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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Las imágenes distan de ser transparentes, están plagadas de sobreentendidos y códigos, tienen etimologías,dialectos y jergas. La visión no es solo un fenómenoóptico, implica también pactos y procesos sociales.La adopción de hormas mentales derivadas de la perspectiva renacentista o el empleo de artefactos como lacámara oscura o la linterna mágica estuvieron cargados de consecuencias. Y la enunciación de la mirada contemporánea supone suscribir, consciente o inconscientemente, un complejo aluvión de atavismos asentados ennuestro ADN cultural, desde Altamira hasta la Capilla Sixtina o las actuales pinturas callejeras. Este libro, profusamente ilustrado, muestra algunos de esositinerarios. Por sus páginas desfilan Leonardo, Brueghel, El Bosco, El Greco, Rembrandt y Arcimboldo, Cervantes y Borges, Goya y Solana, Einstein, Escher y Moebius, Eisenstein, Orson Welles, Hitchcock, Pasolini,Godard, Buñuel y Dalí. Pero también otros eslabones menos conocidos, que han configurado nuestra vivenciaespaciotemporal y hoy nos permiten trasvasar a las tramas audiovisuales las últimas teorías sobre el cosmos.
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Arquitectura, promptografía, imágenes y formas de percepción, un ensayo sobre su evolución y la irrupción de la IA en este territorio.Este ensayo aborda los primeros intercambios entre la arquitectura y la promptografía, o las imágenes generadas por medio de la inteligencia artificial. En el marco de esta tecnología, la arquitectura se abre a nuevas formas de percepción que entrelazan la escritura con la visualización, la memoria con las bases de datos globales o la creatividad con el descontrol. Estas y otras cuestiones constituyen los puntos cardinales de un texto en el que Lluis Juan Liñán se adentra en las propuestas creativas que se adivinan con la aplicación de la IA a la imaginación arquitectónica.
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Harley Quinn ha decidido recuperar su profesión, seguir un camino propio y formar un peculiar grupo con que seguir haciendo frente a Superman, que se topa con más oposición en este volumen. Al fin y al cabo, el Hombre de Acero y sus huestes han conseguido someter casi todo el planeta, pero todavía quedan reductos como la nación soberana de Kahndaq. Y Black Adam, el líder indiscutible de la misma, no está dispuesto a que nadie le dé órdenes... y cuenta con el poder necesario para mantener la independencia de su país. El quinto año de Injustice encara su recta final en este volumen escrito por Brian Buccellato y dibujado por autores habituales como Xermánico o Mike S. Miller.
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Heliodoro Dols pertenece a la CX promoción de la Escuela de Arquitectura de Madrid, de la que también forman parte Fernando Higueras, Curro Inza y Luis Peña Ganchegui, entre otros. Arquitectos formados a la sombra del racionalismo de Alejandro de la Sota
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Un libro revolucionario de un pensador revolucionario para todas aquellas personas interesadas en la música, en las ciudades y en hacer de nuestro mundo un lugar mejor.La ciudad donde quiero estar analiza de forma accesible la relación de la música con las ciudades. No se trata de la influencia que los entornos urbanos tienen en la música, sino del poderoso impacto que esta puede tener en cómo se desarrollan, construyen, gestionan y gobiernan los espacios en los que vivimos. Shain Shapiro, experto en políticas musicales y culturales, a través de sus trabajos en ciudades de todo el mundo —como Londres, Melbourne, Nashville, Austin o Zúrich—, adopta una perspectiva global sobre las formas en las que la música es parte integral de la vida cotidiana pero es descuidada por las políticas públicas.Este libro examina el poderoso impacto que la música puede tener en nuestras ciudades y constituye una caja de herramientas para reinventar las comunidades.
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Trabajar por las mejoras sociales en barrios periféricos no es tarea fácil. Menos aún lo es intentar igualar las condiciones de vida de la periferia con las del centro y el conjunto de la ciudad. Pensar localmente —el barrio— al mismo tiempo que globalmente —la ciudad— implica una serie de dificultades vinculadas con la gestión interna y externa, además del manejo de unas relaciones institucionales que, dada la estructura de la burocracia local, se acaban multiplicando por la interlocución de varios actores. Este libro recoge la gran transformación urbana y social del barrio del Bon Pastor de Barcelona, vista desde la perspectiva de uno de sus activistas más incansables, Salvador Angosto, vecino implicado en incontables luchas durante más de cuarenta años. Su memoria particular constituye la historia de toda una comunidad, la del Bon Pastor.
