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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Lo que queda es un viaje en verso por las emociones que atravesó la autora durante sus cuatro años en Barcelona. Años difíciles, pero de mucho crecimiento personal, en los que aprendió a amar y a soltar, a recibir y a despedir. Sus poemas, honestos y sin artificios, nacen del desahogo y la necesidad, pero florecen en esperanza, parten de finales y desembocan en nuevos comienzos. Este poemario no busca encontrar respuestas, sino abrazar el proceso, honrar lo vivido y encontrar belleza en lo que queda después del caos. Una tirita de colores para el alma.
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Entre els quatre llibres que s'agrupen amb el nom col·lectiu d'''El Color'' -el darrer dels quals és ''Comèdia'' (1960)- i ''Els fets'' (1974), aparegué el 1967 L'Evangeli segons un de tants, que connecta l'estètica farcida de referents religiosos de la primera etapa de Blai Bonet amb la consciència política i social que ja es palesa obertament a partir d'Els fets. Es tracta d'un llibre lluminós, portador d'alguns dels poemes més coneguts de l'autor, com «Crist de Port-Royal», «Primavera pública» o «Maria Magdalena», que no és només, però, una recreació de passatges evangèlics coneguts: és, sobretot, la mirada de Blai Bonet sobre el seu món expressada a la manera dels evangelis. En definitiva, ''L'Evangeli segons un de tants'' és un llibre fonamental per a entendre l'evolució de l'estètica i l'ètica de Blai Bonet, i el receptacle de molts dels seus millors versos. Blai Bonet (Santanyí, 1926 - Cala Figuera, 1997), poeta, novel·lista i crític d'art. Fill de família humil, va ingressar al seminari, però va haver d'interrompre els estudis eclesiàstics a causa de la tuberculosi. Bonet va escriure des del risc i la revelació, i la seva obra explora el cos, la fe, el desig, la malaltia i la paraula amb una intensitat extrema que trenca convencions formals i temàtiques. La seva obra poètica, amb títols com ''El Color'', ''L'Evangeli segons un de tants'', ''El poder i la verdor'' o ''Nova York'', n'és el centre i la manifestació més radical.
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'Así viene, Así se va'' es una invitación a sumergirse hasta las trancas en el error.Su Ramos nos presenta un itinerario de deseos y verdades que acarician como bichitos o duelen como una ''mala puñalá'', donde la ingenuidad no es debilidad, sino la única forma valiente de estar viva.Es la crónica de un cuerpo que prefiere estrellarse con elegancia antes que ver la vida pasar desde la orilla. Un mapa de cicatrices hermosas para quienes saben que, tras el impacto, siempre habrá una nueva piedra reluciente que justifique el próximo tropiezo.Deja la ropa en la orilla y entra. ¿Te atreves a caer?
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Amb abundant informació, en bona part inèdita, aquesta ''reconsideració'' de Víctor Balaguer, poeta ''trobador de Montserrat'' i ''polític de la vida literària'', aborda la Renaixença catalana del segle xix que el va tenir com a principal promotor, el seu paper com a ''poeta del teatre'' del Liceu barceloní, els lligams amb el procés italià del Risorgimento, l'ideal d'Unió Ibèrica amb Portugal... Entre l'erudició històrica i l'assaig de lliure opinió, aquest recull d'escrits balaguerins de Pi de Cabanyes explora punts significatius com ''Els misteris'' de Goethe i Montserrat, el nom maçònic de Balaguer, Tamarit, diputat del temps de la Guerra dels Segadors, la trobada amb Stuart Mill, mestre del liberalisme i dels drets de les dones, i la relació amb el general Prim, sobre el crim d'estat del qual es republiquen aquí veritats tapades per la versió oficial...
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Escarabajos del desierto es un viaje a través de la muerte, la soledad, el amor y la transformación. Con la fuerza simbólica del escarabajo egipcio, los poemas nos invitan a descubrir cómo incluso desde la oscuridad se puede renacer. Escarabajos del desierto es un lugar donde descansar y sentirse escuchado, es un reclamo a la introspección y a la inevitable evolución del ser.
