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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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La periodista Valeria Vegas construye en este precioso libro una semblanza emotiva, divertida y llena de sorpresas y chascarrillos de las principales mujeres que han construido en el último siglo, contra viento y marea, una de nuestras señas esenciales de identidad, el folclore flamenco. Ellas son la voz de nuestra cultura musical, españolearon por el mundo y vivieron vidas vertiginosas en tiempos difíciles, valientes, talentosas y... tan flamencas. Cuestionadas, infravaloradas y muchas veces injustamente olvidadas, nuestras folclóricas son mujeres de naturaleza volcánica, que cantaron y vivieron como nadie el amor y el drama. Sus historias, en tiempos en los que ser del sexo femenino no ayudaba, demuestran que eran astutas, que lograron controlar sus vidas y adelantarse a sus épocas mientras construían nuestro legado cultural más internacional, llegando a ser algunas auténticas estrellas del cine y de la música, y a relacionarse con las grandes figuras intelectuales de su época. El folclore flamenco ha sido denostado durante décadas por su aparente cercanía al Régimen y su cierto olor a naftalina, sin embargo, a través de la historia de sus mujeres más punteras desde principios del siglo XX hasta hoy, la periodista Valeria Vegas quiere hacer justicia y dar cuenta de cuánto les debemos a todas ellas y cuán valientes fueron. A través del colmillo afilado y la mirada irónica y cariñosa de su autora conoceremos las anécdotas, curiosidades y todo aquello que hizo única y pionera a esa especie singular de mujeres que, para bien y para mal, nos guste o no, son nuestro patrimonio y nuestra cultura, nuestra historia y nuestra marca. *** ''No es este un manual para flamencólogos, puristas ni eruditos, que ya de entrada podrían cuestionar la reivindicación de alguna de ellas, sino más bien un repaso por la vida y obra de veintisiete mujeres que destacaron en la copla y el folclore nacional. Fueron la banda sonora de un país cambiante, en continua transformación, plasmando las emociones más descarnadas y los sentimientos más pasionales. La figura de la folclórica llega hasta nuestros días en forma de emoji y de imán de nevera, como evidente reflejo de su calado en el imaginario colectivo. Santo y seña de una España que se reconocía en ellas, eran a su vez la cita ineludible de cualquier extranjero de pro que pasará por aquí. Y sino ya acudían ellas al país de turno para demostrar su talento, y como dijo una, ''españolear por el mundo''. Respaldadas por agudos letristas y compositores, interpretaron con desgarro canciones que hablaban de desamor, de relaciones furtivas, de penas incurables, de secretos inconfesables y tormentos varios. También alegraron al público con temas jocosos en los que se ironizaba sobre la soltería, la edad, el matrimonio o la libertad de la mujer. En definitiva, pusieron voz y actitud a lo que mucha gente pensaba, soñaba o deseaba, y aquellas mujeres, muchas de ellas de origen humilde y a veces casi analfabetas, demostraron tener el talento necesario para la evocación, en el difícil arte de ser contadoras de historias''.
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El célebre tenor Ian Bostridge pasó casi dos años sin poder pisar los escenarios a causa de la pandemia, hecho que lo llevó a reflexionar sobre el valor irrenunciable del contacto directo con el público, a la vez que le permitió ahondar en el amplio catálogo de clásicos que ha interpretado a lo largo de su carrera. Mediante una prosa lúcida y absorbente, Bostridge explora en estas páginas el modo en que Monteverdi, Schumann y Britten emplearon y subvirtieron los roles de género en sus composiciones, cuestiona la jerarquía y el poder coloniales en Chansons madécasses de Ravel, y analiza las meditaciones de Britten sobre la muerte en obras como War Requiem o Death in Venice. Las singulares reflexiones de Bostridge nos permiten comprender la asombrosa intensidad de sus interpretaciones, en las que la extraña fusión de melodía y pensamiento brinda auténticas epifanías tanto al cantante como a su público.
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Un recorrido apasionado y entretenido por los grandes musicales de nuestra era en el que descubriremos lo que realmente nos cuentan sobre raza, género, poder y deseo.¿Qué tienen en común Wicked, Cats o West Side Story? Que no solo nos han hecho cantar, sino también repensar el mundo (aunque no nos hayamos dado cuenta). Cantar la historia es una historia cultural muy poco convencional: una que se canta, se baila y se analiza con tanta pasión como ironía ácida. A través de nueve musicales que han marcado la historia reciente, Javi Alonso, brillante divulgador y amante del teatro musical, nos invita a un viaje en el que nos mostrará cómo estas obras reflejan temas como las masculinidades, el racismo, lo queer o la memoria histórica. Desde la violencia mal dirigida de West Side Story hasta la catástrofe digital de la película de Cats, pasando por la moral de las protagonistas de Wicked, el autor mezcla análisis cultural, anécdotas personales y un afilado humor para desmontar la idea de que los musicales son solo evasión y fantasía. El resultado es un ensayo pop que reivindica el teatro musical como uno de los grandes narradores de nuestro tiempo. Porque sí, a veces la historia se canta, hasta ocho veces por semana en cada teatro.
