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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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Desde el nacimiento de la modernidad, la producción visual y la música han tenido una relación especialmente íntima. Desde el manifiesto futurista de 1913 de Luigi Russolo L'Arte dei Rumori (El arte de los ruidos) hasta los discos de doble cara Rotereliefs de Marcel Duchamp, el siglo XX produjo un fértil intercambio entre sonidos y formas, entre símbolos y melodías, y entre los diferentes campos de la composición y la interpretación.En esta antología única realizada por Francesco Spampinato, que reúne 450 portadas de discos concebidas como obras artísticas en sí mismas desde la década de 1950 hasta hoy, descubrimos el ritmo de una historia creativa singular. Un despliegue que revela cómo el modernismo, el arte pop, el conceptual, el postmodernismo y diversas expresiones de arte contemporáneo han dado forma a este particular campo de producción visual y ha ayudado a la distribución popular de la música a través de imágenes míticas. Un imaginario que evoca de manera sugerente e inmediata la experiencia auditiva.En el camino, nos encontramos con los jeroglíficos urbanos de Jean-Michel Basquiat para su propio sello discográfico, Tartown el grafiti de Banksy para Blur y la mariposa ensartada de Salvador Dalí para Lonesome Echo, de Jackie Gleason. Las portadas vienen acompañadas de breves análisis de cada una de ellas, además de una ficha con el nombre del artista, el intérprete, el título del álbum, la discográfica y el año de lanzamiento, así como información sobre la obra de arte original. Entrevistas con Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen y Raymond Pettibon añaden reflexiones y puntos de vista personales sobre esta relación colaborativa y cautivadora entre artistas visuales y músicos.Sobre la serie¡TASCHEN ya tiene 40 años! Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, TASCHEN se ha convertido en sinónimo de ediciones accesibles, y ayuda a devoradores de libros de todo el mundo a crear su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo a un precio inmejorable. Hoy celebramos 40 años de libros magníficos manteniéndonos fieles al credo de nuestra empresa. La serie 40th Anniversary Edition reúne a algunas de las estrellas de nuestro catálogo en ediciones accesibles: más compactas y a mejor precio pero con el mismo compromiso con una producción impecable.
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A finales de los años 70, algo se estaba fraguando en la ciudad universitaria de Athens (Georgia), donde empezó a emerger un sustrato de jóvenes con inquietudes artísticas que no tardarían en formar grupos de rock. De este entorno surgieron The B-52's o Pylon, y poco después una de las bandas que alcanzaría el cénit del rock: R.E.M. Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (bajo) y Bill Berry (batería) tomarían las riendas de los precursores, pero llegarían mucho más lejos. Tras los inicios en el sello independiente I.R.S., donde publicaron algunos singles y álbumes que forjaron una comunidad de fans acérrimos, ficharon por Warner, multinacional para la que grabaron discos fundamentales como ''Green'', ''Out of Time'' y ''Automatic for the People'', y temas como ''Losing My Religion'' o ''Shiny Happy People'', entre muchos otros hits, que vendieron millones de copias en todo el mundo. Pero, a pesar del éxito, R.E.M. consiguieron mantenerse a flote entre el vendaval de la fama y las interminables y multitudinarias giras, y preservar una libertad creativa que forjó canciones memorables y los encumbró como uno de los grandes grupos de rock de los últimos tiempos. Esta es su historia.
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En los años sesenta, el rock y el pop arrasaban en las listas de ventas, y en Nashville, la capital de la música country, los ejecutivos de la industria decidieron plantar batalla. Para ello desarrollaron un sonido que tomaba la esencia del country pero la adornaba con orquestaciones y arreglos pop que lo hacían más agradable para los mansos oídos urbanos. Y para lograrlo, debían controlar por completo lo que hacía cada artista. En ese contexto, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson lideraron una revolución artística en la que fue clave la singular idiosincrasia tejana, estado en el que hippies melenudos con camisetas y zapatillas convivían, bebían y bailaban junto a rudos vaqueros con sus botas y sombreros. Con Hank Williams como padre espiritual y Johnny Cash como referente directo, este grupo de artistas logró romper con lo establecido –desde la música a la forma de grabar o de vestir–, e incluso romper con los poderosos sindicatos. Hacían las cosas a su modo, y por ello les apodaron Outlaws: los forajidos de la música country. Bob Dylan, Gram Parsons, Merle Haggard, Emmylou Harris, Townes Van Zandt, Billy Joe Shaver, Jessi Colter, The Byrds, Guy Clark, David Allan Coe, Johnny Paycheck, Rosanne Cash o el “archienemigo” Chet Atkins son solo algunos de los artistas que se asoman a estas páginas, que recorren la historia de la música country desde la creación del programa seminal Grand Ole Opry, en 1925, hasta la última gira de los Highwaymen (el supergrupo de Cash, Nelson, Jennings y Kristofferson), setenta años más tarde.
