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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Con Molière suben al escenario preocupaciones que nunca antes lo habían hecho, dando sentido nuevo a una comedia de costumbres cuyo objetivo principal ya no esun divertimento simple, sino que suma, a esa reflexión sobre hechos de la vida social, una carga burlonay crítica que afecta a la vida moral. Aunque la lección de ambas ''Escuelas'' sería parecida: el amor es un gran maestro ''que vuelve inventivo'' y enseña a superar cualquier impedimento a la niña más ignorante,frente a los defensores de la rigidez moral opuestosal cambio en los usos sociales, La escuela de lasmujeres supone, sin embargo, un salto cualitativoen el terreno escénico, no sólo respecto a La escuela de los maridos, sino también a la construcción de la comedia como género, superando el esquematismo de la farsa italiana y dando a la comedia el estatuto de pieza mayor.
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En Ciclo de resurrecciones, Angélica Liddell explora, con prodigiosa transparencia y desde un punto de vista pasional, el lado luminoso de la existencia al tiempo que indaga en el sentido de lo sagrado y meditasobre el amor, el silencio de Dios, la vanidad, el poder del sexo sobre la voluntad, las transformacionesmágicas de los cuerposà Una forma de «mística salvaje», ajena a toda ortodoxia y religión.
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Representada en casi un centenar de teatros enmás de veinte países, donde ha cosechado un éxito inaudito, Terror aborda sin tapujosel abrumador problema ético al que se enfrenta el ser humano en situaciones límite, invitándonos a una reflexión profunda sobre el valor y el precio de la libertad. Cada vez que se produce un atentadoterrorista en un país occidental, provocando un sentimiento general de pánico y estupor en la sociedad, surge inevitablemente un dilema difícil de resolver: ¿estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad individual en aras de la seguridad colectiva? ¿Cuál es elcamino correcto para preservar la democracia? Como oficial de la Fuerza Aérea de Alemania, Lars Koch debe intervenir en una situación de emergencia: unterrorista ha secuestrado un avión de Lufthansa y pretende estrellarlo contra el Allianz Arena de Múnich,donde en ese momento setenta mil espectadores asisten a un partido de fútbol internacional entre las selecciones de Alemania e Inglaterra. Contraviniendo lasórdenes de sus superiores, y consciente de la responsabilidad que deberá asumir por su terrible acto, Kochderriba el aparato para impedir la masacre en el estadio, causando la muerte de las ciento sesenta y cuatro personas que viajaban a bordo. Así pues, eljuicio al que se somete al infortunado piloto es elnúcleo de la primera obra teatral del célebre abogadocriminalista alemán Ferdinand von Schirach. Con unatrama sencilla pero contundente, el autor de superventas como Crímenes y Culpa nos conmina atomar partido como miembros del jurado popular que deberá dictar una sentencia de tintes dramáticos y consecuencias inquietantes. La crítica ha dicho...«Terror es teatro en su máxima expresión.»The Sunday Times «Una historia tan compleja que seguirás pensando en ella muchodespués de que se falle la suerte del acusado.»The Times «Von Schirach se nutre del legado del drama clásico como un foro donde considerar los dilemas humanos más acuciantes.»Financial Times
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Enmig d'una etapa de canvis a casa seva, marcada per la separació dels seus pares, la seva ment es veu envaïda per un cúmul de pensaments que li impedeixen sentir-se feliç. Però el destí li té preparada una sorpresa: coneixerà en Bigotets, un gat misteriós que es convertirà en el seu guia en un viatge inesperat cap al seu món interior.
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El estreno en 1835 de '' Don Álvaro o la fuerza del sino '' supuso el triunfo definitivo del Romanticismoen el teatro español y el alejamiento de las estrechas normas neoclásicas. Este drama complejo y variado funde acciones violentas y escenas costumbristas, el estilo elevado y el llano, el verso y la prosa, todo en rápida sucesión y de la mano del hado fatal que empuja a don Álvaro, paradigma del héroe romántico, a suangustiada destrucción. Es, en suma, un grito de libertad artística.
