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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Este tomo reúne tres de sus obras más significativas, que reflejan otros tantos tipos humanos, en los que importa más el carácter que la trama y lo universal de sus rasgos, sobre lo particular de la época, y donde la sátira moral y la social se unifican en estos personajes, elegidos reiteradamente por intérpretes de todo el mundo.
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William Shakespeare (1564-1616) es el máximo autordramático de la lengua inglesa y de la literatura universal. La absoluta vigencia de su obra demuestra que, por encima de convenciones, géneros o influencias,estaba animada por un profundo conocimiento del almahumana. En El Mercader de Venecia hay un trenzado de antiguas historias. Como gustéis es casi una comedia pastoril (en ella se descubren indudables ecos de la Diana de Montemayor).
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Poseedor de una técnica consumada para la adaptación de obras clásicas, Alejandro Casona (1903-1965) presenta en EL CABALLERO DE LAS ESPUELAS DE ORO, una de sus últimas producciones, una visión de don Francisco de Quevedo, en la que lo histórico se entrevera de lirismo. Es tal la maestría del escritor, que textos quevidianos en prosa y verso se hacen vida dramática al servicio de una lección: la de que uno debe permanecer fiel a sí mismo, a una verdad. Cumpliendo la enseñanza, Casona permanece aquí fiel a su modo de hacer teatro, que conjuga de continuo fantasía y realidad como componentes inseparables de la vida. Buen ejemplo de ese quehacer ofrecen las cinco piezas de distintas épocas agrupadas bajo el título de RETABLO JOVIAL . Fueron escritas algunas de ellas para su representación en las Misiones pedagógicas que en los primeros años treinta recorrían los pueblos de España. De ahí que tanto esas como las después creadas en América, susciten aún eco de positiva respuesta popular.
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La historia –con aliento de thriller– de una mujer que nació hombre, de una hija sin madre y de una madresin hija. La Tarara, una mujer transexual que trabajala noche, acompaña a la pequeña Rosa en la lucha contra sus fantasmas. La Rosa adulta y la Rosa niña se entrelazan en un ir y venir de recuerdos que gravitansobre un secreto de familia apenas presentido. Hastaque unas cartas de amor encontradas en un cajón rescatan la memoria rota de una niña tan llena de música ybelleza que no guardaba hueco al espanto.
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Recluidos en un sótano, un grupo de vencidos de la guerra civil contempla la vida a través de un simbólico tragaluz. Jugando con el tiempo, Buero Vallejo consigue una dimensión de «sobrecogimiento histórico» que obliga al espectador a entrar en acción y afrontar los problemas de su entorno. Luis Iglesias Feijoo, de la Universidad de Santiago de Compostela, analiza El tragaluz como testimonio excepcional del acierto de combinar, dentro de un teatro de vocación realista, el interés por la intriga con la reflexión crítica. En la Guía de lectura, Ana María Platas ofrece una rica selección de textos que ilustran el sentido y la trascendencia de la obra, y un detallado análisis de la obra que enriquece su lectura. El perfecto maridaje entre ética y estética eleva El tragaluz a la categoría de clásico contemporáneo.
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Biblioteca Clásica de la Real Academia EspañolaEl volumen incluye la edición anotada del texto de Jesús Pérez Magallón, junto a estudios que abordan cuestiones sobre el autor y la obra. La figura y la obra de Moratín constituyen un hito esencial en la evolución de nuestra dramaturgia. La comedia nueva es un jalón esencial en la formación de la comedia burguesa de corte neoclásico. El sí de las niñas (de)muestra que, cuando se ocupa una posición de poder y se ejerce la autoridad, la mejor estrategiapara preservarla es mediante el ejercicio de la razón y de la compasión, porque así se puede alcanzar una felicidad que satisface deseos egoístas, sí, pero también otros de orden social.
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Bajo este título, Valle-Inclán agrupa tres esperpentos -Las galas del difunto, Los cuernos de don Friolera y La hija del capitán- que, de ese modo, cobran un nuevo sentido unitario como visión de un espejo deformado de un cuarto de siglo de vida española.