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Es triste el olvido, pero más duro es al ser buscado. Cuando alguien importante sale de nuestra vida, nos separamos, a veces queremos olvidar todo lo que nos dio, borrar recuerdos, sentimientos y pensamientos. Deshacer la vida hecha y seguir adelante. Es muy triste pensar que tantas horas juntos parezcan no valer nada. Largo camino hacia un desvío es la carta de amor y desamor que nunca se cuenta, lo que se vivía, se vivió y se vive en una relación que no podía funcionar. Es el recuerdo aceptado de un amor que murió, y aunque tanto se buscó, tampoco se olvidó.
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Kairós. Unidad y multiplicidad de la condición humana, es un viaje que recorre tres dimensiones: la historia, la realidad y el individuo. Un ensayo de sociología existencial que se articula a través de la categoría de lo universal-singular para afirmar la singularidad de la historia, de lo real y del individuo, así como la multiplicidad en la diversidad que retoma y da significado, construyendo el caleidoscopio de la condición humana. Kairós, la divinidad griega que representa el tiempo como oportunidad, el tiempo necesario, el momento adecuado, la consonancia que hace posible lo imposible, es una representación cualitativa, opuesta a la homologación cuantitativa de Chronos. Kairós quiere indicar que el sentido de las ciencias humanas es ofrecer nuevos horizontes, nuevos espacios de libertad. Porque conocer es cambiar y quizás este sea el momento oportuno.
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En este nuevo poemario, Bárbara Muñumer abre las páginas de un bosque encantado donde los cuentos de hadas se deshilan, reinventan y se visten con piel actual. La mujer -canción, hielo, bestia, lágrima, ceniza, sueño, loba- recorre estos versos como la voz propia que se cuenta a sí misma. Estas letras invitan a una travesía que parte del folclore, la mitología clásica, el arte y el simbolismo personal de la autora para devorar la lírica tradicional y sembrar nuevas versiones desde la imaginería maravillosa. Inscrito en la línea de la poesía fantástica, poco cultivada en España a excepción de algunas voces como Ana Merino, Lorenzo Oliván o Lorenzo Plana -entre otros-, este libro sirve al propósito de cuestionarse la realidad y reflejarla mediante su negación al otro lado del espejo. Con voz íntima, mirada aguda y una lírica que no teme al filo, Para comerte mejor muestra la belleza de lo terrible, porque, al final, «la sangre florece porque florece».
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Como subraya el subtítulo del poemario -Diario en versos- se trata de un conjunto de hojas desprendidas de un almanaque lírico, que refleja el proceso íntimo o desarrollo de un continuo irse enamorando de la persona que, en un momento dado, mi sensibilidad eligió con insistente perseverancia como objeto amoroso o diana para mis encendidas flechas. Como todo proceso amoroso, el poemario resalta momentos distintos y a veces contrapuestos: éxtasis, decepción, esperanza, enajenamiento, gozo carnal, desgarramiento... Y también, en determinados momentos, el extrañamiento cultural de un medio tan alejado del que dejé atrás, en pos de las huellas de quien, quizás de manera involuntaria, me encendió el alma. Aquí seguimos, cuarenta y cinco años después, librando juntos esta batalla del vivir.
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Estos poemas se escribieron en un cuaderno de campo lleno de polvo y polen entre notas de observaciones de fauna, durante los siete años que residí en el rural gallego rodeada de bosques de robles y pastos. Durante esos años combiné la realización de mi tesis doctoral para defender la conservación del bosque y de su fauna de forma científica con labores activas de conservación custodiando y creando bosques autóctonos, impartiendo charlas y conferencias, realizando multitud de actividades de educación ambiental y recogiendo basura gracias a la asociación de custodia de territorio Quercus Sonora que colidero. Sin embargo, mi pasión por la escritura desde que era niña hizo que mi forma de expresar lo que veía, sentía y vivía durante ese tiempo fuera, principalmente, mediante la escritura, tanto en prosa como en poesía. Este libro es una recopilación de los poemas que escribí rodeada de naturaleza, algunas veces exaltando su belleza, otras veces rota por ser testigo de su destrucción...
