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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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l libro que reúne la obra de esta artista con más de 25 años de carrera y en plenitud creativa, con motivo de su exposición retrospectiva en Madrid.
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En las reflexiones de los filósofos sobre la belleza y el arte, desde la Antigüedad hasta nuestros días, late una pasión que nos lleva a ver su tarea como una aventura. El encuentro con lo bello es, para muchos de estos pensadores, una vivencia que va más allá de la mera erudición y nos embarca en una búsqueda que responde a nuestras inquietudes más hondas. Este libro nos invita a acompañar a los grandes filósofos en su aventura de la belleza: junto a sus textos, que abren camino por el vasto territorio de la estética, el cine será el otro gran protagonista de estas páginas. El recurso a escenas de diversas películas, clásicas y recientes, nos ayudará a comprender estéticamente nociones como lo bello, la armonía, la creación, el gusto, lo sublime o la obra de arte, entre otras, uniendo el pensamiento a la fuerza expresiva de las imágenes.
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Jean Genet descubre la obra de Rembrandt durante sus estancias en Londres en 1952, Ámsterdam en 1953, luego Múnich, Berlín, Dresde y finalmente Viena, en 1957. La idea de un libro sobre el pintor le acompañará durante décadas, pero no completará el proyecto. En septiembre de 1958, L’Express publica una selección de extractos de un libro anunciado por la editorial Gallimard que no llegará a publicarse, «El secreto de Rembrandt». Tal vez demasiado absorbido por su teatro, Genet posterga el momento de dar por terminado el texto o de rehacerlo y, en abril de 1964, abatido por la muerte de su amigo Abdallah, destruye el contenido de una maleta llena de manuscritos. Sobreviven únicamente dos fragmentos, publicados en mayo de 1957 en la revista Tel Quel con el título «Lo que quedó de un Rembrandt cortado en cuadraditos iguales y tirado por el retrete». En esta edición se reúnen por primera vez los dos textos en forma de libro, junto con una selección de imágenes pensada para acompañar la mirada de su autor, una mirada absolutamente singular y desconcertante que va más allá del análisis historiográfico, técnico o psicológico para adentrarse en el terreno de la fibra, la carne y la substancia de los sentidos.Jean Genet (París, 1910-1986) fue un novelista, dramaturgo y poeta francés cuya obra expresa una profunda rebelión contra la sociedad biempensante y sus costumbres. A los diez años cometió su primer hurto y, tras varios robos y fugas, lo internaron en la colonia penitenciaria de Mettray. Fue ladrón, chapero, presidiario, desertor, mendigo y activista de diversas causas, como las del movimiento radical de los Panteras Negras. Gran escritor, admirado por figuras como Jean-Paul Sartre o Jean Cocteau, hoy está considerado uno de los autores esenciales de la literatura europea del siglo xx.
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Un festival que nace en Madrid y que ha crecido hasta convertirse en un hito mundial (El País)''Después de todo'' es el lema de la nueva edición del festival que, desde 1998, se ha convertido en uno de los grandes acontecimientos de la fotografía del mundo. En sus 28 años de historia casi 20 millones de personas han visitado el festival y, y ha programado 2.000 exposiciones protagonizadas por más de 4.000 autores.Además de en Madrid, PhotoESPAÑA está presente en otras ciudades como Alcalá De Henares, Barcelona, Santander, Segovia, Valencia y Zaragoza, donde gracias al festival, la fotografía forma parte de la vida de sus habitantes.
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Diego A. Manrique es Historia Mayor del Periodismo, y en El mejor oficio del mundo se abre para contar lo que ocurre en la trastienda, lo que nunca se explica. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad a la profesión, este es un libro necesario y esclarecedor. Diego A. Manrique es Historia Mayor del Periodismo, y en El mejor oficio del mundo se abre para contar lo que ocurre en la trastienda, lo que nunca se explica. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad a la profesión, este es un libro necesario y esclarecedor. Presentar al autor de este libro es innecesario. Diego A. Manrique es, desde hace cuatro décadas, el periodistamusical en activomás respetado de nuestro país. Una trayectoria como la suya ha estado, inevitablemente, jalonada de vivencias de toda condición. Muchas de ellas las relata en El mejor oficio del mundo. Anécdotas profesionales y encuentros con grandes figuras de la música internacionales y nacionales a través de las que desvela las interioridades de un apasionante oficio vocacional. En estas páginas descubre el funcionamiento de la industria musical en momentos de vacas tanto gordas como flacas, y del siempre precario periodismo especializado. Con un estilo único, patentado y totalmente reconocible que atrapa desde la primera página, alejado de la vanidad y desde la posición de quien fue un desconocidomelómano «de provincias» con vocación enciclopédica y hambre de saber y conocer, nos relata, sin pretenderlo, cómo se fue labrando un espacio propio en los medios. En El mejor oficio del mundo sabremos del disco de Dylan en español que no fue, de entrevistas frustradas y otras de las que, sin esperar demasiado, acabaron siendo legendarias. Subiremos con él a un avión y aterrizaremos en Canadá a la búsqueda de Leonard Cohen o viajaremos a su lado en un autobús para asistir a un concierto desangelado en una cárcel que nada tiene que ver con los de Johnny Cash… Conoceremos su negativa a sentarse en la silla de un despacho porque su sitio está en las salas de conciertos, en las emisoras de radio, tecleando en la máquina de escribir y, también, en aquella televisión de los programas musicales que, hoy desaparecidos, le llevaron a la construcción de nuevos y sorprendentes formatos. Todo ello relatado con veracidad y algo de sorna, necesaria para rememorar los tiempos en que para algunos la música era cosa de melenudos que solo tenían ganas de molestar.Diego A.Manrique esHistoriaMayor del Periodismo de este país, y en Elmejor oficio del mundo se abre para contar, desde la perspectiva de la distancia, lo que ocurre en la trastienda, aquello que nunca se explica, homenajeando de paso a compañeros de profesión que anduvieron con él caminos paralelos. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad al oficio, este es un libro tan necesario como esclarecedor.