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La obra de teatro que escribió Milan Kundera tras la invasión rusa de Checoslovaquia.«Los libros de Milan Kundera son tan divertidos, transparentes, experimentales y sofisticados que me hechizan por completo». Adam Thirlwell, The Guardian En 1972, el joven director de teatro francés Georges Werler fue a ver a Milan Kundera a Praga y a su regreso consiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatro Jacques y su amo. Kundera la había escrito después de la invasión soviética, cuando toda su obra, pasada y futura, había quedado borrada de las letras checoslovacas. En esta muy libre variación sobre Diderot, Kundera rinde un homenaje al escritor y filósofo francés que le ayudó a sobrevivir en un periodo tan difícil. Tres historias de amor se entrecruzan durante el viaje que emprenden Jacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye, tres historias que se entremezclan polifónicamente, donde cada una es, a su vez, variación de la otra, y juntas conforman una comedia sobre los problemas existenciales de la pasión amorosa, los celos, la venganza y el destino.
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En el Horacio, representado en París en 1640, Pierre Corneille (1606-1684) evoca con apasionada elocuencia la grandeza de la antigua Roma.Poliucto se estrenó en París entre 1642 y 1643. Después de las tres obras maestras precedentes —El Cid, Horacio y Cinna—, Poliucto señala la cumbre de la ascensión dramática de Corneille.
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Losada incorpora a su colección Aniversario dos piezas fundamentales del gran dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912): La Señorita Julia (1888) y El padre (1887), impregnadas de la perspectiva cientificista del naturalismo, estas obras lo trascienden a partir de su singular lucidez.El autor reflexiona acerca del arte teatral de la siguiente manera: “¿No es posible una emancipación del arte, un renacimiento, una liberación de las terribles reglas que están empezando a hacer desgraciada a la gente, las cuales quieren convertir el teatro en un foro político, una escuela dominical o una iglesia? ¡Quizá! Podemos tener un teatro donde uno pueda estremecerse ante lo más horrible y reír ante lo ridículo: donde uno pueda verlo todo y no ofenderse si ve lo que está escondido tras los velos teológicos y estéticos, donde se rompan las leyes de los convencionalismos. ¡Podemos tener un teatro donde uno tenga libertad para todo, excepto libertad para carecer de talento, ser hipócrita o ser tonto! ¡Y si no tuviéramos tal teatro, probablemente procuraríamos hacerlo nacer de cualquier forma!”
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Críticos e historiadores de la literatura francesa señalan entre las principales obras de Molière: La escuela de los maridos (1661), El misántropo (1666), que ridiculiza ciertos rasgos de la vida “de salón”, El avaro (1668), que dio vida al famoso personaje de Harpagón, Tartufo (1669), El burgués gentilhombre (1670) y El enfermo imaginario (1673), que apunta contra la víctima tradicional de la comedia popular, el médico.Jean-Baptiste Poquelin, conocido como Molière, nació en 1622 y murió en 1673, en París. Proveniente de una familia de burgueses acomodados, estudió con los jesuitas en el Colegio de Clermont y luego con Gassendi. Su afición al teatro se manifestó desde temprana edad, canalizándose a través de la triple actividad de actor, director (ya en 1642 formó la compañía del Illustre Théâtre) y autor (escribió treinta y una obras). Molière constituye, junto con Pierre Corneille y Jean Racine, el tríptico mayor del gran teatro francés, siendo el maestro indiscutido de la comedia de costumbres y caracteres.
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David es un adolescente impulsivo y violento que se aleja de la realidad gracias a la magia los skaters. Sara, su profesora, vive su propia crisis personal.Sara y David son dos seres a la deriva que se encuentran por necesidad, que se atraen irremediablemente, pues ambos se sienten perdidos y desamparados en un mundo hostil. David es un adolescente impulsivo y violento que se aleja de la realidad gracias a la magia de los skaters. Sara, su profesora, que vive su propia crisis personal, se enfrenta a los problemas en el aula, lo que la llevará a cuestionará el sistema educativo vigente. Monopatines (Skaters) es una obra comprometida, pionera, que aborda la vida diaria de la Educación Secundaria Obligatoria.