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Un profundo y revelador ensayo sobre el Beatle y su muerteEn este nuevo, inquietante y detallado estudio del gran músico, la aclamada biógrafa musical Lesley-Ann Jones desentraña el enigma que fue John Lennon, para presentar un retrato completo del hombre, de su vida, sus amores, su música, su muerte prematura y su extraordinario legado. Excavando profundamente bajo sus muchas capas, Jones rastrea de cerca los eventos de la vida y los rasgos de personalidad que llevaron a Lennon a vivir en un exilio autoimpuesto en Nueva York, donde fue asesinado a tiros frente a su apartamento. ¿Quién o qué mató a John Lennon? ¿Y cuándo murió el «verdadero» John Lennon? Las cuatro balas disparadas en su cuerpo por el asesino Mark David Chapman en Nueva York el 8 de diciembre de 1980 fueron, en opinión de Jones, solo el último clavo. Bellamente escrito y basado en profusas investigaciones recientes de primera mano y en entrevistas exclusivas con las personas cercanas que mejor conocían a Lennon, Jones ofrece una mirada fascinante, sincera y completa a una de las leyendas más eternas del mundo, profundizando en su psique: el bueno, el malo y el genio, cuarenta años después de su muerte. Basándose en sus veinticinco años como periodista e investigadora, Lesley-Ann Jones no deja piedra sin remover. Su investigación la ha llevado por todo el mundo, desde Liverpool hasta Londres, desde Tokyo hasta Nueva York, volviendo sobre los pasos de Lennon, para pintar un retrato compasivo pero franco de la superestrella: un examen de un personaje complejo que atraerá a una nueva generación de fans, así como a aquellos que tienen la edad suficiente para recordar dónde estaban el día del asesinato de John Lennon.
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Aldwyn Roberts (1922-2000), más conocido como Lord Kitchener o Kitch, es, sin duda, una de las figuras másdestacadas de la música del siglo XX. Kitch es descrito como ''el gran maestro de la música calipso''. Eluniverso calipsoniano es fascinante y va más allá delos carnavales caribeños: el calipso original fue una herramienta de denuncia social y una forma de resistencia e insumisión colonial.
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Mirada íntima y reveladora al viaje de una artista desde la autocensura a la expresión plena More Myself:Mi viaje es parte autobiografía y parte documental narrativo. El viaje de Alicia se revela no solo a través de sus sinceros testimonios, sino también a travésde vivos recuerdos contados por quienes caminaron a su lado. El resultado es una panorámica completa del recorrido de Alicia: desde su infancia en Hell s KItchen y Harlem hasta llegar al proceso de autodescubrimiento en el que todos debemos explorar. En More Myself, Alicia comparte su búsqueda de la verdad: sobre símisma, sobre su pasado y su paso de sacrificar su espíritu a celebrar su valor. Con la honestidad total que ejemplifica el arte de Alicia, More Myself es a lavez un relato apasionante y un llamamiento a sus lectores: a que se definan en un mundo que rara vez fomenta una identidad única y auténtica.
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Una mañana de marzo de 2021, Mark Lanegan se despertó sordo y sin apenas poder respirar en su casa de Irlanda. Fueron los primeros y devastadores síntomas de la infección por covid-19. Al rato, se precipitó escaleras abajo y perdió el conocimiento. Durante los siguientes meses fue entrando y saliendo de un coma profundo, y cuando recuperó la conciencia fue incapaz de caminar y de apenas comer. A las puertas de la muerte, en su cama del hospital de Kerry, entre el insomnio y un sueño intranquilo, le asaltan pesadillas, visiones y recuerdos de una vida caótica y demencial. Escrito en hachazos secos de prosa y poesía, ''El diablo en coma'' es un relato desgarrador sobre la convalecencia y el remordimiento, y a la postre el testamento vital de un cantante único. Tras la publicación en octubre de 2022 de ''Sing Backwards and Weep (Cantar hacia atrás de llorar)'', del cantante y compositor Mark Lanegan, fallecido el pasado mes de febrero de 2022, y que ha sido reconocido como el mejor libro de música publicado en España el año pasado según las prestigiosas revistas Rockdelux y Ruta 66, entre otras, presentamos el que a la postre fue el último título publicado en vida del autor, donde relata su terrible experiencia con el covid.