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![Paolo Veronese [1528-1588]](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dwa4bd515c/images/large/1552097.77.jpg?sh=240 "Paolo Veronese [1528-1588]")
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Publicado con motivo de la exposición Paolo Veronese (1528-1588), celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 27 de mayo y el 21 de septiembre de 2025.Tras las muestras dedicadas a los Bassano (2001), Tiziano (2003), Tintoretto (2007) y Lotto (2018), el Museo del Prado cierra con Paolo Veronese el ciclo expositivo dedicado a la pintura veneciana del Renacimiento, piedra angular de su colección.El catálogo propone un exhaustivo análisis en torno a la figura de Paolo Veronese (Verona, 1528 – Venecia, 1588), un pintor extraordinariamente reconocido y auténtico heredero de Tiziano. Ahonda en las líneas de investigación en torno a Veronese desarrolladas en las últimas décadas, como el afán por situarlo en contextos más amplios (Rafael, Tiziano, Tintoretto, Palladio, etc.), la relación con la clientela (pública o privada), con la arquitectura y la escenografía, el interés por el proceso creativo y el funcionamiento de la bottega, o su legado artístico.Para el Prado, Veronese es más que uno de los grandes nombres de la historia del arte, es un eslabón fundamental en una forma de entender la pintura veneciana, aquella que primó el color sobre el diseño y que constituyó el ADN de la antigua colección real y del actual museo.El catálogo se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la muestra, Enrico Maria Dal Pozzolo, profesor de la Università di Verona, y Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, seguida de once ensayos escritos por especialistas internacionales en la figura del pintor que analizan aspectos de su vida, su proceso creativo y su influencia cultural. Entre los ensayistas están Francesca Trivellato, Ana González Mozo, Michel Hochmann o Deborah Howard. A continuación, una extensa sección dividida en seis partes, precedida cada una de un texto introductorio, en las que se reproducen las 103 obras de la exposición y que recorren cronológicamente la trayectoria del pintor, situando a este además en relación con otros maestros de su tiempo. El libro se cierra con una extensa y precisa Cronología, una Bibliografía y un índice onomástico.
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Este libro nos invita a pasear sin prisas por Bilbao y a escuchar con la mirada. Se trata de una guía con coordenadas espacio-temporales que nos orienta por el Bilbao de la música clásica. Y es que, lo sepamos o no, en varios de los objetos que nuestros ojos encuentran en el paisaje urbano resuena la creatividad de nuestros antepasados músicos, como un eco que enriquece la memoria colectiva. Para algunas personas la contemplación supondrá un descubrimiento. Para otras, un viaje al pasado. Y para muchas, ambos goces a la vez.Tanto si vivimos en Bilbao como si somos visitantes casuales o reincidentes, este libro nos permite transformar esta ciudad melómana y estimulante en una galería-auditorio con múltiples paseos sonoros. De trazado breve o de largo recorrido. En apacible y libre soledad o en amena y amigable compañía.Los beneficios de la venta de este libro están destinados a la Asociación Inés de Pablo Llorens por su labor de apoyo a la investigación de tumores raros.
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Juhani Pallasmaa, arquitecto y teórico de la arquitectura de gran reconocimiento inter¬nacional, se dirige a estudiantes y jóvenes arquitectos para compartir con ellos sus pensamientos acerca del propósito de la arquitectura y su relación con otros ámbitos culturales. Concebidos inicialmente como una serie de conferencias, los textos que componen esta obra construyen una idea de la arquitectura basada en la autoconciencia, la reconexión con el medio ambiente y la responsabilidad ética, reflexiones profundas y sinceras que resultarán inspiradoras no solo para estudian-tes y arquitectos, también para diseñadores y otros profesionales de las industrias creativas.
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El mapa de nuestras ciudades está repleto de museos que contienen las más diversas colecciones de objetos, obras de arte y especímenes. Separados por disciplinas y prácticas, son un fiel reflejo del modo en el que los Estados de la Europa colonial, confiados en el libre intercambio de ideas y la necesidad de espacios de socialización (y civilización) de los pueblos, fragmentaron y ordenaron saberes, sujetos y cosas.Tomando como base el estudio de las colecciones de veintitrés museos de Madrid, Aurora Fernández Polanco y Pablo Martínez proponen una arqueología de la modernidad a partir de aquello que se muestra (y se oculta) en las colecciones públicas. Confiados en que no existen «ni museos pequeños, ni grandes hombres», elaboran una historia del arte «desde abajo», orientada a desvelar las narrativas latentes en imágenes y objetos aparentemente marginales. En un contexto de embates contra la memoria y discursos monolíticos sobre el pasado, este libro aporta una mirada inédita sobre una de las instituciones más importantes en la configuración de la esfera pública. Más allá de los museos de la capital, este apasionante ensayo escrito a cuatro manos invita a desafiar los relatos de autoridad heredados, a detenerse en los objetos aparentemente irrelevantes y a construir, en definitiva, otras formas de mirar.