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«El crisol» puede enmarcarse en la categoría de teatro político, por un lado, y teatro histórico, por otro. Ambientada en las colonias inglesas en el Nuevo Mundo, a finales del siglo XVII, la obra no habría sido escrita de no ser por otro momento histórico: lo que dos siglos y medio después estaba aconteciendo en Estados Unidos y en el resto del mundo, justo en los albores de la conocida como Guerra Fría. Otra «caza de brujas», la que tuvo lugar a principios de los años 50 del pasado siglo, sin duda una de las más conocidas, que el propio Miller sufrió y durante la que escribió «El crisol». Los acontecimientos que se produjeron en Salem, Massachusetts, en 1692, durante los cuales casi doscientas personas fueron acusadas de practicar la brujería, y que terminaron con la ejecución de varios inocentes, son una manifestación perversa del pánico de las autoridades ante la pérdida de poder y su empeño por restaurarlo. Lo que empezó siendo un juego de niñas terminó convirtiéndose en un instrumento para hacer volver a los colonos al redil de la fe y las buenas costumbres, estableciendo una suerte de imperio del terror. El paralelismo entre Salem y los albores de la Guerra Fría figura en el mapa de nuestra conciencia histórica gracias a la obra del genial dramaturgo norteamericano.
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Bodas de sangre | Yerma es el sexto volumen de la Biblioteca Federico García Lorca y el tercero de los que reúnen su «Teatro completo». En este volumen se ofrecen al lector clásicos lorquianos como Bodas de sangre y Yerma. Asimismo, se incluyen conferencias y charlas ofrecidas por el poeta en torno a sus textos, lo que permite una aproximación aún más personal a su obra. La edición y los prólogos, a cargo de Miguel García-Posada, permiten al lector acercarse a la complejidad de su obra y disfrutar, a lo largo de los siete volúmenes que componen esta Biblioteca Federico García Lorca, de uno de los autores españoles más relevantes del siglo XX. «Una de las finalidades que persigo con mi teatro es precisamente aspaventar y aterrar un poco. Estoy seguro y contento de escandalizar. Quiero provocar revulsivos, a ver si se vomita de una vez todo lo malo del teatro actual.»Federico García Lorca --------------------------------------------------------------------------BIBLIOTECA FEDERICO GARCÍA LORCA Poesía competa:1. Libro de poemas | Primeras canciones | Canciones2. Romancero gitano | Poema del cante jondo3. Poeta en Nueva York | Sonetos Teatro completo:4. La zapatera prodigiosa | Mariana Pineda5. El público | Así que pasen cinco años6. Bodas de sangre | Yerma7. La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera--------------------------------------------------------------------------
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José María Alvarez, reconocido estudioso de Shakespeare ahora presenta esta traducción de El rey Lear. Este rey Lear es fruto de su amistad con el actor Eusebio Lázaro, que se la propuso para su representación enEspaña. Por esa razón, cuando José María Alvarez sededicó a traducirlo tuvo muy en cuenta «la escena», lo que sucede en el teatro, y considerando que no es texto fácil para un lector no especializado y lo difícil que resulta poder asistir a una representación deesta obra, ha estado muy atento a insertar explicaciones de la puesta en escena, a gestos o entonaciones-tras un considerable estudio de lo que sobre El reyLear habían establecido Granville Barker o sir John Gielgud, Jan Kott y otros- que facilitaran a ese lector una mejor comprensión de la obra.
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Figura señera de las letras españolas de entre siglos y del siglo XX, Ramón del Valle-Inclán (1866-1936) cultivó todos los géneros -novela, teatro, poesía, ensayo...- y en todos dejó la huella de su genio innovador. Dentro del ámbito escénico -en el que realizó tan variada y fecunda labor-, una de sus principales aportaciones fue la creación del «esperpento», cuya muestra más acabada se considera «Luces de Bohemia» (1920/1924). Obra de madurez, en este singular retrato de la bohemia canalla y genial que proliferó a principios de siglo XX en las grandes ciudades europeas -entre ellas, Madrid-, Valle-Inclán vertió asimismo a su manera, caracterizada por la acidez, el sarcasmo y la presencia de lo grotesco, su visión crítica de la naturaleza humana y de la España de la época, convulsionada aún por las consecuencias de los desastres militares y de la Primera Guerra Mundial. Edición de Catalina Míguez Vilas
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Què faries si apareguera un extraterrestre a la teua habitació? Això és el que els passa a Daniel i Piloki, que se'n troben no un, sinó cinc!Què faries si apareguera un extraterrestre a la teua habitació? Això és el que els passa a Daniel i Piloki, que se'n troben no un, sinó cinc! Aquests éssers galàctics són molt diferents: tenen braços addicionals, una pell multicolor i, fins i tot, tentacles. Poden fer por al principi, però... és possible que puguen ser amics?