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Versos tiernos y entrañables sobre animales en familia: la cigüeña y el cigüeño, la rana y el rano, la pájara Pinta y el pájaro Pintón, el pollito miope..., y muchos más que Gloria Fuertes te presenta con su habitual simpatía y originalidad.
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Esta obra ahonda en la memoria personal, desde la infancia hasta ayer mismo, para trazar así una identidad en el presente. No es aquí la experiencia un testimonio netamente autobiográfico, sino un terreno a partir del cual crear y reflexionar acerca del paso del tiempo, la muerte, el amor, la pérdida, la amistad, siempre desde un punto de vista generacional. Rendirse es, en ocasiones, aceptar lo absurdo de la vida, entender los límites, entregarse a lo inevitable, abandonar la competición y vivir sin esperar premio ni recompensa.
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En este poemario, los lugares y los recuerdos se convierten en testigos silenciosos del paso del tiempo. La levedad de la palabra recorre espacios habitados por memorias, despedidas y ecos que aún resuenan. A través de versos entre la nostalgia y la contemplación, se evocan las huellas invisibles que dejan las ausencias: una conversación interrumpida, unos pasos que se desvanecen, un susurro que ya nadie repite.La poesía invita a reflexionar sobre la belleza y la fragilidad de lo humano, explorando el rastro que dejamos en un mundo que seguirá su curso. Cada poema es una grieta en el tiempo, donde lo efímero se vuelve eterno.
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El Profeta es la obra maestra del poeta y pintor Kahlil Gibran (1883-1931), uno de los grandes innovadores de la literatura árabe. En 26 sermones poéticos, Gibran destaca temas eternos como el amor, la alegría y la tristeza, la libertad, el bien y el mal, la oración, la fe y la muerte. La convicción que emana de esta obra es que el amor puede herir, pero también puede traerte un gran éxtasis. Este libro es un testimonio de notable compasión, perspicacia y esperanza. Además, tiene un mensaje atemporal, accesible a un gran número de lectores por su sencillez.
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El sabor de la fe nos invita a recorrer, a través de la poesía, nuestro camino de fe: desde la Palabra creadora de Dios hasta la vida nueva del cristiano. Son versos que brotan del silencio y de la contemplación, escritos para quien busca entender la vida desde la mirada divina en lo cotidiano. Es un libro para saborear, para leer despacio y, sobre todo, para orar desde la belleza de su poesía. Publicada de manera póstuma, esta obra es la herencia espiritual de una autora, Milagros Bayona , que supo escuchar, en lo más profundo de su corazón, la voz del Señor.
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Aquest Recull de poemes expressa vivències, anècdotes, interessos, experiències personals o molt properes ..., filtrades per una lent neurodivergent, concretament des d'un Transtorn de l'Espectre Autista (TEA) diagnosticat a l'autora als seixanta-tres anys, després d'un llarg peregrinatge de joventut de despatx en despatx terapèutics. De fons, reivindica l'exclusió de la paraula ''normal'' del vocabulari popular així com també una manera de llegir els estímuls que ens arriben i la realitat que ens envolta, simplement diferent. S'hi afegeix el punt de maduresa de l'autora que fa que la perspectiva d'allò que expliquen els poemes aporti reflexió, desafiament, serenor davant l'adversitat, i altres valors que una lectura tranquil·la de segur endevinarà.
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Koltz es malfia de les paraules, enveja el llenguatge dels sord-muts, el gest que comunica enfront del signe que amaga. La poeta és hereva d´una llengua que sent estrangera i que no obstant això no pot deixar de fer servir a falta d´un altre instrument. Cal parlar per no morir.
