este libro aporta con rigor -desde diferentes líneas de investigación- tres nociones de proyección ética: “esperanza”, “confianza” y “lealtad”. Precisamente por ser activos intangibles y, por tanto, no susceptibles de observación y experimentación, han quedado -durante décadas- relegadas a la marginalidad en las ciencias humanas y sociales, así como en las tradiciones filosóficas en las que ha prevalecido el naturalismo y el positivismo. La esperanza, la confianza y la lealtad no constituyen un invento -fruto de una imaginación desbordante-, sino que devienen en condición de posibilidad para adentrarnos en el quicio de las relaciones humanas, sin las que no resulta viable una vida sana. Es precisamente a través de su despliegue en la acción humana como resulta posible planear y comprometerse en proyectos a largo plazo, como condición necesaria para encontrar sentido a la vida.
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La sabiduría de una de las sagas cinematográficas más aclamadas de todos los tiempos y con más seguidores, para aplicar a la vida. Que la fuerza te acompañe explora la profunda influencia de la saga de Star Wars en la cultura popular y su impacto en el imaginario colectivo. Más allá de la espectacularidad visual y las épicas batallas espaciales, este libro desentraña la sabiduría inherente en los diálogos y las frases de los icónicos personajes de la saga, ofreciendo una guía práctica y filosófica aplicable a la vida cotidiana. Una reflexión psicopedagógica que utiliza como hilo conductor escenas y personajes de la saga Star Wars para teorizar sobre el desarrollo personal, el autoconocimiento y el aprendizaje de la vida, sirviendo como ejemplo teorías budistas, taoístas, cristianas o musulmanas que muestran la necesidad de los lazos familiares, la pertenencia a un conjunto, la vulnerabilidad y el autoconocimiento. A través de un análisis minucioso de los diálogos y frases de personajes como Yoda, Darth Vader, Obi Wan Kenobi o Luke Skywalker, se exploran temas de psicología, espiritualidad, coaching y programación neurolingüística (PNL), mostrando cómo estos conocimientos pueden ayudarnos a superar obstáculos y alcanzar el bienestar. Que la fuerza te acompañe pretende así ser un manual de autoconocimiento y de desarrollo personal. Una invitación, en definitiva, a explorar más allá de las apariencias y la superficie de una saga cinematográfica para descubrir mensajes significativos y profundos que pueden transformar nuestra vida, tanto para fanáticos de Star Wars como para buscadores de sabiduría o simplemente curiosos por entender el impacto cultural de esta épica saga.
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'La Antropología Teatral en Escena: The Cross Border Project'' es fruto de una investigación desarrollada a lo largo de varios años de experiencia del autor. Concretamente, se centra en la relación entre el Teatro y la Antropología Social y Cultural, ámbitos en los que Carlos A. Moya Rodríguez desarrolla su carrera. En el recorrido teórico a través de ambas disciplinas, resulta indispensable la figura de Eugenio Barba, creador del término Antropología Teatral. El lector podrá conocer las prácticas de los dos grupos objeto de estudio: por una parte, Human Beings, que siguiendo la fórmula de Grotowski, representa un ejemplo de Antropología Teatral en el laboratorio. Por otra, The Cross Border Project, cuyos montajes llevan la Antropología Teatral a escena, entendidos como productos etnográficos. Una tercera parte del libro está dedicada a Maternés: una pieza de Teatro Documental creada por el Cross y, a la vez, un estudio auto etnográfico para el autor. Tanto el Teatro como la Antropología comparten una curiosidad innata por el otro. Resulta interesante, para los amantes del teatro, estudiosos de la Antropología y para el público en general, descubrir que nos movemos en un espacio común, donde nuestras formas de actuar y la representación de las mismas, se retroalimentan constantemente. Mientras se estudian formas de representación, por un lado, se representan estudios etnográficos por otro.