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Viuda por segunda vez, Bernarda Alba impone un luto de ocho años para toda su familia. Las cinco hijas luchan por abrirse paso en una sociedad patriarcal marcada por el fanatismo religioso y el miedo al qué dirán. Dos de ellas se enamoran del mismo hombre y se desata la tragedia. Escrita en 1936, poco antes del ajusticiamiento de García Lorca, La casa de Bernarda Alba no se estrenó hasta 1945. Esta obra maestra del teatro español contiene la quintaesencia del estilo lorquiano: el increíble manejo del lenguaje coloquial, el abrumador retrato de una mujer absorbente y, en resumen, la metáfora perfecta de la España reprimida por el odio y la envidia que se adivinaba en el horizonte
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Una nit de desembre, als Estats Units, el director executiu d'una gran companyia cau mort a trets. Les bales hi duen gravades tres paraules: Deny, Defend, Depose. El jove que les ha disparades, fill d'una bona família de Baltimore i alumne exemplar en una universitat privada, es convertirà en un heroi mediàtic de la nit al dia. La dramaturga i directora Carol López indaga les violències del sistema neoliberal a partir d'un assassinat que va commocionar els Estats Units la tardor del 2024. Traça així la radiografia d'una societat al límit que explica els mecanismes actuals de construcció de l'opinió pública i la fascinació per aquest crim.
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Explora les profunditats emocionals de ''El deute'', un drama captivador que revela els secrets més ocults de les relacions humanes. Descobreix les emocions ocultes i els secrets que poden canviar-ho tot.. El deute és una captivadora peça teatral que t'endinsarà en les complexitats de les relacions humanes, amb personatges que no oblidaràs fàcilment. En l'obra de teatre El deute, Rodolf Sirera ens convida a explorar les capes més profundes de les relacions humanes a través d'una peça teatral carregada d'intensitat i matisos. . Sirera brilla per la seva habilitat a l'hora de crear diàlegs naturals i introduir conflictes amb subtilesa. A mesura que la trama avança, la tensió augmenta de manera palpable, mantenint el lector en un estat de constant expectació. . El deute es converteix així en una poderosa reflexió sobre el pes de les decisions passades i la forma com aquestes poden influenciar el present, oferint una perspectiva única i reveladora sobre la condició humana.
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El teatre còmic és l'obra en què Goldoni va concentrar les propostes de reforma de la Comèdia de l'Art. En el joc del teatre dins del teatre, Goldoni revisa els preceptes clàssics, advoca per la versemblança i proposa noves regles d'interpretació. I aquestes noves propostes s'exemplifiquen també en El criat de dos amos, una intriga esbojarrada i molt divertida que ordeix un dels personatges més universals que ha donat l'escena: Arlequí.
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Cuando baja el telón, el espectador de 'Bodas de sangre' siente que ha asistido a la representación de un rito antiquísimo y renovado, casi a un sacrificio, cuyo significado último es simple y terrible: el amor más intenso solo es posible a costa de la vida, quienes se ven envueltos en el torbellino del amor acaban siendo sus víctimas. En 'La casa de Bernarda Alba' no hay cabida para los buenos sentimientos. La dictadura de la madre ha envenenado la convivencia para siempre. La obra se cierra, como se abrió, con un luto: ¡Nos hundiremos todas en un mar de luto!, ella, la hija menor de Bernarda Alba, ha muerto virgen. La dictadora es incapaz de aceptar que la realidad, a su alrededor, siga un curso distinto del que ella le ha marcado. Es necesario seguir fingiendo que allí no ocurre nada anormal, que nada ha perturbado, ni con su cara risueña -el hijo que probablemente esperaba Adela- ni con su cara oscura -el suicidio-, el orden impuesto por la autoridad indiscutible.
