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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Maragall a casa és un espectacle creat per Josep M. Jaumà a partir dels articles, poemes i correspondència del poeta Joan Maragall que es representa des de l'any 2011 al menjador de la seva casa de Sant Gervasi, des d'on l'actor Jep Barceló, sota la direcció de Dolors Vilarasau, ens explica les seves vivències, els seus somnis, el seu ideari. Els versos, articles, discursos i cartes de Joan Maragall (Barcelona, 1860 - 1911) van suposar un canvi de rumb en la literatura, en el pensament i, en general, en la cultura catalana. Ja amb el seu primer recull de poemes i amb els primers articles al ''Diario de Barcelona'' va aconduir els seus lectors des del floralisme historicista i rural de la Renaixença a la modernitat de la vida quotidiana a ciutat. Maragall cresqué alhora que creixia l'Eixample barceloní i -atès que l'atzar li oferí aquesta possibilitat- es proposà educar la nova burgesia industrial i comercial que s'hi instal·lava. Va obrir-li horitzons més enllà dels diners i de les ostentacions socials, va fer-li descobrir l'ordre i la bellesa de la natura, el poder de la paraula i de l'art, la força de l'esperit que li permetria enfrontar-se al demà. El fet que vint anys dedicats quasi exclusivament a aquest propòsit tinguessin el final tan tràgic del juliol de 1909, degué ser per a ell un cop molt dur. Envellí ràpidament i morí dos anys després. El centenari, any en què es creà l'espectacle, va ser una bona ocasió, no tan sols per celebrar l'alta qualitat del que (malgrat els obstacles de l'època) arribà a assolir, sinó també per comprovar una vegada més la vigència actual del seu pensament i de la seva actitud, enfrontats encara avui a obstacles potser més poderosos dels que li tocà viure. L'home Maragall i la seva obra continuen essent un referent literari, moral i cívic indispensable per a nosaltres, per al país.
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En Deesses per nassos, Demèter i Persèfone decideixen desobeir la imposició per la qual mare i filla s'han de separar cada tardor. Persèfone no tornarà als inferns i les dues deesses s'amagaran de la policia de l'Olimp entre els humans i aterraran en distintes èpoques i distintes cultures. Amb els ingredients i l'esperit desimbolt propis de la comèdia, es va perfilant en l'obra una revisió de la història de la humanitat i dels seus valors.
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'Sin dejar de profundizar en el corazón del canon del siglo xvii, he buscado la interpretación dramática y artística más rigurosa a partir de elementos e ideas de nuestro siglo XXI, poniendo en marcha la maquinaria del tiempo que nos enlaza con Molière a través de cuatro siglos para ofrecer al público la referencia del momento histórico en que se forjó la obra. En El enfermo imaginario Molière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegarnos convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que fruto del descontento ante unos deseos y proyectos de vida insatisfechos''. (Josep Maria Flotats)
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Pedro Calderón de la Barca fue uno de los dramaturgos más destacados del teatro áureo. Perfeccionó las innovaciones de la comedia nueva, desarrolló un tipo de teatro más reflexivo que profundizó en los conflictos éticos, religiosos y filosóficos de su época y supo construir, en una estructura perfecta, un drama filosófico y doctrinal que convierte a su personaje principal en símbolo universal del ser humano. La vida es sueño cuestiona la condición humana y su significación en el mundo por medio de una parábola.
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Ramón María del Valle-Inclán (Villanueva de Arosa, Pontevedra, 1866-Santiago de Compostela, 1936), presidente del Ateneo de Madrid y director de la Academia de Bellas Artes de Roma, fue una de las personalidades más interesantes de la generación del 98. Gran poeta, forjador del idioma, creador del esperpento y autor de novelas históricas, Valle-Inclán hizo el mejor teatro de su tiempo. COLECCION AUSTRAL presenta en este volumen LUCES DE BOHEMIA, esperpento trágico de la vida literaria de la época. Al degradarse la realidad aparece la farsa y, en un segundo nivel, el esperpento, «Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento», aclara Valle-Inclán. Aquí el espejo cóncavo es una conciencia dolorida, una conciencia moral que escandaliza o aterra. Resulta patético que quien vea la verdad sea un ciego, Max Estrella, soñador perdido en un Madrid absurdo y hambriento. La magnífica Introducción de Alonso Zamora Vicente, de la Real Academia Española, y la ilustrativa Guía de lectura y Glosario preparados por Joaquín del Valle-Inclán nos descubren el universo mágico del genial escritor, el entramado de relaciones entre la realidad y el texto y la visión voluntariamente deformadora y crítica que se oculta bajo la caricatura, un completo y sugerente análisis de las claves de la creación valleinclaniana.