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En Mozart, Patrick Mackie nos traslada al fastuoso y embriagador siglo XVIII para profundizar en la vida y obra de uno de los compositores más deslumbrantes e influyentes de la historia de la música. Desde su juventud en Salzburgo, su viaje a París con su madre, la difícil relación con su padre, sus aventuras amorosas, su matrimonio con Constanze Weber, sus óperas y composiciones para teclado, hasta sus últimos años y su prematura muerte acaecida en 1791, la vida de Mozart estuvo abocada casi por entero al trabajo como compositor, profesor, intérprete, director y productor. Sin embargo, no es posible comprender esa vida fuera del contexto de una Europa que está inmersa en las corrientes de pensamiento ilustradas, asiste al progresivo declive de Francia, a la inestabilidad de José II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, y, por extensión, de la Viena de los Habsburgo. En aquella época de transición musical del Barroco al Clasicismo, Mozart fue un innovador. Su producción abarca prácticamente todos los géneros musicales de su tiempo. Patrick Mackie abre una nueva vía de reflexión acerca de la vida y la obra del compositor y pone de manifiesto su talento para trascender las estructuras musicales tradicionales y crear melodías complejas, en las que aúna lo clásico y lo vanguardista, una de las muchas razones por las que, hoy en día, Mozart sigue siendo una fuente de inspiración para músicos y oyentes de todo el mundo.
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Christina Rosenvinge recoge en su Debut más de veinticinco años de canciones y recorre los lugares, los relatos y las reflexiones que subyacen a sus letras.Una canción nos evoca la época en que la descubrimos. Al que la ha escrito, le devuelve al momento preciso en que la creó. Christina Rosenvinge recoge en este libro las letras de toda una carrera junto con la recreación de los cuadernos que la acompañaron en cada momento. En ellos retrata la intimidad de esos días tranquilos entre gira y gira en los que aparentemente no pasa nada, y en realidad está pasando todo. Sus textos son también testimonios de una carrera musical que ha cruzado décadas, fronteras y estilos con una lucidez insobornable. Son testimonios de la siembra, el empeño y la incertidumbre ante cada proyecto, son también reflexiones sobre el amor, la libertad y el poder femenino, son, en definitiva, reflejo de los momentos que cruzan una vida y que la memoria se empeñaría en borrar si no estuvieran pegados a la chispa eléctrica de una canción.Cruzan este libro las referencias literarias, musicales y artísticas que han influenciado la obra de la cantautora y cierra el volumen «La palabra exacta», un ensayo en el que indaga en el arte de escribir canciones, una reflexión sobre los secretos de hilvanar palabra y melodía en el verso cantado.Críticas:«También recomendamos el libro de Christina, Debut, que ahora tendréis más tiempo libre para empaparos de buenas historias.»Mikel Erentxun, Los 40«Debut es la manera que ha tenido esta mujer de explicarse a sí misma lo que hay de asombroso en todo si se sabe observar. Basta con unas gotas claras de inteligencia, con una sed que no desaloja el agua. Esa sed que cuando es cierta se llama coraje. Se llama asombro.»Antonio Lucas y José Aymá, El Mundo«Es un libro tan bello y tan intenso como la propia Christina Rosenvinge. No les digo más.»Marta Robles, La Razón«Su libro [...]está lleno de humor, de amor , de emoción, de canciones y de buena literatura. Y es un ''Debut'' tan brillante que augura nuevos y deslumbrantes textos. Yo, desde aquí, los reclamo y los espero.»Marta Robles, La Gaceta de Salamanca«Es una minuta de preguntas, de certezas, de incertidumbres, de existenciabienvivida, de apetitos musicales y literarios. Aquí dentro hay un despliegue de autenticidad.»Antonio Lucas, El Mundo«Si hasta ahora sabíamos que Christina Rosenvinge podía hacer excelentes canciones, 'Debut' la destapa como narradora diestra, manejando materiales trascendentes sin ser pretenciosa, con sentido del humor y dejando un rastro del perfume de épocas y lugares en esos textos que cubren desde 1992 en adelante.»Jordi Bianciotto, El Periódico
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Este trabajo muestra la capacidad de la enseñanza y la práctica musical sobre aspectos del autoconcepto e incluso de lo que favorece como terapia grupal en la clase/aula.En los diferentes capítulos de este libro se aborda el aprendizaje de la especialidad de violín, así como del resto de asignaturas comunes de las demás especialidades instrumentales de las enseñanzas elementales y profesionales de música: lenguaje musical, coro, piano complementario, orquesta, música de cámara, armonía, análisis e historia de la música. En las páginas de esta guía didáctica se exponen buenas prácticas, recursos, orientaciones, materiales, principios, estrategias, ejercicios, actividades y consejos, así como dificultades que pueden encontrarse en el aula y soluciones que ayudan a resolverlas, dirigidas especialmente a profesores, alumnado con discapacidad visual y familias que puedan necesitarlas.Esta obra se fundamenta en gran parte en el trabajo colaborativo, recogiendo testimonios, experiencias y consejos de numerosos protagonistas vinculados con esta área: especialistas de música de los CREs de la ONCE, directores o dirigentes de agrupaciones musicales que integran ciegos tanto en España como en el extranjero, profesores que han atendido o atienden alumnos/as con discapacidad visual, especialistas en el código musico-gráfico braille, músicos invidentes, alumnado de conservatorio con discapacidad visual, familiares de los mismos, etc.
