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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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En este brillante ensayo, galardonado con el National Book Award for Arts and Letters, el eminente pianista y crítico Charles Rosen aborda las técnicas y la estética de la música clásica a través de las obras de tres grandes compositores. Esta edición ampliada incorpora un nuevo y extenso capítulo sobre los últimos años de Beethoven y las convenciones musicales que heredó de Haydn y de Mozart. Asimismo incluye un nuevo prólogo en el que Rosen responde a los comentarios de otros autores sobre su obra. ''La expresión 'obra maestra' no debería utilizarse más que con la máxima prudencia. Pero puede aplicarse a EL ESTILO CLÁSICO de Charles Rosen. Esta obra es más que un análisis extraordinariamente penetrante, y argumentado con minuciosidad, de Haydn, Mozart y Beethoven. Es un ejemplo de 'crítica activa' que sólo podría haber realizado un intérprete tan distinguido. Rosen traslada a la prosa las cualidades de claridad, escrupulosidad y entusiasmo que caracterizan sus interpretaciones. Este libro simplemente establece nuevos estándares para la aplicación del lenguaje a la música''. George Steiner, The New Yorker
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El fet insular, en el cas de les Illes Balears, marca la seva cultura de manera profunda, però aquest epistolari és la mostra de com es creuen els camins de músics, intel·lectuals i estudiosos dels Països Catalans, car documenta la correspondència entre Felip Pedrell (pare de la musicologia espanyola) i músics com Antoni Noguera, Antoni J. Pont i Miquel Marquès, intel·lectuals com Gabriel Alomar, Joan Lluís Estelrich, Miquel del Sants Oliver i altres personalitats com Enric Alzamora, Eustaquio de Uriarte i el bisbe Campins. Un aspecte a considerar, aquí, és l'existència d'una mena de llavor, present en la història de les Illes, cap a l'estudi de la música, que s'inicia amb la figura del tractadista Simó Ben Tzemah Duran, rabí que fugí de Mallorca el 1391 arran de les persecucions als jueus. La correspondència del fons de la Biblioteca de Catalunya que es transcriu aquí documenta, precisament, les primeres passes de la musicologia balear de caràcter il·lustrat. Constitueix una font per a analitzar i difondre material vinculat als estudis etnomusicològics illencs en unes dates primerenques que pot esdevenir punt de partida per a futurs treballs d'aprofundiment.
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Descubre lo que ocultan aquellas canciones que han llenado momentos tan especiales de tu vida. El autor, que ha investigado a fondocada una de las canciones, nos presenta un libro diferente, muy original, informado y también divertido. Por un lado n
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DE LOS CLUBS DE LA PARTE BAJA DEL EAST SIDE A LOS ALMACENES DE WILLIAMSBURG: EL RELATO DE UNA ÉPOCA QUE CAMBIÓ LA MÚSICA Y LA CIUDAD DE NUEVA YORK PARA SIEMPRE, NARRADO POR SUS PROTAGONISTAS. A partir de casi doscientas entrevistas originales realizadas por una escritora que recuerda las resacas en primera persona, Meet me in the bathroom continúa la gran tradición del entrañable clásico Por favor, mátame de Legs McNeil y Gillian McCain. Este libro describe la primera década de nuestro milenio con su inagotable gloria épica y traza un retrato brillante de una ciudad, una industria y una generación al borde de un cambio sísmico.
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En los tres últimos siglos, los musicólogos concluyeron arbitrariamenteque la música no significa nada. Sin embargo, una teoría actual del arterequiere tener en cuenta que la subjetividad y riqueza de la músicapuede evocar estados de conciencia esenciales para la humanidad. La obrade Beethoven es un claro ejemplo de tales estados: no sólo nos habla desu creatividad, sino que nos revela a un gran espíritu capaz decomprender el carácter fundamental de la vida en su doble aspecto deaceptación del sufrimiento y de realización heroica.A través de sus reflexiones, Sullivan nos ofrece una nueva comprensiónsobre la relación entre la música y la vida del compositor másimportante de la historia: «Cuanto más vivía, más y más profundo era loque tenía que decir... A medida que se hacía viejo, su fuerza aumentaba…Pero en algunos de sus últimos cuartetos se encuentra un pulso todavíamás fuerte, aunque más sutil»: el pulso de la trascendencia. ComoBeethoven, «sólo los grandes artistas y los maestros espirituales nosimpresionan como personas completas».