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Estrategia, magia y diversión en la palma de tu mano.Este no es un ajedrez cualquiera... ¡es pura magia en formato bolsillo! Abre el tablero, despliega las piezas y prepárate para jugar donde quieras sin que nada se mueva de su sitio. Compacto, original y con un diseño espectacular, este juego pop-up es perfecto para fans que disfrutan pensando estratégicamente y quieren llevarse un trocito del mundo mágico allá donde vayan.
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¡Kineuropa proviene de Kino, cine en alemán, la lengua de Fausto y del expresionismo temprano, Kineuropa como kívnoiç, la palabra para movimiento y danza, del griego como el clasicismo mediterráneo que dio forma y orden a nuestro mundo. Kineuropa como cine y Europa, una crasis y unión de una idea y el espíritu que la generó. Nueve autores de diferentes orígenes, de perspectivas heterogéneas, pero con una visión común, procedentes de seis naciones diferentes, exploran en esta colección un mismo tema: cómo el Séptimo Arte no sólo nació por casualidad en una determinada coordenada geográfica y luego se extendió como un reguero de pólvora por los cinco continentes, sino que representa una expresión característica de un Volksgeist preciso y, al mismo tiempo, un medio privilegiado para que el hombre europeo se defina y comprenda a sí mismo, sus problemas, las preguntas que le son más urgentes, su historia, su ethos. Desde Goethe hasta Richard Wagner y su arte total, verdadera fuente de la que surge la aventura cinematográfica, desde Spengler y Nietzsche hasta la tragedia, y de nuevo desde Refn y Von Trier hasta Melville y la Nouvelle Vague, Fritz Lang, y más allá, hasta el corazón de la fantasmagoría de Méliès, el cine como rayo de la identidad europea brilla aquí en toda su luz y su encanto atemporal, acompañando al lector en un redescubrimiento, incluso antes del de una forma artística, de la Europa eterna, madre bella, patria inmortal.
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Liburu honek fenomeno zinematografikoa aztertzen duten gaigakoen bilduma bat eskaintzen du, hiru ardatz nagusitan banatuta: sorkuntza, errepresentazioa eta bide berriak. Ardatz horien bitartez, ohiko film komertzialetatik aldendu eta zinemaren industria tradizionaletik kanpo sortzen diren sormen eta errepresentazio ikuspegien aniztasuna esploratuko da.
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Nicholas Ray, cineasta sincero, arriesgado y profundamente humano. Miguel Marías recorre sus mejores películas y reivindica su legado como autor esencial.Aclamado en Cahiers du Cinéma como «El cineasta bienamado» por los jóvenes Godard, Truffaut, Rivette y Rohmer, venerado por los cinéfilos, Nicholas Ray supuso por su sinceridad y sensibilidad un guía para quienes iban a hacer un cine personal y nuevo.Sus películas han acompañado a Miguel Marías toda su vida. Y Marías, desde artículos tempranos hasta unas últimas notas redactadas en el presente, con textos antológicos como El ruido y la furia o Nicholas Ray, la antorcha, ha reivindicado su ejemplo y su legado, un cine vivo, arriesgado y palpitante.
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En el 50 aniversario del film Taxi Driver, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores y sus personajes, el estilo formal, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Jean-Luc Godard (1930-2022) consagró toda su vida al cine. Primero como espectador y crítico, y después como cineasta, su legado es una de las cumbres del siglo xx. Además de su extensa y heteróclita obra -entre sus más de doscientas películas se encuentran algunos hitos de la historia de las imágenes en movimiento como ''Al final de la escapada'', ''Pierrot el loco'', ''Yo te saludo, María'', ''Histoire(s) du cinéma'' o ''Film Socialisme''-, fue uno de los cineastas que más y mejor ha pensado el cine, faceta que él mismo consideraba tan importante como la propiamente cinematográfica. ''Jean-Luc Godard. Pensar entre imágenes'' recoge, por primera vez, las ideas que el realizador elaboró y reelaboró a lo largo de multitud de entrevistas, conferencias, conversaciones y presentaciones, y lo hace exclusivamente a través de las palabras de Godard, que, tras un proceso de selección y montaje a cargo de Núria Aidelman y Gonzalo de Lucas, conforman una constelación de pasajes en orden cronológico en los que el pensamiento en permanente proceso de elaboración del director se presenta al desnudo y en toda su riqueza, complejidad y extensión. La memoria personal, la nouvelle vague, la dirección de actores, la cámara, el montaje, el papel de la crítica, la función e idiosincrasia del cine, la ficción y el documental, entre otros muchos temas, son aspectos que se van entretejiendo en este volumen imprescindible que es tanto unas memorias, como un ensayo y un libro de estética.