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Este libro es un viaje apasionado al corazón de las sevillanas, un género que late con la fuerza de la tradición andaluza y que ha tejido, a lo largo de los siglos, una historia de emociones, fe y arte. Feliciano Pérez-Vera Hernández nos invita a descubrir cómo estas coplas han sido testigo de amores, devociones y costumbres populares, desde su infancia en Hinojos hasta los escenarios más emblemáticos de la cultura flamenca. Con un estilo cercano y lleno de vivencias personales, el autor nos comparte anécdotas entrañables, el proceso creativo tras sus composiciones más icónicas y su lucha por preservar la esencia de un género que une generaciones. Además, el libro ofrece un homenaje a las figuras que marcaron el auge de las sevillanas y una reflexión sobre su transformación a lo largo del tiempo.
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Cincuenta años después de haber nacido en una fiesta del Bronx, en 1973, el Hip Hop es el género musical más popular de Estados Unidos. Sus innovadores DJs y MCs —en su mayoría personas de color provenientes de las comunidades más marginadas de Estados Unidos— llevaron los límites de la música a nuevas fronteras, cautivando a la juventud del país y transformando la moda, el arte e incluso el lenguaje. A lo largo de más de trescientas entrevistas, el galardonado autor y periodista del New York Times Jonathan Abrams ha capturado las historias de algunos DJ, ejecutivos, productores y artistas que fueron tanto testigos como artífices de la historia del hip-hop. Combinando magistralmente estas voces en una narrativa sin fisuras y casi sinfónica, The Come Up relata cómo el género surgió de la creatividad de una población marginada en el sur del Bronx y se extendió a otros distritos de Nueva York e incluso más allá: desde electrizantes reuniones en vivo, pasando a la radio y al vinilo, cruzando el sur bajo la línea Mason-Dixon y llegando hasta Los Ángeles con el gangsta rap y el G-funk. Mediante testimonios como los de Grandmaster Caz, Edward ‘Duke Bootee’ Fletcher, DMC, Ice Cube y Kool Moe Dee, Abrams transmite con una viveza única la determinación, los desafíos y la creatividad imparable que encendieron una de las mayores revoluciones de la música moderna.
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¿CUÁL ES LA BANDA SONORA DE TU VIDA?Los mejores discos, por el mejor dealer musical.Más de un millón y medio de personas ya forman parte de la comunidad de melómanos de @oscarggc.Para algunos, la música puede ser simplemente un fondo sonoro, pero para otros, muchos, la música es una brújula emocional, una máquina del tiempo y una forma de entender el mundo. En este libro, Óscar Giménez (@oscarggc), el creador de contenido musical más icónico de las redes sociales, comparte los álbumes que dejaron huella en su historia personal. Desde clásicos inmortales hasta himnos generacionales, cada disco es una invitación a descubrir (o redescubrir) sonidos que nos han emocionado y nos emocionan, que nos han sorprendido y nos sorprenden, que nos han transformado y nos transforman. Con el estilo característico que ha enganchado a más de un millón y medio de seguidores, Óscar Giménez nos lleva por un viaje a través de canciones que hicieron historia en la música y, de una forma u otra, también en la vida de cada uno de nosotros.SI AMAS LA MÚSICA, ESTE ES TU LIBRO.«No existe la culpabilidad en la música, al contrario: cuando no conoces un tema o un artista y alguien te dice: ''¿En serio no has escuchado esto?'', hay que recibirlo con los brazos abiertos, abrazar la oportunidad. A mí me hace feliz, pues significa que voy a vivir una primera vez, algo que no se va a repetir. Ahora te toca a ti. Llama a quien sea, comparte este momento, y si ya lo conocías, amigo mío, vuelve a darle al play.»Algunos de los discos que encontrarás en este libro: The Doors - The Doors, 1967 / The Wall - Pink Floyd, 1979 / IV - Led Zeppelin, 1971 / The White Album - The Beatles, 1968 / The Freewheelin' - Bob Dylan, 1963 / Thriller - Michael Jackson, 1982 / Arrival - ABBA, 1976 / Toys in the Attic - Aerosmith, 1975 / OK Computer - Radiohead - 1997 / Legend - Bob Marley & The Wailers, 1984 / A Night at the Opera - Queen, 1975 / The Queen Is Dead - The Smiths, 1986 / Ride the Lightning - Metallica, 1984 / Paranoid - Black Sabbath, 1970 / The New Abnormal - The Strokes, 2020 / Hotel California - The Eagles, 1976 / American Idiot - Green Day, 2004 / Sticky Fingers - The Rolling Stones, 1971 / Who's Next - The Who, 1971 / Nevermind - Nirvana, 1991 / Rebel Yell - Billy Idol, 1983 / Meteora - Linkin Park, 2003 / Too Fast for Love - Mötley Crüe, 1981 / Pearl - Janis Joplin, 1971 / Disintegration - The Cure, 1989 / Brothers in Arms - Dire Straits, 1985... y muchos más.