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Jorge de Persia ensaya en este libro una completa y conceptual introducción a la historia de la orquesta, en la que se describe el proceso de desarrollo de sus elementosno solo instrumentales y musicales, sino también humanos y sociales. Y es que el deve
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John Dowland (1563-1626) es uno de los compositores británicos más brillantes del Renacimiento, uno de los mejores creadores de canciones de todos los tiempos incluyendo a Henry Purcell, y uno de los artistas más destacados durante el reinado de Isabel I de Inglaterra. Entre su producción artística es inestimable su voluminoso corpus de canciones así como su excelsa colección de obras para laúd, de tal manera que brilla con luz propia entre sus coetáneos, entre los que se encuentran compositores y laudistas de la importancia de William Byrd, Josquin des Près, Jacob Obrecht, Adrian Willaert, Adrian Le Roy, Alfonso Ferrabosco el Joven, Thomas Campion o Luca Marenzio.
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Renovó el rock español, rompió los límites de la canción de autor, se empapó de todas las tradiciones, combinó la alta cultura con el lenguaje de la calle, de la ironía saltó al humor, vivió al límite para escribir las canciones más emocionantes, tendió puentes con la actualidad, fijó la crónica poética de un tiempo y la memoria sentimental de varias generaciones de hispanoblantes. Casi sin darnos cuenta, Joaquín Sabina se reveló como uno de los más excepcionales compositores e intérpretes del último medio siglo. Su canon no admite comparación. Hablamos de alguien que, sin desearlo, es mito en vida. En Sol y sombra, Julio Valdeón nos invita a recorrer la vida y obra de Sabina en un viaje eminentemente musical que cuenta con las voces del propio biografiado (en el extraordinario epílogo) y de la mayor parte de los músicos, compositores, productores, colaboradores y amigos que le han acompañado a lo largo de los años: de los imprescindibles Pancho Varona y Antonio García de Diego a los integrantes de Viceversa, de Alejo Stivel a Leiva, de Ariel Rot a Caco Senante, de Álvaro Urquijo a Andrés Calamaro, de Olga Román a Rubén Pozo, de Mara Barros a Luis García Montero, de Pedro Guerra a Carlos Narea, de Felipe Benítez Reyes a Miguel Ríos. Más de cuarenta entrevistados para aproximarnos a la gestación de las canciones, a la creación de los discos, a los procesos de trabajo, a los escenarios y a la vida en la carretera.
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La autobiografía en rústica y en un solo volumen a través de las 161 canciones más emblemáticas desde 1956 hasta la actualidad de Paul McCartney, el mayor compositor musical de la historia contemporánea.«Con más frecuencia de las que puedo contar, me han preguntado si escribiría una autobiografía, pero nunca ha sido el momento adecuado. Lo único con lo que siempre me las he arreglado para hacer, ya sea en casa o de viaje, es escribir canciones nuevas. Sé que a algunas personas, cuando llegan a cierta edad, les gusta ir en busca de su diario para recordar los acontecimientos del día a día del pasado, pero yo no tengo esos cuadernos. Lo que sí tengo son mis canciones, cientos de ellas, de las que he aprendido que tienen el mismo propósito. Y estas canciones abarcan toda mi vida. Espero que lo que he escrito le muestre a la gente algo sobre mis canciones y mi vida que no hayan visto antes. He intentado decir algo sobre cómo ocurre la música y lo que significa para mí, y espero que pueda significar también algo para los demás.» (Paul McCartney) «A partir de las conversaciones que mantuve con Paul McCartney durante un período de cinco años, estos textos son lo más parecido a una autobiografía que jamás podríamos haber escrito. Sus conocimientos sobre su propio proceso artístico confirman una noción que ya habíamos adivinado: que Paul McCartney es una figura literaria importante que se basa y extiende en la larga tradición de la poesía inglesa. Durante sesenta años ha encarnado la inquietud que asociamos con el artista de primer nivel. Y más allá de eso, Paul McCartney es notable porque es uno de los pocos que no solo está influenciado por su tiempo sino que su trabajo ha definido sustancialmente ese tiempo.» (Paul Muldoon)
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Este libro es fruto de una colaboración entre investigadores de la Universidad de Aveiro, el Institut de Creativitat i Innovacions Educatives, la Universidad de Cantabria y la Universidad de Vic. Reúne una selección de trabajos presentados en el 2º Simposio Internacional: 'Música para y por Niños: Perspectivas de Compositores, Intérpretes y Educadores', que tuvo lugar del 28 al 30 de septiembre de 2022 en Aveiro, Portugal. El enfoque principal de este libro es la importancia del desarrollo creativo en la educación musical. A través de diversos estudios e investigaciones, explora cómo la creatividad se convierte en un elemento fundamental para enriquecer y transformar las prácticas educativas en el campo de la música.Los autores presentan diferentes perspectivas y experiencias que demuestran cómo la creatividad puede mejorar el aprendizaje musical y fomentar la participación activa de los estudiantes.El libro busca trascender las barreras convencionales en la educación musical, cuestionando el énfasis excesivo en la notación musical y la rigidez de los enfoques tradicionales. Promueve una visión más abierta y flexible de la música, donde se valora la diversidad de estilos y géneros, así como la inclusión de las experiencias de los alumnos en el proceso creativo. Los autores del libro comparten su experiencia en la implementación de estrategias creativas en el aula, brindando ejemplos prácticos y consejos para que los docentes incorporen efectivamente la creatividad en sus prácticas pedagógicas. La importancia de un entorno de apoyo, donde se fomente la confianza, la experimentación y la colaboración entre alumnos y profesores, está resaltado. En última instancia, este libro es una herramienta valiosa para educadores, investigadores y profesionales en el campo de la educación musical que deseen promover el desarrollo creativo en el aula.A través de su contenido, demuestra que la creatividad no es solo un aspecto complementario de la educación musical, sino un pilar fundamental que impulsa el aprendizaje significativo, la expresión personal y el crecimiento integral de los estudiantes.