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Lejos en el tiempo y el espacio de los alborotados teatros de la Inglaterra isabelina, esta reescritura de Eduardo II le da nueva vida a la trágica historia de un rey condenado a la desdicha por su incontenible amor por otro hombre, su mejor amigo y amante.Esta recreación del texto de Christopher Marlowe lo lleva al vivo dialecto rioplatense y lo enriquece con fragmentos de la obra de William Shakespeare y John Webster, además de incorporar aportes originales. La obra resultante se vale del pasado para hablar de los movimientos reaccionarios y violentos de nuestra realidad política y social actual.Como la obra original del siglo xvi, escrita en tiempos de persecuciones políticas y religiosas, como la versión de Bertolt Brecht, estrenada al año siguiente del inicialmente fallido golpe de estado de Hitler, como la versión cinematográfica de Derek Jarman, dirigida contra el gobierno y las ideas de Margaret Thatcher, la versión escrita por Carlos Gamerro con la colaboración de Alejandro Tantanian encuentra fatalmente su razón de ser en los tiempos más hostiles, que parecen serle connaturales.
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Paca, Olvido y Lola son tres generaciones de mujeres fuertes que sobreviven en un mundo que, aunque distinto, sigue recluyendo a las mujeres al cuidado: de un marido enfermo y en silla de ruedas, de una madre con alzhéimer, de un hijo. Los tiempos han cambiado. Ya no está mal visto que las mujeres estudien y la Iglesia hace tiempo que no dirige la moralidad femenina. Pero en otros aspectos no hemos avanzado tanto: son las mujeres las que suelen quedarse en casa a cuidar de los hijos, las que tienen problemas para reincorporarse al mundo laboral, las que corren por la vida mientras se ríen de palabras como «conciliar», las que cuidan de los nietos o de los abuelos. Y esa desilusión por los sueños rotos pesa mucho. Escrita en tres actos, esta obra quiere hacernos reflexionar sobre el destino de estas mujeres. ¿Qué hace que algunas renuncien a sus vidas para que otros salven las suyas? ¿Por qué son siempre ellas las que se sacrifican? ¿Dónde está la dignidad de quien cuida?
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Anar al teatre és una experiència enriquidora. Veure teatre és una vivència estimulant. Llegir teatre és important i gratificant. L'edició d'aquesta obra ha nascut amb la vocació de convertir l'original d'Àngel Guimerà en una proposta de lectura intensa d'un drama d'abast universal. Aquesta edició, adreçada als estudiants de Batxillerat, ofereix una presentació de l'obra, un acurat apartat de notes i unes propostes de treball que persegueixen la rendibilitat de la lectura.
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El text Qui em cremarà la casa? afronta un tema que probablement mai no ha pujat fins ara als escenaris: què passa quan mor una llengua. L'autor ens proposa un viatge al fons del cor d'una cultura desconeguda i ens mostra el contrast entre un món antic i autèntic i un de modern i salvatge. Al món es parlen, actualment, entre 6.000 i 7.000 llengües. Diuen els especialistes que d'aquí a 75 anys, només en quedarà un 10%. L'obra ens acosta a un cas concret, que és la síntesi de molts casos. Un home i una dona vells procedents de no se sap on, han anat a parar a una ciutat occidental. No coneixen la llengua del país. D'altra banda, ningú no sap quina llengua parlen. Són una petita illa, enmig de la multitud. En morir ella en un accident, l'home queda incapacitat de parlar amb ningú. Quan ell mori, què en quedarà, del món que s'expressava en aquella llengua? En el pròleg, Albert Mestres destaca la ''visió còsmica que dona sentit a aquest món'' que es perd. Diu que ''l'obra tracta, a través d'una tragèdia individual, d'una tragèdia col.lectiva a escala humana, la de l'empobriment brutal del nostre planeta'' i qualifica el text d'impressionant i commovedor.