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Diàleg entre una esfera i una calavera
Després de Marcel Duchamp, Andy Warhol i Joseph Beuys -un dient que tot pot ser art, l'altre afirmant que tots som artistes, altre que el mateix artista és l'obra d'art, uns i altres convençuts de que és art allò que diuen que ho és- després de tot això el panorama artístic ha canviat. Sens dubte que tots els tractats d'estètica al llarg de la història, expressats per artistes i filòsofs, han estat arraconats i que s'obre un nou món. La bibliografia internacional ha insistit amb centenars d'articles i desenes d'obres per si cal, o no, recolzar aquest radical i insòlit canvi, que ha obtingut que en els espais artístics es presentin vaques putrefactes, sexe explícit i merda d'artista.Entre nosaltres s'ha parlat poc d'aquests nous plantejaments. Aquí, Francesc Miralles, el crític d'art més incisiu dels últims temps, s'apropa de manera aguda i irònica a aquest apassionant tema.
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La plástica narración recoge la trayectoria del artista Víctor López Rúa desde sus inicios hasta la actualidad. Estructurado por décadas, Paz Gago realiza con maestría y minuciosidad un análisis de la obra pictórica que, a su juicio, se sustenta en tres pilares: un asombroso dominio del dibujo, una profunda reflexión teórica y una constante indagación en la Historia del Arte. Precisamente este acercamiento histórico hace que en los cuadros de López-Rúa se puedan observar influencias de Rembrandt, Velázquez, Vermeer o Balthus, referencias intertextuales utilizadas para buscar su propio camino en las artes visuales. Su silente e incansable labor investigadora le lleva también a establecer un diálogo fecundo entre plasticidad y narración, evocando a escritores como Edgar Allan Poe y Honoré de Balzac, Cortázar o Piglia, a través de los cuales muchas de sus obras adquieren una atmósfera de suspense, de inquietante extrañeza, una sensación de peligro inminente con una depuradísima técnica pictórica que atrapa, irremediablemente, al observador.
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Desde su creación en 1996, el Centro de Investigación de Arquitectura Tradicional (CIAT) ha venido trabajando en el conocimiento, la transferencia, la formación y la difusión de los valores de la arquitectura y la construcción tradicional, la ciudad histórica, el paisaje cultural y el patrimonio edificado. Con motivo de la celebración de su vigésimo quinto aniversario se desarrolló en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid un programa de actividades académicas en el que se integraron una pequeña exposición, un seminario dirigido a estudiantes de postgrado y a investigadores en formación, y una serie de mesas redondas con especialistas invitados en las que, desde una pluralidad de voces y posiciones, se sometieron a debate los temas que han terminado por vertebrar este volumen: patrimonio cultural y medio rural, oficio y tradición en el momento actual, y paisaje rural y cultura contemporánea.
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A pesar de los siglos de historia y el amplio legado de diseños de viviendas, barrios y ciudades, y pese al desarrollo de todo tipo de tecnologías y productos para el hogar, hay un aspecto olvidado —no del todo abordado, ni mucho menos resuelto— por arquitectes, visionaries, promotores y empresas a lo largo y ancho del mundo: el trabajo doméstico. En este libro, la filósofa xenofeminista Helen Hester analiza la disfuncionalidad y las implicaciones de los estancos imaginarios domésticos a lo largo del siglo XX —este realismo doméstico, o la incapacidad para imaginar alternativas a nuestros modelos y aspiraciones—. Mira al corazón mismo de lo doméstico para imaginar lo impensable: una política prometeica y feminista que confíe en la automatización hacia la emancipación, una arquitectura diseñada no para sostener ni ocultar el trabajo, sino para abolirlo —o, al menos, minimizarlo—, y una tecnología que no solo asista, sino que cuide, cuestione, transforme y nos libere de las cargas del trabajo doméstico. Desde el mito de la casa suburbana de ensueño hasta la encantadora distopía de los robots de compañía, de las aspiraciones domésticas masculinas del piso de soltero de Playboy a las innovadoras utopías de los años sesenta, este ensayo dibuja un mapa para repensar radicalmente la reproducción social y los cuidados dentro de las paredes de la cotidianeidad de nuestro hogares.
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Joan Andreu Puig Farran (Cat)
El catàleg “Les contradiccions de la modernitat convulsa” de Fundació MAPFRE és una obra essencial que presenta la primera exposició dedicada al fotògraf Joan Andreu Puig Farran, abastant el seu treball entre 1929 i 1939. Aquest catàleg ofereix una visió detallada d'esdeveniments històrics significatius com la crisi econòmica de 1929, la proclamació de la Segona República en 1931, i la Guerra Civil Espanyola en 1936. A través de seccions que exploren la transformació urbana de Barcelona, la col·laboració de Puig Farran amb Antoni Campañà, i les seves experiències durant la guerra i l'exili, el catàleg destaca fotografies inèdites que capturen la vida quotidiana, l'activitat política i els horrors de la guerra. Amb una recerca exhaustiva i un disseny acurat, aquesta obra no sols és educativa, sinó també una peça de col·lecció per als qui desitgen explorar la història a través del lent d'un fotògraf destacat.