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Durante la segunda mitad del siglo XIX las exposiciones universales escenificaron el sueño utópico de la civilización y el progreso occidentales. Al depender las futuras relaciones políticas, económicas y culturales de la representación adoptada por cada colectivo en estos escaparates internacionales, la elecciónde una determinada fisonomía podía favorecer el arraigo de prejuicios y estereotipos en el imaginario visual de un público cosmopolita. En consecuencia, al margen de la utilidad social y moral de sus numerosas innovaciones industriales y artísticas, las exposiciones universales configuraron un complejo entramado de identidades y relaciones de poder que las convirtieronen una suerte de espectro caleidoscópico donde los múltiples puntos de vista adoptados por gobiernos, expositores, cámaras de comercio o, incluso, por los mismos organizadores del concurso, confluían simultáneamente. En este marco el caso de España reviste un particular interés, puesto que su diversidad cultural, suantiguo poderío político venido a menos y el exotismo suscitado entre los viajeros occidentales la situaron una y otra vez en la encrucijada entre tradición ymodernidad, allí donde se desdibuja la tenue frontera que separa las convencionales nociones de Oriente yOccidente.
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Sobre todo en sus primeros años, Franz Kafka dibujó intensamente y con ambiciones artísticas. A su muerte, sin embargo, no solo quiso destruir su legado literario, sino también todos sus dibujos. Después de que su amigo Max Brod lograra salvar muchos, la mayor parte de ellos se mantuvo oculta durante décadas. Aquí se publican por primera vez completos, y hacen visible a un segundo Kafka más allá de su faceta de gran escritor.
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La enfermedad, la muerte y el duelo han estado muy presentes en la fotografía desde el nacimiento del medio. Sin embargo, estas imágenes han generado diferentes respuestas a lo largo del tiempo, oscilando entre la aceptación y el rechazo, dependiendo del contexto histórico y cultural. La aparición de la imagen digital y de Internet, así como las nuevas formas de entender los procesos de duelo, el morir y las narrativas de la enfermedad, han propiciado un resurgir de estasimágenes, de sus usos sociales y de su significado
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A lo largo de casi toda su vida, Antonio Fernández Alba había ido reuniendo un conjunto de textos que él consideraba que lo retrataban con acierto, escritos desde la amistad y la cercanía pero también desde la objetividad y la sabiduría. Imaginado como una semblanza postrera, sin duda, pero no como una obra póstuma, el resultado es este libro coral, un corpus de voces de insignes compañeros de academias, escuelas e instituciones, un mosaico conformado por primorosas teselas que cada uno de ellos labró de maneras diversas y personales.Tomados en su conjunto, estos escritos conforman un excelente retrato poliédrico del gran arquitecto, pensador, literato y humanista que fue Antonio Fernández Alba.
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Freud sobre la arquitectura explica qué ofrece Sigmund Freud para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura, con ejemplos que van desde el Movimiento Moderno hasta la actualidad.Las observaciones de Freud sobre la mente humana y su influencia en la cultura y el comportamiento social han generado numerosos debates desde el siglo XIX. Sin embargo, lo que las ideas fundamentales de Freud ofrecen para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura ha recibido muy poca atención directa. Esto se debe, en parte, a que Freud abrió la puerta a un lugar en el que la investigación convencional sobre arquitectura tiene poca fuerza: el inconsciente. Para complicar aún más las cosas, la obra de Freud es vasta y abrumadora. Freud sobre la arquitectura examina las ideas clave de Freud y cierra la brecha entre la arquitectura y la teoría psicoanalítica.En el libro se destacan las ideas de Freud sobre los cambios fundamentales en la infancia, cambios que modelan la psique adulta. También se explica cómo y por qué las fases del desarrollo pueden influir en las preferencias e inquietudes arquitectónicas del adulto, la intuición espacial y las creencias sobre lo que es adecuado y correcto en el proyecto de arquitectura. Por ello, Freud sobre la arquitectura será de gran interés para estudiantes, profesionales e investigadores de disciplinas tales como la arquitectura, el psicoanálisis y la filosofía.