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En Please, Please Tell Me Now, el reconocido biógrafo de rock Stephen Davis cuenta la historia de Duran Duran. Su apariencia de niños buenos les convirtió en estrellas, pero fue su brillante maestría musical lo que los llevó a una serie de éxitos número uno. A finales de la década habían vendido 60 millones de álbumes, a día de hoy, más de 100 millones. Davis remonta sus raíces al austero malestar británico de la década de los 70. Guapos, británicos y jóvenes, Duran Duran fueron quienes encabezaron el concierto Live Aid y la banda se movía en los círculos más glamurosos: Nick Rhodes (teclista) se hizo cercano a Andy Warhol y a la princesa Diana y John Taylor (bajista) salió con la chica mala por excelencia, Amanda De Cadanet. Con éxitos atemporales como «Hungry Like the Wolf», «Girls on film», «Save A Prayer» o el tema más vendido de James Bond, «A View To a Kill». Con entrevistas exclusivas con la banda y fotos nunca antes publicadas de sus archivos personales, este libro ofrece el relato definitivo de una de las bandas más importantes en la historia de la música.
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2024, AÑO SCHOENBERG 150 aniversario Esta biografía devuelve aArnold Schoenberg el lugar que le corresponde en el canon de la música occidental. «Una obra de inmenso valor para cualquiera que desee entender a este gigante de la música. La sinceridad de Sachs, como si nos susurrara al oído durante el intermediode un concierto, es refrescante».John Adams, The New York Times Book Review El compositor estadounidense de origen austriaco Arnold Schoenberg (1874-1951) fue un icono internacional en su época. Su sistema dodecafónico se consideraba el futuro de la música. Hoy las principales orquestas rara vez tocan sus obras, y su nombre es recibido con apatía, cuando no con antipatía. Este libro, que en ningún momento pierde de vista al lector no especializado, es una apasionada defensa de Schoenberg, compositor de algunas de las obras más intimidatorias jamás escritas y cuya vida -con sus facetas de pintor, compositor, profesor, judío exiliado, escritor y pensador- puede entenderse como un gran relato de la cultura occidental del siglo XX. Harvey Sachs muestra cómo el músico se rebeló contra la tradición, luchó por ser aceptado en el contexto de las calamidades de su época,desafió a sus críticos -entre ellos los nazis, que calificaron su música de degenerada- y se enfrentó constantemente al antisemitismo, que acabó precipitando su huida de Europa a Los Ángeles. Sintetizando el exceso wagneriano con la contención brahmsiana, Schoenberg generó sin embargo una onda expansiva que nunca se calmó del todo y, como Sachs argumenta con fuerza, acercarse a él y a su obra es indispensable para cualquier persona interesada en el pasado, el presente y el futuro de la música occidental.La crítica ha dicho:«Sachs combina una ágil biografía con un análisis muy accesible de las obras de Schoenberg».The New Yorker «Recomendable para cualquier persona interesada en la obra de Schoenberg, en especial las que se sientan incapaces de descifrar su música. Pese a sus décadas de posguerra en California, Schoenberg nunca escapó de las pesadillas de lo que entonces era un Viejo Mundo desquiciado y sangriento. La excelente investigación de Sachs debería inspirar una nueva comprensión de su vida y su obra».The Wall Street Journal«Brillante. Una guía concisa de la vida y la obra de Schoenberg, que hace accesible su música a un público más amplio. Gran parte de su atractivo reside en la promesa implícita de ayudar a encontrar la belleza oculta en lo que puede parecer, a los no iniciados, una masa de ruido retorcida. Sachs no es ni un odiador ni un entusiasta de ojos vidriosos. Admira su música y el modo en que escribe sobre ella proporciona verdadero placer».Harper's«Sachs disecciona las complejas obras musicales de Schoenberg de un modo accesible para el lector profano, fomentando así la comprensión de su proceso creativo. Hasta el final de sus días, y más allá, Schoenberg ha sido incomprendido e infravalorado. Sachs recorre admirablemente el camino para restaurar la singular posición que ocupa Arnold Schoenberg en el universo musical».Los Angeles Review of Books «Una reevaluación convincente y accesible del gran teórico musical, maestro y compositor».Kirkus Reviews