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YERMA, cuerpo de tragedia típica que yo he vestido con ropajes modernos es, sobre todas las cosas, la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad. Un alma en la que se cebó el Destino, señalándola para víctima de lo infecundo. Y es de ahí, del contraste de lo estéril y lo vivificante, de donde extraigo el perfil trágico de la obra.Federico García Lorca(Entrevista a Alfredo Muñiz, 1934)Vista desde el ángulo más directo y más humano, YERMA está incompleta porque no tiene, ni va a tener, un hijo. Sin embargo, le falta mucho más que un hijo: le falta todo lo que lo haría posible: el amor, la ternura, la compasión, la pasión, la liberación, la curiosidad de explorar “la experiencia que se encuentra más allá de los límites familiares”.
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“És la meva obra favorita. És el consens general aquí [a la Gran Bretanya] que és la millor de les meves obres de teatre. Així que li tinc molt d’afecte. Mai se sap en el moment —algunes obres milloren amb el temps i altres fan el contrari.” (13 d’octubre de 2010, Los Angeles Times És obvi que Contes de Hollywood, com diu el seu autor, millora amb el temps, el compromís polític de l’escriptor o l’artista és un tema que apel·la a cada generació, encara que de maneres diferents depenent del context històric. Durant la Segona Guerra Mundial, les tries estilístiques i estètiques significaven la possibilitat de posar en risc la pròpia vida, com demostra la història encara per escriure’s de l’exili dels escriptors alemanys als Estats Units. L’obra escenifica els problemes polítics, estètics, econòmics…, que van haver d’afrontar aquests escriptors, i la seva relació conflictiva amb el món de Hollywood. Hi apareixen, de manera destacada, els germans Mann i Bertolt Brecht, junt amb personatges mítics del cinema de Hollywood, com els germans Marx o Johnny Weissmuller, a més de l’austrohongarès Ödön von Horváth, que llavors ja era mort, però que es converteix en el nostre particular Virgili i ens guia pel purgatori i l’infern hollywoodià dels anys quaranta. D’altra banda, la distància cultural entre la tradició intel·lectual europea i les idees i formes de la indústria cinematogràfica americana ens fa reflexionar sobre la inevitable incomunicació entre persones de diferents referents culturals.
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Sobre un cantar de gran difusión e intrigante origen que sirve de lugar de encuentro del autor y su público, amor, muerte y destino son los pilares de la ironía trágica en ", El Caballero de Olmedo ", . Pocas tramas de Lope son más límpidas y sencillas y, sin embargo, más ricas. En la presente edición el profesor Francisco Rico hace un estudio muy documentado del núcleo literario de la comedia y aporta conclusiones nuevas sobre la génesis e historia de la leyenda del Caballero, situando en esas coordenadas la que muchos consideran la obra maestra del teatro de Lope.
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¿Cómo nos relacionamos con la idea de progreso, de crecimiento, de autorrealización? Podría decirse que buena parte de las disputas, ilusiones, inquietudes y vacilaciones, que agujerean a los personajes de estascinco ficciones de Lucía Carballal, oscilan, cada cual a su manera, entre el imperativo de prosperar ?ya sea en el ámbito personal, social o profesional? y eldeseo, a veces la frustración, de quedarse atrás, fuera de este presente siempre tan veloz, en continuo movimiento. «Late algo prodigioso en la semilla de estas obras, en el reto que Lucía Carballal nos proponey que aceptamos: el realismo se toma como punto de partida, pero siempre ocurre algo sorprendente ?muchasveces casi inverosímil, otras tan solo inesperado? que lo quiebra. Aquí la verosimilitud no se derrumba, el pacto con quien mira ?y escucha, y lee? se mantiene, y esta confianza ?estos cimientos fortísimos? se debe a los personajes: tienen tanta piel que no te queda otra que creerles, confiar en la manera en la que tropiezan, tenderles la mano para que se incorporen [...]. Y en estas piezas todo resulta trascendente, todo importa, en varios sentidos: nada se deja al azar,cualquier detalle se ajusta en armonía ?incluso de texto en texto: qué reveladora la lectura página a página, el paseo de una historia a otra, misma ciudad demuchos personajes?». Elena Medel
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El Rei Lear. Traducció i pròleg Salvador Oliva. De la col·lecció Obres De William Shakespeare de Vicens Vives.