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Las iglesias de Ibiza y Formentera, las Islas Pitiusas, que se publican en este libro se edificaron entre los siglos XIV y XIX. Las características arquitectónicas comunes y particulares de cada una de ellas se muestran mediante nuevas fotografías y planos, así como con textos descriptivos de su estado actual y de su historia, unos datos, en gran parte, ya divulgados.
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Ricardo Aroca nos cuenta en este amplio volumen qué es estructura y cuáles son las características que la definen: equilibro, resistencia, estabilidad, rigidez...Cuando, como alumno, entré en contacto con las estructuras, con la ilusión de que por fin iba a usar para algo las matemáticas que llevaba estudiando desde la infancia, me extrañó que las estructuras que sobre las que teníamos que trabajar parecían salir de la nada y pronto empecé a preguntar, sin obtener respuestas convincentes ¿cómo se empieza? Las clases eran rigurosas pero crípticas y como se corrió la voz de que yo me enteraba, aunque no era del todo cierto, me vi arrastrado a implicarme en la docencia. Entonces me di cuenta de que la mejor manera de entender de verdad algo es tener que explicárselo a otros, agradezco a mis alumnos su involuntaria colaboración en mi empeño por comprender las estructuras. Antes de comprobar la validez de una estructura (cosa que hace estupendamente un programa informático) es preciso definirla. Las herramientas de análisis usadas de forma genérica pueden servir para orientar las decisiones de diseño y espero que anime y ayude a los lectores a comprender la función estructural. He estructurado la obra en cuatro libros correspondientes a equilibrio, resistencia, rigidez y estabilidad precedidos de un volumen de introducción.
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Según el relato histórico aceptado, el advenimiento de la arquitectura «postmoderna» en torno a 1970 marcó el fin del Movimiento Moderno e inauguró un cambio de paradigma, una transformación que acabó dando lugar a la arquitectura del mundo contemporáneo. Pero, si fue así, ¿cuál es la naturaleza del paradigma que engloba la producción arquitectónica actual, si es que en efecto existe semejante modelo de referencia? El presente libro trata de responder a esta pregunta a través de once entrevistas protagonizadas por algunas de las figuras más significativas de la teoría, la historiografía y el pensamiento arquitectónico de los últimos cincuenta años, desde la crítica de arquitectura al urbanismo, desde la investigación histórica a la protección del patrimonio, desde la agitación cultural al patronazgo y la influencia política, siempre con el telón de fondo de los desarrollos sociales más recientes. A lo largo de intensas y polémicas conversaciones el análisis de la situación arquitectónica se adentra en asuntos capitales como la crisis del Movimiento Moderno a lo largo de la década de 1970, la «restauración» parcial de la ortodoxia funcionalista en la década de 1980, la consolidación del modelo del «arquitecto-estrella» en torno al año 2000 o la transformación de las ideas dominantes acerca de cómo deberían ser las ciudades en las que vivimos, temas que se hallan siempre cerca de las preocupaciones del arquitecto actual y en relación con los cuales es difícil no tomar un partido apasionado.
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Este libro lejos de modas y coyunturas nace de la fascinación por el cine de Visconti y el universo cultural de sus grandes películas de madurez. Con la crisisde la modernidad como trasfondo y la decadencia comoleitmotiv, el lector transitará de la literatura a la filosofía y la historia, para adentrarse en un complejo universo donde estética y política se entremezclan, el mal y el bien conviven en rara complementariedad, la sofisticación no logra enterrar a lo grotesco,y la muerte se convierte en anhelo. En este universode luz crepuscular y sutil melancolía, con tanta elegancia como ironía, exponen sus pensamientos Platón,Schopenhauer y Nietzsche. Allí escriben sus cuentos maravillosos Thomas Mann y Giuseppe di Lampedusa, allíviven y padecen reyes, príncipes y artistas mientrassuena la música de Verdi, Wagner o Mahler. Este libro es una invitación a recuperar de la mano del mejorcine de Visconti lo mejor de la gran cultura europeade finales del siglo XIX y principios del XX, para reflexionar entre otras cosas sobre el erotismo y la belleza, sobre la vida y su tragedia, o sobre la quiebra de la civilización burguesa y la barbarie fascistamientras escuchamos el preludio del Tristán e Isolda,nos acordamos de cómo Sigfrido descubrió el miedo onos dejamos llevar por el adagietto de la Quinta de Mahler hasta fundirnos por unos instantes en la tentadora infinitud del ser, primigenio y caótico. El autor: ANDRÉS DE FRANCISCO (1963) es doctor en filosofía yprofesor titular en la Universidad Complutense de Madrid. Autor entre otros libros de 'La mirada republicana' (Catarata, 2012) y editor de 'Harrington, StuartMill y Marx', ha desarrollado un creciente interés por la interpretación filosófica de obras y géneros cinematográficos, interés que empezó con su 'El westerncomo cine político y moral' (La balsa de la Medusa,2011) y ha concluido por ahora con el presente libro'Visconti y la decadencia'.