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Un recorrido visual por la trayectoria del mayor icono del pop actual, Taylor Swift, la artista que ha batido todos los récords.SWIFTIES, ¡HA LLEGADO NUESTRO LIBRO! Con sus composiciones profundamente personales, sus innumerables éxitos y su sonido inconfundible, Taylor Swift se ha consolidado como una de las voces más icónicas de la música pop. Una celebridad que ha revolucionado la industria y el mundo de la música, que nunca volverá a ser igual después de este gran icono. Tras la publicación de su último álbum, Midnights, este impresionante libro rinde homenaje a las diferentes épocas de Swift como artista, sus influencias sonoras y estéticas, sus inspiraciones personales y la increíble comunidad que se ha formado entre su base internacional de fans, junto a decenas de fotografías a todo color. Descubre a la artista que dijo shake it off a las críticas y que celebra a sus fans como ninguna otra, el gran icono pop por excelencia. It's a love story, baby, just say yes!
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A medio camino entre las memorias, el ensayo y el estudio antropológico, Fargo Rock City es un libro hilarante que narra el auge y la caída del heavy metal y de algunos de los grupos más populares de los años 80 y 90 (Guns N' Roses, Poison, Bon Jovi, Def Leppard, Metallica y muchos otros) a la vez que recrea las experiencias juveniles del autor: un fan irredento del metal, nacido en Wyndmere, Dakota del Norte, un lugar en el que habitan más vacas que personas y en el que los temas de conversación habituales son la recogida de la cosecha, el correcto cuidado del ganado agropecuario y los secretos del arte de reparar un tractor. Pero aunque quizás tal entorno no parezca el más propicio para entregarse en cuerpo y alma al rock and roll, hubo un momento en la historia de la música en el que el poder del metal era simplemente imparable e incluso los páramos helados de Dakota del Norte vibraban al compás de KISS y Mötley Crüe.Klosterman, calificado como «uno de los principales críticos culturales de Norteamérica» por la revista Entertainment Weekly y como «el nuevo Hunter S. Thompson» por la revista People, disecciona con humor e impecable precisión la historia y los rasgos básicos del género.
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Jim Morrison es, sin lugar a dudas, la imagen perfecta de lo que significaba ser una estrella de rock en los sesenta: rebelde, virtuoso, genio, loco, hermoso,excesivo, delirante, raro... Y muerto a los 27 años.En esta novela gráfica, Luciano Saracino y Quique Alcatena recorren la vida de este 'enfant terrible' delrock y la poesía y tratan de responder una de las tantas preguntas que muchos se han hecho alrededor de sufigura: ¿por qué agotar una vida tan prometedora entan poco tiempo? ¿Jimbo buscó su temprana muerte, o esa muerte ya estaba escrita para él desde antes? Sumérgete en la vida de uno de los mitos fundadores de lahistoria del rock y sé parte de una época donde lossueños todavía podían soñarse y las puertas de la percepción estaban sólo para abrirse y asomarse... ''tothe other side.''
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Alfred Brendel, uno de los pianistas más notables de nuestro tiempo, es célebre por sus magníficas interpretaciones de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert y Liszt. En esta antología defnitiva de sus textos sobre música Brendel se nos revela, además, como u
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Cocteau escribió Le coq et l'arlequin como manifiesto estético a favor de la música despojada de Erik Satie. Eran los años de la polémica entre los partidarios de Wagner y Debussy. El poeta, novelista y cineasta se sitúa al margen de ambos, pues dice buscar una música que sea ajena a las brumas, que esté definida por la claridad. Las sentencias ingeniosas de este texto pueden calificarse como el acta de nacimiento de una nueva forma de hacer música en Francia, la del llamado Grupo de los Seis. Cocteau reflexiona también sobre su propia aportación a la historia de los estrenos escandalosos, el ballet Parade con música de Satie.