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Hamar urte bete berri dira Netflix streaming plataforma mundu osoan zabaldu zenetik. Euskal Herrian ere erraz zabaldu zen, eta herritarren parte handi bat bere atzaparretan murgildu da. Nola aldatu dira urteotan ikus-entzunezko edukien kontsumo ohiturak? Zer dago streaming plataforma handien atzean? Nola funtzionatzen dute? Galdera horiei eta beste askori erantzuteko ahalegina egiten du Urtzi Urkizuk, gai hauetan kazetari eskarmentuduna denak. Streaming plataformen inguruan idatzi ohi du autoreak egunero euskarazko prentsan, eta saiakera honetan patxadarako tarte bat hartu du aipatutako galdera horien gainean idazteko. Datu zehatz ugari emanda, eta bere iritzi kritikoa ere plazaratuz. Haren azken mezua honako hau da: ikuslea ez dadila plataformen algoritmoaren mende gelditu, eta ireki dezala leihoa, tentuz begira dezala zer ikusi eta zer ez.
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En el Museo del Holocausto de Washington DC no se entra con entrada sino con pasaporte. Puedes ser una mujer, un anciano, un joven, un niño o un hombre. Yo he sido Bertha Adler, Aron Dereczynski, Moishe Menyuk y Zalie Waldhorn. He leído sus vidas con detenimiento, siguiendo los pormenores antes de desembocar en las cámaras de gas o en una fosa común después de un fusilamiento. Nunca me dieron el pasaporte de un superviviente porque eso, según los trabajadores que te venden la entrada y te entregan el pasaporte, sería hacer trampa. Este libro quiere ser un recordatorio de todas las personas que puedes ser en el Museo del Holocausto de Washington DC, pero también de todos aquellos cuyo rastro se pierde en las páginas infames de la Historia, contra las que luchan y han luchado algunas de las mejores películas de la historia del cine.
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Este volumen es un cuaderno de trabajo, un compendio de consejos, reflexiones, recomendaciones y sugerencias sencillas para adentrarse en la escritura dramática. Me encanta tener cuadernos. En italiano se alude a la brutta copia, en francés al cahier de brouillon. Como estudiante, la expresión ''pasar a limpio'' resuena a tarea de muchas horas de apuntes escritos en las clases de la universidad. Esas notas, tomadas a mano, tachadas o subrayadas, son testigo de un camino pedagógico. Durante los últimos veinticinco años de docencia en la RESAD (1999-2024), he podido compartir procesos de escritura, leer escenas, analizar proyectos y tutorizar trabajos prácticos de final de estudios de mi alumnado de Dramaturgia, con los que he constatado que revisar, corregir y retocar el material son tareas esenciales. Mi experiencia como dramaturga y mi tarea académica han sido un puente constante de ida y vuelta entre la teoría y la práctica. Estoy convencida de que el trabajo de pulido y de revisión del material es definitivo para diferenciar una obra con hallazgos, con ingenio y con interés, de una obra que aspira a perdurar: porque escribir es algo que hacemos de forma espontánea, pero corregir requiere técnica y oficio. Es bastante sencillo detectar los problemas de composición de una creación. Lo difícil es saber cómo subsanarlos. Para ello hacen falta, además de tenacidad y constancia, capacidad analítica y herramientas técnicas, precisamente lo que aspira a brindar este cuaderno.