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Enya es una de las mayores artistas superventas de la historia, y a la vez una figura maltratada desde sus inicios por la crítica musical. Canciones como «Orinoco Flow» y las del resto de su repertorio ...que Chilly Gonzales define, acertadamente, como versiones actualizadas de la canción de cuna... han enamorado a millones de personas en todo el mundo, y aun así todavía podemos encontrarnos a un gran número de personas que, por miedo a recibir una burla o reprimenda no se atreve a confesar públicamente su afición por discos como 'Watermark'. Esta circunstancia es la que lleva al autor a plantearse una pregunta crucial: ¿tiene la música que apelar a la inteligencia, o simplemente basta con que vaya directa al corazón? ¿Es mejor la música ingeniosa y compleja, o el mayor placer podemos extraerlo de la más eficaz simplicidad? 'Enya' no es exactamente un libro sobre Enya ...es decir, sobre su vida y su carrera..., sino acerca de las emociones profundas y duraderas que su música ha provocado en Chilly Gonzales, que aprovecha la circunstancia para abordar el misterio de la música en toda su complejidad. Enya, al fin y al cabo, es el señuelo a partir del cual poder hablar de la importancia de las melodías, de las emociones sin coartada, y justificar su defensa apasionada del efecto balsámico que estas provocan. Un placer (no) culpable, por tanto, del que no debemos avergonzarnos, pues es fuente de placer y de felicidad.
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Este libro es una indagación en categorías culturales como la sexualidad, la comodidad, el género, el placer o la salud a partir de una serie de arquitecturas anónimas y colectivas que acomodan prácticas sociales fuera de la norma. En esta compilación de cinco textos cortos y una entrevista se ofrece una aproximación a prácticas espaciales que se han resistido a formar parte de la historiografía de la arquitectura, para desvelar así las relaciones entre los espacios, las tecnologías, los cuerpos y las subjetividades que moldean nuestras sociedades más allá de los entramados de deseo y poder hegemónicos.
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Este libro reúne las «Siete Lecciones de Arquitectura» impartidas en 2024 por siete catedráticos y catedráticas eméritos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM-UPM). La iniciativa da continuidad a las «Siete Lecciones de Arquitectura» impartidas por Campo Baeza en el año 2023, consolidado la relación entre la ETSAM y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, su alma mater. Durante siete semanas, siete catedráticos y catedráticas invitados compartieron sus reflexiones sobre temas esenciales de la arquitectura, fruto de décadas de dedicación a la docencia, la investigación y la práctica profesional. Estas charlas atrajeron a un gran número de estudiantes, arquitectos y amantes de la arquitectura, y ahora quedan recogidas en estos siete textos junto a sus ilustraciones. El libro da cuenta del elevado nivel de las lecciones y de los profesores que generosamente las impartieron: Juan Navarro Baldeweg, José Ignacio Linazasoro, Antón Capitel, Carlos Sambricio, Gabriel Ruiz Cabrero, Margarita de Luxán e Ignacio Vicens.
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* Gilbert Brownstone, acompañado del fotógrafo CamiloGuevara, hijo del Che, nos * Gilbert Brownstone, acompañado del fotógrafo Camilo Guevara, hijo del Che, nos invita a conocer los talleres de varios artistas que figuran entre los más importantes de Cuba. * Un análisis, a través de entrevistas exclusivas a 35 artistas de extraordinaria influencia, de su intimidad creativa, así como una libre discusión relativa a su formación y el lugar del arte en ese país caribeño. * Elarte cubano contemporáneo no había gozado jamás de tal pluralidad de actividades estéticas, así como de artistas y jóvenes talentos emergentes, de acontecimientos y de exposiciones como en la actualidad. Una descripción general del desarrollo cultural y artísticode Cuba desde 1900, en diversos medios, incluidos lapintura, el dibujo, la escultura, las instalaciones ylas artes visuales. Una generación de artistas plurales que se ha formado después de la Revolución, cuando el acceso a la cultura y a la educación se convirtió en una pluralidad absoluta. Su actividad de ha visto enriquecida fundamentalmente por la isla, tierra demestizaje y de cruce. Una invitación a conocer estaisla caribeña y dinámica, y su patrimonio artístico:una obra imprescindible para cualquier interesado enel arte y la cultura contemporáneos.