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Dans la composition, l’immuable (le spirituel) s’exprime à travers la ligne droite et les plans non colorés (blanc, noir, gris), tandis que ce qui est variable (le naturel) trouve son expression dans les plans colorés et dans le rythme…Le son, comme la couleur, ne dépend pas du volume. La musique peut donc s’inspirer directement de la peinture.
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Tot va començar el 2009, en concloure l'actuació de Bruce Springsteen i la E Street Band a la mitja part de la Super Bowl. Va ser tan estimulant que en Bruce es va decidir a escriure sobre el que havia experimentat i així, sense saber ben bé què en sortiria de tot plegat i amb força discreció, posà fil a l'agulla i va anar filant-se aquesta monumental autobiografia. Ens descriu com va ser la seva infantesa a Freehold, Nova Jersey, una colpidora barreja de foscor, perill i poesia que va anar conformant l'imaginari de les seves cançons, tot conduint-nos al moment que ell defineix com el seu «Big Bang» particular: la primera vegada que va veure l'Elvis Presley al programa televisiu d'Ed Sullivan. També, amb sinceritat i humor, ens relata la seva lluita per convertir-se en músic, els seus inicis com a líder d'una banda, la formació de la E Street Band i tot el que s'amaga darrere la cançó «Born To Run», el seu himne personal.
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Con un siglo de historia a sus espaldas, y habiendo sido una fuerza de cambio y desarrollo decisiva en la música del siglo XX, ¿cuál es el lugar del jazz en el siglo XXI? ¿Sigue representando una corriente fuerte, innovadora y con valor cultural en nuestro mundo cambiante, o debe resignarse a reproducir los patrones del pasado para el consumo de una minoría elitista? Según Nate Chinen, el jazz está actualmente en pleno proceso de transformación, de adaptación a los nuevos tiempos, y aunque es verdad que vive a la sombra de fenómenos más populares como el pop y el hip hop, su impacto en la cultura contemporánea sigue siendo notable. El jazz del siglo XXI es heredero de la evolución del género hasta su última fase de cambio decisiva, la fusión de principios de los setenta, que resolvió la crisis de identidad que se dio tras la muerte de John Coltrane, y una vez liberado de la presión de tener que ser la música más singular y compleja de su tiempo, el jazz ha vuelto a recuperar sus raíces y a reinventarse a la luz de las nuevas tecnologías, los últimos cambios sociales y la crisis global de la industria discográfica. Playing changes es el primer ensayo que aborda el jazz no como historia pasada, sino como una fuerza viva que todavía hoy sigue creando obras valiosas, generando discursos estimulantes y dialogando tanto con la tradición como con otros géneros. En su viaje por el jazz del siglo XXI, Nate Chinen toma a las figuras centrales del jazz actual ...como Kamasi Washington, John Zorn, Brad Mehldau, Flying Lotus y Cécile McLorin Salvant... como hilos conductores de cada uno de los capítulos para repasar la historia del género en relación con el pasado y con sus posibilidades de futuro, una vez conectado con el hip hop post-millennial, el R&B y los discursos del ruido y de la producción electrónica. El jazz es una música que sabe adaptarse a los nuevos tiempos ...así lo demuestran las obras del saxofonista Steve Coleman, el pianista Vijay Iyer o la bajista Esperanza Spalding, entre otros protagonistas del libro..., y Playing changes funciona como una guía esencial para entender y adentrarse en esta nueva realidad compleja del jazz.
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Resumir sesenta años a través de solo 75 nombres no es fácil. Pero todos y cada uno de ellos, así como quienes tomaron buena nota de su obra y recogieron su testigo, son esenciales para entender cuál ha sido el recorrido de la música popular que se ha hecho en la Comunitat Valenciana. Desde el mismo estallido del rock and roll hasta las últimas tendencias de la músicaurbana. Pasando por el folk, el jazz, el rock progresivo, la canción melódica, la cançó d’,autor, el hard rock, el punk, el synth pop, el country, la electrónica o hasta la música contemporánea. Todos losmúsicos cuya obra aparece aquí reflejada en este libro, prologado por Rafa Cervera, muestran, cada uno a su manera, una forma de ser, una forma de sentir, un modo de fijar nuestras señas de identidad a través dela música. Desde Bruno Lomas a La Plata. Desde 1960 a2020. Desde el Sénia al Segura. Desde el cabo de laNao hasta el Rincón de Ademuz.