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La mezcla de lo serio y lo cómico constituye uno de los puntales característicos de la comedia española que bien supo anotar Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias. Una combinación que traspasaba los límites del drama escrito para conformar la médula de lafunción teatral desde el siglo xvi hasta el xix, donde en alternancia con la obra principal ?una obra seria? se incluían piezas breves ?obras cómicas? entre jornada y jornada. En este ensayo, el autor nos acercaa la cultura teatral peninsular desde la perspectivaburlesca. El estudio diacrónico de la parodia en laliteratura dramática española de los siglos xviii, xix y principios del xx es, pues, el objeto de análisisy estudio de este capítulo de la historia del teatroen España, cuyo compendio encontramos en el Manolo (1769), de Ramón de la Cruz, y La venganza de don Mendo (1919), de Pedro Muñoz Seca, que abren y cierran dicho ciclo. De carcajadas, complicidad con el auditorio, excelencia artística y diálogo con los clásicos ?un diálogo de broma? es de lo que trata este libro. Habla de esta forma de entender los escenarios, desde la modestia de unos textos humildes cuya única pretensión era hacer reír al espectador con lo que antes lohabía hecho llorar. Porque era ahí, en esos contrastes entre lo alto y lo bajo, en esas caricaturas del teatro grande, hipérboles llenas de bobos, simples, graciosos, pícaros, gitanos, ridículos antihéroes ?gentes siempre marginales?, donde se refugiaba una parte de la esencia misma de la tradición escénica peninsular, tan presente desde sus mismos orígenes celestinescos. Finalmente, este libro se propone como un ensayode catálogo abierto, que se acompaña de una cronología que atiende no solo a los grandes movimientos literarios de estas dos centurias, sino también a las importantes transformaciones en el sistema de producciónque sufre el espectáculo dramático en ambos siglos ysu epígono hasta las primeras décadas del xx, esto es, la fractura de los dogmas neoclásicos, la apariciónde la burguesía como público y el teatro por horas.
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La vida es sueño es una de las obras más importantes del teatro barroco español. En ella, Calderón recoge las principales inquietudes éticas, religiosas y filosóficas de su época, y construye, a través del conflicto dramático, una reflexión sobre el tema de la libertad del hombre para elegir entre el bien y el mal.La presente edición contiene el texto marcado con notas explicativas para facilitar su comprensión, así como una introducción y unas actividades orientadas a su estudio en Bachillerato.¿A quién va dirigido el libro La vida es sueño?Se trata de una obra clásica de la literatura española, por lo que su público objetivo es amplio. Es especialmente adecuado para estudiantes de literatura española, aquellos interesados en el teatro del Siglo de Oro español y en general, a lectores interesados en la filosofía, la política y la condición humana. Existen ediciones adaptadas para facilitar su comprensión y estudio en entornos educativos, incluyendo materiales complementarios como estudios preliminares, propuestas didácticas, textos complementarios, comentarios de texto, bibliografía y glosario. Estas ediciones están pensadas para facilitar el acceso a la obra tanto a estudiantes como a profesores.Temas que trata el libro La vida es sueñoLa vida es sueño explora una serie de temas complejos y entrelazados, propios del Barroco español:La naturaleza de la realidad y el sueño: La obra plantea la cuestión de si la vida es un sueño o una realidad, explorando la dificultad de distinguir entre ambas y las implicaciones filosóficas de esta incertidumbre. La experiencia de Segismundo, confinado desde su nacimiento, sirve como metáfora de esta confusión existencial.El libre albedrío versus el destino: El destino de Segismundo está preordenado, pero