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Una introducció amena i senzilla per entendre, escoltar i gaudir d'una música que ha conquistat el món.
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“L’estaca” és sens dubte una cançó que sempre ha lluitat contra les circumstàncies. Va créixer entre prohibicions i es va convertir en himne. Primer contra el franquisme i després, fent un salt internacional, contra qualsevol tipus d’opressió. Va ser protagonista en l’ascens del sindicat Solidaritat a Polònia, i se segueix cantant a molts països, sempre en contextos de combat democràtic.La cançó escrita i interpretada per Lluís Llach s’ha consolidat com un referent internacional cultural ineludible quan es fa un repàs de les cançons de lluita.N’hi ha prop de 500 versions en pràcticament tots els estils musicals (del pop-rock al tango, del jazz a la música disco…) i s’ha gravat i cantat en més de quaranta idiomes diferents. Avui en dia continua ben vigent, i cada any s’enregistren noves ‘estaques’ arreu del món.
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¿Cuáles son los primeros pasos de un creador musical digital? ¿Cómo pueden gestionarse los derechos de un músico en la Red? ¿Qué pasos hay que dar para llegar al gran público? ¿Y cuáles son las nociones básicas de marketing digital que debes conocer?
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La música fa millors les persones i la societat? Al llarg del temps, els fi lòsofs s’han plantejat aquesta qüestió amb un gran escepticisme. Alicja Gescinska afirma que la música escampa una influència positiva sobre nosaltres i pot tenir un paper important en el nostre desenvolupament personal i ètic. Avui, però, té poca rellevància en l’educació i la vida quotidiana, i la considerem només una font de relaxació, entreteniment o consol.En aquest assaig tan lúcid i clar en les formes i en els continguts, Gescinska assegura que la música és un dels fonaments de la nostra existència: ens fa més empàtics i estimula l’experiència creativa humana. La música dona forma al nostre lloc al món i sempre ens fa sentir a casa.«La música no només amplia la nostra comprensió dels altres, sinó també de nosaltres mateixos. En la música aprenem qui som i de què som capaços. La música contribueix a l’autoconeixement i el desenvolupament personal, i això és un component rellevant de la seva importància moral. »
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Se han reunido en este libro las contribuciones de once investigadoras e investigadores de la música provenientes de diferentes países de América Latina, anclados en diferentes disciplinas, cuya confluencia nos permite medir y entender mejor los roles de lo musical en los distintos momentos y contextos de las sociedades de dicha región. Las diferentes contribuciones abordan, por eso, las músicas como un ''hecho social total'' que implica inventividad y en todo caso pluridisciplinaridad. Algunos textos recurren al análisis literario de las canciones o del discurso, otros -y no es sorpresa- a metodologías propias de la musicología y etnomusicología, o de la sociología o de la historia. El resultado, es un libro que reúne miradas disímiles, pero hermanadas por el deseo común de interrogar sobre la importancia de la música en la conformación de la nación a lo largo de América Latina.
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No vamos a descubrir ahora que Jerez de la Frontera es un manantial del que han salido cantes y cantaores que hoy son parte esencial de la historia de este arte, ya universal, que nos define. Fueron muchos, como muchos fueron los que nacieron y se criaron en otros espacios singulares de nuestra geografía, donde se hacinaban gitanos, moriscos, andaluces de la periferia maldecidos por el hambre y la miseria…, como Triana, los barrios gaditanos y su bahía, el Perchel malagueño con la Trinidad, o los barrios del Sacromonte y el Albaycín granadinos. Y son ellos, todos ellos, en una fusión de razas y de culturas, los que dan nacimiento a unas músicas que son grandes de por sí.Tal vez por esto, decidimos un día hace ya muchos años iniciar una serie de entrevistas con unos hombres y mujeres del mundo del flamenco que habían sido fundamentales en su tiempo, pero que, por las circunstancias políticas, económicas o sociales, la afición los había ido dejando aparcados en el rincón del olvido, sin otra cobertura que la caridad o la beneficencia municipal en su caso. Queríamos ser una especie de grito que, en boca de estos artistas, reclamaran el estatus que la sociedad y los estados debían a estos hacedores de arte, ya orillados de los habituales circuitos. MANUEL HERRERA RODAS
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En una cinta TDK está el origen del universo: en el radiocasete de los viajes en el coche familiar, en un garito subterráneo, en un concierto, o en ese libro, película, programa de radio o televisión donde experimentar la epifanía con la música que iba a formar parte de nuestra vida. Canciones de Buen Rollo indaga en esos momentos vitales donde la música nos acompaña, nos alivia, nos impulsa, nos implosiona... Este es un libro generacional, y al mismo tiempo muy personal. Por él desfilan amistades, amores adolescentes, desengaños de juventud, cretinos con buen gusto musical o amantes inesperados. También el estrés del día a día, rutinas, rebeldías, baches, dudas, aciertos o subidones de autoestima. Triunfos y fracasos con un denominador común: la música como trasfondo. A veces como un salvavidas al que agarrarse cuando sube la marea, otras como un instante de euforia inagotable, celebración, desenfreno o, por qué no, un refugio. Didáctico y revelador, descarnado y con sentido del humor. En un estilo fresco, honesto, desenfadado e irónico, pero también emocional, sugerente, sexy, las autoras desgranan parte de su biografía musical en una banda sonora ecléctica y diversa que nos interpela a descubrir o redescubrir las canciones. Canciones que son la vida. O la vida en canciones. De Buen Rollo, eso siempre.