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Con en inicio del fin de la guerra fría, la tasa de crímenes y la inflación en niveles récord, y el actor de cine convertido en presidente Ronald Reagan lanzando su propia guerra de las galaxias, la década de 1980 no parecía destinada a convertirse en una de las más extravagantes y prósperas del siglo XX. El mantra de Wall Street ?la codicia es buena? dio lugar a la ?generación del Yo? de los yuppies, obsesionada con el ejercicio, la ropa como signo de estatus. El capital desembarcó en el mundo del arte, los ordenadores y los videojuegos eran los reyes de las oficinas y los hogares, y la nación enloqueció con el cubo de Rubik. Los calentadores de piernas eran grandes, las hombreras más grandes y el pelo lo más grande entre lo grande.Si le invade la nostalgia con el recuerdo de E.T. y las sesiones maratonianas de Trivial Pursuit, si piensa que no hay nada como ?Los cazafantasmas? y el break dance, este libro es para usted. A todos los que todavía escuchan los ecos de ?I want my MTV?: All-American Ads of the 80s les devolverá la chispa de la vida. Así que, just do it!
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Esta es la historia de cómo el hijo de un refugiado palestino y una profesora soriana, tras forjarse en el calor del circuito madrileño de las pequeñas salas, llegó a convertirse en todo un referente de la canción de autor actual, logrando llegar a multitudes. Además, su fértil creatividad paralela en la poesía ha provocado que sus libros alcancen cifras de venta impensables para cualquier poeta. Tras más de veinte años de actividad frenética, Marwán se ha consolidado como uno de los creadores esenciales de la música en castellano. Cuidadoso letrista y melodista, sabe aproximarse con soltura a géneros que, en apariencia, le son ajenos. Del mismo modo, sus textos reflejan la vida contemporánea en canciones que fijan nuestro tiempo. Para elaborar esta primera biografía ha sido imprescindible la colaboración y complicidad del propio Marwán, de sus familiares, amigos y compañeros de oficio. Un volumen en el que se analizan todas sus canciones y que es, a su vez, un sincero homenaje a toda una generación de cantautores que ha revitalizado un género musical que ya supera las seis décadas de historia en España. Incluye un prólogo de Pedro Guerra y un epílogo en forma de poema de Jorge Drexler.
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![Una filogenia [in]verosímil](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw6f69c979/images/large/1531966.35.jpg?sh=240 "Una filogenia [in]verosímil")
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Este ensayo propone trabajar con la Filogenia como herramienta aplicada desde la analogía en la arquitectura que permite investigar cómo ciertas prácticas arquitectónicas pasadas participan en la construcción de los discursos presentes. En este proceso especulativo Óscar Rueda se pregunta si los alardes de las tecnoutopías del movimiento metabolista han permeado en la actualidad a través de la Big Roof de Osaka `70 hasta llegar a las propuestas inmateriales, pero hipertecnificadas de Junya Ishigami, y si los agentes principales de esta genealogía retroactiva han sido Kiyonori Kikutake y Arata Isozaki a través de las arquitecturas de límites difusos de Toyo Ito. El texto se distancia de un afán demostrativo, meramente documental e historiográfico y permite armar mecanismos de interpretación instrumental útiles para el desarrollo de la práctica arquitectónica.