sus acciones y decisiones dentro de ese destino plantean la cuestión del libre albedrío y hasta qué punto podemos controlar nuestro propio futuro. La obra explora el conflicto entre la predestinación y la capacidad humana de elegir.El poder y la política: La obra presenta un complejo entramado político, con intrigas palaciegas y luchas por el poder. El reinado de Basilio y la situación de Segismundo reflejan las tensiones y conflictos inherentes al ejercicio del poder.La condición humana: A través de la experiencia de Segismundo, la obra reflexiona sobre la naturaleza humana, sus virtudes y defectos, sus pasiones y sus contradicciones. Se exploran temas como la ambición, el amor, el odio, la justicia y la venganza.La naturaleza del ser humano: La obra cuestiona la esencia del ser humano, su capacidad para el bien y el mal, y su lugar en el universo. Segismundo, en su cautiverio y posterior liberación, sirve como un estudio de caso para comprender la complejidad de la condición humana.La justicia y la venganza: La obra explora la búsqueda de justicia y la sed de venganza, mostrando sus consecuencias y las complejidades morales que las acompañan. Las acciones de los personajes y sus motivaciones revelan las diferentes perspectivas sobre la justicia y la venganza.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro La vida es sueñoAún no se dispone de un resumen de críticas, opiniones y valoraciones específicas para esta edición en particular de La vida es sueño. Sin embargo, la obra es considerada una pieza maestra del teatro español y universalmente reconocida por su profundidad filosófica y su complejidad literaria. Su impacto en la literatura y el teatro es innegable, y continúa siendo estudiada y representada en la actualidad.
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Federico García Lorca escribió Bodas de sangre en 1932. Ejemplo fundamental de su obra dramática, en ella ahonda en las pasiones decuerpo y alma y en las raíces de las mujeres y la tierra española. A partir de un hecho real, una pequeña noticia en un per
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Sis comèdies
Sis comèdies pretén fer un recorregut per la trajectòria dramatúrgica de Jordi Galceran, a partir de sis de les seves millors peces teatrals. El lector podrà resseguir la seva evolució des dels seus incicis fins a les seves darreres creacions: Dakota (1994), Paraules encadenades, Fuita (1994), El mètode Grönholm (2003), Carnaval (2005) i la inèdita Cancun (2007), que es va representar amb gran èxit el passat 2009, són les obres que componen aquesta antologia. Aquesta edició incorpora un pròleg a càrrec d'Enric Gallén, que ofereix al lector una mirada incisiva sobre els aspectes clau de l'obra del dramaturg.
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Haizea vuelve a casa de su madre para las vacaciones de verano, el 10 de julio de 1997. Justo en el momento en el que se abrazan efusivas, los informativos anuncian que ETA acaba de secuestrar a Miguel Ángel Blanco. De aquí en adelante, las cuarenta y ocho horas del secuestro se narran desde la televisión y por la ventana de una casa común, a través de los pequeños conflictos entre una madre que ha criado en soledad a una hija furiosa con el mundo. El acontecimiento trágico irá dinamitando los reproches, provocará a las dos en soledad y sacará a relucir sus mayores temores, esos que solo se confiesan con la muerte llamando a la ventana. El país entero movilizándose hará que ambas decidan, silenciosamente, aceptar todo y dejar el miedo aparte. El acontecimiento histórico del secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, queda cristalizado a través de la relación materno-filial. Un texto que propone mirar a los acontecimientos sociales y políticos desde la vulnerabilidad, nombrando cómo nos afectan irremediablemente, antes que buscar un enemigo al que hacerle culpable de nuestro dolor íntimo.