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La autobiografía musical del célebre bajista de los Dire Straits. En los años ochenta, Dire Straits fue una de las bandas más grandes del planeta. En Mi vida con Dire Straits, John Illsley, miembro fundador, bajista y pilar principal de la banda, evoca el espíritu del momento y cuenta la historia desde dentro de una de las mejores bandas en vivo de la historia del rock, un auténtico fenómeno musical global que aún nos sigue fascinando. «Para nosotros supuso una gran aventura y un viaje increíble, con toda su parte de comedia, absurdo, cansancio, locura y tristeza. Y John ha recordado gran parte de todo eso.» Mark Knopfler «Sincero, divertido y tierno. Si te encantaba su música, adorarás este libro.» Nicholas Evans«Irónico e ingenioso. John Illsley es cautivador, entretenido y un gran observador.» Mariella Frostrup «Una extraordinaria visión de la historia del grupo. Sus seguidores quedarán fascinados.» Publisher's Weekly
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¿Cómo se gestó el cambio musical en las discotecas de la Comunitat Valenciana y quiénes fueron sus protagonistas? ¿Cómo desembarcaron estilos hoy mundialmente conocidos como el drum & bass, el trance, el minimal, el electro o el techno? ¿Quiénes fueron los pioneros de estos estilos en el clubbing valenciano? Y pregunta de premio: ¿qué artista internacional fue el primero en pinchar en las cabinas valencianas? Génesis: escena clubber posbacalao en la Comunitat Valenciana. 1996-2010 es una historia oral organizada cronológicamente que cuenta con la participación de medio centenar de protagonistas que lograron desarrollar, con muchas trabas por parte incluso de la propia industria, un nuevo concepto de noche valenciana tras la etapa del bacalao. Es lo que también se conoce como el nacimiento del clubbing valenciano.
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La música Rap forma parte de ese larguísimo árbol genealógico que narra la tradición y evolución de la música negra en Estados Unidos y que ha ejercido una influencia sustancial en la música, la literatura, el cine, la filosofía, la televisión, el comercio, la publicidad, los medios de comunicación, el lenguaje, la moda, la pintura o la danza en las últimas cuatro décadas. Es la banda sonora de muchos movimientos activistas y sus letras siguen teniendo ese componente desgarrador y de combate que lo acerca a la crítica social. En España, por ejemplo, los procesos judiciales a Pablo Hasél y a Valtonyc han colocado al rap en una situación inédita, siendo las letras de sus cancions constitutivas de delitos. El estilo musical que ha revolucionado una época y se ha expandido por todo el mundo DJ Kool Herc: una leyenda considerada como el padre del Rap. «Rapper s delight» de The Sugarhill Gang: el primer disco de Hip Hop de la historia. La Era Dorada del Rap (1985-1995): el género se dota de contenido y se asienta su importancia cultural. Rap en español: De El club de los poetas violentos a C. Tangana y Ana Tijoux pasando por Calle 13.
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Joaquín Sabina, inventario 75 es un homenaje al compositor e intérprete más importante de la música española de los últimos cuarenta años. Creador de una obra sin parangón, siempre rozando la excelencia, que permanece incrustada en la memoria sentimental de varias generaciones tanto en España como en América.Este libro, que celebra el setenta y cinco aniversario del nacimiento de Joaquín Sabina, propone un recorrido por su trayectoria artística y creativa a modo de «inventario», con voluntad de guía de escucha y consulta. Firmado por Juan Puchades y Julio Valdeón, dos de los principales expertos en la obra de Sabina, abarca desde sus primeros tiempos, cuando intentaba aunar la canción de autor y el rock con el lenguaje de la calle y el habla culta, hasta la actualidad, tras romper las barreras estilísticas y pervertir los géneros a su antojo en busca de «la canción más hermosa del mundo».Un ensayo en el que los autores desvelan y ordenan sus referentes musicales, sus obsesiones y sus claves, siguiendo la progresión de su corpus sonoro. Analizan la discografía, abordando tanto los discos oficiales como las rarezas y álbumes de homenaje, y censando la extensa bibliografía que Sabina atesora en su faceta de escritor. Todo ello completado con una selección de declaraciones que ha ofrecido en la prensa a lo largo de las décadas, para comprender mejor las motivaciones y el pensamiento del creador más poliédrico y fascinante de la escena musical en habla hispana: Joaquín Sabina. Además, se recuperan algunos textos históricos del propio Sabina.Un libro sobre Joaquín Sabina completamente diferente a todos los libros sobre Joaquín Sabina.
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Cincuenta años después de la desaparición de Jim Morrison, ocurrida el 3 de julio de 1971 en París, y envuelta en el más profundo misterio, este libro quiere celebrar la vida del músico-poeta y cantante de losDoors, cuya obra, filosófica, esotérica y transgresora, inmersa en el ardor de la contracultura norteamericana y los estertores del hipismo, trató de liberarala gente de su limitado modo de ver y sentir la vida. Tras seis discos publicados a finales de losaños sesenta y polémicos conciertos-rituales en losque Morrison parecía poseído por un alma chamánica,mientras los Doors creaban una música hipnótica paraproducir un efecto catártico, Morrison renunció a losfavores de la gloria y la fama, se arrancó la máscara de sex-symbol, y eligió el «viaje tranquilo» para imponerse como poeta que trabaja en su propio jardín:«La auténtica poesía abre todas las puertas ?diría Jim?. Puedes cruzar la puerta que más te convenga. Poreso me atrae tanto, porque es eterna. Mientras haya gente enel mundo, podremos recordar palabras y combinacionesde palabras. Solo la poesía y las canciones pueden sobrevivir a un holocausto. Nadie puede recordar una novela entera, ni describir una película, una esculturao una pintura, pero mientras haya seres humanos, lascanciones y la poesía sobrevivirán».