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Eli Sirlin es arquitecta egresada de la Universidad de Buenos Aires (UBA) y artista visual egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes ''Prilidiano Pueyrredón''. Se dedica, desde hace más de treinta años, al diseño de iluminación tanto para arquitectura como para espectáculos (teatro, ópera y danza) y acciones artísticas.Sus procesos de trabajo son intensos y exploratorios. Amante de la investigación, la experimentación y la enseñanza, siempre cruzó la tecnología y la ciencia, con el arte. Es docente desde hace más de veinticinco años. En la actualidad dicta Diseño de iluminación en la UBA y es directora de la licenciatura en Diseño de iluminación de espectáculos de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). En iluminación para arquitectura, ha trabajado en variados rubros (aeropuertos, oficinas, conjunto de edificios, casas, espacios comerciales, templos, lugares públicos, etc.).
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Quizás nunca antes el cine se haya visto tan amenazado. En la década de 2010 también cambió el modo en que vemos las películas y a nosotros mismos. Las redes sociales e internet han dado forma a una nueva comprensión del yo y del mundo. A medida que los servicios de streaming multiplicaron los productos audiovisuales a nuestro alcance y los videojuegos ofrecieron sus propias realidades alternativas, la gran pantalla tuvo que enfrentarse a una competencia cada vez más seria. Antes de que el tiempo transcurrido entre el estreno de una película y su distribución se redujera cada vez más, el cine ya se había visto degradado a un mero “contenido” al que se accedía haciendo en clic en pantallas de colores. ¿Todo lo que le queda al cine es su culto a la celebridad, los éxitos de taquilla y la animación por ordenador?Nada más lejos de la realidad. Un simple vistazo a nuestra antología revela un cine sorprendentemente diverso, dinámico y, sobre todo, vivo de una década en que fue todo menos aburrido, monótono y condenado a la extinción. Y responda con total sinceridad: ¿disfrutaría igual viendo las películas aquí compiladas en el cine que por streaming? El cine sigue siendo un lugar para la nostalgia y este libro le hará sentir su poderosa inspiración.El editor Jürgen Müller y su equipo de expertos abordan en detalle las 100 películas más interesantes de la década, ilustradas con abundante material visual. El volumen también incluye biografías de actores y directores, datos de recaudaciones en taquilla, información general y una lista completa de los ganadores del Oscar® de 2012 a 2021. En su extensa introducción, Jürgen Müller y Philipp Bühler opinan que la obra maestra de Quentin Tarantino Érase una vez... en Hollywood (2019) ofrece la metáfora perfecta de las contradicciones y ambivalencias del cine contemporáneo. ¡Una obra de referencia para todos los cinéfilos!
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Un esencial para profesionales de las artes escénicas y, en general, para todas aquellas personas que se enfrenten al reto de levantar desde cero espectáculos vivos.¿Es la ayudantía de dirección una profesión técnica, artística o creadora? La respuesta, por supuesto, es que requiere trenzar estas tres perspectivas con sumo cuidado, razón por la cual se convierte en una labor tan delicada y tan fundamental para una pieza escénica. Este manual, escrito por seis profesionales con una amplia experiencia como ayudantes de dirección, repasa todas las claves necesarias para desempeñar este oficio. Así, y con la voluntad de ser útil antes, durante y después del montaje, presenta diez capítulos en los que se desgranan tanto la esencia de la ayudantía como las estructuras y los pormenores del trabajo diario, se aporta un «Decálogo del buen ayudante» y se recogen, a través de entrevistas, los testimonios de múltiples figuras destacadas de la profesión. Un libro escrito desde el amor al teatro y con la voluntad de abrir su espacio a todos los amantes de las artes escénicas.
