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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Voici quatre‐vingts planches, de dimensions moyennes, feuilles volantes, destinées à circuler commodément, des espèces de placards de satire et de fantaisie. Elles ont été exécutées de 1793 à 1797, à une époque où l’Europe se débat dans les convulsions de la fin d’un monde. Leur titre, Les Caprices, pourrait faire croire qu’il n’y ait là que le passe‐temps d’un grand peintre. Mais, derrière ce mot innocent, se dissimule une virulence occulte, si bien que le sens de certaines planches nous paraît encore aujourd’hui très énigmatique.
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Los monumentos son reflejo del pasado, de los valores de la sociedad que encargó y sufragó la obra, y retratan el imaginario de la memoria colectiva. Por lo general, no constituyen sino un elemento más del paisaje por el que paseamos o un atractivo turístico que visitar y ante el que fotografiarse. Pero, en ocasiones, cuando se produce un profundo giro de mentalidad o una aguda agitación política, estos monumentos estorban. Ocurre entonces que estas obras, en el peor de los casos, son objeto de vandalismo y reciben la violencia que está dirigida contra aquellos valores o personalidades que representan.En esta historia de los monumentos públicos, en la que se contextualiza el uso que se ha hecho –y se hace– de ellos para construir un discurso, se pone de relieve que la actual cancelación histórica es el último eslabón de una larga secuencia que se inicia en la Antigüedad. En sus páginas, asistiremos a la ocultación, sustitución, modificación o destrucción de estatuas para comprender que la reacción social de distintas épocas ante sus monumentos es cualquier cosa menos inocua. Tampoco en esto resultamos particularmente originales.
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La exposición, 1924. Otros surrealismos, llega a España con la intención de analizar la recepción e influencia del surrealismo en nuestro país y ofrecer una nueva perspectiva del movimiento en un lugar, que, en las décadas de 1920 y 1930, se encontraba en la periferia de la vanguardia europea. Con este fin, la exposición no solo se detiene en la obra de algunos de los grandes representantes de esta tendencia en el ámbito tanto nacional como internacional —entre ellos, Salvador Dalí, Óscar Domínguez, Joan Miró o René Magritte—, sino que incide de manera especial en el trabajo de otros creadores menos célebres que trabajaron al margen del discurso dominante desde España y América Latina, y pone asimismo de relevancia la aportación de las mujeres al grupo.
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Aprende a dibujar la perspectiva siguiendo los principios básicos explicados de forma sencilla por Yves Leblanc: la línea del horizonte, los puntos de fuga, la percepción del espacio, las intersecciones, las elipses, los reflejos y las sombras, la perspectiva 3D, la panorámica... En esta pequeña guia, cada concepto se ilustra con numerosos ejemplos y algunos ejercicios con el fin de facilitar la comprensión de las bases de la perspectiva y su aplicación en el dibujo.
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Somos raíces, el catálogo de la exposición homónima que se inaugura en el Círculo de Bellas Artes el 12 de junio de 2025, propone un encuentro con el universo de Santiago Yahuarcani, pintor y escultor autodidacta del clan de la Garza Blanca de la nación uitoto, y su compañera Nereyda López, escultora autodidacta de ascendencia tikuna y cocama.La exposición invita a emprender un viaje por cosmogonías indígenas basadas en la oralidad, el canto, la visión y la resistencia comunitaria. A través de sus obras, Santiago y Nereyda reinterpretan los mitos y el mundo espiritual de sus antepasados, a la vez que relatan siglos de extractivismo y violencia que siguen afectando profundamente a los pueblos originarios de la región amazónica, marcada por el genocidio cauchero.
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Fuertemente vinculada al paisaje y a la historia cultural norteamericana, la obra de Edward Weston (Illinois, 1886 – California, 1958) permite discernir una perspectiva única en el proceso de consolidación de la fotografía como medio artístico y su relevante papel en el contexto del modernismo en las artes visuales. La exposición Edward Weston, está concebida como una antológica que recorre las distintas fases de la producción fotográfica del artista, desde su interés inicial por los planteamientos pictorialistas, hasta su consolidación como una de las figuras centrales en la afirmación del valor poético y especulativo de la fotografía directa. Pionero en el uso de un estilo fotográfico modernista, su trabajo se caracteriza por el uso de cámara de gran formato, dando lugar imágenes en blanco y negro ricamente detalladas y de una extraordinaria nitidez.