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Els fonaments de la interpretació
Els fonaments de la interpretació va dirigit a les persones que volen iniciar-se en la interpretació actoral, sigui en escoles o per lliure, i a professors de la matèria. El mètode d’interpretació que es descriu en aquest llibre i la seva didàctica van ser desenvolupats i sintetitzats a l’Escola Superior d’Art Dramàtic Ernst Busch de Berlín a partir dels conceptes de Bertholt Brecht, Konstantín Stanislavski i Keith Johnstone.El llibre aporta un bon nombre d’exercicis pràctics de gran eficàcia, ja que, al llarg de dècades d’ensenyament, s’han anat depurant, consolidant i adaptant a les necessitats dels estudiants actuals.«Tenim la convicció que la intuïció creativa de la interpretació només es pot desenvolupar sobre la base del coneixement, és a dir, si hi ha l’estructura. […] Aquest llibre ofereix una descripció i un catàleg d’exercicis que intenten aportar claredat i estructura al treball dels fonaments.»
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Una guía práctica e inspiradora para artistas e ilustradores de todos los niveles. El ilustrador y educador Tim Bond explica los principios artísticos y los fascinantes datos científicos que te permitirán plasmar el movimiento, la forma y el carácter de u
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Black Sabbath cambió la historia de la música. Con 19discos de estudio y más de setenta millones de discos vendidos, este grupo nacido en Birmingham revolucionó el panorama musical con la oscuridad de las letrasde sus canciones, unos poderosos riffs de guitarra yun sonido contundente, denso y distorsionado. Esta es la trayectoria de cuatro desconocidos que unieron sus vidas y su trabajo para crear un estilo que se conocería como heavy metal y que ha servido de faro y referencia fundamental a otros grupos. Escrito con conocimiento de causa y de la manera más amena por el periodista musical César Muela, este libro describe el camino que iniciaron Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería)y el recorrido -con todos sus altibajos- que les hallevado a ser considerada como una de las mejores bandas de todos los tiempos. De cómo Jethro Tull impulsóel nacimiento de Black Sabbath. Los gloriosos y devastadores años setenta: del disco Black Sabbath a Never Say Die! Los años de Ronnie James Dio. Ozzy Osbourne se hace una estrella de la televisión.
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Las letras de las canciones de los Beatles leídas como si fueran poesía: un enfoque artístico y en detallede cada uno de los temas.
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El presente volumen reúne una porción de la memoriahistórica de Juan Formell, gran exponente de la música cubana. Es un regalo para aquellos que aman a Los Van Van y llevan en vena su ritmo, para que puedan revivir algunas de esas historias y canciones más representativas de su repertorio, esas que han arrasado sincompasión en Cuba y por el mundo durante cincuenta años de trayectoria artística. Se incluyen la discografía, una selección de canciones, así como entrevistasy criterios de importantes músicos, compositores, investigadores, entre otros apartados, de incuestionable valor, que resumen el legado de este músico-creadorinigualable. Esas contribuciones -al decir del Dr. C. Frey Vega Veranes- analizadas, sitúan lo cubano enel panorama musical del universo, mediante la reinterpretación de recursos sonoros, líricos y populares.
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El artista americano Mark Tennant logra sorprendernos con algunas de las obras más intrigantes y relevantes de la cultura urbana actual. Sus pinturas evocan reminiscencias del impresionismo y se sumergen en la transmisión de emociones implícitas en colores y formas, alumbrando retratos cautivadores de la juventud urbana contemporánea. El catálogo de esta exposición nos invita a sumergirnos en el contraste entre lo clásico y lo contemporáneo, desafiando la noción de que solo las corrientes artísticas modernas pueden explorar la riqueza de la cultura urbana.
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Técnicas sencillas para iniciarte en el dibujoDibujar personas nunca ha sido tan fácil Aprender a dibujar la figura humana puede resultar intimidante para el artista principiante. Este libro prueba que no tiene que ser así. De hecho, puede ser divertido e incluso fácil. Christopher Hart aprovecha su vasta experiencia para enseñarnos cómo dibujar todos los aspectos del cuerpo humano, simplificando los fundamentos del dibujo de figuras para principiantes absolutos de todas las edades. Lo hace con instrucciones fáciles de seguir y consejos muy útiles que harán avanzar tus habilidades y la confianza para dibujar personas en poses y escenarios comunes de la vida cotidiana. Puedes aprender a dibujarlas sin importar tu nivel de habilidad y, además, de manera rápida y fácil. En este libro encontrarás: una visión general del dibujo de la cabeza y el cuerpo, que te proporcionará una base sólida para ir progresando, una serie de personajes con divertidas expresiones, desde diferentes ángulos, así como una interesante combinación de postura y atuendos, y trucos y consejos a los que podrás recurrir siempre que lo necesites.