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DE LOS CLUBS DE LA PARTE BAJA DEL EAST SIDE A LOS ALMACENES DE WILLIAMSBURG: EL RELATO DE UNA ÉPOCA QUE CAMBIÓ LA MÚSICA Y LA CIUDAD DE NUEVA YORK PARA SIEMPRE, NARRADO POR SUS PROTAGONISTAS. A partir de casi doscientas entrevistas originales realizadas por una escritora que recuerda las resacas en primera persona, Meet me in the bathroom continúa la gran tradición del entrañable clásico Por favor, mátame de Legs McNeil y Gillian McCain. Este libro describe la primera década de nuestro milenio con su inagotable gloria épica y traza un retrato brillante de una ciudad, una industria y una generación al borde de un cambio sísmico.
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Homo Musicalis es un interesantísimo estudio divulgativo sobre la relación de la música con todo aquello que nos hace humanos. Tomando como punto de partida el funcionamiento del cerebro, el autor de Historia oculta de la música analiza la importancia de la música en el desarrollo de nuestra inteligencia, centrándose en aspectos diversos de la humanidad como la religión, la naturaleza, el cosmos, el humor, la política, la violencia, la enfermedad, la política o la guerra. Temas y curiosidades que evidencian por qué la música se convirtió en algún momento de la evolución en un proceso crucial para nuestro desarrollo como especie. Un libro que, como afirma Espido Freire en el prólogo, «te devolverá el tiempo que le regales multiplicado en hondura y en placer». Y un libro, además, que se puede escuchar, porque en cada capítulo se remite a piezas relacionadas que encontrarás en YouTube. La conexión biológica del sonido. De monos y pájaros Una sinfonía mágica. El baile de los planetas Partituras cifradas, guerra y diplomacia Ibuprofeno o canción. ¿Qué me tomo, doctor? Del rock al black metal. Violencia estética La Guerra Civil Española. Un país dividido en canciones
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Partituras para aficionados al piano.
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Pocos compositores parecen tan esenciales en el repertorio operístico como Giacomo Puccini, favorito del público mundial, si bien su consideración entre críticos y académicos actuales es desigual, división de opiniones que ya sufrió en su tiempo el propio músico. Su obra se inscribió en el centro de la profunda crisis de identidad nacional que, tras la unificación, atenazó a Italia a principios del siglo xx, y convirtió a Puccini en un «problema»: mientras que para unos era el símbolo de la decadencia finisecular, para otros era el emblema de la nueva italianidad y el progreso. Este fascinante libro es el primer estudio en profundidad de las óperas de Puccini y el primer intento serio de contextualizar al compositor en su entorno político, estético e intelectual, identificando las ideologías que dieron forma a las diversas reacciones antagónicas en vida del compositor. Un libro revelador tanto para los amantes de la ópera como para todo lector interesado en la vida artística e intelectual de Italia en los albores del convulso siglo pasado.
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Vicent Torrent és una figura clau en la història de la música actual del nostre país. Amb el grup de la seua vida, Al Tall, va escriure cançons que són autèntics himnes populars i que formen part de la nostra història. Però el seu treball incansable ens ha deixat un llegat encara més valuós: va canviar per sempre la nostra manera d’entendre la cançó popular del País Valencià, va restaurar el vincle perdut entre el present i la memòria antiga de les velles generacions, ens va reconnectar amb la Mediterrània com a marc cultural de referència i va dotar d’autoestima i relat propi els moviments populars d’arreu del territori. Perquè la seua biografia és la de milers de joves que van créixer en la desmemòria i que a les acaballes del franquisme van protagonitzar una apassionant revolució personal i col·lectiva cap a la descoberta de la pròpia identitat. Una generació que va haver de reconstruir la casa en ruïnes de la nostra cultura.Durant més de cinc dècades, Vicent Torrent ha treballat sense treva per reconstruir-la malgrat els atacs de l’extrema dreta i els intents de censura i invisibilització, amb projectes com la Fonoteca de Materials, en què va recórrer el territori enregistrant de viva veu la gent de la terra, o amb l’articulació del concepte de sobirania musical contra l’homogeneïtzació i colonització cultural, encoratjant des de la pràctica la creació musical entorn del concepte de la riproposta i la cançó popular. Aquesta sembra ha fructificat en una extraordinària escena musical valenciana que el té com a mestre. També, en un gran reconeixement institucional, acadèmic i, sobretot, popular.En aquesta biografia, Josep Vicent Frechina ens acosta a la profunditat de la seua figura i obra. Un llegat imprescindible per a entendre qui som i d’on venim. I per a seguir combatent els discursos monoculturals, censors i repressors que ens continuen amenaçant.