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NUEVO FORMATO DE COLECCIÓNSi bien en el folclore europeo se documentan tradiciones y leyendas entorno al convidado de ultratumba y el culto a los muertos, y tampocofaltan precedentes literarios del burlador de mujeres, es innegable queTirso de Molina logró transformar todos esos elementos en uno de losmitos más fascinantes, perennes y universales de la humanidad: el de donJuan.Lo que hasta entonces había sido simple leyenda, se convierte en lapluma del genial fraile en pura indignación sobre el sexo y el espíritude rebeldía. Así, en EL BURLADOR DE SEVILLA Tirso condensa ya todos lossentidos que irá adquiriendo con el tiempo el mito donjuanesco: elrebelde social, el seductor, la mujer enamorada, el hombre enfrentado aDios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural y con lamuerte. Una obra que aún hoy hace llorar, reír y temblar a cualquierlector, a cualquier espectado
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Esta traducción que presentamos de Otelo es la segunda entrega de la colección «Shakespeare en el Mediterráneo». Coriolano fue la primera, y esperamos ir completando la traducción de las veinte obras restantes que el autor inglés situó en ciudades del Mediterráneo. En el prólogo de Coriolano se exponían las razones de esta iniciativa: el Renacimiento surgía en las ciudades de Italia y se extendía por el Mediterráneo, Inglaterra salía de la Edad Media y volvía los ojos y la pluma a Italia, Francia o España. Decíamos que «el Támesis terminó desembocando en el Mediterráneo».
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El sueño de una noche de verano fue escrita para servir de divertimento en las nupcias de personajes nobiliarios de la Corte de Isabel I. Shakespeare utilizó una ingente cantidad de fuentes, magistralmente manipuladas y transformadas de acuerdo con el propósito estético: desde las Metamorfosis de Ovidio, pasando por los cuentos de Chaucer o la Diana de Montemayor hasta llegar a los ritos de la fertilidad y el folclor de Gales. En una amalgama admirable, el dramaturgo funde tan heterogéneas influencias en un texto en que se presenta el amor consumado en el matrimonio como fuente de conflictos para alcanzar el poder político. / Las alegres comadres de Windsor, por contra, se presenta como una obra de comicidad y desenfado en la que los espectadores de la época, y aún los de hoy, pueden reconocer en escena los arquetipos de la Corte londinense. El obeso Falstaff, las comadres Ford y Page y los tipos de las callejuelas de Windsor pertenecen ya al enredo de la dramaturgia universal.
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Este segundo volumen reúne ocho de las últimas obras de Josep Maria Miró, que indagan en nuevos retos como el gran formato, la autoficción o su primer texto para un único intérprete. Con ellas cosecha destacados reconocimientos como el Premio Nacional de literatura dramática. «La travesía» cuenta la historia de la hermana Cecília, quien abandona el proyecto humanitario en una zona de conflicto bélico después de que una niña brutalmente agredida fallece en sus brazos. En «Cúbito», dos hijos regresan a casa y encuentran instalado como ayudante de su madre a un conocido joven de su edad, los hermanos viven con recelo y perplejidad la presencia de este intruso. En «Olvidémonos de ser turistas», las vacaciones de una pareja barcelonesa les confrontará con el episodio más doloroso de sus vidas. «Tiempo salvaje» transcurre en una pequeña población que verá amenazada su tranquilidad cuando aparecen varias pintadas con el mensaje «Volveremos para violar a vuestras mujeres». En «El cuerpo más bonito que se habrá encontrado nunca en este lugar», el hallazgo del cadáver de un joven de diecisiete años nos permitirá conocer a algunos habitantes de ese lugar y un oscuro pasado lleno de secretos. En «La habitación blanca», Carles, Laura y Manel se reencuentran con la maestra que les enseñó a leer y escribir cuando eran niños, este encuentro resultará inquietante y trastornador para cada uno de ellos. «Restos del fulgor nocturno» es una autoficción donde el autor escribe una nueva obra a partir de «Lo fingido verdadero» de Lope de Vega y dialoga con conceptos como ficción, representación, familia, disidencia e ideología. Finalmente, en «El Monstruo», Santi y Berta se reencuentran con alguien que desapareció hace casi dos décadas tras protagonizar uno de los episodios más oscuros y turbios ocurridos en el pueblo donde viven.