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A lo largo de la historia, la humanidad ha creado decenas de miles de instrumentos musicales. Sin embargo, la filosofía ha desatendido este campo de estudio. Aceptando el desafío que representa un estudio filosófico del tema, Bernard Sève demuestra e
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Qui no ha estat tocat per l’emoció que desperta la música? Melodies de l’ànima es presenta com un viatge musical a través del temps (les estacions de l’any) i l’ànima (les emocions). Cada estació inclou tretze emocions i una peça clàssica que la representa. Així, el Nocturn de Chopin ens parlarà de malenconia, Tristany i Isolda de Wagner, d’amor i mort i Quadres d’una exposició de Mussorgski, de l’admiració cap a un amic. Aina Vega ens condueix per obres literàries, peces artístiques i pensaments filosòfics relacionant- los amb meravelloses peces clàssiques musicals i creant una proposta discogràfica imprescindible.Un esplèndid compendi de l’estètica, la música i el pensament occidental a través de les emocions expressades en la música clàssica.
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Por fin en nuestro idioma uno de los libros más claros, relevantes y apasionantes que se hayan escrito sobre la música, tras su lectura, no volverás a escucharla igual... Con prólogo de Félix de Azúa.
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Edición de las dos colecciones de piezas para teclado que Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) publicó como suplemento a su monumental Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado, y que viene a completar la edición crítica española del mismo aparecida en 2017 en esta editorial.Se trata de los 18 Probe-Stücke, Wq. 63/1-6 (H. 70-75) de 1753 y de los 6 neue Clavierstücke o Sonatine, Wq. 63/7-12 (H. 292-297) de 1786, de los cuales se ofrece aquí una fiel transcripción en notación actual de la edición original impresa. La partitura se acompaña con unas tablas en el Apéndice, que son el resultado del detallado análisis efectuado en paralelo con la edición crítica del Ensayo y que permiten cruzar la localización de las temáticas del libro con cada una de las 24 piezas. Con su ayuda es posible acompañar el estudio de las piezas con las palabras del propio Bach.
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Un viaje musical por las ciudades que inspiraron la mejor música clásica, por las calles y plazas que transitaron los compositores indispensables y por los teatros que celebraron los estrenos más memorables de la historia. De San Petersburgo a Buenos Aires pasando por Viena, Londres, Barcelona o Venecia. Del éxito de Don Giovanni en Praga al fracaso de El lago de los cisnes en Moscú. De los paseos de Verdi por Milán al estrés de Dvorak en Nueva York. De la trascendencia de Bach en Leipzig a los sonidos salvajes de Stravinsky en París. Docenas de historias de la música clásica contadas desde el lugar donde se produjeron. . El incendio de Notre Dame y el organo que se salvo. . Haendel paseando por el Tamesis. . La Capilla Sixtina y el oido milagroso. . Arnold Schonberg en el Puente de Vallcarca de Barcelona. . El Kremlin y los canones de Chaikovsky.
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Libros singulares Alianza
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Uno de los mejores libros del año por la revista Mondo SonoroPetty nació en Gainesville, Florida, con mucha sangre sureña en las venas. A pesar de crecer en un ambiente rural cerrado que parecía ofrecerle un futuro poco prometedor, el rock and roll cambió su destino. Conoció a Elvis, vio la primera aparición de los Beatles en la TV estadounidense, fue productor de Del Shannon, formó una banda con George Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison y Jeff Lynne, grabó discos con Johnny Cash y colocó docenas de sus propias composiciones en lo más alto de las listas de ventas. La vida de Tom Petty es una auténtica historia épica del rock and roll. Hasta el momento de su repentino fallecimiento el 2 de octubre de 2017, a la edad de 66 años, las grabaciones y las giras siguieron formando parte de su día a día. Aunque tenía fama de proteger su privacidad, compartió con Warren Zanes rockero, escritor y amigo suyo sus experiencias y su forma de entender la vida, sus aciertos y sus errores dentro y fuera del escenario, y muchos otros detalles personales. Todo ello queda recogido en esta biografía autorizada, tan intensa como rigurosa.