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¿Es la obra de Lynch deudora directa de la de Alfred Hitchcock? ¿Por qué dos directores tan peculiares y, en apariencia, tan diferentes -aunque quizá en el fondo no tanto-, formados en contextos tan diversos, se interesan por los mismos temas? Son algunas de las cuestiones que pretende despejar este esclarecedor ensayo de Almudena López Molina, ahondando en las perspectivas que comparten ''Vértigo'' y ''Mulholland Drive'', dos títulos que definen de manera ejemplar el estilo y aliento artístico de sus creadores. Por otro lado, es interesante también examinar en profundidad la filmografía de Lynch -especialmente en obras como ''Carretera perdida'' (''Lost Highway'') o ''Twin Peaks''para determinar cómo las referencias a los rasgos de Hitchcock son una constante en su trayectoria y, al mismo tiempo, cómo se distancia del icónico cineasta británico, forjando una propuesta personal indiscutible. Considerando ambas obras como paradigmáticas de su tiempo, esta reflexión sobre las diversas maneras de abordar temas similares permitirá señalar, en cada caso, los rasgos esenciales de dos películas fascinantes que marcaron un punto de inflexión en la historia del cine.
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Una pequeña joya de la literatura dramática actual, (casi) un monólogo en el que no es difícil reconocer rasgos y gestos de los poderosos de nuestro tiempo. La Política ensaya para el retrato oficial que será el símbolo de su mandato. Aunque ha sido elegida democráticamente, preferiría ser una monarca con poder absoluto otorgado directamente por la mano de Dios. Sueña con la impunidad de sus acciones y con ser venerada incondicionalmente. Pero el pueblo se agolpa ante las puertas de su casa. Le piden explicaciones sobre la guerra, sobre los muertos de la costa, sobre la economía. Ella no está dispuesta a rendir cuentas, no cree que deba hacerlo, pero debe contener a la masa que amenaza su poder. La Política de Patricia Benedicto es un texto teatral que se lee como una novela, un relato que desvela las contradicciones de los líderes y que revela cómo el sueño del poder produce monstruos.
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Billy Wilder ocupa un lugar de honor en el imaginario y la educación sentimental de los aficionados al cine de todo el mundo. Su talento y fantástica versatilidad le permitieron espantar cualquier etiqueta y aportar obras clave en géneros muy diversos: el cine negro (Perdición), la comedia (Con faldas y a lo loco), el drama (El crepúsculo de los dioses), el cine bélico (Berlín Occidente), el romántico (Sabrina), el de intriga (La vida privada de Sherlock Holmes), el de juicios (Testigo de cargo), el de periodistas (Primera plana) o esa clase de películas que carecen de género porque son como la vida (El apartamento).
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Susana es una mediocre influencer que vive alejada de su familia. La muerte de su despreciable padre la obliga a volver a una casa en la que María, su madre, y Ana, su hermana, tienen un plan absurdo para que vuelva a quererlas. Un plan que incluye venganza y croquetas. Un plan que sale mal y que terminará por revelar los secretos de una familia absolutamente disfuncional, así como la verdadera naturaleza de Susana. La belleza de matar bien a papá nació mezclando a Thomas de Quincey y Martin McDonagh y al ir escribiendo fueron apareciendo Poe y Almodóvar. Comedia, absurdo y traumas familiares. Ojalá consiga arrancar varias carcajadas, unas cuantas sonrisas y una conclusión: que toda familia tiene su fantasma.