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¿Qué significa, desde el punto de vista filosófico, musical e histórico, hablar de la música en términos de «obras»? Lydia Goehr propone de forma elegante y persuasiva una respuesta, describiendo cómo el concepto de obra musical cristalizó plenamente en torno a 1800, y posteriormente definió las normas, expectativas y pautas de comportamiento que han llegado a caracterizar la práctica de la música clásica. En el contexto de un relato filosófico más general sobre el auge y la decadencia de los conceptos y los ideales, y de sus funciones normativas, Goehr aborda también los debates entre directores de orquesta, intérpretes de música antigua y músicos de vanguardia.Este libro es una de las principales contribuciones al campo de la filosofía de la música en los últimos cincuenta años. La presente edición revisada incluye un nuevo ensayo introductorio de la autora y un provocador prólogo de Richard Taruskin.
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El blues es algo más que un mero estilo musical. Es una cultura, un medio de expresión, una manera de ver la vida, una forma de sentir e incluso un lenguaje universal. Originario de las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos, se ha conv
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Desde el momento en que entraron en juego las nuevas tecnologías aplicadas a la grabación y, sobre todo, la reproducción de música ...y no únicamente música, sino también la señal que emite nuestro televisor, las salas de cine o los teléfonos móviles..., nuestro oído se ha acostumbrado a nuevas frecuencias y a una dimensión completamente inesperada del sonido que se define a partir del paradigma digital. El sonido digital es limpio, carente de impurezas, comprimido, a veces aséptico. Al escuchar música en MP3 o streaming, en realidad estamos escuchando una parte limitada de todo lo que podríamos llegar a percibir si la estuviéramos escuchando en vivo, o grabada y reproducida con la antigua tecnología analógica. ¿Qué aspectos positivos y negativos tiene esta transformación? ¿Es inevitable el camino que estamos emprendiendo como sociedad que escucha, o se puede volver atrás? En este ensayo, Damon Krukowski, excomponente de Galaxie 500 y miembro del dúo Damon & Naomi, explica con una prosa nítida de dónde venimos ...el paradigma analógico... y hacia dónde estamos yendo, y durante el trayecto relata de manera detallada la transformación de los sistemas de producción y grabación y de los cambios en nuestro oído, y por extensión en nuestro cerebro. Lo nuevo que tenemos, y lo bueno que hemos perdido: la comunicación a partir del ruido, la distorsión, los crujidos, los accidentes. Lo que John Berger identificó como diferentes maneras de ver, Krukowski lo lleva al ámbito del sonido para identificar diferentes maneras de escuchar, y cómo cada una de estas opciones implican actitudes culturales irreconciliables. A partir de la música, y de su reivindicación del ruido analógico y del proceso artesanal, Krukowski se propone explorar en un sentido amplio la cultura contemporánea, y analizar cómo vivimos en el incontenible flujo de información digital hasta plantear la última pregunta, la más importante: ¿es aquí donde debemos estar, o hay una alternativa que consista en desconectarse y regresar a un nuevo paradigma analógico?
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Desde las primeras anécdotas de su infancia hasta la oración fúnebre que el dramaturgo Franz Grillparzer escribió con motivo de su muerte, el presente libro recopila una amplia selección de testimonios sobre Beethoven escritos por sus directos contemporáneos, aquellos que lo trataron y lo conocieron en su día a día. Por sus páginas desfilan algunas de las más ilustres figuras de la cultura y la historia de los siglos XVIII y XIX (Mozart, Goethe, Rossini, Listz...), ofreciendo un mosaico de cartas, diarios y memorias que forman en conjunto un vívido retrato del genial compositor alemán.El juego de luces y sombras que producen los dispares juicios de cada uno de ellos da como resultado una imagen caleidoscópica que va cambiando y evolucionando en cada página para aportar una perspectiva completa de sus complejidades y pliegues, de su genio artístico, pero también de su vida cotidiana, acercando el Maestro de Bonn a los lectores hispanohablantes en el doscientos cincuenta aniversario de su nacimiento.Pues, como dice Grillparzer en su oración fúnebre: «Era un artista, pero también era un hombre».