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Una brillante obra teatral sobre una revolución, por el autor de ¡Ay Carmela! Los figurantes de la obra, habitualmente relegados a papeles de poca trascendencia, toman el control del escenario. Pero esta nueva realidad impone algunos problemas y algunas inseguridades desconocidas entre los personajes, tradicionalmente subalternos, no tardan en aflorar. ¿Serán capaces de enfrentarse a su nueva condición? Los figurantes constituye una luminosa disección de un proceso revolucionario. La presente edición incluye una introducción de Gaston Gilabert que alumbra las cuestiones esenciales de la obra y de la poética de José Sanchis Sinisterra, uno de los dramaturgos españoles más influyentes de los siglos XX y XXI.
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Set personalitats del Segle d'Or (Vicent Ferrer, Ausiàs March, Joanot Martorell, Jaume Roig, Isabel de Villena, Alexandre VI i Benet XIII) són convidades a una reunió en el vell monestir de Sant Miquel dels Reis, on hauran de debatre si València va ser la capital de la cultura europea del seu moment. A partir d'aquesta premissa, pròpia de la narrativa d'intriga, l'obra desplega una reflexió sobre la nostra cultura, però també sobre els límits de la noció del temps i l'evolució de la història.
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Casa de muñecas es la obra más representativa de Henrik Ibsen, el fundador del teatro moderno. En ella, el escritor noruego retrata la situación de la mujer en la sociedad del siglo XIX a partir de la vida de Nora Helmer, que no sólo se convirtió en su personaje más emblemático, sino que llegó a ser un ícono cultural de la liberación de la mujer y la igualdad de género.
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En aquest volum s'agrupen tres grans comèdies de Shakespeare, en la traducció canònica de Salvador Oliva, per primera vegada en un sol volum. Escrites totes tres al voltant del 1600, són considerades entre les més enginyoses i, al mateix temps, més complexes de la seva extensa obra, una de les més celebrades i influents de tota la història de la literatura universal. La celebrada traducció d'Oliva suposa una fita en el llarg historial de traduccions a la nostra llengua de Shakespeare.Salvador Oliva (Banyoles, 1942), poeta, escriptor i professor a la Universitat de Girona, ha dedicat bona part de la seva vida a traduir i estudiar l'obra de William Shakespeare.
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En 1634, un año antes de su muerte, Lope de Vega publicó ''La Gatomaquia'', una epopeya burlesca en siete silvas sobre amores gatunos en los tejados de Madrid. La obrita fue un éxito y los lectores reconocieron en ella la mejor épica cómica de nuestras letras. una pareja de amantes se rompe por la intromisión de un galán pudiente. Las escenas incluyen una célebre batalla de gatos, graciosas bravatas y tremendos desafíos. ''La Gatomaquia'' ofrece este humor (cándido y negro) y mucho más: sátira social y literaria, comentarios metapoéticos sobre la digresión o el ornato, y muchas ácidas reflexiones sobre las ambiciones cortesanas del viejo Lope.
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Hi ha una manera de definir El misantrop: el món contra mi, i, si convé, jo contra el món. Si algú em porta un sonet que és més dolent que el pebre, en nom de què podria afalagar-lo? Si em jutgen perquè he dit allò que havia de dir, per què hauria de buscar algú que recomanés la meva innocència al tribunal? Que tinc raó és clar: que em jutgin, doncs, i demostrin si són al costat de la veritat o amb l'interès que sembla moure-ho tot en el món dels homes. O amb mi o contra mi, amb la raó o contra la raó.
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Juego, trabajo y economía son los ejes desde los quemás de veinte autores establecen este nuevo recorrido sobre las artes escénicas contemporáneas. La idea de comunidad y lo común, del público y lo público, ideas que no son solamente ideas sino formas de hacer: formas de hacer con los demás, de producir lo común, de ser y hacernos públicos, en una palabra, formas degestionar y administrar lo inmaterial de las relaciones, «economías de la escena».Este libro ha ido creciendo a base de ensayos y reflexiones, restos y huellasprocedentes de acontecimientos muy distintos que hantenido lugar en forma de encuentros y obras, proyectos y relaciones, algunos reales y otros solamente ideados, y la mayor parte de las veces las dos cosas a la vez.