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Arthur Schnitzler (1862-1931) fue uno de los más relevantes escritores de la Jung-Wien, grupo de autores entre los que se pueden contar, entre otros, a Hofmannsthal, Beer-Hofmann, Altenberg, Salten, Dörmann y Leopold von Adrian. Su extensa obra abarca el teatro (entre otras obras, Liebelei y Reigen), la novela (p. ej., Der Weg ins Freie y Therese. Chronik eines Frauenlebens) y sus narraciones (entre las que cabe destacar Lieutenant Gustl y Flucht in die Finsternis). Su autobiografía, Jugend in Wien, fue publicada póstumamente en 1968.
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Don Juan Tenorio es un noble sevillano de inicios del siglo XVII. Su carácter arrogante le lleva al atropello y al agravio de honores femeninos, de amistades, de los usos sociales de la época y hasta de la propia llamada del más allá. El burlador de Sevilla, obra fundamental en el teatro barroco, nos acerca, desde un tono de comedia, a elementos complejos de la condición humana en relación con el arte de la seducción, el sentimiento amoroso y la vanidad. Esta edición contiene además una amplia guía de lectura, con un análisis del contexto de la obra y del autor, así como un análisis del teatro del barroco. Incluye también una amplia bibliografía y una variada propuesta de ejercicios a cargo de Francesc Reina.Francesc Reina es licenciado en Filología hispánica por la Universidad de Barcelona. Desde 1990 es profesor de secundaria. Ha colaborado en algunas revistas de didáctica y de lingüística.
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«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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El gronxador
En un jardí oblidat al bell mig d'un barri envellit, la Carme, una dona gran lligada al passat, i en Gerard, un funcionari atrapat per les seves pròpies contradiccions, s'enfronten a un dilema profund: la lluita entre la memòria i el progrés. Quan l'Ajuntament decideix enderrocar la casa de la Carme, aquest petit espai es converteix en un camp de batalla on es qüestionen la justícia, la impotència i el sentit de l'existència. Amb un gronxador com a símbol de pèrdues irreparables i esperança tènue, l'obra explora la fragilitat humana davant les forces implacables de la societat.
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Eugène Ionesco (Slatina, 1912 – París, 1994), de origen rumano, junto con Samuel Beckett, Arthur Adamov y Jean Genet, es considerado uno de los más notables renovadores del teatro francés.Teatro de situaciones, ilógico, inverosímil, pero poético, burlesco y apasionante, el teatro de Ionesco está alejado de toda digresión dramática y pretende más bien sorprender, algo que por cierto no es nada fácil.En sus obras, el lenguaje saca a la luz la ausencia de ideas que las palabras intentan ocultar y en la que los objetos desbordan a seres insignificantes que no son capaces de enfrentar y dominar al mundo material, poniendo así en evidencia el absurdo de la existencia y de las relaciones sociales.
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Dentro del monumental legado literario de Federico García Lorca (1898- 1936), el mismo que lo consolidó como un prosista de excepción y lo encumbró como uno delos poetas más relevantes del siglo xx, quizá sea ensu vertiente como dramaturgo donde logró llevar máslejos su visión trágica del mundo. El suyo es un teatro descarnado y poético, tradicional y moderno al mismo tiempo. Marcada a partes iguales por la eleganciadel teatro modernista y la aspereza del neopopularismo, la obra dramática de Lorca se desarrolla desde lasfarsas y las comedias de juventud, Mariana Pineda (1927) o La zapatera prodigiosa (1927), hasta las tragedias y los dramas de la madurez, Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) o La casa de Bernarda Alba (1936). Todas ellas obras fundamentales de la historia de la literatura española y firmadas por un autor según el cual: 'El teatro es la poesía que se levanta del libroy se hace humana.' El presente volumen recoge toda la producción teatral de Lorca así como textos inacabados, apéndices, versiones alternativas y canciones.