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Este libro recoge alrededor de doscientos textos y artículos por el historiador del cine Diego Moldes publicados en el primer cuarto del siglo XXI, desde el año 2000 hasta la primavera de 2025. Contiene análisis detallados sobre películas de cineastas de los que Moldes es un experto, como Hitchcock, Polanski o Jodorowsky, o que ha estudiado en profundidad, caso de clásicos como Ford, Lang, Orson Welles, Bergman, Fellini o Sam Peckinpah, de directores modernos como Clint Eastwood, Víctor Erice, Woody Allen, Spielberg, Terrence Malick o Scorsese o de películas contemporáneas de nuestro siglo, dirigidas por Christopher Nolan, Denis Villeneuve, Guillermo del Toro o los hermanos Coen. Este magno ensayo puede leerse como una enciclopedia a modo de canon de nuestro tiempo, propuesto por Moldes a los lectores más cinéfilos y a estudiantes de cine y del mundo audiovisual. Una parte significativa del volumen lo dedica a la, siempre compleja, relación entre la literatura y el cine, es decir, las adaptaciones.«Diego Moldes ocupa un lugar específico como ensayista cultural: alguien que mira más allá de las películas para ver sus relaciones con novelas, obras de teatro o crónicas históricas, y para ver el mundo pensado que subyace a las ficciones de la sala oscura. De ahí que en esta antología de escritos muy plurales uno quede sorprendido por la certera mirada que el autor muestra tanto en textos pequeños o coyunturales como en artículos más pensados, a veces esbozos de auténticos ensayos».José Luis Sánchez Noriega, del prólogo.
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Los remakes son algo más que reinterpretaciones de historias conocidas: son el punto de encuentro entre el pasado y las sensibilidades del presente. Este libro analiza cómo el cine y las plataformas audiovisuales transforman narrativas ya vividas en experiencias renovadas que capturan la atención de generaciones distintas. Lejos de ser una mera repetición, el remake se revela como un fenómeno complejo. Desde los héroes que regresan con nuevas capas de significado hasta la reinvención de los clásicos del cine europeo en Hollywood, esta obra recorre las múltiples formas en que este formato reinventa lo familiar para adaptarlo a nuevas audiencias. Con contribuciones de más de quince autores de disciplinas como la filosofía, la sociología, el marketing y la narratología, el libro explora cuestiones fundamentales: ¿Qué impulsa el éxito de los remakes? ¿Qué papel juegan la nostalgia, las tendencias culturales y la tecnología en estas creaciones? El prólogo de Quim Casas y los estudios sobre temas como el impacto del cine en el videojuego, el true crime o las adaptaciones del anime ofrecen una visión detallada y multidimensional. Cada capítulo invita a reflexionar sobre el papel del cine como un espacio donde la memoria colectiva y la innovación se encuentran y dialogan. Un recorrido indispensable para quienes aman el cine y desean comprender cómo las historias evolucionan sin dejar de ser parte de nosotros.
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En este ensayo sorprendente, Fabrice Hadjadj mira a Tom Cruise más allá del cine. El héroe de Misión: imposible siempre está corriendo. Pero ¿qué busca? ¿De qué huye? Cruise encarna nuestra búsqueda de vocación en un mundo que solo ofrece papeles y funciones. Cuando un actor se convierte en símbolo de una generación, inevitablemente refleja algo de su época. Por eso, al hablar de Tom, hablamos también de toda la humanidad. En la saga de Misión: imposible se repite una escena clave: el protagonista recibe un mensaje, acepta el riesgo y actúa antes de que sea demasiado tarde. Hadjadj propone leer este motivo como una metáfora de nuestra propia existencia. Tal vez nosotros también fuimos enviados. Tal vez nuestra vida también tiene un propósito. La verdadera pregunta es si aún estamos dispuestos a escuchar la llamada, que se autodestruye rápido, y si quien nos envió realmente existe, y si es benévolo o malévolo. Entre filosofía, teología y cultura popular, este libro nos invita a despertar y a recordar una idea que creíamos perdida: vivir puede ser todavía una aventura y ninguna misión es tan imposible como parece.