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Durante años han corrido rumores y se ha especulado sobre un grupo de músicos que murieron a los 27 años, que se conocerían como el Club de los de 27. Sus miembros más notables fueron Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain y Amy Winehouse. HOWARD SOUNES desvela en este libro las teorías de la conspiración y supersticiones sin sentido escritas acerca de este Club, al tiempo que nos muestra los aspectos mucho más oscuros que unieron sus trágicos destinos. «Amy, 27» es la primera biografía independiente de Amy Winehouse y la primera historia escrita con seriedad y rigor del Club de los de 27.
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Londres. Corre el año 1967 y Pauline deambula sin rumbo por la mágica metrópoli contracultural de los sesenta. Tiene 21 años, trabaja en una agencia de secretarias y no suele desmelenarse, pero un inesperado encuentro cambiará radicalmente su vida: una tarde recibe la llamada de un sujeto que necesita transcribir las letras de un disco. Es Frank Zappa. Ese feliz e improbable encargo vendrá seguido por vagos flirteos, extrañas confidencias y una propuesta desconcertante: trasladarse a Los Ángeles e ingresar en la variopinta cuadrilla que allí convive y desvaría con el cantante. Aceptada la invitación, nuestra audaz mecanógrafa asistirá atónita y deslumbrada al asombroso espectáculo que se representa frente a ella. Contempla la incansable actividad creativa de Zappa, es toda oídos durante sus peregrinos coloquios con tipos como Mick Jagger, George Harrison, Eric Clapton o Rod Stewart y asiste religiosamente a los extáticos ensayos de su grupo, ceremonias por las que desfila una caterva de friquis, tunantes, colgados y entrañables soñadores. De todo ello da cuenta en este libro.
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El negocio de la música ha conocido una transformación radical en el último cuarto de siglo. La expansión de Internet, la implantación de potentes ordenadores, el desarrollo de la tecnología portátil son el paradigma de una nueva y apasionante era en
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La música es algo más que un fenómeno estético: es una gnosis, unaauténtica vía de conocimiento que Eugenio Trías (autor de una de lastrayectorias filosóficas más sólidas que ha conocido nuestro país) hareconstruido en un compendio de ensayos consagrados e insignescompositores, en un recorrido que va desde Monteverdí hasta las últimasvanguardias musicales. Los misterios gloriosos de Bach, la dualidad delo trágico y lo cómico en Mozart, los grandes relatos de Haydn, elestilo heroico de Beethoven, el concepto de la obra total de Wagner, elespíritu creador de Mahler, la nueva teología musical de Schönberg, lanoche eterna de Béla Bartók, los sacrificios de Stravinski, el panteísmosonoro en Cage o la arquitectura musical de Xenakis, comparecen en estaspáginas para revelar sus claves internas, sus relaciones, suantagonismos y similitudes, sus oposiciones y especificidades. Elresultado es no sólo una excelente colección de ensayos individualesdonde podemos apreciar a los grandes compositores bajo una luz distinta,sino también un argumento narrativo: una apasionante historia de lasideas a través de la música. O como el mismo autor sugiere, tal vez Elcanto de las sirenas constituya el Gran Relato que algunos de losmejores músicos occidentales han ido escribiendo a lo largo de losúltimos cuatro-cientos años.
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Escenas olvidadas, la historia oral de Golpes Bajos. En estas Escenas olvidadas, Xavier Valiño traza la historia de Golpes Bajos narrada con la voz de sus cuatro protagonistas principales y los colaboradores más próximos, revelando todo aquello que nadie había contado hasta ahora o había quedado relegado por el transcurso del tiempo. Está el antes del grupo (desconocido, a no ser el paso de Coppini por Siniestro Total), y también lo que cada uno hizo tras la disolución. Al mismo tiempo, se indaga en sus discos y canciones y, también, en todo lo que dejó una aventura de tres años: historias en la carretera con sus respectivas anécdotas, apariciones en pantalla, métodos de trabajo, su posicionamiento ante diferentes cuestiones, las relaciones con las discográficas, la repercusión comercial, el distanciamiento, el final En suma, la crónica oral y detallada de una de las más inolvidables e inspiradas formaciones de nuestra música.