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Un activity book con Taylor Swift como protagonista, la reina de la música mundial.CREA 13 INCREÍBLES DISEÑOS DE MOSAICOS CON PEGATINAS. ¡Para los swifties! ¡Crea alucinantes imágenes de la única e inimitable Taylor Swift con pegatinas geométricas! Da vida a los momentos clave de la carrera meteórica de la superestrella del momento valiéndote de secciones numeradas y originales stickers. Con cada diseño, te sumergirás en la historia de los álbumes, canciones, premios, citas y curiosidades que hacen de Taylor Swift mucho más que una cantautora. Descubre qué la convierte en un ídolo de masas.
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NUEVA EDICIÓN 10.º ANIVERSARIO - NUEVO PRÓLOGO DEL AUTOR Aleix Vergés, DJ Sideral (Barcelona, 1973-2006), fue el emblema de una década, un faro involuntario y generacional que fraguó su leyenda a los platos del mítico club Nitsa y como líder, cantante y guitarrista del hype más clamoroso del pop español de los noventa: Peanut Pie. La estrella de Sideral afluyó en la encrucijada postolímpica, y su intuición, su talento y su influencia presenciaron el nacimiento de dos de los festivales de música de mayor envergadura planetaria: Sónar y Primavera Sound. El metro noventa y siete de Aleix rompió el techo e iluminó el camino de una generación de jóvenes hedonistas y noctámbulos, de los hijos de la democracia, la segunda residencia y el sueño dopado de la universidad. Poco a poco, los surcos del techno, la llegada de estrellas internacionales, el entusiasmo postolímpico y el desembarco masivo del éxtasis —la droga del amor— conformaron la banda sonora de una década, de la que Aleix se convertiría, muy a su pesar, en icono y estandarte. Aleix Vergés era la música y fue un pionero. Una esponja indiscriminada. Constante. Devoraba todo tipo de sonidos, y su curiosidad era infinita. Su altura y su delgadez, su insultante belleza y su irresistible magnetismo, convivieron con una personalidad quebradiza, sensible e insaciable. Aleix estaba convencido de no poder amar, de ser venenoso y de que la muerte se lo llevaría temprano. Vivió a degüello, escribió, pintó, fotografío y se bebió y rayó la vida como si siempre faltara un segundo para el final, un desenlace temprano como sus vaticinios que se consumó una noche de 2006. Tenía solo treinta y dos años y un legado gráfico, plástico y musical que incluye ochenta y cuatro mixtapes, el disco de Peanut Pie, tres discos como mezclador y su obra póstuma, «Canciones siderales», bajo el nombre de Leire. Aleix nunca compuso una canción, pintó un cuadro o escribió un poema para sí mismo: su familia, sus colegas y la gente que le apoyó fueron siempre el motivo sentimental y creativo de su existencia. Héctor Castells, amigo de Aleix Vergés, escribe una biografía, una novela generacional eléctrica e intensa, que fluye a la velocidad de las mezclas de Sideral. El libro es una crónica vibrante de la Barcelona de los noventa y de una vida efímera e imparable, vista, escuchada y sentida en boca de muchas de las personas que le conocieron en vida.
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El libro desvela el proceso íntimo de componer una canción y nos aproxima al profundo sentimiento de asombro que pervive en el corazón de este proceso tan curioso como gratificante. Asimismo, nos habla de la importancia de conseguir que la creatividad forme parte de nuestra vida cotidiana y de experimentar la esperanza, inspiración y gozo que están allí esperando a cualquiera que se decida a empezar a componer.
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En ''Por qué Beethoven tiró el estofado'' el famoso violonchelista Steven Isserlis nos sorprendió a todos con un maravilloso regalo tal y como en su momento su profesor de chelo le hizo a él, la posibilidad de conocer a los grandes compositores como si fueran nuestros amigos y hablaran con nuestras propias palabras. En este nuevo libro nos dibuja con su atractivo lenguaje el mundo de otros seis compositores extraordinarios –Händel, Haydn, Schubert, Tchaikovsky, Dvorák y Fauré–, haciéndolos revivir en nuestra imaginación como si pudiéramos escucharles hoy en día. Amenizado con historias coloridas sobre estas increíbles personalidades y sus amigos, este libro es una lectura atractiva y accesible tanto para niños como para adultos.
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La última y más profunda biografía sobre la mítica banda The Velvet Underground que revolucionó los parámetros de la música para siempre, publicada con motivo del 10º aniversario de la muerte de Lou Reed.Una extraordinaria obra que se sumerge en la naturaleza vanguardista del grupo, de cómo impusieron un lenguaje que rompía con lo heteronormativo, su aportación al feminismo a través de Moe Tucker y Nico, de cómo Lou Reed introdujo la literatura en el rock y cómo Cale relacionó las músicas de vanguardia, de cómo crean el patrón de lo que años más tarde será la música independiente, a la vez que plantaron las semillas del glam y el punk, y de cómo la influencia de Warhol sobre la Velvet origina un modelo que muchas otras bandas neoyorquinas como Blondie o Talking Heads aplicaron a su manera. En definitiva, una historia apasionante que ocurre en un lugar -Nueva York-, y un momento de la historia -los años sesenta-, que se desarrolla como un drama humano -amistad, celos, juegos de poder, pasiones- que terminarán dejando una huella profunda en la cultura futura.