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La fam
La fam, de Joan Oliver, es va estrenar al Teatre Català de la Comèdia (avui Poliorama) el 15 de juny de 1938. L?obra, escrita i publicada aquell mateix any, s?inspira en el procés revolucionari viscut a partir del 19 de juliol de 1936.á
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Ella i màquina
Ella és una dona de mitjana edat, amb les mateixes preocupacions i inquietuds que qualsevol de nosaltres. En cada acte, assistim a un diàleg de la protagonista amb la gent del seu entorn i, a poc a poc, l'obra es desclou com una panoràmica de la societat contemporània: la relació amb la parella, amb els fills adolescents, amb els pares que es fan grans. I fins i tot amb màquina, la qual prendrà la paraula en un final tan inesperat com irònic.
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El mercader de Venecia, escrita entre 1596 y 1598, es una tragedia romántica muy representativa de la obra de William Shakespeare. En esta pieza teatral hallaremos a algunos de los personajes más icónicos de la literatura shakesperiana: el prestamista usurero Shylock, dispuesto a cobrarse sus deudas de la forma más sanguinaria, el mercader Antonio, antítesis del anterior, quien asumirá los riesgos financieros de la aventura sentimental de su amigo Bassanio, poniendo su amistad incluso por encima de su propia carne, y la acaudalada huérfana Porcia, quien, con su aplastante superioridad intelectual y audacia, conseguirá doblegar las voluntades de cuantos la rodean. Esta apasionante obra, dividida en cinco actos, disecciona el alma humana para adentrarse en una cuestión que, más de 400 años después, sigue gozando de plena actualidad: hasta dónde es capaz de llegar el poderoso con tal de cobrarse una deuda de quien todo lo ha perdido.
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Un Pastor Mayor y un Pastor Menor, padre e hijo, atraviesan un país deshabitado y arrasado por la sequía con un rebaño de noventa ovejas y dos perros. El padre quiere llevar el ganado desde la sierra hacia los pastos de invierno, en el llano, y el hijo lo acompaña para sublimar la realidad de la experiencia trashumante en forma de égloga grecolatina o renacentista. Juntos siguen el curso del río Tajo (o lo que queda de él) en una armonía precaria que se irá al traste con una confesión del Pastor Menor.
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Rostoll cremat
Es sol crema! sa claror és pura il·lusió, clar que es blat necessita sol per créixer, per. arriba un diaque es sol és foc. o es pagès no sega es blat abans es sol no el consumeixi? es sol mos dona sa vida, per. si el miram fixament, si no miram res més, mos enlluerna, mos desorientam i perdem el món de vista.
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Mesura per mesura
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PREMI EDUARD ESCALANTE - XXXVI PREMIS CIUTAT DE VALÈNCIA Diana és una coneguda DJ que recorre el món punxant als clubs més selectes. El seu germanastre, Noel, un drogoaddicte al límit de l'abisme, és la seua única companyia en aquest periple. Fa mesos que no paren per casa, però cap dels dos no té ganes de tornar-hi, perquè això suposaria reprendre la relació tòxica que tenen amb la mare. El pare, en canvi, fa temps que va eixir del quadre familiar a causa d'un accident domèstic que, potser, no va ser gens fortuït...
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El rei Joan
Estrenada probablement el 1596, El rei Joan reprèn la crònica monàrquica que Shakespeare havia iniciat en els principis de la seva carrera. Avui, un dels motius més poderosos de l'atracció que el drama, construït amb savi equilibri, exerceix sobre nosaltres, és la seva perspicaç descripció dels mecanismes de poder. Faltar a la paraula donada sembla la constant dels reis, afalagar per tenir temps d'esmolar l'arma és una actitud normal de la qual ni tan sols escapa un personatge com el Delfí de França, presentat amb els trets amables de la joventut i d'una endevinada generositat. Els ciutadans que deixen sentir la veu, o l'actitud dels quals ens és dibuixada, poden tenir de bell nou un perfil entenedor en una època com la nostra on els avenços tecnològics han tornat a posar el poder - sobretot el poder d'anorrear - en les mans d'uns pocs. L'exclamació que Shakespeare posa a la boca del bastard, «Món guillat! Reis guillats! Conveni estúpid!», sona amb una autenticitat que sobrepassa la del mateix personatge.