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Alumnos principiantes, padres con interés en que su hijo se inicie en la música, profesores de música de secundaria,solistas, directores de orquesta y coro, concertistas Este libro está destinado a aquellas personas que creen en elpoder de la músi
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Para comprender mejor la música de Mozart hoy, dos tareas historiográficas parecen esenciales: en primer lugar, situar la obra del compositor en la cultura de su tiempo, es decir, la Ilustración tardía, en segundo, considerar la relación entre ciertos aspectos de sus composiciones y la estética del primer Romanticismo alemán. Este enfoque resulta particularmente pertinente en el estudio del Réquiem de Mozart, cuya historia no sólo es fascinante, rica y compleja, sino que también está llena de espejismos, trampas y malentendidos. Miguel Ángel Marín los analiza y explica magistralmente con el fin de desbrozar el camino para entender el impacto que supuso en España (y en algunos lugares de América Latina) la audición del Réquiem a lo largo del siglo xix. Un estudio tan exhaustivo como lúcido y ameno sobre una de las contadas obras musicales que han alcanzado popularidad universal en la milenaria historia de la música.
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«Por qué los dioses nunca me permiten asistir a un concierto sin sobresaltos. Cuando no me tengo que pelear con mis demonios internos o con algún cristiano o con la diarrea o el pasón surge un nuevo enemigo», se pregunta Velázquez, cuyas crónicas parecieran ser el gólem engendrado en una orgía entre Günter Wallraff y Alberto Salcedo Ramos (entre otros). Sean bacterias como la Giardia lamblia, listas de invitados VIP sin su nombre sobre ellas, bancarrotas económicas, físicas o emocionales o el tráfico de la Ciudad de México, en cada concierto, cada festival, tiene que pasar por una ordalía para demostrar su inquebrantable feligresía en el templo del rock and roll.En este libro hay desde relatos iniciáticos en donde el autor evoca los tiempos en los que el sueldo entero que pergeñaba despachando en una tienda de discos se iba en mercancía que compraba (o sustraía) ahí mismo, hasta escenas gonzo, escatología aaa o tretas para conseguir boletos, drogas o licores que despertarían la envidia del Lobo de Wall Street.Mantén la música maldita ,no es un libro sobre música sino sobre la relación infecciosa que su autor tiene con ella. Las múltiples tracciones de las crónicas de Velázquez hacen del territorio de lectura un suelo inestable e impredecible. Por él desfilan como un trueno Nick Cave o el decadentismo post-posmoderno (Velázquez dixit) del Muertho de Tijuana, Iggy Pop o Soda Stereo, Marilyn Manson o Marky Ramone, por mencionar sólo a unos cuantos de los personajes que invariablemente arrastran al autor hacia la inmolación.«Leer las crónicas musicales de Carlos Velázquez es como ponerte una borrachera memorable y explosiva, donde todo es pasión. Cada párrafo es un trago más para llegar al éxtasis alcohólico. Y lo mejor de todo: sus textos no dan cruda».Joselo Rangel, Café Tacvbaramas a partir de una premisa encantadora y envolvente, en donde todo mundo soltará una carcajada rotunda.«Carlos Velázquez demuestra que es un escritor con proyecto, no sólo para desarrollar un estilo de humor corrosivo hasta el hueso [...] En los textos de Velázquez no funciona el «Sálvese quien pueda» porque no se salva nadie. De ah¡ la calidad de su literatura».Elmer Mendoza, ,El Universal
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Y ahora, para los detractores de los busca-orígenes, que son los elaboradores de las presunciones apriorísticas fáciles de hacer, unas palabras en prevención de sus anatemas con relación al caso presente, porque, en general, ya han sido descubiertos en sus interioridades y sacados a pública vergüenza por investigadores verdaderos, mejor que yo ?aspirante a investigador? pudiera llegar a realizarlo: ¿Quién, con el argumento de mi incapacidad, osará condenar mi aspiración y mi esfuerzo, tendentes a comprender y a gozar las creaciones culturales de mi país, ni, menos, mi intento de llegar a proporcionar nuevos elementos para la elaboración del juicio estético de los demás? Pues éste es todo el secreto de esta obra. AUTOR Nació el 5 de julio de 1885 en Casares (Málaga). Hijo de Luis Infante Andrade, secretario del Juzgado del pueblo. Su madre, Ginesa Pérez de Vargas, pertenecía a una familia de labradores de clase media. Tras cursar los estudios primarios en la escuela de Casares, ingresa como alumno interno en los Escolapios de Archidona (Málaga), donde estudia el bachillerato entre 1895 y 1899.
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Los escenarios por los que transitan los cuatro estudios contenidos en el presente volumen muestran la estrecha relación existente entre diferentes modelos propagandísticos, de naturaleza musical, implementados en la Alemania nazi del III Reich de Adolf Hitler, y los llevados a cabo en España durante la dictadura del general Francisco Franco. Dichos estudios se ven completados con la aportación artística de obra gráfica reciente (2020).Ambos regímenes otorgaron un papel relevante a la música como expresión artística que debía contribuir a moldear una determinada sensibilidad política de signo autoritario, así como a impulsar una concepción patriótica basada en la exclusión del discrepante y en la eliminación del adversario. Los límites que separaban ambas categorías siempre fueron extremadamente difusos y, por tanto, su concreción solo respondía a interpretaciones arbitrarias, generalmente ajenas a toda norma legal.La creación de un nuevo corpus musical durante el período que es objeto de estudio, tanto en Alemania como en España, favoreció la edición urgente de cancioneros, poemarios, hojas volantes y discos, principalmente, como soportes en los que fijar los mensajes contenidos en canciones e himnos de guerra, contestados desde el campo opuesto con obras de lucha y resistencia.En las décadas de los años 30 y 40 del siglo xx, distintas fronteras europeas colapsaron, violentadas por fuerzas militares de ocupación que las atravesaron entonando alegres canciones populares, como si de una excursión juvenil se tratara, canciones cuyas melodías recordaban a los soldados sus orígenes pero no su destino, unido este, indefectiblemente, al del continente europeo.