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La urbanización. R. BELLO: El amor y la muerte encarnados en una escritura españolísima y hermosa. 56 verdes diferentes. B. BERGAMÍN: Una mujer que vive en carne propia los cambios que el tiempo pinta en su cuerpo y en la naturaleza emprende y aprende el camino hacia lo inevitable. La obra del mar. A GARCÍA: poema escénico que apuesta desde la forma y la memoria por repensar la escritura. Un castaño, un almendro o un árbol que dé fruta. L. MIHON: ¿Cómo gestionamos la muerte, la propia y la ajena, en un mundo diseñado para ignorarla? Hay un perro que camina en la niebla. S. SERRANO: La palabra como herramienta de emancipación. Ídolo. Episodios de mutismo selectivo. A. TORRES PEÑALVER: una obra de teatro que se resiste a ser escrita. También hay un diario. Y un manual de clases.
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L'obra cimera de la nostra literatura medieval, Tirant lo Blanc, és el punt de partida d'aquesta versió operística dels germans Sirera. De nou, l'heroi bretó protagonitza els tres puntals de la seua fama: l'honor de la cavalleria, la defensa de la fe i l'amor de Carmesina. Aquest llibret és una versió original en la seua composició temàtica i estructural que ens acosta al món mític del protagonista des d'una visió artística actual i moderna.
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Poseedor de una técnica consumada para la adaptación de obras clásicas, Alejandro Casona (1903-1965) presenta en EL CABALLERO DE LAS ESPUELAS DE ORO, una de sus últimas producciones, una visión de don Francisco de Quevedo, en la que lo histórico se entrevera de lirismo. Es tal la maestría del escritor, que textos quevidianos en prosa y verso se hacen vida dramática al servicio de una lección: la de que uno debe permanecer fiel a sí mismo, a una verdad. Cumpliendo la enseñanza, Casona permanece aquí fiel a su modo de hacer teatro, que conjuga de continuo fantasía y realidad como componentes inseparables de la vida. Buen ejemplo de ese quehacer ofrecen las cinco piezas de distintas épocas agrupadas bajo el título de RETABLO JOVIAL . Fueron escritas algunas de ellas para su representación en las Misiones pedagógicas que en los primeros años treinta recorrían los pueblos de España. De ahí que tanto esas como las después creadas en América, susciten aún eco de positiva respuesta popular.
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Con Teatro completo se propone cubrir una laguna existente hasta ahora en la literatura dramática del exilio republicano de 1939 y contribuir al conocimiento cabal de un autor cuya obra narrativa y ensayística es, sin embargo, bien conocida entre nosotros. Con máslibertad que en su obra narrativa, Semprún recurre ensu literatura dramática a gran variedad de referencias literarias intertextuales de sus escritores admirados, a las canciones y a la música, en espacios construidos con escenografías mínimas e iluminaciones expresionistas. Un lenguaje escénico, en definitiva, de redoblada capacidad de impacto en la transmisión de las ideas y los valores representados por sus personajes.
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Ambientada a Nova York en temps de les eleccions presidencials del 2016, tres dècades després de l'esclat de l'epidèmia de la sida, ''L'herència'' presenta un mosaic d'històries interconnectades entre homes homosexuals de diverses edats i classes socials per explorar què devem a qui va viure, estimar i patir abans que nosaltres. L'obra segueix la història d'Eric i Toby, una parella amb visions diferents sobre l'amor i el compromís, mentre les seves vides s'entrecreuen amb personatges més grans i més joves que carreguen el pes del passat, la recerca d'identitat i el desig de construir un futur. La peça de Matthew López, inspirada lliurement en la novel·la ''Howards End'' d'E. M. Forster, posa el focus en la transmissió, el llegat i la connexió entre generacions. Èpica, sensual i commovedora, ha estat aclamada internacionalment, multipremiada i considerada per la crítica com l'obra nord-americana més important del segle.
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Dramaturgia a partir de la transcripción del juicio realizado a «La Manada», construida con fragmentos de las declaraciones de acusados y denunciante. Un juicio en el que la denunciante es obligada a dar más detalles de su intimidad personal que los denunciados. Un caso que remueve de nuevo el concepto de masculinidad y su relación con el sexo de nuestra sociedad. Un juicio que marca un antes y un después.