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La biografía de Peter Doherty es la última de las grandes historias del rock and roll: líder de The Libertines y los Babyshambles, compositor excepcional, blanco de la prensa amarilla, siempre metido en líos, arrastrando problemas con las drogas, antisocial y encantador al mismo tiempo. Para sus devotos seguidores, Doherty es un héroe de culto, para sus detractores, un chaval prometedor que terminó malogrado.Una vez superados sus años más salvajes, y con la sensación de haber sobrevivido de manera milagrosa, Peter Doherty expone con franqueza, de manera sobria y a veces muy emotiva, los momentos más importantes y oscuros de su vida y de su carrera musical, mostrando las claves de su creatividad, repasando la historia de The Libertines y los Babyshambles, bandas que han definido los últimos veinte años de indie rock con su sonido, sus canciones y su estilo provocador. Con ingenio y desenvoltura, Doherty detalla sus influencias musicales (The Smiths, The Clash, The Stooges, Sex Pistols...), su infancia errante y las travesuras juveniles en Londres antes de alcanzar la fama, las fiestas decadentes con drogas duras y groupies, sus relaciones con Kate Moss y Amy Winehouse, los pequeños conciertos y los espectáculos en grandes estadios, los escándalos con gánsteres, las condenas en diversas cárceles británicas, la ruptura de sus bandas a causa de las drogas, su relación con Carl Barât, su tendencia a la autodestrucción...Peter Doherty. Un chaval prometedor es la versión del propio músico de toda aquella historia, una autobiografía sorprendente que, con humor y lucidez, muestra a la persona y al músico que hay detrás de la fama y la infamia y que a más de uno le hará preguntarse: «¿Cómo es posible que todavía siga vivo?».
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NUEVA EDICIÓN 30 ANIVERSARIO. Una obra excepcional sobre la historia del jazz clásico y moderno. Nueva edición 30 aniversario de la gran obra de referencia para los amantes del jazz, ya que nos ofrece la mejor y más detallada visión de este género: sus orígenes, sus protagonistas y sus estilos periféricos, sin descuidar el análisis riguroso (tan poco frecuente en las obras de esta envergadura) de las estructuras musicales, sus técnicas, sus variaciones y sus raíces. Se trata de un estudio del jazz clásico y moderno, abordado desde una óptica crítica, ajena tanto al subjetivo culto al mito como a la simple reproducción de la anécdota, algo que, desgraciadamente, se ha convertido en la perspectiva más común en la historiografía musical, y especialmente en la del jazz. En definitiva, un libro insustituible tanto para quien quiera aproximarse por primera vez al excitante mundo del jazz como para el estudioso o profesional que busque profundizar de una forma sistemática y rigurosa en su conocimiento. UN BEST SELLER INTERNACIONAL.
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'Un relato arrollador sobre la encrucijada del punk, el emo y el hardcore durante el estallido comercial de principios de los noventa y la primera década de los dos mil, centrado en once bandas que se «vendieron» y alcanzaron la fama entre el gran público o sucumbieron a la presión A principios de los noventa, el punk rock se encontraba en un dilema. Después de que Nirvana, el grupo predilecto de la escena independiente, se convirtiera en un fenómeno de masas gracias al inesperado bombazo que fue Nevermind, rebelarse se puso de repente de moda. Con la intención de replicar el éxito del trío, los cazatalentos de las grandes discográficas dirigieron su atención hacia el underground y comenzaron a hacer la corte a las estrellas emergentes del punk. Pero el movimiento punk «hazlo tú mismo», que se vanagloriaba de su autenticidad y su espíritu antisistema, no estaba dispuesto a dejar marchar a los suyos sin oponer resistencia, y en consecuencia se produjo una clara división: a un lado quedaron los que se aferraron a su credibilidad indie con actitud desafiante, y al otro, los que aceptaron el dinero de las multinacionales. GREEN DAY DOOKIE JAWBREAKER DEAR YOU JIMMY EAT WORLD STATIC PREVAILS BLINK-182 DUDE RANCH AT THE DRIVE-IN RELATIONSHIP OF COMMAND THE DONNAS SPEND THE NIGHT THURSDAY WAR ALL THE TIME THE DISTILLERS CORAL FANG MY CHEMICAL ROMANCE THREE CHEERS FOR SWEET REVENGE RISE AGAINST SIREN SONG OF THE COUNTER CULTURE AGAINST ME! NEW WAVE''