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Elaborado por un equipo de profesionales del color y de la enseñanza, este libro va dirigido fundamentalmente a los alumnos de arte de un nivel medio-alto. Alumnos de distintas escuelas que no se conforman con una simple descripción de los fenómenos, y que demandan unas explicaciones convincentes de los mismos. Con esta intención como premisa, se elaborado un manual sobre el color, descriptivo en los capítulos esenciales, reflexivo y conectado estrechamente con las disciplinas afines de las que se alimenta y a las que también remite. Contiene fundamentos teóricos y físicos del color, de óptica, de historia y simbología en el uso del color, así como fundamentos de armonía y las últimas técnicas y soportes digitales para imagen.
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Cuando contemplamos los vertiginosos espacios de la catedral de Chartres o las brillantes páginas de un manuscrito iluminado, somos testigos de un nuevo modo de ver las cosas. En esta radical revisión del arte gótico en Europa, la palabra «gótico» no sólo describe un estilo artístico, sino un concepto cambiante del espacio, el tiempo y la sociedad: un nuevo tipo de percepción, tanto visual como espiritual, en el que la luz tiene una importancia fundamental. Camille nos muestra cómo veía su propia época el arte de los siglos XIII y XIV, al tiempo que explora el modo en que se entendía la visión en sí. En esta época de pintura gloriosa, de arquitectura y escultura magníficas y complejas, de lujosa iluminación de manuscritos, el arte era la expresión de la pasión religiosa y del poder terreno, de la riqueza pública y privada, de la ciencia y del conocimiento. La nueva visión condujo a un estallido de brillantes imágenes, pero tenía su lado sombrío, al que la Historia del arte rara vez ha prestado atención: la representación deformada de los «otros» -judíos, herejes, leprosos-. una nueva visión, pues, no sólo de lo maravilloso, sino también de lo grotesco. Este libro contrasta con los enfoques tradicionales, centrados con frecuencia en la tecnología arquitectónica y en los pequeños detalles de la iconografía. Elementos inusuales, como el revival gótico del siglo XIX, proporcionan un marco amplio, mientras que las numerosas obras de arte seleccionadas, de Londres a Praga, de Escandinavia a España, revelan el estilo gótico como un verdadero estilo internacional.
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El profesor Esteban Lorente ha realizado un trabajo sólidos y rigurosoque alude al significado profundo de la obra de arte desde unaperspectiva global histórica y artística en el ámbito del Occidenteeuropeo. Con un sentido investigador y didáctico renovador el autor nospresenta algo más que un simple manual. su vasto conocimiento en muchasparcelas del saber dota al libro de una proyección más amplia. Enpalabras de Gonzalo M. Borrás: Esta obra está destinada a convertirse enun clásico del temaDisponibilidad
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Andy Warhol es nuestro artista más famoso, pero vastas regiones de su obra permanecen inexploradas y secretas. Todos recordamos las pinturas de Marilyn Monroe en ácidos colores y las latas de sopa reiteradas. Hemos visto, tal vez, alguna de las películas underground que realizó filmando un hombre que no para de dormir y ocho inertes horas del Empire State. Pero lo ignoramos casi todo de los esqueléticos dibujos del joven diseñador publicitario de provincias que aspiraba al prestigio del pintor, los espectáculos de medios múltiples donde danzaban sus narcóticas estrellas, las fotografías tomadas a la manera de los paparazzi y los retratos pintarrajeados de las celebridades de los años setenta, las grandes ocasiones cuando tomaba por asalto tal o cual museo para mostrar las propias o ajenas colecciones, la comedia desconcertante de los libros y los reportajes, los parcos diarios y las cajas repletas de objetos heteróclitos que llamaba «cápsulas de tiempo». Este libro se propone corregir esa omisión, recobrar las regiones olvidadas de esta obra tan proteica e imaginar un Andy Warhol más exuberante, más vivaz, más inventivo y más actual que la figura que la historia del arte nos enseña.