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Una obra de teatro inédita de Manuel y Antonio Machado. Entre 1935 y 1936 Manuel y Antonio Machado escribían La diosa Razón, ambientada en los inicios de la Revolución Francesa alrededor de Teresa Cabarrús, figura clave en la caída del Terror jacobino. El manuscrito, que sufrió las consecuencias de la guerra civil, ha sido recuperado por la Fundación Unicaja y restaurado en esta edición a cargo de Rafael Alarcón Sierra y Antonio Rodríguez Almodóvar.«La diosa Razón dramatiza la vida de la famosa Teresa Cabarrús entre 1786 y 1799, principalmente en los años de la Revolución Francesa, y a través de la relación con sus sucesivos esposos y amantes. (...) La nueva heroína de los Machado es coqueta, curiosa, atractiva, y sabe hacer uso de sus encantos para conseguir la voluntad de los hombres. Pero, en medio de la Revolución Francesa, también muestra una gran inteligencia y un alto sentido para saber lo que es mejor para su nación. Su apoyo a Napoleón (el orden, sí, pero también una nueva tiranía), no dejaría de ser polémico a mediados de los años treinta, dados los paralelismos que se podían establecer con la situación española y hasta europea.»«Posiblemente la obra teatral más arriesgada y quizá más importante de cuantas escribieron a dúo Manuel y Antonio Machado.»
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''Amadora'': Mujeres atrapadas en lo invisible, necesitadas e ignoradas que reclaman de forma indirecta, con dolores, tensiones y ansiedad, el respeto que se les ha negado.Amadora es una heroína de andar por casa, siempre a merced de los deseos ajenos, siempre dispuesta, no sea que se encuentre de pronto con que nadie la necesita. A Amadora la vida se le ha ido con el estribillo «no me puedo quejar». De un día para otro, el dolor llega a su vida y Amadora se siente como una niña a una señora pegada: señora cansada y dolorida. Un monólogo polifónico para cuerpos y voces dedicado «a las que nos parieron».
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Smiley és una història d'amor en lletres majúscules. Una llegenda japonesa diu que quan dues persones estan destinades a estar juntes, un fil vermell invisible lligat al dit petit de la mà esquerra les uneix des del dia del seu naixement. Aquest fil no es pot trencar, i pot lligar-les per sempre, encara que siguin molt lluny l'una de l'altra i malgrat que puguin ser molt diferents. Aquest sembla el cas de l'Àlex i el Bruno, els protagonistes de la comèdia romàntica que ha emocionat milers d'espectadors arreu del món. Segurament no es fixarien mai l'un en l'altre, però un equívoc farà que el que ha començat com una cita qualsevol els acabi canviant la vida per sempre. Smiley és una història d'amor en lletres majúscules. Fa riure i emociona. Mostra les pors a les quals ens enfrontem quan ens enamorem i les contradiccions de les relacions afectives dins de la comunitat gai, marcades per l'influx de les noves tecnologies i les aplicacions de cites online. I, a la vegada, és una petita viquipèdia de l'ambient barceloní i un homenatge a les comèdies romàntiques de tota la vida, de Nora Ephron a Howard Hawks. Smiley és tot això i molt més, però per sobre de tot, és un cant a l'amor en totes les seves formes. Guillem Clua va estrenar Smiley, una història d'amor el 2012 a la diminuta Sala Flyhard de Barcelona. Interpretada per Ramon Pujol (Àlex) i Albert Triola (Bruno) i amb direcció de l'autor, l'obra va estar en cartell a diferents teatres de la ciutat i en gira per Catalunya gairebé tres anys. La benedicció del públic (d'allò més divers: parelles heterosexuals, grups d'àvies, famílies senceres...) va venir acompanyada de crítiques entusiastes i tota mena de reconeixements. Va fer temporada a Madrid i des d'aleshores ha voltat per tot el món en diverses produccions internacionals, de Santiago de Xile a Atenes, de Miami a Berlín, de Nàpols a Nova York. Les últimes ciutats on s'ha pogut veure són Brisbane (Austràlia) i Singapur. Smiley s'ha convertit així en un fenomen global, capaç de traslladar al mainstream una comèdia romàntica protagonitzada per dos homes, amb final feliç i petó de pel·lícula. Les relacions de parella, però, evolucionen. Algunes milloren i altres s'acaben... o es converteixen en tota una altra cosa. Què va ser de l'Àlex i el Bruno després d'aquell happy ending? Van aconseguir superar les seves diferènciesi formar una parella estable? Van ser monògams o van iniciar una relació oberta? Feliços o infeliços? Smiley, després de l'amor, estrenada a l'Aquitània Teatre el 2020, respon a totes aquestes preguntes i moltes més, perquè han canviat moltes coses des d'aquella primera cita del 2012. Barcelona ja no és la mateixa ciutat, i l'Àlex i el Bruno... tampoc: ara els preocupen la crisi dels quaranta, el matrimoni, el final de la joventut i la pèrdua de la innocència.Aquesta edició reuneix els textos de Smiley, una història d'amor i Smiley, després de l'amor. I qui ho sap, potser l'any 2030 ens tornem a trobar amb l'Àlex i el Bruno amb una tercera part que molts espectadors i lectors ja esperen amb impaciència.