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«Toda antología poética es, en el fondo, un gesto de recomposición: una tentativa de devolver unidad a lo que nació disperso en el tiempo, en la experiencia y, a menudo, en el dolor. Lira rota, de Martín García Ramos, se ofrece al lector contemporáneo como una obra atravesada por esa fractura original que no es solo estética —la del instrumento dañado que ya no puede emitir un canto puro—, sino vital, histórica y espiritual. La lira está rota porque lo está la vida que la pulsa, y, sin embargo, su música persiste. »Leído hoy, Lira rota se revela como un testimonio singular de la poesía española de posguerra escrita desde la periferia geográfica y desde el margen de los grandes movimientos literarios. Su valor no reside en la innovación formal, sino en la coherencia moral y en la autenticidad de su voz. El lector percibirá aquí que una vida entera —con sus amores, su enfermedad, su fe y su tierra— se condensa en unas páginas escritas con pudor, claridad y emoción contenida.» Juan de Dios García
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Canto de oscuridad y tristeza no es un poemario amable. Surge en un momento de crisis y depresión que el autor trata de arrancarse de la única manera que sabe: con poesía. Lleno de referencias musicales de distinto estilo, emerge como un disco de depressive black metal: lleno de desolación, imaginería oscura y hasta temas suicidas. Los diversos desengaños amorosos, la sociedad que le aplasta, sus problemas con el alcohol, la salud mental y la comida, la propia insensatez del autor en busca de un amor que probablemente jamás llegue, los sueños no cumplidos, la propia poética del autor, la muerte, todo permea los versos de este poemario.El autor da un giro a su poética habitual: venido del slam y sus poemas de tres minutos, en este nuevo libro apuesta por el poema breve, incluso por el micropoema en algunos casos. Este poemario no da pie a la positividad de versiones anteriores, en las que la lucha social y la denuncia siempre estaban presentes. Hay una herida que cauterizar y que Miguel Cornejo muestra en toda su crudeza y fealdad, a la intemperie, sin sanar. No hay lugar para la esperanza. Todo es depresión, oscuridad y tristeza.
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Este poemario constituye la crónica de Pedro Andreu desde el momento de su diagnóstico de Esclerosis Lateral Amiotrófica(ELA) hasta el punto de no retorno. Un puñado de versos de amor, dolor, memoria y muerte en los que emerge, sobre todas las cosas, el acto poético como forma de encarar y asumir la existencia. Andreu se enfrenta a su destino con sus armas y útiles más preciados: su lengua materna, su imaginación, su capacidad de trabajo, su conciencia, sus dotes de observación, su impresionante lucidez. Si en ocasiones anteriores Pedro nos transportó a mundos oníricos, lejanos o improbables fuera de la imaginación, con esta obra, escrita mientras miraba a la muerte de frente, nos descubre su entorno más real y desde allí nos conduce hasta el corazón frágil y frío de la más pura belleza.
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La dona d'espart és un poemari d'alta intensitat humana que neix d'una doble experiència amb el càncer: primer, com a fill que acompanya la malaltia llarga i agònica de la seva mare, després, com a metge que es converteix en pacient i afronta el diagnòstic en primera persona. Des d'aquesta doble mirada -la del familiar i la del cirurgià- l'autor explora el trànsit entre la vida i la mort, el dolor, la por i l'esperança, articulant un itinerari interior que va de la fragilitat a l'acceptació i a la reconstrucció. Amb poemes reflexius i continguts, Navarro Alfaro converteix l'experiència en matèria poètica i ofereix un testimoni profund i intimista sobre la dignitat humana, l'empoderament del pacient i la possibilitat de trobar llum enmig del sofriment.
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Existen líneas imaginarias que, aunque ausentes en los atlas convencionales, sostienen el peso de nuestra existencia. En este poemario, José Antonio Buil nos invita a recorrer una cartografía de lo invisible, trazada sobre los ejes de lo social, lo cultural y lo pasional.El autor explora la disolución del individuo en una sociedad que lo reduce a mero consumidor. Sin embargo, esta obra va mucho más allá del puro lirismo. No se conforma con la belleza del verso, es una herramienta de conocimiento que busca unir las dos cualidades humanas por excelencia: pensar y sentir.José Antonio Buil construye una propuesta para quienes, cansados de mapas vacíos, reconocen que la poesía, como los pájaros, no conoce fronteras.