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Las imágenes generadas por el poder utilizan determinados motivos visuales bajo los cuales se oculta una suma de protocolos interesados que les proporciona su auténtico sentido. Ante esta constatación, los cuarenta capítulos y las dos adendas que conforman El poder en escena responden a la necesidad de ejercer de rastreadores de estos iconos de la esfera pública para descifrar así la naturaleza de estas imágenes que parecen rutinarias y espontáneas, y ante las cuales no solemos interrogarnos. Solo con hacerlo y detenernos en cada motivo para nombrarlo, ya se da un paso decisivo para reconocer su sesgo ideológico. Esos motivos visuales se generan desde el campo de la política, quizá los más notorios por su voluntad propagandística desde la economía, siempre basados en la ocultación de su poder real del poder judicial, otro ámbito donde la opacidad es norma de los cuerpos policiales, que construyen motivos de aparente objetividad o de algunos rituales sociales que se repiten de manera insistente y enigmática. El hecho de ahondar en los orígenes iconográficos de cada motivo -en el cine, la pintura, la fotografía o la arquitectura y sus posteriores ramificaciones- nos permite cuestionar las formas visuales que los distintos ámbitos de poder utilizan para autorrepresentarse. Y al mismo tiempo sirve para preguntarnos por la génesis y evolución de estas formas, dar testimonio de su falsa transparencia y devolver así una mirada crítica e irónica ante el poder que las genera.
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Camino del Sol habla del dolor desde lo más frágil. Un diálogo entre la artista y cada flor, secretos compartidos en una suerte de diario a modo de testimonio vital.«Solo mediante la selección, mediante la eliminación y mediante el énfasis llegamos al verdadero significado de las cosas». Georgia O’Keeffe. The Beyond, 1972.Camino del Sol habla del dolor desde lo más frágil. Un diálogo entre la artista y cada flor, secretos compartidos en una suerte de diario que nos llega como testimonio vital. Las flores se muestran más honestas que nunca: abiertas, partidas, agujereadas, aisladas, quemadas, congeladas… convirtiéndose en protagonistas de la historia que nos quiere contar desde lo más íntimo.Este libro se construye cuidando la estrecha relación que existe entre las palabras y las imágenes. La autora comparte su mirada generosa, atenta, sensible y en definitiva su manera de estar en el mundo para que aprendamos con ella que esa mirada única lo cambia todo.En este laboratorio botánico la artista exprime las máximas cualidades de cada flor creando una obra plástica serena y cruda en donde se rescata el último aliento de la flor cortada que se salva a través de un juego terapéutico que exige nuestro silencio y tiempo para prestar atención a la belleza que nos rodea. Nos ofrecen su esencia pura, su último esplendor, color y tersura, en forma de grito, explosión, desgarro y esperanza.Una propuesta que experimenta con la fugacidad, como la vida misma de las flores.Beatriz Arroyo.
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Desde lo curatorial reflexiona sobre la curaduría enel Estado español, rozando levemente el contexto latinoamericano. Desde una posición cercana a los modos de hacer, la escritura aquí se aleja de verdades establecidas y estructuras cerradas. No se pretende hacerun repaso histórico ni establecer una taxonomía fija,sino sugerir posibilidades, estrategias, tácticas yprácticas para el incierto terreno de lo contemporáneo, manteniendo una visión orgánica del comisariado.Los curadores Ángel Calvo Ulloa y Juan Canela conversan con otros profesionales sobre arte y cuestiones político-sociales que atraviesan su trabajo: condiciones laborales, conciliación familiar, relacionescon artistas, multidependencia, fórmulas institucionales, mercado, evolución del formato expositivo o cómoafectan y se afrontan fenómenos como el 8M o la crisis del covid-19. A través de voces de varias generaciones percibimos una amalgama de la práctica curatorial en estos primeros años del siglo XXI: Martí Manen,Gabriel Pérez Barreiro, Chus Martínez, Manuela Moscoso, Agustín Pérez Rubio, Catalina Lozano, Aimar Arriola, Pablo Lafuente, Tamara Díaz Bringas, Nuria Enguita, Beatriz Herráez, Peio Aguirre, David Barro, ManuelSegade, Anna Manubens, Jesús Alcaide, Eva González-Sancho Bodero, Julia Morandeira, Tania Pardo, Elvira Dyangani y Valentín Roma.
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