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Nicolas Gzeley es fotógrafo, autor, periodista y grafitero. Colabora con diversas revistas y libros especializados.Nicolas Laugero-Lasserre es director de la escuela icart, presidente fundador de la asociación Artistik Rezo y coleccionista de arte urbano.Stéphanie Lemoine, periodista y crítica de arte, enseña historia del arte urbano en la Universidad Panthéon-Sorbonne.Sophie Pujas es periodista en Le Point y escritora. Autora de tres obras sobre arte callejero.
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Nueva edición del catálogo de exposición que acompañó Pinta la Revolución. Arte moderno mexicano, 1910-1950, una muestra organizada en conjunto por el Philadelphia Museum of Art y el Museo del Palacio de Bellas Artes, y presentada en ambas sedes entre octubre de 2016 y mayo de 2017. Esta nueva edición está dividida en tres volúmenes donde se abordan los temas más representativos del arte moderno mexicano. Se conservan las ilustraciones del catálogo original, agrupadas en secciones cuyos títulos reflejan los núcleos temáticos de la exposición. El tomo II se concentra en las alternativas de la vanguardia en el México posrevolucionario, la fotografía como medio y el impacto del arte moderno mexicano en los Estados Unidos.
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Hubo un tiempo en que la institución escolar representaba la apertura a un mundo nuevo inaccesible de otro modo para la población sumergida en pequeñas comunidades tradicionales. Fue un tiempo en que unos pocos enseñaban a algunos más, y en el que, después de todo, había claridad y seguridad sobre los fines de la educación, en el que había, sobre todo, una gran estabilidad en la estructura organizativa y en el entorno, lo que se traducía en un contexto de previsibilidad, tranquilidad y certidumbre para los docentes. Las cosas han empezado ha cambiar cuando este entorno humano y tecnológico ha perdido esta estabilidad. La respuesta: la reforma. La cantinela: que las reformas deben venir acompañadas por aumentos de los recursos. Es, ciertamente, una demanda justificada (los nuevos alumnos necesitan más), pero también una manera de desentenderse y un reconocimiento de la impotencia (los nuevos profesores ofrecen menos). Sin embargo, aunque la consigna 'más dinero para la educación' es algo que siempre suena bien (los niños, el futuro, la sociedad del conocimiento…), no puede ser una demanda incondicional. Puede incluso que la sociedad haya de considerar otras prioridades. En todo caso, estos son los mimbres que tenemos y con ellos hay que construir el cesto, pero lo que significa esencialmente es que los centros de enseñanza ya no pueden funcionar solos, ni de cualquier manera, ni abandonados a las prácticas profesionales aisladas de sus integrantes. La cuestión es cómo obtener más que la suma de los incrementos individuales de recursos docentes. La solución sólo puede estar en la organización de la escuela entendida en su sentido más amplio: estructura formal, clima de trabajo, papel de los órganos colegiados, estilo de dirección, cultura profesional, relaciones con la comunidad, ubicación de la capacidad de decisión, grado de autonomía de los profesores y los centros, intervención municipal, cooperación con otras organizaciones, grupos e instituciones, clima escolar y de aprendizaje, relaciones con las familias, etc. Ése es el camino que, en varias de sus facetas (no necesariamente en todas), abordan los trabajos que forman este volumen.