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En este libro, la poesía se une a la ciencia para tender un puente de esperanza. La belleza y el dolor reúne las voces de poetas más reconocidos en España de forma altruista. Poesía al servicio de la ciencia, y en favor de la investigación de las enfermedades raras. Detrás de cada verso hay un gesto solidario, un compromiso con quienes conviven cada día con el dolor, la incertidumbre y la falta de investigación. Se estima que en España hay cerca de tres millones de personas afectadas por alguna enfermedad poco común. Sin embargo, solo un 5 % de ellas dispone de un tratamiento. Las enfermedades minoritarias son incurables. Con la compra de este ejemplar colaboras con la Fundación Isabel Gemio, que impulsa proyectos de investigación sobre enfermedades minoritarias. Cada poema es una chispa de esperanza, un recordatorio de que la solidaridad también cura. Con la compra de este ejemplar colaboras con la Fundación Isabel Gemio, que impulsa proyectos de investigación sobre enfermedades minoritarias. Cada poema es una chispa de esperanza, un recordatorio de que la solidaridad también cura.
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Los poemas de Sonetos para una tonalidad perdida están inspirados es acordes musicales. Percival Everett es músico, además de autor o domador de caballos. Cada acorde lo coloca en un estado anímico que le lleva a un pensamiento donde son importantes los sentidos y las emociones. En cada pequeña estrofa hay una gran idea para replantearnos siempre desde la consciencia de ser minúsculos, de no entender la totalidad, ni siquiera nuestra relación tan necesaria con otros humanos. Cada soneto se corresponde con un acorde y se desarrolla en cuatro estrofas. En Mi mayor escribe: La fuente de la aldea es como una boca. Se abre para contar chismes que nadie cree. ¿Por qué íbamos a creerlos? La fuente es una mentirosa. ¿Cuál es la intimidad desde la que escribe Percival Everett, el autor de las novelas más satíricas, hilarantes y conmovedoras a la vez? En esta obra poética accedemos al mundo interior de un autor irrespetuoso con el sistema y extremadamente respetuoso con lo humano y la naturaleza.
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Este libro es todo lo que soy. Durante siete años, la escritura fue mi forma de sostener el torbellino de emociones, que hoy se transforman en un viaje a través de estas páginas. Aquí se recorren las distintas etapas del amar: la ilusión, el deseo, el disfrute, la decepción... e incluso esa esperanza que aparece justo antes del final. ¿O acaso no hay un final? Este poemario habla de las múltiples formas de querer, entrelazadas por un único hilo que recuerda que el amor no es solo romántico. Empecé a escribir para paliar la intensidad, para poder transformarla en algo que pudiera atenuar, amortiguar. Si eres fan del amor, tal vez encuentres aquí una colchoneta, un refugio: un espacio para sentir, sostener, convertir y soltar.
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«Asentada en el homoerotismo de su identidad y sus placeres, diciendo tú y yo, la poesía de Luis Pérez Oramas se entrega en monólogos dialogados y diálogos monologados que pasan a la página como metáforas euclidianas en blanco y negro del cielo de la boca y de la lengua, rojo horizonte cóncavo como las cámaras del corazón. [...] Si leer es seguir las huellas de una voz, al acompañar a Luis Pérez Oramas en el sendero que ha abierto con la suya, cumplimos la exigencia de un caminante incansable: se hace camino al andar». Octavio Armand.
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Donde la luz me hace entera es un recorrido poético que narra la transformación interior de una voz que cruza geografías, lenguas y climas emocionales hasta hallar una forma propia de estar en el mundo. Desde el silencio contenido del norte europeo, donde la palabra se mide y el cuerpo aprende a resistir, hasta la intensidad luminosa de Sevilla, la obra traza un viaje de apertura, deseo e integración. La ciudad andaluza no aparece solo como escenario, sino como presencia viva que despierta la piel, afloja la rigidez y permite que el yo se reconcilie con su pluralidad. A través de imágenes de luz, piedra, río y vestido, el libro explora el arraigo, no como pertenencia fija, sino como un equilibrio dinámico entre sombra y claridad. El silencio deja de ser encierro y se convierte en compás, el cuerpo, antes contenido, aprende a habitar su fuego sin romperse. En ese cruce entre norte y sur, disciplina y danza, la identidad deja de buscarse y comienza a sostenerse.