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Somos raíces, el catálogo de la exposición homónima que se inaugura en el Círculo de Bellas Artes el 12 de junio de 2025, propone un encuentro con el universo de Santiago Yahuarcani, pintor y escultor autodidacta del clan de la Garza Blanca de la nación uitoto, y su compañera Nereyda López, escultora autodidacta de ascendencia tikuna y cocama.La exposición invita a emprender un viaje por cosmogonías indígenas basadas en la oralidad, el canto, la visión y la resistencia comunitaria. A través de sus obras, Santiago y Nereyda reinterpretan los mitos y el mundo espiritual de sus antepasados, a la vez que relatan siglos de extractivismo y violencia que siguen afectando profundamente a los pueblos originarios de la región amazónica, marcada por el genocidio cauchero.
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El catálogo “Les contradiccions de la modernitat convulsa” de Fundación MAPFRE es una obra esencial que presenta la primera exposición dedicada al fotógrafo Joan Andreu Puig Farran, abarcando su trabajo entre 1929 y 1939. Este catálogo ofrece una visión detallada de eventos históricos significativos como la crisis económica de 1929, la proclamación de la Segunda República en 1931, y la Guerra Civil Española en 1936. A través de secciones que exploran la transformación urbana de Barcelona, la colaboración de Puig Farran con Antoni Campañà, y sus experiencias durante la guerra y el exilio, el catálogo destaca fotografías inéditas que capturan la vida cotidiana, la actividad política y los horrores de la guerra. Con una investigación exhaustiva y un diseño cuidadoso, esta obra no solo es educativa, sino también una pieza de colección para quienes desean explorar la historia a través del lente de un fotógrafo destacado.
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¿HUBO VIDA ANTES DE LA MOVIDA? Recientes descubrimientos musicales y fotográficos confirman que hubo «sexo, drogas y rock & roll» y mucho más. El periodista Jesús Ordovás y el Dj Floro han encontrado suficientes fotos y documentos que les han permitido viajar en el tiempo hasta épocas en las que cuatro amigos del barrio madrileño de Las Ventas podían viajar en un Seat 600 hasta Estocolmo, asistir al último concierto de los Byrds en Rotterdam bajo los efectos del LSD, escuchar a un policía holandés cantar «Borriquito como tú» de Peret y volver vivos y casi sanos a Valencia en un «Dos caballos», con el tiempo suficiente para que a uno de ellos le asestaran un navajazo en el corazón. Menos mal que salvó la vida y pudo contar sus andanzas y escribir libros sobre Bob Dylan, Jimi Hendrix, Bob Marley, John Lennon y otros grandes y no tan grandes monstruos del pop y el rock en las siguientes décadas, e incluso probar el Rock Ácido en California, bailar el glam londinense, volver a jugarse la vida en las cuevas del «Rrollo» y del punk y vivir todos los cambios musicales y sociales que han hecho del mundo lo que es hoy, un lugar en el que lo mismo pueden clavarte una navaja que cantarte una rumba.
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Una mujer, una vida, una causa: mantener viva la memoria de Blas Infante. Este libro es un acto de gratitud y justicia hacia María de los Ángeles Infante, una mujer valiente, generosa y luminosa que dedicó su vida a custodiar el legado de su padre, Blas Infante, el Padre de la Patria Andaluza. Presidió la Fundación Blas Infante durante más de cuarenta años con discreción firme, sensibilidad política y una entrega sin fisuras. A través de su voz —tan clara como serena—, Blas Infante volvió a ser escuchado. A través de su esfuerzo incansable, Andalucía pudo reencontrarse con su historia y su dignidad. En estas páginas, familiares, amistades, compañeras y compañeros de causa rinden homenaje a una figura imprescindible del andalucismo contemporáneo. Una mujer de luz, de trabajo silencioso, de memoria viva. Una andaluza que hizo de su vida una forma de servicio, y del recuerdo de su padre, un compromiso permanente con la libertad, la justicia y la esperanza.
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Maryní Callejo comenzó en la producción discográfica (¡dirigiendo a Los Brincos!) en un tiempo en que era impensable que una mujer realizara ese trabajo. Fue la primera productora del pop español, y la única durante décadas. En este libro decide hablar casi por vez primera.Maryní Callejo es algo así como el secreto mejor guardado del pop español. Pionera en la producción discográfica, en 1964 lideró el lanzamiento de Los Brincos, un trabajo impensable para una mujer de aquel tiempo, en una industria dominada por hombres, cuando la propia figura del productor musical era toda una rareza. También arreglista, compositora y pianista de formación clásica, su meteórica carrera la llevó a colaborar con artistas como Massiel, Los Relámpagos,Marisol, Nino Bravo, Fórmula V,Mari Trini o Rocío Dúrcal.Su discreción iba unida a esa actividad que suele permanecer en la sombra, en los locales de ensayo o estudios de grabación, creando el arreglo que daba entidad a una canción, componiendo la línea melódica, ese detalle que la convertía en un hit o dirigiendo a músicos de primer nivel.Maryní Callejo, tras una vida dedicada a la música, se ha animado a rememorar en estas conversaciones con Esther Zecco la que es una de las trayectoriasmás asombrosas del pop. Y lo ha hecho consciente de que con sus palabras y recuerdos ayuda a sacar a la luz una parte esencial de la intrahistoria de nuestra música.Maryní Callejo no fue solo la primera productora del pop español—y de las pocas en la escena internacional—, sino prácticamente la única hasta tiempos recientes, cuando otras mujeres han reclamado su sitio en trabajos que hasta hace muy poco eran exclusivamente masculinos.Desconocida para el gran público es, sin embargo, una de las figuras imprescindibles de la música española.