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Aquell llibre va quedar guardat amb la intenció de veure la llum en el cinquè aniversari de la gira, però cinc anys després al Mazoni se li va acudir fer-ne una altra de grossa: capgirar l’aventura del 2010 i tancar-se un mes en un museu a compondre. Si abans havia volgut dur al límit l’ofici del músic ambulant, aquest cop duria al límit l’ofici de fer cançons. I d’això tracten les entrevistes que formen el segon relat conversa: de tot el que hi ha darrere l’acte compositiu, de tot el que amaguen i sostenen les set cançons que Mazoni va escriure durant la seva estada a l’Arts Santa Mònica.«31 dies de gira» i «31 dies tancat» són dues proves de resistència, dues sacsejades als suposats límits del seu ofici, però, sobretot, són dues aventures capgirades amb les quals podem conèixer més a fons no només el Mazoni sinó també tot allò que enlluerna i treu la son a aquesta gent que es dedica a escriure cançons i a cantar-les pels llocs.
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Este libro no es un simple manual, ni un tratado de violín al uso, Yuri Yanelévitch compartió en sus escritos una buena parte de su enorme y valioso conocimiento empírico sobre la formación violinística y musical. Aborda numerosas e importantes cuestiones técnicas, pero sin olvidar jamás su finalidad última: la de hacer música. Es por ello que se trata de un libro de gran interés para cualquier tipo de instrumentista y especialmente para los docentes que forman a los músicos del mañana.Un libro ampliamente conocido desde hace varias décadas en todo el mundo y que ha sido citado en numerosos trabajos y estudios.
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Quan ''Hamp'' -l'irrepetible vibrafonista, pianista, baterista, cantant i director d'orquestra altrament conegut com a Lionel Hampton- sentencià Tete Montoliu l'any 1956 tot proclamant «haver descobert el millor pianista de jazz d'Europa», ben poc podia imaginar-se Montoliu que aquell pronunciament estava a punt de canviar la seva vida radicalment. Alumne avantatjat de la generació que va assentar la modernització del jazz, malgrat militar com a insubornable hardbopper, Tete Montoliu va fer seves les virtuts dels més grans -que sempre el van tractar i considerar com un igual (Dexter Gordon, Johnny Griffin, Thelonious Monk, etc.)-, però tampoc es va deslliurar d'alguns dels seus defectes i excessos. És per aquest motiu que una personalitat complexa i tan determinant per a la història del jazz en aquestes contrades fa necessari, als vint-i-cinc anys de la seva mort, un recull on se n'estableixi un recorregut biogràfic plural i obert -sense ànim de caure en l'exaltació hagiogràfica però sense voluntat d'amagar, tampoc, certes controvèrsies i testimonis contradictoris. Manllevant i alhora mutilant parcialment el títol d'una peça d'un dels seus autors predilectes, Thelonious Monk -amb qui compartia inicials: T. M.-, 'Round About Tete ofereix una mirada calidoscòpica a través de vivències, opinions, articles, declaracions, cartes i altres documents al voltant de la seva vida i obra, provinents de molts dels que van tenir l'ocasió de conèixer-lo: músics, mànagers, programadors, productors, periodistes, escriptors, cineastes, cantants, amics, familiars, amants, empresaris... S'acompanya aquesta edició de les transcripcions d'algunes de les composicions que formaren part del seu repertori: estàndards, cançons populars i composicions d'altres admirats companys de professió
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Partiendo de los padres del country rock y de cada uno de sus subgéneros Eduardo Izquierdo ha tratado de trazar en estas páginas el mapa sonoro esencial para entender la evolución de la música norteamericana del siglo XX.