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Un viaje a la nostalgia de los 90 a través de las 90 canciones que marcaron la década. Los 90 fueron una época caótica, descarnada y tremendamente mágica para la música. Grandes estrellas, nuevas maneras de crear, estilos diversos: del grunge al hiphop, del suntuoso rythm and blues al disonante ska, de Britney Spears a Radiohead, de las Spice Girls a Sinéad O'Connor o de Blur a Nirvana. Mezclando los ritmos como si nos lanzase a una enorme pista de baile, en Los 90 en 90 canciones (o más) el periodista musical Rob Harvilla revisita los empalagosos, pegadizos e icónicos hits de la generación X, en un relato que combina la solidez narrativa y el análisis agudo a un ritmo vertiginoso. Aderezado con reflexiones personales, mucha ironía y grandes dosis de humor, Harvilla repasa las canciones más extrañas, alegres e inolvidables de una década musical que, al mismo tiempo que nos sonrojamos, añoramos tremendamente. --- «Esto es más que un tributo a la música con la que crecimos: es una exploración de cómo las canciones significan más para nosotros ahora.» Elie Honig, CNN Senior Legal Analyst «Instructivo y a menudo conmovedor.» Kirkus Reviews «Una carta de amor divertida y conmovedora a una década.» Publisher's Weekly «Una sólida introducción a la música de los 90, útil tanto para los lectores que no están familiarizados con la era de la cultura pop como para aquellos que quieran sumergirse de nuevo en sus clásicos.» Booklist Reviews
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Preparada con la inestimable colaboración de la asociación Cifujazz, esta nueva edición busca volver a hacer accesible al público, por primera vez en forma de libro, la única obra que Juan Claudio Cifuentes escribió de forma sistemática durante su larga carrera. Desde sus orígenes en el lúcido y sórdido Nueva Orleans de principios del siglo XX hasta el desarrollo del jazz modal y el hard bop en los años cincuenta y sesenta, estas páginas presentan la historia de los años clave de un sonido que llegó para transformar la música en todos sus registros.Un texto fundamental para cualquier amante del jazz o de la música en general, escrito con la cercanía y la sabiduría que siempre caracterizaron la inconfundible voz de Cifu. «Besos, abrazos, carantoñas y achuchones múltiples para todos.»
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Cocteau escribió Le coq et l'arlequin como manifiesto estético a favor de la música despojada de Erik Satie. Eran los años de la polémica entre los partidarios de Wagner y Debussy. El poeta, novelista y cineasta se sitúa al margen de ambos, pues dice buscar una música que sea ajena a las brumas, que esté definida por la claridad. Las sentencias ingeniosas de este texto pueden calificarse como el acta de nacimiento de una nueva forma de hacer música en Francia, la del llamado Grupo de los Seis. Cocteau reflexiona también sobre su propia aportación a la historia de los estrenos escandalosos, el ballet Parade con música de Satie.
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CONOZCA A UNO DE LOS COMPOSITORES MÁS IMPORTANTES DE LA HISTORIA DEL CINE. Hans Florian Zimmer es historia viva de la música cinematográfica. Ha sabido combinar como nadie la integración de la música electrónica y los arreglos de carácter sinfónico-orquestal en sus composiciones. Considerado en la actualidad como uno de los compositores más brillantes de la meca del cine, Zimmer cuenta en su haber con algunos de los premios más relevantes de la industria, incluyendo dos Óscar por sus trabajos en las películas El Rey León (1994) y Dune (2021), así como varios Globos de Oro, Bafta, Emmy, Grammy y Saturn. Este es un libro monográfico sobre Hans Zimmer. En él no solo podrás conocer los entresijos de las películas en las que ha colaborado sino que además podrás recrear cada música gracias a los códigos QR que incorpora, además de otros vídeos con informaciones adicionales. • Los últimos días: El mejor compromiso de Zimmer. • La delgada línea roja: Filosofía musical sobre la guerra. • Gladiator: Camino musical al reencuentro. • Hannibal: Zimmer, entre la elegancia y el horror. • Black Hawk derribado: Meter a la audiencia en el infierno. DESCUBRA A TRAVÉS DE SUS BANDAS SONORAS LA OTRA CARA DE PELÍCULAS EXTRAORDINARIAS.
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El rock es una expresión de rebeldía, un fenómeno social, una manifestación artística y una actitud irreverente y gamberra que sigue reinventándose a lo largo de las décadas: psicodelia, punk, new wave, grunge, post punk… Su historia está reple
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Antonio Vega arrastró durante toda su vida una fama de poeta maldito, de ser un artista al borde del precipicio, un hombre que jugaba peligrosamente con los claroscuros de la vida. Sin embargo, a través de sus canciones, Antonio desnudaba el alma y se mostraba sincero ante quienes de verdad quisieran escuchar y entender. Sin escondrijos ni dobleces, nunca ocultó ni se ocultó de la persona que eligió ser sin que importaran las consecuencias. Autor de letras eternas, compositor de melodías inolvidables y un guitarrista demasiadas veces ignorado, en el cuadro que Antonio Vega dejó a medio pintar, en la vida que dejó a medio escribir, esos huecos solo pueden dibujarlos aquellos que le conocieron, le amaron y le acompañaron. Este relato pretende abarcar y explicar la vida de un artista transformado en icono, de un hombre fascinante y magnético que nos hechizó a todos con la especial delicadeza de su voz y la magia de sus canciones. Vega nunca pudo o nunca quiso echar raíces demasiado profundas, quizá porque temía que le impidieran volar, quizá porque intuía que le impedirían vivir, quizá por eso, Antonio Vega, siempre tuvo el corazón en las estrellas.