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Se cumplen 50 años de la primera edición de este título emblemático entre los libros de flamenco, cinco décadas, asimismo, del nacimiento de la escritura inimitable de José Luis Ortiz Nuevo, el hombre que se propuso saber algo de este arte —y de esta forma de vida— dejándose poseer por el habla de sus protagonistas y a partir de una tabula rasa donde empezaban a plasmarse los primeros signos de un conocimiento que se alimentaba ya de hemerotecas y archivos, no de tópicos y lugares comunes fosilizados. El cantaor José Núñez Meléndez, «Pepe el de la Matrona», nació en Sevilla el 4 de julio de 1887. A los doce años hacía ya bolos y andarríos. En 1906 se fue a Madrid a cantar a Naranjero y en el 14 decidió irse a tomar café a La Habana. Vivió de las juergas y las fiestas y conoció a todos los flamencos: a don Antonio Chacón y Manuel Torre, a Pastora Pavón y su hermano Tomás... Su vida, que aquí se cuenta, es la hermosa epopeya de un hombre que vivió al aire de la libertad y en los fecundos territorios del flamenco. Su grito trianero, primitivo y feroz, clavado está en la conciencia de los tonos, corriendo por las azoteas del arte.
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¿Crees que el tatuaje japonés es solo carpas koi, dragones y flores de cerezo? ¡Pues es mucho más! Detrás de cada línea de tinta hay siglos de historia, maestros legendarios y personas que han desafiado las normas para convertir su piel en arte.En Crónicas del tatuaje japonés conocerás las historias de los artistas, visionarios y rebeldes que moldearon esta tradición. Desde maestros tatuadores que han creado escuela, como Horichiyo, el «Shakespeare del tatuaje», o el célebre Horiyoshi III, hasta personajes insólitos como el doctor que coleccionaba pieles humanas o los yakuza que usan su piel como manifiesto, este libro es un viaje por la historia oculta del irezumi.
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No son pocos los [músicos] que confían la redacción de sus memorias a un escriba con el fin de relatar cuanto pervive en los recuerdos del artista. Pues bien, no es este el caso de este testigo de excepción -de casta le viene al galgo- de cuanto cocíase, entre dos aguas -y entre dos islas (Mallorca e Inglaterra) o, como afirma el propio autor, «con un pie en cada una»-, en la escena musical de la España tardofranquista -y la de las décadas que siguieron-, amén de arte y parte de una joven democracia que preparaba su despegue. Remembranzas que agrandan su significado con el paso del tiempo, y es que Afinando al alba fue escrita en los albores de este milenio por este inefable impresor, músico, corresponsal, fotógrafo, gastronauta, ensayista y etnógrafo, con el fin de informar -y alertar- al lector británico sobre los misterios de la idiosincrasia española y otras particularidades de la cultura insular, a través de la música popular. Son estos recuerdos trufados de andanzas con bohemios, beatniks, hippies, joteros, rumberos, músicos de hotel y mercenarios de orquestas verbeneras, pioneros del rock progresivo y trovadores de la nova cançó, cantautores, guitar heroes, poetas nómadas y revolucionarios de ultramar, mas también con los ilustres visitantes del padre del autor, el escritor y poeta Robert Graves, como Kingsley y Martin Amis, Jorge Luis Borges, Alan Lomax, Ava Gardner y de visitas a otros alumbrados grafómanos como Paul Bowles en su guarida magrebí e inesperados reencuentros, como con Julio Cortázar en la Nicaragua sandinista. Del deseo por rememorar lo vivido -y lo bailado- en el «Camelot bohemio de Deià», junto a luminarias como Gilli Smyth, Robert Wyatt, Daevid Allen, Kevin Ayers o Mike Oldfield, pero también con glosadors lugareños y otros ilustres paisanos de la ínsula como Toni Morlà o Joan Bibiloni, e hispanos de tierra firme como Kiko Veneno o Juan Perro, brota esta noticia de la isla que trae también causa del afán por compartir a las nuevas generaciones cómo nos veía un anglomallorquín [en la corte del rey Borbón] a este hatajo de ruidosos españolitos -a pie de calle, en fiestas patronales, festivales reivindicativos, bodas gitanas... y en otras muchas plazas-, y es que no es este país para sordos.
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Ruiz-Doménec relata aquí un viaje para ver de cerca una selección de pinturas que, 'escuchadas' con atención, explican cómo se ha forjado Europa, sus ideales y sus logros. Es un viaje real, explicado etapa a etapa, obra a obra, desde Cortona (Toscana), pasando por Cracovia, Estocolmo o París, hasta Barcelona, en 16 etapas. A menudo ha sabido obtener un asiento exclusivo y un tiempo detenido para contemplar esas obras en silencio en sus respectivos museos y para saber qué decían a sus coetáneos. Y qué nos dicen a nosotros hoy.Sin un rostro, afirma el autor, ninguna idea tiene sentido. Las obras de arte seleccionadas son la encarnación de distintos momentos y aspiraciones: la destreza como la divinidad de la modernidad, la concordia para superar el conflicto, la mujer que se libera de las fantasías masculinas o la del Renacimiento que apuesta por una civilización artística, el amor por encima de las convenciones...Al ser humano siempre le queda la lentitud para redimirse, para reencontrarse con la belleza, la verdad y la historia, para que la vida sea un verano eterno.