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Una maravillosa e insolente compilación de sofisticados vituperios proferidos por los más respetados críticos musicales contra los compositores que han marcado la historia de la música. ¿Qué famoso compositor fue un sinvergüenza y un bastardo sin talento alguno? ¿El tercer movimiento de qué conocida sinfonía comienza con un perro aullando a la medianoche, luego imita las regurgitaciones de una cisterna de casa vulgar de clase media baja, y termina con un violonchelo tratando de reproducir el chirrido de una carretilla sin engrasar? Repertorio de vituperios musicales es un recorrido venenoso por la historia de la música clásica. Más allá de una exhaustiva muestra del despliegue de ingenio y la lengua viperina de los críticos musicales a la hora de arremeter contra las obras desde la época de Beethoven, este libro es a su vez una sutil crítica a nuestro ancestral rechazo de todo lo nuevo y desconocido. Además, el estilo meticuloso de los comentarios, que entran a valorar aspectos musicales curiosos y sutiles detalles de las piezas, no solo da fe de un increíble nivel en la crítica musical, que hoy hemos perdido, sino que además llevará al lector a escuchar de otro modo las obras maestras de la historia de la música occidental. Entre los eminentes críticos están George Bernard Shaw, Friedrich Nietzsche y Oscar Wilde. ----------«Liszt es una persona común y corriente con el pelo de punta, un esnob salido de un frenopático. Escribe la música más fea que existe.»Dramatic and Musical Review, Londres, 7 de enero de 1843 ----------«Beethoven les cogió el gusto a las disonancias poco eufónicas porque oía poco y de un modo confuso [...]. Las combinaciones más monstruosas de notas acabaron sonando, en su cabeza, como aceptables y equilibradas.»A. Oulibicheff, Beethoven, ses critiques et ses glossateurs, París 1857 ----------«La música de Wagner es la que más me gusta. Suena tan fuerte que uno puede hablar todo el tiempo sin que nadie oiga lo que dice.»Oscar Wilde Reseña:«Probablemente la obra de consulta más entretenida que existe. Lo que tenemos aquí es una antología sensacionalista de la crítica de la música clásica, pero gracias a las impecables credenciales de Slonimsky, nadie tiene que fingir que lo compra para regalo.»Peter Shickele, compositor y musicólogo «Nicolas Slonimsky recopila en su Repertorio de vituperios musicales los juicios malévolos y viperinos que los críticos han emitido sobre los compositores más destacados.»Stefano Russomanno, ABC Cultural «El libro puede abrirse por cualquier página y la risa está asegurada.»Juanju Blasco Panamá, Artes & Letras, Heraldo de Aragón «Una magnífca obra de consulta, con grandes dosis de humor.»Cosme Marina, Artes & Letras, Información de Alicante
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Cuando ''Hamp'' -diminutivo por el que era conocido entre sus pares el gran vibrafonista, pianista, baterista, cantante y director de orquesta Lionel Hampton- proclamó en 1956 «haber descubierto al mejor pianista de jazz de Europa» poco podía imaginar Tete Montoliu que aquella sentida soflama fuera a propinarle un vuelco tan radical a su vida. Alumno aventajado de la generación que asentó la modernización del jazz, aunque insobornable hardbopper, Tete Montoliu hizo suyas las virtudes de los grandes -que siempre lo trataron y consideraron como a un igual (Dexter Gordon, Johnny Griffin, Thelonious Monk, etc.)- pero, acaso precisamente por ello, tampoco se libró de algunos de sus defectos y excesos. Es por este motivo que una personalidad tan compleja y determinante para la historia del jazz lugareño como la suya hace necesaria, a los veinticinco años de su muerte, una aproximación coral que trace un recorrido biográfico plural, y aperturista -sin ánimo de caer en la exaltación hagiográfica, pero sin voluntad, tampoco, de silenciar ciertas controversias y testimonios contradictorios-. Tomando y mutilando parcialmente el título de una composición de uno de sus autores predilectos, Thelonious Monk -con quien compartía iniciales: T. M.-, 'Round About Tete ofrece una mirada caleidoscópica a través de vivencias, opiniones, artículos, declaraciones, cartas y otros documentos exhumados que versan sobre su vida y obra, aportados por muchos de los que tuvieron ocasión de conocerlo: músicos, mánager, programadores, productores, periodistas, escritores, cineastas, cantantes, amigos, familiares, amantes, empresarios... Se acompaña esta edición de las transcripciones de algunas de las composiciones que integraban su repertorio: estándares, canciones populares y composiciones de otros admirados colegas.
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Detrás de esta recopilación de conversaciones con personajes legendarios vinculados al surf se esconde un viaje en el tiempo en busca de las olas más famosas del mundo y la conexión de este deporte con la contracultura. Un relato oral (con ecos de novela de aventuras) protagonizado por el guionista de Hollywood que trajo el surf a Europa, la plana mayor de la revista Surfer en la década de los sesenta, uno de los ilustres pioneros que domó la bestia de Waimea, el director de la película The Endless Summer, un diseñador gráfico que se codeó con los Rolling Stones, el gran cronista del surf australiano, la viuda de un icono del arte psicodélico, un millonario con sueños extravagantes, una estrella de la música comprometida con el medioambiente, varios fotógrafos que aspiran a dejar una huella imborrable con sus imágenes, un creativo publicitario que adora los coches clásicos y otros tantos rebeldes sin causa que no pueden vivir alejados del océano. El periodista David Moreu ha desempolvado sus grabaciones originales con aroma a salitre para transportarnos a pie de playa y reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de un deporte que se ha convertido en un fenómeno de masas a su pesar. Como se acostumbra a decir en estos casos: “Conecta, sintoniza y déjate llevar”.
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