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BESTSELLER DEL NEW YORK TIMES Y UNO DE LOS MEJORES LIBROS DEL AÑO PARA WASHINGTON POST, TIME, NPR, VOGUE, ENTERTAINMENT WEEKLY, THE NEW YORK TIMES, OODREADS, BUZZFEED...DE LA LÍDER DE LA BANDA INDIE POP JAPANESE BREAKFAST, UNA INOLVIDABLE HISTORIA SOBRE LA FAMILIA, LA COMIDA, EL DOLOR Y EL AMOR «Desde que mi madre murió, lloro en H Mart. H Mart es una cadena de supermercados especializada en comida asiática. La H es por han ah reum, una frase en coreano que podría traducirse como 'un brazo lleno de comestibles'. Mi madre expresaba su amor por medio de la comida. Por muy crítica o cruel que pudiera parecer -no dejaba de presionarme para que colmara sus utópicas expectativas-, yo siempre sentía que su afecto irradiaba de los platos que me preparaba exactamente como a mí me gustaban. Y si bien apenas hablo coreano, cuando estoy en H Mart es como si lo dominara. Acaricio los productos y digo los nombres en voz alta: melón chamoe, danmuji. Recuerdo las chucherías que mi madre me contaba que comía cuando era niña y el empeño que ponía yo en intentar imaginarla a mi edad. Quería que me gustaran todas las cosas que le gustaban a ella, quería ser ella». La voz de Zauner, enérgica y directa, lírica y sincera, suena tan viva sobre el escenario como en cada una de estas páginas. Lágrimas en H Mart, un libro para disfrutar, compartir y releer, es su exquisito debut como escritora.
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Cuando Kurt Cobain murió en su casa de Seattle el 8 de abril de 1994 a la edad de 27 años, la música perdió al ídolo de toda una generación. Ernesto Assante, reconocido periodista musical, guía al lector a través de la historia personal de un artista y el descubrimiento de todo un género musical que simboliza una época. Kurt Cobain es y será para siempre el símbolo del grunge, el estilo que unió a toda una generación gracias a las canciones de Nirvana. Un sensible y frágil poeta que, pese al amor, el éxito y la felicidad que pudo conocer, vivió permanentemente en contradicción. Catapultado a la cima de la música, icono de una generación, su angustia y desesperación le acompañaron siempre hasta el último día de un triste final.
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Johnny Marr nos traslada con sus memorias al Mánchester febril de los ochenta. En el arranque de esa década prodigiosa se produjo el feliz tropiezo con Steven Patrick Morrissey que, pasado el tiempo, daría lugar los Smiths, la banda más representativa y s
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Kim Gordon dio a luz a principios de los 80, junto con el que sería su marido, Thurston Moore, y el guitarrista Lee Ranaldo, a uno de los grupos más innovadores, influyentes y prolíficos de la escena musical independiente norteamericana, Sonic Youth. «La chica del grupo» es el relato en primera persona de uno de los grandes iconos femeninos del rock, una mujer que, como Patti Smith, Janis Joplin o Marianne Faithfull, supo encontrar su lugar en un mundo fundamentalmente masculino y, a menudo, sexista. Dotada de un singular talento e inquietud para lo creativo desde su temprana juventud, Kim Gordon narra en estas apasionantes memorias el devenir de una vida dedicada a la música, al arte -su obra artística, entre la pintura y la instalación, ha sido expuesta en relevantes galerías-, la moda -fue una de las creadoras de la marca X-Girl- y, en menor medida, la interpretación -ha trabajado como actriz a las órdenes de directores como Gus Van Sant, Olivier Assayas o Todd Haynes-, pero también su fecunda historia de amor con Thurston Moore. Sin embargo, la que fuera una de las parejas del rock más longevas y creativas se disolvió tras veintisiete años de matrimonio, poniendo también punto y final a la trayectoria de un grupo que marcó un antes y un después en la música alternativa de los 80 y los 90. Gordon relata con una angustia aún latente cuando descubrió que su marido la engañaba con otra mujer y cómo, después de una retahíla de engaños y mentiras, decidió separarse de él definitivamente. Kim Gordon también rememora la electrizante escena musical y artística de Nueva York y algunas de las canciones más celebradas y perdurables de Sonic Youth como «Death Valley Æ69», «Schizophrenia» o «Kool Thing», y recuerda con especial cariño su cálida amistad con Kurt Cobain, el líder de Nirvana. «La chica del grupo» explora de manera inteligente y crítica el punto de vista de una mujer que supo abrirse paso en un mundo donde aún hoy prevalece la testosterona, así como también las dificultades que acarrea traer una hija al mundo, conciliar la maternidad con las exigencias de la vida del rock y el arte, y la necesidad de encontrar un espacio propio donde dar rienda suelta a la libertad creativa.
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