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Tiembla, querido. Tiembla hasta petar. Por primera vez, las obscenas reflexiones sobre el porno (gay) del único y verdadero Hereje de la Disidencia Maricona. Bruce LaBruce, ese director de culto y ''pornógrafo a regañadientes'', no es solo una pieza del engranaje del Nuevo Cine Queer, es su maldita columna vertebral. Emergió como un virus en los bajos fondos de Toronto a finales de los 80 con fanzines punk queer y películas en Super 8 que hacían sangrar los ojos de la moral establecida, para luego infectar la escena internacional del cine independiente. Mientras tanto, LaBruce derramaba su tinta corrosiva y disparaba su cámara para revistas como ''Honcho'', ''Inches'', ''Exclaim!'', ''Vice'' y otros reductos de la contracultura que se atrevían a publicarlo. Esta colección vomita sus artículos más viscerales, políticos, incendiarios y despiadadamente ingeniosos sobre la pornografía. El volumen incluye un enfrentamiento verbal entre LaBruce y la bestia sagrada del porno gay Peter Berlin, ensayos políticamente incorrectos, artículos que no piden permiso y tres diarios de rodaje brutalmente honestos para SKIN GANG, THE RASPBERRY REICH y L.A. ZOMBIE. Todo ello acompañado por fotografías que pulverizan los límites, obras de arte y retratos que no podrás borrar de tu retina, entre ellos imágenes de Richard Kern, Raul Hidalgo, Ricardo Gomes, Terry Richardson y otros conspiradores visuales.
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Colección Manga Style 10: KIRITZUGUón Manga Style de Ominiky Ediciones es una serie de publicaciones que reúne obras de artistas internacionales y nacionales con un enfoque claro en el estilo manga. Esta colección tiene como objetivo promover trabajos que combinan la narrativa visual y artística característica del manga japonés, pero adaptada a las sensibilidades y perspectivas de autores de todo el mundo. En general, los títulos de esta colección se caracterizan por: Arte y narrativa de inspiración manga: Aunque muchas obras están realizadas por artistas que no son japoneses, respetan las técnicas, diseños y temáticas comunes del manga, como los personajes estilizados, las emociones intensas y las historias visualmente dinámicas. Autores destacados: La colección destaca por incluir artistas emergentes o reconocidos en el mundo del cómic y la ilustración, que utilizan el manga como medio de expresión. Ediciones cuidadas: Ominiky es conocido por producir libros de alta calidad, tanto en términos de impresión como de diseño, lo que hace que la colección sea atractiva tanto para coleccionistas como para lectores casuales. En resumen, la colección Manga Style es un escaparate para el talento global dentro del mundo del manga, fusionando influencias orientales y occidentales, y ofreciéndolo en ediciones bien trabajadas para los amantes del género. Si estás interesado en este estilo de cómic, puede ser una colección muy interesante para explorar.
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Adéntrate en el fascinante mundo de la artista visual Eliza Ivanova. Eliza comparte los secretos de sus evocadoras creaciones y muestra cómo compone las líneas, las formas, los colores y las texturas que hacen que su obra sea tan dinámica. Original y sofisticado, el arte de Eliza ofrece nuevas revelaciones cada vez que se mira. Con pasión, combina herramientas tradicionales y digitales para capturar el movimiento y la narrativa propios del dibujo al natural. Con tutoriales paso a paso e información detallada sobre el proceso creativo y su trayectoria profesional, explicada por la propia Eliza, esta es una oportunidad única para ahondar en la cautivadora obra de esta talentosa artista..
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A los doce años Montgomery Clift inició una brillante carrera en los escenarios de Broadway. A los treinta se convirtió en uno de los actores más admirados de Hollywood. Era un hombre solitario, orgulloso, sensible y distante. Adorado por millones de personas, respetado por sus compañeros fue no obstante un enigma para todo el mundo. Era famoso por sus ataques de ira, por sus extravagancias. Su ambigüedad sexual que le torturó a lo largo de su vida, su inex¬plicable angustia y un afán autodestructivo que le empujaba a consumir grandes cantidades de píldoras, drogas y alcohol dieron de él una imagen de personaje atormentado y difícil. Patri¬cia Bosworth, tras llevar a cabo una minuciosa investigación y reunir multitud de testimonios de familiares, amigos y conocidos de «Monty» -como le solían llamar ha realizado una de las más completas y apasionantes biografías de uno de los grandes mitos de Hollywood.
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Ya desde los primeros siglos del cristianismo, los fieles creían de forma algo confusa en la posibilidad de redimir ciertos pecados después de la muerte. Pero en el sistema dualista del más allá, entre el Infierno y el Paraíso, no había lugar para el cumplimiento de esas penas intermedias. Hubo que esperar hasta finales del siglo XII para que apareciera la palabra «purgatorio» y para que el Purgatorio se convirtiera en un «tercer lugar» del más allá, en una nueva geografía del otro mundo. El Purgatorio se inscribe en una revolución mental y social que sustituye los sistemas dualistas por sistemas que introducen la noción de intermediación y que contabilizan la vida espiritual, es, también, el triunfo del juicio individual en las nuevas relaciones entre los vivos y los muertos.Obra clásica e indispensable del medievalismo, y de la historia cultural y religiosa, esta brillante investigación sigue los avatares del nacimiento del Purgatorio desde la Antigüedad hasta la Divina Comedia de Dante, analizando uno de los grandes episodios de la historia espiritual y social de Occidente.