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Conmemora el 75 aniversario de Quo Vadis, una de las películas míticas de la Historia del Cine. La obra aborda diferentes aspectos del film con innumerables fotografías.En el 75 aniversario del film Quo Vadis, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, la novela original, el director, los actores y sus personajes, su influencia en el cine épico, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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“Repasando la notable filmografía de Kubrick es evidente que tiene la característica calidad arquitectónica de todo gran sistema filosófico: tiene algo que decir sobre casi todo. Todas las facetas de la naturaleza humana se revelan en su gran diversidad: la alta cultura y la cultura popular, el amor y el sexo, la historia, la guerra, el crimen, la locura, los viajes espaciales, el condicionamiento social y la tecnología. Y pese a lo diversa que es en su temática, tomada en conjunto la filmografía de Kubrick es muy coherente, por cuanto toma los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica y compleja visión filosófica que resulta ser muy afín al existencialismo.” Jerold J. Abrams A lo largo de medio siglo de carrera, Stanley Kubrick produjo algunas de las imágenes cinematográficas más evocadoras e indelebles de la historia del cine. Sus películas abordan una amplia variedad de temas y de preguntas sobre la vida, la conducta y las emociones humanas. Dentro de esta gran variedad temática, Kubrick examina los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica visión filosófica similar al existencialismo. Probablemente más que ningún otro concepto filosófico, el existencialismo –la creencia de que la verdad filosófica solo tiene sentido cuando es libremente elegida por el individuo– ha bajado de la torre de marfil de la filosofía para impregnar a la cultura popular en su conjunto. Los ensayos de este volumen examinan los intereses de Kubrick en la moralidad y el destino, y ponen de manifiesto una mentalidad estoica en muchas de sus películas. Varios de los colaboradores de este volumen consideran que la obra de Kubrick se caracteriza por el escepticismo, la ironía y un hedonismo sin trabas. En películas como La naranja mecánica o 2001, una odisea del espacio, Kubrick se enfrenta a la noción del hombre en lucha contra sus propias creaciones científicas y tecnológicas. Tomados en conjunto, los ensayos de La filosofía de Stanley Kubrick constituyen una lúcida mirada a la visión que tenía el gran director de un universo físico y moral en constante transformación, y aportan profundidad y complejidad a la interpretación de la obra de Kubrick. Jerold J. Abrams es profesor adjunto de Filosofía en la Universidad de Creighton, en Omaha, Nebraska. Sus ensayos han aparecido en las revistas Modern Schoolman, Philosophy Today, Human Studies y Transactions of the Charles S. Peirce Society, y en los volúmenes colectivos James Bond and Philosophy (Open Court, en preparación), Woody Allen and Philosophy (Open Court, 2004), Star Wars and Philosophy (Open Court, 2005) y The Philosophy of Film Noir (University Press of Kentucky, 2005).
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Cine y filosofía. Miradas oblicuas concreta la relación entre la filosofía y el cine como espacios de reflexión mediante el lenguaje nacido, en este caso, de secuencias de imágenes. Desde sus inicios con los hermanos Lumière, el cine ha evolucionado hasta convertirse en el llamado séptimo arte, objeto, pues, del estudio y análisis estético, pero, también, en una herramienta cultural y educativa fundamental para la reflexión. A través de los distintos ensayos que componen la obra, el lector descubrirá de qué modo el cine genera diálogos filosóficos, y un modo de penetrar en los problemas profundos del individuo y la sociedad.
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Ingmar Bergman es un autor cuya filmografía ha sido analizada y diseccionada hasta el hartazgo. No obstante, la prevalencia de aspectos visuales, estructurales o estilísticos en los trabajos realizados ha copado el mundo editorial, sin que la verdadera esencia de Bergman haya sido desvelada. Porque, aunque era director, también fue guionista y, pese a que él mismo renegase de su talento como escritor, su mayor afán era el de ser considerado un intelectual de primer orden como August Strindberg. Ingmar Bergman. El cine de las cicatrices opera a la inversa que la totalidad de la bibliografía que gira en torno al director sueco, analizando los diálogos de sus películas respecto a las temáticas que le obsesionaban como persona: la religión, los actores, la violencia, la sexualidad, la trascendencia, la muerte, la enfermedad mental y la familia. Cada una de sus cicatrices fue trasladada a su filmografía de manera ineluctable, lo que resultó en un corpus cinematográfico extraordinariamente rico y susceptible de ser analizado desde la propia biografía y devenir del director. Tras la lectura de este volumen, se entenderá que las filias y fobias de Bergman marcaron su carrera como autor cinematográfico, siendo fácil rastrear su personalidad en cada título, lo que revela una obra completamente íntima y fascinante.