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Desde la importancia del papel jugado por la música en la Revolución francesa hasta la ''Séptima sinfonía'' de Shostakovich, la música clásica y el nacionalismo han mantenido a lo largo de la historia una relación simbiótica que ha definido buena parte de nuestro imaginario a través de la creación de comunidades nacionales y todo el andamiaje cultural que las sostiene,la puesta en valor de las tradiciones folclóricas, etc. Escrito desde la privilegiada perspectiva aportada por el cruce de caminos entre la musicología y la sociología, ''Nacionalismo y música clásica'' presentaun análisis riguroso y brillante de la relación entre estos dos elementos fundamentales de la historia contemporánea y de los productos de su encuentro, explorando el modo en que la música ha participado en la gestación de las naciones occidentales y la forma en que esta vinculación definió a su vez los caminos seguidos por la música clásica.
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En los años 50 del siglo pasado comenzaron a viajar aJapón los flamencos españoles. Lo hicieron, por temporadas larguísimas, artistas como Chiquito de la Calzada, Tomás de Madrid o Cristina Hoyos. Pero también empezaron a llenar los teatros japoneses genios como Antonio Gades o Paco de Lucía. Ellos son los responsables de la pasión por el flamenco que comenzó a extenderse en Japón. Este libro habla de todos aquellos artistas flamencos, de sus orígenes y de sus fascinantesexperiencias en aquel lejano y desconocido Oriente.Y también explica la historia de muchos de los japoneses que vinieron a la España de la Dictadura, dejándolo todo, para cumplir su destino más insólito: hacerse flamencos. Unos encontraron en Japón dinero, famay respeto. También conocieron a unos japoneses que resultaban las víctimas perfectas para su picaresca...porque si algo caracteriza a los flamencos es el reírse de todo y tomar la vida como llega. Los otros hallaron en el flamenco un arte tan ancestral como complejo, la forma de expresarse y romper la represión social. Y aquellos japoneses se preocuparon de entender el flamenco, de descifrarlo y de aprenderlo hasta que,de alguna manera, lo han hecho suyo. Esta es la asombrosa historia de cómo el flamenco conquistó el almade los japoneses.
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Las celebraciones en torno a su 50º aniversario de trayectoria han hecho brillar más que nunca a Maria del Mar Bonet como referentecultural universal. A partir de ahí, Jordi Bianciotto la acompaña en un emocionante recorrido a lo largo de su vida, su ob
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Johnny Cash es todo un icono de la música, cuya singular carrera abarca desde los orígenes del rock and roll junto a Elvis y Jerry Lee Lewis en Sun Records hasta sus últimos discos producidos por Rick Rubin, pasando por una fructífera etapa a mediados de los años sesenta y primeros setenta, cuando convertido en primera figura del country pasó a ser el artista más vendido de Estados Unidos sin dejar de ser uno de los más relevantes y comprometidos. Pero, hasta ahora, nadie había revelado toda su historia, separando los incontables mitos de la verdad.Partiendo de numerosas experiencias personales vividas junto a Cash, así como de una verdadera plétora de entrevistas y materiales inéditos (cartas, fotos, letras de canciones...) aportados por la familia y amigos del cantante, Robert Hilburn ha creado un retrato sumamente absorbente, complejo y humano de un hombre con una vida personal muchísimo más turbulenta y un talento artístico muchísimo más profundo de lo que incluso sus fans más devotos habían llegado a imaginar.