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Historia social de la literatura y el arte, el libro más conocido y emblemático de Arnold Hauser, es un acercamiento del arte a la realidad social de las distintas épocas. Este segundo volumen abarca desde el rococó a la época del cine. Influido por los cánones y preceptos de la rama más teórica del marxismo, Arnold Hauser concibió su Historia social de la literatura y el arte como un ejercicio omnímodo, capaz de dar cuenta, mediante las sinergias de la historia y sus coyunturas sociales, de las producciones artísticas y culturales que han perdurado hasta nuestros días. Este segundo volumen de su obra magna recorre los dos siglos que van desde el siglo XVIII y la gestación del movimiento rococó hasta los albores y el desarrollo de la cinematografía. Son años de cambios constantes que, nos enseña Hauser, no deben disociarse en ningún caso de las expresiones artísticas que los visten: la parte no puede entenderse sin el todo.Reseña:«Un libro absolutamente indispensable.»Art News and Reviews
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La divulgadora del momento te explica por qué el arte es para todos.Eugenia Tenenbaum revive en este libro periodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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'Los tiempos muertos de la ciudad, la hora de la siesta, las visiones en el recorrido cotidiano: Rita Rivera nos señala la magia oculta en lo que no se tiene por mágico.'' — Sabina Urraca — “El viaje de Rita, en bucle, de ida y vuelta, capturando los restos arqueológicos de una civilización que crea y arrasa a la vez” — Tono Arias — ''No hay nada más intenso que el polvo que flota en todas las imágenes: palmeras, moteles, donde el amor no existe, donde el amor se hace. El mejor reclamo del mundo, la pasión más intensa, arrasada por El Gran Sol y su enorme sombra. ¿De verdad un día hubo República?'' — Suso Basterrechea — ''Rita G. Rivera nos guía en un recorrido cotidiano lleno de frescura por el interior de Alicante. Su mirada conocedora y crítica retrata una ciudad entre el exceso y el abandono, el brillo y la decadencia. Es la imagen de un país en construcción permanente, de un quiero y no puedo. Vacíos que no se llenan y turistas que desbordan paisajes a medio hacer. Oasis de felicidad prefabricada y reductos de silencio laboral.'' — Nerea Ubieto —
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El título Siempre rojo no implica que nunca fuera a cambiar. Quería decir con ello que nunca comprometería mi oposición a la cultura y la sociedad burguesas. Publicados por primera vez en 1960, los ensayos reunidos en este libro fueron escritos entre 1954 y 1959 en forma de artículo para la revista marxista New Statesman, con la que John Berger colaboró durante más de una década. En evidente oposición al gusto burgués -de ahí el título-, el crítico de arte nos acerca de forma íntima y cálida a varios artistas, algunos de ellos minoritarios o desconocidos en ese momento, para hablarnos de sus dificultades y sus luchas, sus éxitos y sus fracasos. Una nueva mirada muy lejana a la de la historiografía convencional de quien comprende el arte y el artista en el contexto cambiante de la historia.
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Emocions
Catàleg de l'exposició temporal ''Emocions. Imatges i gestos del passat i del present'', que té com a objectiu principal aprofundir en el món de les emocions, com el dolor, la tristesa, la solitud i la compassió, que poden transmetre les obres medievals i renaixentistes del Museu quan es posen en relació amb algunes obres d'artistes contemporanis (Bill Viola, Antoni Tàpies o Lucio Fontana). La voluntat del Museu és revitalitzar la seva col·lecció d'art a partir d'una mirada actual sobre sentiments intemporals i universals.
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* Descubra 100 conceptos clave y pautas interdisciplinarias imprescindibles para utilizar el color con éxito. * Profusamente ilustrado y de fácil consulta, vincula explicaciones claras de cada tema y ejemplos visuales aplicados a la teoría y la práctica. * Ya sea en una campaña de branding, un centro sanitario, el embalaje de un producto o la interfaz de una aplicación informática, el color que vemos es la materialización de un gran número de conceptos y prácticas que se unen desde múltiples disciplinas para aumentar el atractivo, influir en la percepción y mejorar la comodidad de uso. Incluye conceptos y ejemplos, con los que podrá aprender a tomar decisiones de color más cimentadas y eficaces. Un punto de referencia fundamental para diseñadores, artistas, arquitectos y estudiantes que deseen ampliar y mejorar su conocimiento y experiencia del color.
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La lleona de Girona
La columna de la Lleona se ha ganado un lugar de honor entre los símbolos de la ciudad de Girona y es muy conocida tanto entre sus habitantes como entre los turistas. Aun así, su popularidad contrasta con lo que realmente sabemos. Hay que buscar su origen en la época medieval, hacia mediados del siglo XIII, pero su pasado, significado, autoría, ubicación, simbolismo, etc., siguen siendo, en buena parte, una incógnita. La revisión de todas las informaciones conocidas sobre la columna, además de la obtención de datos inéditos, y la descripción cuidadosa y analítica de la pieza que plantea este libro, suponen una actualización imprescindible para su conocimiento. Esta es la segunda edición revisada.