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Casa con dos puertas, mala es de guardar ejemplifica la maestría en el engranaje preciso de un dramaturgo ya maduro que domina a la perfección el juego teatral de este tipo de piezas (comedias de capa y espada) e ilustra con claridad la actitud de un poeta dramático que sabe evadirse con oficio de la repetición formularia de un artilugio teatral a través de la experimentación y la aplicación de nuevas e ingeniosas formas de resolver un enredo excesivamente tipificado.
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En Velocidad mínima se reúnen por primera vez las once ficciones que Paco Bezerra ha escrito a lo largo de los últimos veinte años. Contra todo pronóstico, obtuvo el Premio Nacional de Literatura Dramática por Dentro de la tierra, con apenas 31 años, siendo así el autor más joven en recibir este galardón. La singularidad de Velocidad mínima reside en que nos encontramos con un «libro de vida», en que cada obra es un capítulo con una pregunta específica sobre una idea, un enigma, una violencia. Desde la asombrosa Ventaquemada hasta su último texto hasta la fecha tan salvaje como impredecible, Muero porque no muero, sobre la figura de Teresa de Jesús, cada pieza desvela una problemática de la sociedad contemporánea, ya sea para hablar del ciberacoso sexual a menores o revisitar la figura de la femme fatale o empatizar, desde una mirada actual, con el dolor de Fedra o el de Edipo, sin temor a adentrarse en lugares incómodos. Cada lectura revelará un desplazamiento a una zona incierta en donde cada cual habrá de buscar y encontrar de nuevo su sitio.
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Macbeth cuenta una historia de crimen y castigo entreverada de brujería y elementos sobrenaturales. Amparado en las engañosas profecías délas Hermanas Fatídías, brujas o diosas del destino, Macbeth decide asesinar a su rey y tomar la corona. Consciente del horror al que se entrega, forja su terrible destino y se deja poseer por el mal que nace del ansia de poder, creyéndose invencible y eterno.Esta obra tenebrosa e inquietante, de acción vertiginosa, es también profundamente introspectiva. A través de un lenguaje metafórico y señorial, la obra indaga en lo prohibido, explora la transgresión y ofrecéla oportunidad única de compartir la vida interior de un asesino, con su horror y su misterio.
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Romeo y Julieta, de William Shakespeare (9788467016901).Ángel-Luis Pujante destaca en esta edición la fuerza poética y retórica de Romeo y Julieta. Los juegos de palabras, la coexistencia de prosa y verso, de lo culto y lo coloquial, de lo lírico y lo dramático contribuyen a intensificar los contrastes de la acción. Clara Calvo ofrece en el Apéndice una rica documentación complementaria y unas sugerentes propuestas que ayudan a enriquecer la lectura de esta obra capital de la literatura universal.
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«Nadie muere tan pobre que no deje algo tras de sí», dice Pascal. Benjamin comenta: «Lo que vale también para los recuerdos ‒, aunque estos no siempre encuentren un heredero». Cualquiera puede preguntarse alguna vez: ¿encontrarán mis cosas y mis recuerdos un heredero? Para Héctor y Berna, al final de sus vidas, esa es una pregunta urgente y esencial. ¿Qué va a ser de su colección, a la que lo han sacrificado todo y que conciben como un grito contra este tiempo, como un arca que, en un diluvio de ruido, contenga lo que ha sido la humanidad y lo que podría haber sido? Esta noche, Berna y Héctor han convocado a la joven Susana para examinarla e instruirla. Los acompaña un cuarto personaje, Carlos, quizá examinador, acaso examinado, tal vez parte de la colección. La colección es un cuento sobre el amor, la muerte y la memoria.