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Tres décadas de electrónica, imagen y alucinación: la historia definitiva de The Chemical Brothers Pioneros del género Big Beat y conocidos por sus actuaciones en vivo junto con The Prodigy, Fatboy Slim y otros Desde los clubes underground de Mánchester hasta los grandes festivales y escenarios del mundo, En pausa en la reflexión cósmica cuenta la historia de The Chemical Brothers a través de sus propias voces y las de sus amigos y colaboradores en la industria musical. Con imágenes inéditas, entrevistas a figuras como Beck, Noel Gallagher, Bernard Summer, Wayne Coyne y Beth Orton, y el relato cercano de Robin Turner, este libro traza tres décadas de vanguardia sonora y visual. Diseño, música y cultura rave se entrelazan para mostrar la evolución de un dúo que transformó la electrónica en experiencia total. Una obra envolvente. «Una lectura fascinante, repleta de anécdotas, y también un magnífico libro, rebosante de imágenes evocadoras que dan vida a los años 90». Irish Examiner
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Este libro es el resultado de más de un lustro de investigación, a lo largo del cual la autora, Montse Madridejos Mora, nos ha ido ofreciendo magníficos textos que ahora culminan en esta obra. Comenzó con dos excelentes monografías. La primera, presentada en el Programa de Doctorado Interuniversitario de Música en la España Contemporánea de la Universitat de Barcelona (2007). La segunda, fruto de una beca concedida por el Observatorio del Flamenco, de la Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco (2008). Finalmente, profundizando en la línea avanzada en los anteriores trabajos, defendió, con la máxima nota, su tesis doctoral en la citada Universitat de Barcelona (2011). Esta fructífera línea investigadora supone la consolidación definitiva de los estudios del flamenco en el ámbito universitario, en especial en el catalán. Pero lo mejor está por llegar, ya que en el caso de la autora, su tesis doctoral (este libro) no es el punto de llegada, sino el de partida de una investigación que, cumpliendo de sobras las exigencias del marco universitario, tiene como objetivo ofrecernos el estudio lo más exhaustivo posible de la historia del flamenco, y de los flamencos, en Cataluña entre las últimas décadas del siglo XIX y el inicio de la transición española.
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Este segundo volumen de canciones de Bruce Springsteen incluye los elepés publicados desde 1986 hasta 1995: Bruce Springsteen & The E Street Band Live, Tunnel of Love, Lucky Town, Human Touch, Unplugged, Greatest Hits y The Ghost of Tom Joad, además de los singles Chimes of Freedom, Missing y Dead Man Walking. En estas obras vemos al Boss más preocupado por conservar que por conquistar, aunque todavía serenamente combativo con los fantasmas de sus dudas y sus contradicciones. La temática de sus canciones vuelve a ser testimonio de su lúcido afán por superar y mejorar su condición de ser humano, demostrando que el rock and roll, más allá del entretenimiento, es un poderoso vehículo de comunicación y denuncia. Una vez más se reproduce el texto íntegro de las letras de las canciones con su traducción al castellano. El resto de la obra de Bruce Springsteen se encuentra en los libros Canciones I y Canciones III, números 103 y 222 de esta misma colección.
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Por culpa de las azarosas andanzas que ensombrecían las vidas de algunos músicos de jazz —demonizados, incomprendidos y, a menudo, asediados por el impío azote de las «buenas costumbres» burguesitas— y de otros adláteres de la farándula, abunda la tendencia, entre quienes nos legan sus memorias, a no bajar la guardia frente a la sociedad iempensante, lacra esta que, en no pocos casos, hace que las autobiografías tiendan a ser poco sinceras cuando no pasto de la más atroz censura (como sucediera con las de Billie Holiday). El legendario pianista canadiense evita, con ejemplar solvencia, este efecto edulcorado en su introspectiva y, a menudo reveladora, prepóstuma auditoría interna. Jugando a su antojo con la cronología cual solista en pleno trance improvisatorio, recorre el largo camino hasta su consagración, pero con frecuencia desvía el discurso para trazar sentidas semblanzas de otros grandes del jazz y compañeros de armas, o reflexionar sobre la política, el racismo y su propia vida. La carrera de Oscar Peterson abarca más de cinco décadas, tiempo en el que grabó más de un centenar de álbumes, y fue galardonado con numerosas distinciones —como las concedidas en los Grammy, el Black Theatre Workshop, el Peabody Conservatory of Music o la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación— y con el ingreso en el Salón de la Fama del Jazz. Compartió escenario, camerino y las incomodidades propias de la carretera —así como el hostigamiento y las vejaciones de sus racistas convecinos— con grandes del género como Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Count Basie, Nat King Cole, Louis Armstrong o Duke Ellington. Tras un pormenorizado y agradecido repaso a sus primeros tientos estudiantiles, accede el lector a la crónica de las vivencias de una de las épocas acaso más fascinantes de la historia del jazz: la década de los cuarenta, cuando Peterson se batía el cobre con la Johnny Holmes Orchestra en Montreal y conoció a Norman Granz, el apoderado, productor, promotor, amigo y fiel consejero que lanzaría su carrera al estrellato. Por invitación de este, se uniría a la mítica JATP [Jazz at the Philharmonic], con la que viajaría por doquier, además de hacer lo propio con todos los tríos ue formaría a lo largo de su dilatada y triunfal carrera, con artistas de la talla de Ray Brown, Barney Kessel, Louis Hayes, Joe Pass, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Jeff Hamilton, Herb Ellis o Ed Thigpen. Se acompaña esta edición con el acceso, vía código QR (ver página 319), al repertorio de la compilación en CD que llevaba por título A Jazz Odyssey y que acompañaba en 2002 a la edición original de estas memorias.
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La obra de Richard Wagner es fuente de continua inspiración artística y de controversia ideológica, tanto en literatura y filosofíacomo en las artes visuales, además dela música. El cine no es una excepción. En esta obra un grupo de historiadores c
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