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Un dialogue entre l'Orient et l'Occident
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Cuadernos de arte Cátedra
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Avenida de los Poblados, sin número es un proyecto de investigación artística interdisciplinar que explora la memoria del solar donde estaba ubicada la antigua cárcel de Carabanchel. Este espacio, particularmente denso en contenido, ha sido abordado por estratos, desentrañando sus múltiples capas: Desde el subsuelo, que oculta un yacimiento romano apenas reconocido, hasta el cielo del solar o tejado de la prisión, testigo de los motines protagonizados a finales de los años setenta por los presos sociales de la Coordinadora de Presos en Lucha (COPEL), pasando por la flora silvestre que ha crecido libremente sobre los escombros de este edificio de represión tras su demolición en 2008. Para abordar la complejidad del terreno, el proyecto ha sido concebido como una colaboración entre profesionales de distintos campos como la arqueología, el activismo o el paisajismo. El resultado inicial de este trabajo se presentó en 2022 como una exposición de fotografía, escultura y dibujo, donde se materializó visualmente el proceso de investigación. Ahora, este libro reúne y amplía el material generado por la autora y sus colaboradoras, incorporando además documentos históricos de la COPEL, testimonios y registros que contribuyen a reconstruir los fragmentos de memoria del solar.
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Este libro te permitirá compartir el desarrollo creativo del pintor y escultor más influyente del siglo XX, Pablo Ruiz Picasso, uno de los creadores del cubismo y el genio que cambió las reglas de la pintura, jugando con nuestra percepción de las formas y los colores. Sentado junto al gran maestro, trabajando con ejemplos de sus obras y comprendiendo las claves tanto de su estilo particular como del mundo del dibujo, la ilustración y la pintura en general, podrás cultivar una base de conocimientos que te proporcionará una solidez instintiva para realizar tus propias obras al estilo de Picasso, cuya obra, siempre revolucionaria y en constante evolución, continúa influyendo a artistas de todas las generaciones.
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Llegado a la literatura justo en el momento en el que acababa el Simbolismo, y fallecido la víspera del advenimiento del Dadaísmo en París y del nacimiento del Surrealismo, Guillaume Apollinaire (1880-1918) desarrolló una obra situada en la encrucijada de las principales tendencias estéticas que atraviesan el siglo XX. En ''Las tetas de Tiresias'', subtitulada ''Drama surrealista en dos actos y un prólogo'', Teresa muda de sexo y se convierte en hombre para librarse de las imposiciones sociales que sufre como mujer, tras lo cual abandona a su marido y emprende una exitosa carrera militar en Zanzíbar. El marido, a su vez, se adapta a la situación y asume hiperbólicamente los roles asociados a las mujeres, llegando a tener en un único día 40050 hijos. Ingeniosa, irreverente y arriesgada, la obra de Apollinaire cuestiona y desafía la moral de su época, al tiempo que llama a abrazar un futuro radicalmente nuevo, en el que los antiguos moldes se desechan para siempre.
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Gaudí dissenys
Quadern per pintar amb ornamentacions d'algunes de les obres arquitectòniques d'Antoni Gaudi, que corresponen a diferents façanes, reixes, mosaics, trencadissos, etcètera.
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Publicacion coordinada por Roberto Cueto, que incluye articulos de Vicente SanchezBiosca, Santiago de Pablo, Mark Connelly, Maria Carrion, Claire Diao, Diego Lerer, Vladan Petkovic, Sonia Garcia Lopez, Pablo Utin, Noemi Artal y Antonio Jose Navarro. El ciclo, coorganizado con Donostia / San Sebastian Capital Europea de la Cultura 2016 y que cuenta con la colaboracion del Museo San Telmo, la Filmoteca Vasca y CulturArtsIVAC (Valencia), incluye una seleccion de 32 peliculas que tiene como objeto ser testimonio de los tiempos que vivimos, de las situaciones de violencia que se producen en todo el mundo: conflictos belicos, terrorismo, ocupacion de territorios, violaciones de los derechos humanos o genocidios. En consonancia con la retrospectiva, el libro explora, entre otros temas, El conflicto israelipalestino en el cine, El ultimo combate. La memoria de terrorismo vasco en el cine del siglo XXI, La revolucion congelada. Cine politico en America Latina o La performance de la violencia. Perpetradores en la obra de Rithy Panh y Joshua Oppenheimer / Christinne Cynn.