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Un aluvión de recursos y efectos escénicos se suceden en esta obra de múltiples personajes y espacios donde la escenografía del drama romántico despliega toda su potencialidad.En manos del duque de Rivas, la palabra adquiere una enorme variedad de matices, trasladándonos con sorprendente habilidad desde los ambientes costumbristas más populares,en que la prosa normalmente asume el protagonismo, a la armoniosa y elegante musicalidad del verso, insuperable en las intervenciones de los personajes protagonistas de la historia. Es, en definitiva, Don Álvaro o La fuerza del sino una preciosa invención escénica pensada para entretener, causar admiración, seducir, provocar, desesperar, emocionar y hacer vivir con intensidad situaciones que la realidad—afortunadamente— no suele ofrecer, aunque sean trágicas. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Fausto-pop es una original adaptación del mito de Fausto a nuestro tiempo, sobre el que este libro reflexiona a fondo. Escrita en distintos registros, la obra pretende constituirse en un referente cultural de nuestro tiempo. En este libro no se eluden la extravagancia y el humor, que salpimientan sus páginas, como cuando se relatan las peripecias del diablo y Pfeffer-King, su protagonista, asociados para emprender proyectos inmobiliarios en la costa levantina, proyectos que tropiezan una y otra vez con la Administración, a la que Santiago González-Varas dedica una punzante sátira. Pero tampoco se evita la profundidad intelectual, ejemplificada en sesudos diálogos con literatos y pensadores alemanes, o en la propuesta de un nuevo modelo social, de bases estéticas, con el que Pfeffer-King se propone salvar el mundo. Y tampoco se renuncia al estilo, pues el autor entremezcla diversos tonos literarios, desde el lenguaje poético hasta un uso renovado del expresionismo más crudo y cruel. La obra abunda en las paradojas: el diablo se convierte en un auténtico vividor. El protagonista, Pfeffer-King, escritor idealista, acaba invadido por la negra y profunda melancolía.
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La remor dels confins reuneix vint-i-un textos, escrits per encàrrec al llarg de tres lustres (2000-2015) per a pròlegs de llibres, actes culturals, i mitjans de comunicació. Entre ells, un testimoni autobiogràfic a partir de sengles aportacions al festival literari Kosmòpolis i a la celebració del centenari de Salvador Espriu, homenatges a altres escriptors amb distints pretextos (Faulkner, Gracq, Sebald, Espriu, Buzzati, Porcel, Marsé, Zola), un dietari cultural publicat al llarg de tretze setmanes, un joc eròtico-literari per a un llibre col lectiu a partir de fragments d obres de Joyce, Clarín, Shakespeare, Rodoreda, Flaubert i Borges, variacions sobre la cultura i la literatura catalanes, i reflexions sobre el paper de la literatura en relació amb la memòria col lectiva i la veritat històrica.
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«Naturaleza trans» relata la historia de tres chicas trans de la frontera entre Uruguay y Brasil. Mediante una audaz exploración de las identidades no normativas, a través de la performance y la narrativa personal, la historia desentraña la complejidad de vivir más allá de la categoría del género binario. La obra fusiona elementos del teatro documental y el ritual, invitando al público/lector a ser testigo de una transformación colectiva, donde lo individual se entrelaza con lo social en una lucha constante por la visibilidad y la aceptación. «Muñecas de piel» nos habla sobre la explotación sexual a partir del hallazgo del cadáver de una joven, un suceso real que nos sumerge en un universo de dolor, culpa y cuestionamiento. Esta obra -que generó una gran polémica y acabó en los juzgados uruguayos al abordar un tema tan delicado como la explotación sexual de menores- se convierte en un poderoso testimonio artístico que invita a reflexionar sobre las sombras de nuestra sociedad y el papel del teatro como catalizador de cambios sociales. Acompañan a cada obra las bitácoras de la autora, que nos permiten conocer de primera mano su proceso de gestación.