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Aquest llibre aplega versos dels poetes romàntics més insignes d?Anglaterra (Wordsworth, Coleridge, Lord Byron, Shelley i Keats) en la seva llengua original i en les versions, ja clàssiques, de Marià Manent. William Wordsworth (1770-1850) i Samuel T. Coleridge (1772-1834) són els dos pioners del moviment: el primer va apostar decididament per renovar el llenguatge poètic apropant-lo a la parla col·loquial, el segon va combinar com pocs el pensament i la creativitat poètica i va llegar a la posteritat el memorable Poema del vell mariner, traduït íntegrament en aquest volum. George Gordon Noel, més conegut com a Lord Byron (1788-1824), encarnà a la perfecció el tipus del poeta rebel i hipersensible, de versos ara càustics, ara melangiosos, i Percy Bysshe Shelley (1792-1822) va escriure alguns dels poemes de més alta volada filosòfica i metafòrica del seu temps. Finalment, John Keats (1795-1821) cantà amb una finíssima sensibilitat i amb un lirisme excepcional el conflicte entre l?art i la vida. «Si Marià Manent obté una perfecció tan fluida i tan natural en les seues traduccions és perquè ell també és poeta, gran poeta, un dels nostres millors. [?] Rarament, per altra banda, els poetes de cap país tenen la sort de trobar un traductor que els aclimate en un món verbal distint, d?una manera (com és la de Manent) que només podem qualificar de meravellosa.» (Joan Fuster)
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La obra que completa el autorretrato trazado magistralmente en Confieso que he vivido.«El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez «Ningún poeta del hemisferio occidental de nuestro siglo admite comparación con él.» Harold Bloom La prosa de Pablo Neruda recogida en este volumen revela aspectos desconocidos de la personalidad del poeta y completa el autorretrato trazado en Confieso que he vivido. Escritos con incomparable gracia y agilidad, estos textos describen el Extremo Oriente de sus años juveniles, hablan de personajes y sucesos chilenos y de las más inesperadas latitudes, dibujan el paisaje marino de Isla Negra, narran misteriosas ceremonias celebradas por extravagantes amigos en alguna casona perdida en un barrio de Santiago de Chile o relatan dos casos de chilenos ejemplares, los de Mariano Latorre y Pedro Prado, la eterna lucha entre América y Europa, entre naturaleza y cultura, realidad criolla e invención cosmopolita. Sin intelectualismo, con sabiduría natural, utilizando un lenguaje en prosa único e inconfundible, Neruda nos descubre su propia búsqueda del equilibrio en medio de corrientes contradictorias. Su vasta experiencia del universo, de la naturaleza y la cultura se traduce en un renacimiento continuo.
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Huían de su propia vida, de sus fracasos artísticos, de sus deseos, siempre insatisfechos, de su exacerbada sensibilidad. Exploradores de vastos territorios del alma, expuestos a las más inclementes contradicciones, se encuentran en ocasiones en la tesitura de elegir la sensibilidad o la supervivencia.
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Aquí, por un rato: fascículos de corazón, alma, mente, insomnio, entrañas, calambres. Mariposas caducadas y nuevas, lágrimas de victoria y desastre. Expresión de lo que no se puede expresar de otra forma. Aquí las palabras que caen desde el alma al papel salvándome una y otra vez, manteniéndome en caída libre, sin caer, hasta llegar a la ingravidez.
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«Cada uno tuvo su cuarentena. Cada cual guardará sus memorias».
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Al son de las mareas (2014) como debut, Luz velada (2015) y Las farolas caminan la calle (2017) como muestras de una creciente hondura, La senda hacia lo diáfano (2018) como exclusiva declaración de amor a la Naturaleza, siguiendo ya una vereda inequívoca de madurez, El aire que rompe la niebla (2020) y En la línea que dibuja el instante (2021) como la consolidación de una voz cada vez más consciente del vínculo entre hondura y perfección formal, Bienandanza, en las orillas del haiku (2022), como homenaje a ese género tradicional japonés bajo el prisma de su adaptación a nuestra lengua castellana, en lo que supuso un sobresaliente ejercicio de depuración y rotunda sutileza, La inquietud de las flores (2024) como definitivo surgimiento de una musicalidad plenamente consciente de su poder, en el contexto de una obra donde brevedad y vuelo encontraron la favorable estrella de sucesivas alianzas, y, así, toda la labor creadora de la poeta y bióloga asturia-na, afincada en Madrid, Isabel Fernández Bernaldo de Quirós alcanza este noveno jalón, Una mujer a contraluz: un libro de palabra expansiva, donde los nuevos predios conquistados en el terreno de la expresividad tienen que ver, fundamentalmente, con un delicado juego de registros puesto al amparo del lirismo genuino y las temáticas predilectas.