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Puños narra la lucha por la reconquista de una misma.La trama se va desvelando como un edificio construido de manera que toda su parte interior se pueda ver desde un solo punto. Es decir, una especie de panóptico que permite observar, a modo de partitura, una historia de amor tóxica, desde el momento inicial del encuentro hasta la ruptura, contada desde la perspectivade una mujer que busca un sentido a la relación queha vivido. Tres voces (Tú, Yo, El) con sus respectivas fugas y choques que hacen latir corazones, palabrasy cuerpos en cinco movimientos cardinales: Oeste, Norte, Sur, Puntos y Este.
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Joan y Laia, una joven pareja en crisis, viajan desdeBarcelona hasta un pequeño pueblo del sur para asistir al entierro del padre del primero, del que nada hasabido en toda su vida. Cruzarán el país para unir las piezas de un relato del que inevitablemente formanparte. Una historia ocurrida antes del nacimiento deJoan y que tiene como escenario las últimas minas deplomo de Jaén. En la tierra rojiza del sur esperan otros hombres y mujeres para contarnos su historia: Emilia, Antonio, Beatriz y Samuel. Ahora tan sólo quedan una pequeña piedra y una carta como herencia aún ininteligible. Éstas son las pistas que Joan y Laia seguirán para tratar de comprender la geometría familiary así quizá poder empezar de nuevo.
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Dramatúrgia britànica contemporània
Aquesta antologia recull quatre dels textos més rellevants del teatre britànic dels darrers anys que, amb una veu autoral singular, segueixen la tradició del ''new writing'', influenciats per mestres del passat com Beckett i per autors més recents com Crimp, Kane o Churchill. Combinen forma i contingut per transmetre cosmovisions compromeses del món i una crítica de la identitat britànica.
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'Barlaán y Josafat'' cuenta las peripecias de un santo, Josafat, quien, apoyado por su anciano maestro, abandona el culto a los dioses paganos para abrazar lafe cristiana. Auténtica vida de un santo que, sin embargo, nunca existió como tal, pues Josafat no es otroque Buda, cuya historia había viajado durante siglosdesde la India hasta Europa, cristianizándose en elproceso e integrándose entre los muchos relatos moralizantes que en la época servían a los creyentes de ejemplos de conducta y modelos de fe.
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LA COMEDIA NEGRA DE UNO DE LOS MÁS QUERIDOS AUTORES DE LA NOVELA POLICIACA EN ESPAÑOL «No me ofrezcan vivir en un gran velero, o en un palacio romano, o en un ático de Manhattan: yo quiero vivir en una novela de Domingo Villar».Enric González «Domingo Villar definió su obra teatral como una comedia. El espacio, perfectamente detallado en una acotación ad hoc al principio de la pieza, nos permite concretar un poco más el género: comedia de salón, quizás, o incluso comedia burguesa. Pero la trama, basada en una intriga sobre la falta de inspiración del protagonista y su voluntad de desaparecer aprovechando un muerto muy oportuno, nos orientan a la comedia negra. Como sea, el ritmo rápido, el enredo más o menos complicado, y la intención de hacer reír mediante la comparecencia de gags e ingeniosas líneas de diálogo que hacen entrar y salir a los personajes de su tendencia al estereotipo convierten esta pieza de Villar en una obra tan interesante dramatúrgicamente como divertida para el público. Eso es Síbaris: un refugio definido en la pieza como una tranquila playa de Grecia, esa que figura en los sueños de evasión de cada espectador que, como su protagonista, también necesita un lugar donde huir de la vida cotidiana que, absurdamente, avanza esquivando esa verdad que solo aportan los sueños y las artes». Del prólogo de Inma López Silva
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Acompanya'm en la nit
El text se centra en una parella major, antics propietaris d'un teatre-circ ambulant. Amb només quatre escenaris, barrejant escenesdel present i del passat, reviurem esdeveniments clau que van marcar les seues vides, així com secrets que mai s'han atrevi
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.