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Arte. Grandes temas Cátedra
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Joies d'artista
L'acostament esporàdic, però intens, dels artistes al món de la joieria és l'eix vertebrador de l'exposició que il·lustra aquest catàleg, la primera d'aquesta temàtica organitzada al nostre país i que acull l'MNAC entre octubre de 2010 i febrer de 2011. En ella es poden admirar més de 300 peces d'artistes, tant catalans com internacionals, que encapçalen les diferents tendències creatives que se solapen durant el fèrtil segle XX. Dissenys originals d'Héctor Guimard, Josep Llimona, Manolog Hugué, Pau Gargallo, Salvador Dalí, Georges Braque, Alexander Caldero i Pablo Picasso, entre altres, procedents d'institucions públiques i de museus de tot el món, així com de col·leccions privades i del mateix fons del Museu. Les joies exposades revelen en petit format la personalitat artística dels seus autors i, al mateix temps, dialoguen amb altres obres seves (pintures, escultures, fotografies, teixits i arts de l'objecte).
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El Bages. Cançons, tonades i balls populars
Documento escrito y sonoro fruto de un trabajo de campo sobre la música popular catalana de tradición oral con la comarca de el Bages como territorio explorado y objeto de estudio. Se compone de un DVD, un doble CD y un librito. En el DVD se encuentran imágenes filmadas de bailes diversos ordenados de dos maneras diferentes: por su contenido o tipología y por su trayectoria geográfica. En el doble CD pueden escucharse documentos procedentes de la tradición oral ordenados a partir de una clasificación etnomusicológica cuyo criterio de base es la funcionalidad.Finalmente, el librito que acompaña a este producto audiovisual contiene las explicaciones imprescindibles para la mejor comprensión del discurso que ofrecen las imágenes y las canciones.
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Photography Phaidon
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En forma de breves capítulos, extraordinariamente sustanciosos, prodigios de síntesis y de claridad, el autor acierta a condensar nociones y conceptos esenciales de imprescindible conocimiento para apreciar la obra de arte. Ningún dogmatismo, ninguna limitación de criterio, al contrario, la mayor comprensión y franqueza de espíritu, fueron las cualidades salientes del criterio analítico practicado por Read.
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Hollywood produjo en 1938 un buen puñado de grandes películas. Con muchos de los mejores directores de la Historia en activo, y gran parte del Star System en pleno apogeo, la cosecha fue realmente prodigiosa. Este libro recoge los grandes estrenos de aquel año,uno por uno, acompañado de un gran despliegue gráfico.
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Dins la col·lecció de cartells que poseeix el Museu d'Art de Catalunya són representats alguns dels noms més il·lustres de la història del cartell europeu i americà.També el repertori il·lustra un episodi molt notable d'avantguardisme gràfic, resultat de l'esforç col·leccionista dut a terme per Plandiura i Riquer.A cada plana trobareu una reproducció d'un cartell de gran bellesa artística i la fitxa tècnica. Un recorregut brillant per l'art publicitari de finals del segle XIX i principis del segle XX.
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Catàleg de l'exposició inaugurada al Museu Nacional d'Art de Catalunya el 26 de juny de 2008 (21.6.2008 al 21.9.2008), organitzada conjuntament amb la Tate Gallery de Londres, en la qual es proposa descriure l'amistat personal i els diàlegs artístics entre tres de les grans figures de l'art del segle XX: Marcel Duchamp , Man Ray i Francis Picabia. Presenta prop de 300 obres (pintures, objectes, fotografies i cinema) amb els principals temes que exploraren aquests artistes durant la seva experiència dadaista, i que són el reflex de l'univers compartit per tots tres.
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