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Lope de Vega es, sin lugar a dudas, el auténtico creador del teatro nacional español. Su vastísima producción dramática abarca todos los géneros, pero entre sus obras más emblemáticas destaca ''Fuenteovejuna'', escrita poco antes de 1619. Se trata de un drama histórico en tres actos que narra la rebelión de un pueblo contra la opresión de un señor feudal, reivindicando la justicia popular y confiando en la intervención moderadora de una monarquía legítima y justa. La obra, basada en hechos reales, ha sido interpretada como un símbolo de unidad colectiva frente a la tiranía. A partir del siglo XIX, en paralelo con los cambios políticos, ''Fuenteovejuna'' alcanzó gran prestigio, consolidado en el siglo XX. El célebre crítico Menéndez Pelayo la consideró “una de las obras más admirables de Lope”, y su vigencia sigue intacta hasta hoy.
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Anne Carson nos entrega no sólo una parodia que muestra un sentido ético y estético en su más elevada dimensión. La Guerra de Troya es el pretexto para urdir el texto, para bordarlo, abordarlo desde el origen de la palabra guerra y sus derivados: pelea, combate, batalla, lanza, muerte, violación, crimen, abandono, sinsentido, deshumanización, todo acto que navega en contra de lo que debería ser el último fin de nuestra existencia. No hemos sabido escuchar, no hemos sabido descifrar ni mucho menos cuestionarnos. La lucidez y erudición de Anne Carson nos llevan a navegar hacia un puerto en el que no sabemos si es la muerte misma la que nos espera o si es una niña violada o el infierno o una madre en su más ahogada desesperación. La palabra que no está sustentada en un texto tramado desde su raíz etimológica no tiene sentido en la concepción literaria de esta autora. Ella nos ha entregado las versiones más frescas y actuales de Safo, Catulo, Eurípides... para presentarnos en este innovador libro a una Helena de Troya, símbolo de la pérdida del sentido, del amor. Carson nos dice que bordamos el tapiz del mundo como ciegos, sumidos en una indiferencia lacerante que atropella otras vidas sin siquiera darnos cuenta. En nueve lecciones de historia, con sus concomitantes enseñanzas, la poeta desarrolla un pensamiento por asociaciones que entrega al lector con su usual dejo de ironía, y una indignación punzante. Muestra que hemos puesto en la guerra una obtusa forma de obtener la gloria, eso que llamamos poder, posesión, mancha, sangre, ceguera. Vivimos en la oscuridad navegando hacia la orilla donde se libra una guerra que no sabemos cómo se inició. Al hacerlo, obnubilamos el otro lado del dolor, es decir, la altísima belleza que todo dolor trascendido alcanza.
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Días antes de la celebración de la ceremonia de los Oscar de 1961 —la cuarta y última ocasión en la que fue nominado—, Montgomery Clift prepara en un apartamento del Upper East Side su regreso a los escenarios teatrales con La gaviota de Chéjov. Ha decidido escapar por fin de los mandatos de los estudios cinematográficos y de la persecución de la prensa, pero antes tendrá que saldar las cuentas pendientes con el pasado: el accidente de tráfico que rompió su máscara de galán, los fantasmas familiares y el deseo que no se atreve a decir su nombre. Por esta pieza teatral se pasean algunos de los dioses caídos del Olimpo de Hollywood (James Dean, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor o Marlon Brando) desde la mirada lúcida y alucinada del propio Clift.
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Dos escriptors passen dos dies a Teià, durant el festival Lletrescena, de literatura i dramatúrgia, entrant en contacte amb una comunitat, amb un paisatge. A posteriori, escriuen una ficció posant el poble com a escenari. A La cua del dromedari fabula una història a partir d'una pintura mural escrita en català i La Ventafocs de Teià és una història coral de personatges curiosos, amb les seves històries i desitjos amagats.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.