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Este libro, cargado de croquis, esquemas y bocetos del autor, se conforma como un glosario de mirada muy personal y subjetiva en la intención de contribuir a «nombrar bien las cosas» y a entenderlas a través de la mano que piensa… y dibuja.Sin pretender conformar una historia de la Urbanística, José Ma García-Pablos recorre y selecciona casos, lugares y autores que ha estudiado o manejado en una larga trayectoria como alumno, arquitecto y docente y que forman parte de su universo personal y profesional. Junto a los dos libros anteriores, publicados también en la colección Investigación y Universidad de Ediciones Asimétricas y que tocaron a través de los casos y en un formato muy coral el papel (de las) Arquitecturas que hacen ciudad y (de las) Periferias: ciudad, paisaje y territorio, este tercer volumen viene a completar la trilogía en una iniciativa editorial esperando sea de interés para el lector.
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The First Homosexuals, un libro nuevo, histórico y sin precedentes, traza la evolución de la identidad homosexual a través de un archivo de más de 300 pinturas, dibujos, esculturas, grabados, fotografías y fotogramas de películas de todo el mundo, muchos de ellos presentados en un contexto queer, global y colonial por primera vez.Junto a las obras hay 22 ensayos originales y perspicaces de destacados expertos en arte e historia queer, cada uno centrado en una región geográfica, desde Japón hasta Australia y las poblaciones indígenas de América del Sur. Abarcando desde obras maestras conocidas hasta obras de artistas desconocidos y piezas que rara vez se consideran en el contexto de la sexualidad, The First Homosexuals ofrece una mirada sorprendente e iluminadora al primer arte conscientemente queer.El libro acompaña a una exposición innovadora del mismo nombre presentada en Wrightwood 659 en Chicago.Los artistas destacados incluyen a Henri de Toulouse-Lautrec, Oscar Wilde, Thomas Eakins, John Singer Sargent, Félix Vallotton, Harriet Hosmer, Katsushika Hokusai, Kitagawa Utamaro, Frederic Leighton, Simeon Solomon, Giovanni Boldini, Jacques-Émile Blanche, Berenice Abbott, Clare Atwood, Duncan Grant, Laura Rodig, Carl van Vechten, Beauford Delaney, Anna Klumpke, Sarah Bernhardt, Walter Sickert, Florence Carlyle, Florence Wyle, Frances Loring, Ottilie Roederstein, Florine Stettheimer, Nasta Rojc, Glyn Philpot, Romaine Brooks, Ismael Nery, Manuel Rodríguez Lozano, Roberto Montenegro, María Izquierdo, Emilio Baz Viaud, Konstantin Somov, Pascal Adolphe Jean Dagnan-Bouveret, Alice Austen, Emilie Mundt, Bertha Wegmann, Thomas Anshutz, Marsden Hartley, Charles Demuth, Marie Laurencin, Gerda Wegener, Lili Elbe, Gregorio Prieto, Jorge Larco, Pavel Tchelitchew, Andrey Avinoff, Gustave Courtois, Carlos Baca-Flor, Gustave Moreau, Henry Scott Tuke, Sascha Schneider, Ludwig von Hofmann, Max Oppenheimer, Eugène Jansson, Osmar Schindler, George Platt Lynes, Agnes Goodsir, Tamara de Lempicka, Pedro Lira, Wilhelm von Gloeden, Ladislav Mednyánszky, F. Holland Day, Kristian Zahrtmann, Violet Oakley, Rupert Bunny, Saturnino Herrán, David Paynter, Lionel Wendt, Richmond Barthé, Richard Bruce Nugent, Lady Una Troubridge, Jean Cocteau, Léon Bakst, Lumière Brothers, Marie Höeg & Bolette Berg, José Guadalupe Posada, Claude Cahun, Toyen, Toni Ebel y Elisàr von Kupffer (Elisarion).
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Arquitectura y literatura son dos de las pasiones que compartimos muchos. Mallarmé decía (entre otras cosas) que «la vida estaba por convertirse en libro» y es mediante los libros que hemos hecho de nuestra pasión, profesión y viceversa. Este libro surge de una idea de la Cooperativa Jordi Capell, el Club Arquilecturas que tuvo lugar en nuestra sede (2020) y que pretendía analizar la componente arquitectónica de algunos libros míticos.El libro se circunscribe a doce ciudades. Tres son de Asia: Samarcanda, en representación de las ciudades invisibles, Estambul, puerta de Oriente, y Tokio, capital del país del sol naciente, una de cada extremo del continente, tres realidades bien diferentes. Cuatro ciudades escogidas de América: Nueva York, la gran capital del norte, puerta de entrada de tanta inmigración europea, Buenos Aires, su reverso, en el cono sur, La Habana, monumental y popular a un tiempo, y Angosta, metáfora de toda América Latina. Y, para completar el viaje, cinco ciudades europeas: París, ciudad de la luz, a la que un día se le fundieron los plomos, Venecia, la ciudad de los canales, Nápoles, radiante de sol, Lisboa, ciudad confín que mira al Atlántico, pero siente en clave mediterránea, y, no podía faltar, Barcelona, patria chica de uno.Más ciudades del sur que del norte, más ciudades europeas que de otros continentes, pero todas ellas forman parte del patrimonio sentimental de una vida viajera.