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El broche de una historia de la literatura medieval sin precedentes en España y un verdadero hito filológico.El presente volumen completa la serie de nueve tomos dedicados por Fernando Gómez Redondo al estudio de la literatura medieval castellana, con seis consagrados a la prosa (1998-2012) y dos a la producción en verso (2020-2024), a los que se vincula este tercero destinado a la dramaturgia vernácula, con inclusión de las églogas tempranas renacentistas, puesto que todas estas obras se ajustan al discurso métrico y se sirven de la red de estrofas articulada por los poetas cancioneriles. Tres ejes sostienen la articulación de este nuevo tomo. En primer lugar, se ha prescindido del término ''teatro'', ya que en ningún caso aparece en el desarrollo y en la transmisión de la producción dramática, en la que se tantean otros nombres (''auto'', ''égloga'' o ''farsa'', por ejemplo) a los que sólo Lucas Fernández y Bartolomé de Torres Naharro añaden el rótulo de ''comedia'' con plena conciencia de su significación. En segundo término, se ha pretendido demostrar que las representaciones que comienzan a escenificarse en los dos últimos decenios del siglo XV son subsidiarias de los esquemas elocutivos (monólogos y diálogos) ensayados en la poesía cancioneril, si a esto se añade que una buena parte de las piezas dramatúrgicas se difunde en los cancioneros, podrá apreciarse la estrecha relación que se establece entre la creación poética y la dramatúrgica. En tercer orden, en este volumen no se han recogido sólo las piezas que pueden considerarse dramáticas, sino que se ha procurado recrear la lenta, pero continua, trama de reflexiones y de circunstancias que posibilitarán la aparición de esas primeras «representaciones» en los últimos decenios del siglo XV, sin olvidar que las peculiaridades de esa ejecución escénica se hallaban ya apuntadas en el Auto de los Reyes Magos (finales del siglo XII).
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En el 40 aniversario del film Blade Runner, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores, la repercusión... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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David Lynch realiza una original incursión en el género biográfico. Un libro magnético y particular. Espacio para soñar ofrece una mirada insólita a la vida personal y creativa del cineasta David Lynch, a través de sus propias pa
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Entre dos fuegos (1928) es un drama popular. Un armade penetración cultural e ideológica. Un alegato libertario en el amor y la política.Escrito por un representante del pueblo. Y representado por el pueblo. Ahí radica su extraordinaria fuerza literaria. No se trata de una obra costumbrista al estilo de las quinteradas. Tampoco encuentra paralelismo con el posteriorteatro lorquiano, ni siquiera con las acciones pedagógicas de La Barraca. Es una pieza singular dentro delteatro popular y comprometido de la época, con escasos ejemplos similares de denuncia social y política creados por y para el pueblo, que rezuma valentía porel tiempo en que se escribe y por el lugar donde se representa. La actitud vital del autor recuerda al activismo literario de los revolucionarios franceses deLa Comuna (Jules Vallès o Émile Zola), al compromisode Blas Infante o Miguel Hernández. El manuscrito sehalló en el Archivo Municipal de Córdoba, fue editadopor primera vez en 2007 y representado ochenta añosdespués en el Ateneo Popular de Almodóvar del Río.''En su corta vida política, Manuel Alba propugnó la tolerancia, m
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.