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En La amante del escritor, el nuevo libro de Pilimar Aguilar, la poesía se convierte en un territorio íntimo donde el amor, el deseo y la palabra se entrelazan hasta fundirse. Una voz lírica intensa y arrolladora recorre las distintas facetas de la experiencia amorosa —la fascinación, la entrega, la duda, la plenitud— mientras establece un diálogo constante entre quien escribe y quien inspira. Sensibilidad, erotismo y reflexión para un viaje emocional en el que la figura del escritor y su amante funcionan como símbolos de la creación, del vínculo y del anhelo de permanencia en el lenguaje, hasta alcanzar una sorprendente revelación final que propone un nuevo sentido a todo el libro.
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En el inmenso Romancero de la guerra de España, es decir, la poesía escrita y publicada entre 1936 y 1939 en el campo republicano (más de 10.000 textos recogidos), la presencia de las mujeres como «autoras» o «poetas» ha sido injustamente silenciada. En realidad, las mujeres también participaron activamente en el movimiento poético republicano, sobre todo en la abundante prensa de la época, civil, profesional e incluso militar. Desde la humilde madre de combatiente, la trabajadora del campo o de la ciudad, hasta la intelectual o la escritora ya reconocida en los círculos literarios o políticos, sin olvidar las potentes voces anarquistas o comunistas que propugnan un feminismo más radical, empuñan el verso con fervor para exaltar los valores de la República. Humildemente a veces, pero siempre con evidente sinceridad, intentan conciliar una voz femenina e incluso abiertamente feminista, con ciertas exigencias estéticas y una voluntad manifiesta de «estar a la altura de las circunstancias», sobre todo en alas del romance tradicional, la poesía considerada como la más apta para reflejar tanto las necesidades épicas del momento como las preocupaciones personales, íntimas a veces, cuando la muerte ronda en permanencia. El romancero de las mujeres poetas es, a la vez, el testimonio vibrante de una época de por sí trágica, y un valioso corpus literario y poético de una estética literaria que se busca. Las mujeres poetas del Romancero de la guerra de España, un tesoro humano, feminista y poético. Serge Salaün es catedrático emérito de la Universidad de la Sorbonne Nouvelle (Paris 3). Es autor de La poesía de la guerra de España (1985), de varias antologías del Romancero de la guerra de España (Romancero libertario, Romancero de Madrid, Romancero de la tierra, todas en Ruedo Ibérico) y de numerosos artículos sobre la guerra del 36-39. Ha publicado un libro sobre El cuplé (1900-1936) (1990) y numerosos artículos sobre la poesía española de principios del siglo XX (Alberti, Guillén, Lorca, Juan Ramón Jiménez, Miguel Hernández, Pedro Garfias, etc.), la canción popular, la zarzuela, el sainete y Offenbach en España. Es también traductor de Ramón del Valle-Inclán (todos los «esperpentos» y Autos para siluetas), y co-traductor de Rafael Alberti (El hombre deshabitado), Luis Cernuda (Los placeres prohibidos) y Carlos Arniches (El amigo Melquíades).
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Un mar que llevo es una selección de los poemas que he escrito a lo largo de veinticinco años. Todos llevan el mar, todos llevan la historia atlántica de mis antepasadas y antepasados, así como mi historia mediterránea, mis viajes y mis asombros. Es un poemario sobre la lucha personal frente al dolor que causa el mundo, la resistencia contra la conformidad y mis aspiraciones de afirmación. El poemario indaga en el conocimiento del yo más profundo, a través de símbolos históricos y culturales que nos atraviesan.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.