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En las últimas dos décadas, Nicole Wittenberg ha desarrollado un expresivo conjunto de obras que incluye pinturas de paisajes, retratos y erotismo. Wittenberg, más conocida por sus vibrantes pinceladas, crea imágenes aparentemente espontáneas a partir de estudios y dibujos (a menudo del natural) que sintetiza en pinturas sobre lienzo de mayor tamaño.Entretejiendo gestos pictóricos de distintos temas (algunos publicados aquí por primera vez), esta primera monografía incluye ensayos de la historiadora de arte Suzanne Hudson, el comisario Devon Zimmerman y el pintor contemporáneo David Salle, así como una extensa conversación entre la artista y el escritor Jarrett Earnest. Estos textos crean un retrato profundo de Wittenberg como artista.Presentado en un hermoso estuche de tela que muestra detalles de una de sus composiciones florales, este libro explora toda la gama de la visión artística de Wittenberg y representa la publicación más importante de su obra hasta la fecha. La publicación del libro coincide con dos exposiciones individuales de la obra del artista, en el Museo de Arte Americano de Ogunquit y en el Centro de Arte Contemporáneo de Maine.
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Embárcate en un sorprendente y alegre recorrido visual por El modernismo estadounidense de mediados de siglo a través de cientos de fotografías, dibujos y piezas efímeras.Recopilado por la icónica Academia de Arte Cranbrook, donde comenzó el movimiento. Con elementos esenciales figuras como Charles y Ray Eames, Harry Bertoia, Florence Knoll y Eero Saarinen junto a mujeres y diseñadores de color que históricamente han sido eclipsados, el libro ofrece una nueva perspectiva sobre este querido e influyente movimiento.Publicado para coincidir con una importante exposición en el Museo de Arte Cranbook, Bloomfield Hills, Michigan, apertura en junio de 2025.Andrew Satake Blauvelt es director de Cranbrook Museo de Arte, Michigan. Su carrera ha abarcado el mundo de la academia, las artes y la cultura en una variedad de roles en los principales museos de arte y universidades programas de diseño, incluyendo diseñador, curador, crítico, historiador, educador y administrador.
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Los monumentos son la materialización de las ideas dominantes y tienen su razón de ser en el poder económico. Donde el orden colonial y capitalista sigue intacto, al igual que sus conglomerados empresariales y oligarquías estatales, las plazas siguen dominadas por los «grandes hombres». La escasez de teorías radicales sobre los monumentos ha transformado la discusión sobre su conservación, resignificación y destrucción en una batalla ideológica. Frente a la defensa de la preservación de símbolos fascistas o coloniales, bajo el pretexto de «no borrar la historia», la iconoclasia popular y los (anti)monumentos subversivos reclaman su lugar para las luchas anticapitalistas, antipatriarcales y antiimperialistas. Al fin y al cabo ¿quién tiene derecho al monumento?
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¿Cuántas veces has dicho «esto da para una serie»? ¡Ahora tienes el libro que lo demuestra! ¿Y si la mejor serie fuera la vida misma? Más de 900 títulos, cientos de emociones compartidas y una certeza: esto da para una serie. Una carta de amor a las series, a las películas y a la vida real que las inspira Un homenaje a esas historias que vimos, sentimos y comentamos…, y que nos ayudan a entender la nuestra.Desde aventuras adolescentes sobre bicis llenas de barro hasta culebrones sentimentales dignos de telenovela, pasando por momentos laborales tan surrealistas como los de The Office o reuniones de vecinos más tensas que un capítulo de Aquí no hay quien viva. La vida —,la tuya y la de todos—, está hecha de escenas que parecen sacadas de una ficción. Porque a veces lo cotidiano se convierte en comedia, en drama, en thriller o en romance... y todo cabe en el mismo capítulo. En este viaje por más de 900 ficciones televisivas, Diego Merayo (@telocuentosinspoilers) nos invita a mirar atrás y reconocernos en las series que hemos visto, sentido y comentado. Porque las series no solo hablan de lo que ocurre en la pantalla, sino de lo que pasa en nuestras casas, en nuestros trabajos y en nuestras emociones.
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A lo largo de la Historia de Arte, desde la Grecia Arcaica hasta hoy, ha sido recurrente el uso de temas míticos e históricos nacidos en la Hélade y en Roma. Esculturas clásicas antiguas y cuadros renacentistas, frescos barrocos y filmografía actual han recreado, una y otra vez, las imágenes de los dioses del Olimpo -Zeus, Afrodita, Atenea, Apolo y tantos otros-, o se han interesado por las hazañas de Hércules, Aquiles o Ulises. Incluso los grandes hombres de la Antigüedad -Alejandro Magno, César o Cleopatra- han sido imaginados de una u otra forma, siguiendo la evolución de las mentalidades. Este libro aborda este amplio campo de conocimientos, saber qué textos griegos y latinos se han leído en cada época, cuándo ha interesado más un tema concreto, qué significado alegórico tienen aún hoy los distintos dioses y qué enfoque admite una leyenda o un tema histórico para cada artista.
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