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«Mihura. El último comediógrafo» recorre la trayectoria de Miguel Mihura (1905-1977), marcada por desencantos, desamores, fracasos y algunas glorias tardías. La obra narra la historia del éxito de Tres sombreros de copa, que solo llegó dos décadas después de haber sido escrita. Adrián Perea nos sumerge en la dualidad entre Miguel, el hombre, y Mihura, el escritor, cuyas vidas quedaron irremediablemente ligadas a aquella primera obra.«Observen a estos hijos de puta» es una comedia que arranca con una petición insólita: el presidente de un importante club de fútbol solicita al nuevo presidente del gobierno que los delfines sean reconocidos como animales de compañía. Este absurdo punto de partida desencadena una serie de situaciones que exponen el abuso de poder y la corrupción en ámbitos como el fútbol, la política y el teatro, reflejando cómo estas prácticas se han normalizado en nuestra sociedad.
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La historia de Horacio abarca su historia y la de todo lo que lo rodea: su mujer y sus seis niñas, un único hijo malencarado y grosero, cuñadas a raudales, un hermano escritor y otro hermano comerciante, un cuñado médico, sus dos vacas y los terneros que crecen en ellas, los naranjos de su finca que dan sombra a un Volkswagen de dudoso pasado pero adquirido legítimamente, y las docenas de antigüedades cuidadosamente guardadas, algunas de ellas auténticas obras de arte y todas muy valiosas para él solo por el hecho de pertenecerle. Mientras la vida les sucede con rotundo e inevitable humor a estos personajes conmovedores, Horacio enfrenta sus últimos días con serenidad, ironía y una vitalidad que se resiste a lo que le depara el destino.En este relato desbordante de vitalidad, desde el principio hasta el irreversible final, están presentes el poder de la naturaleza y la fuerza de las relaciones familiares que todo lo superan. Tomás González, con su prosa depurada y precisa, construye una novela brillante sobre el apego a los objetos, los vínculos, los cuerpos y la tierra. La historia de Horacio es una celebración callada de lo que se va y de lo que queda, un retrato íntimo del tiempo que pasa y de la obstinada necesidad de vivir con plenitud incluso en la despedida.
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Una obra que merece ser colocada en un segundo lugar de excelencia después de El Quijote, ahora en una nueva edición accesible avalada por la Real Academia Española.Escritos con un lenguaje popular y agudo, los Entremeses retratan escenas de la vida cotidiana llenas de humor, sátira y crítica social. Cervantes se burla de los vicios y defectos humanos como la avaricia, la hipocresía, el engaño y la falsa honra. Los protagonistas son personajes del pueblo llano, pícaros, engañadores, mujeres astutas y maridos celosos, que reflejan con ironía los problemas sociales y morales de la época. A través de situaciones absurdas y diálogos ingeniosos, Cervantes demuestra su maestría en el teatro breve y su visión crítica del mundo. Aunque no tuvieron tanto éxito en su tiempo como sus novelas, hoy se valoran por su riqueza literaria y su frescura escénica.
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Dos piezas maestras: A puerta cerrada, estrenada en el Vieux-Colombier el 27 de mayo de 1944, con una puesta en escena de Raymond Rouleau, y La puta respetuosa, que se estrenó el 8 de noviembre de 1946, bajo la dirección de Simone Berriau en el teatro Antoine (y dio lugar al film homónimo de Marcel Pagliero 1952).
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La historia –con aliento de thriller– de una mujer que nació hombre, de una hija sin madre y de una madresin hija. La Tarara, una mujer transexual que trabajala noche, acompaña a la pequeña Rosa en la lucha contra sus fantasmas. La Rosa adulta y la Rosa niña se entrelazan en un ir y venir de recuerdos que gravitansobre un secreto de familia apenas presentido. Hastaque unas cartas de amor encontradas en un cajón rescatan la memoria rota de una niña tan llena de música ybelleza que no guardaba hueco al espanto.
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Biblioteca Clásica de la Real Academia EspañolaEl volumen incluye la edición anotada del texto de Jesús Pérez Magallón, junto a estudios que abordan cuestiones sobre el autor y la obra. La figura y la obra de Moratín constituyen un hito esencial en la evolución de nuestra dramaturgia. La comedia nueva es un jalón esencial en la formación de la comedia burguesa de corte neoclásico. El sí de las niñas (de)muestra que, cuando se ocupa una posición de poder y se ejerce la autoridad, la mejor estrategiapara preservarla es mediante el ejercicio de la razón y de la compasión, porque así se puede alcanzar una felicidad que satisface deseos egoístas, sí, pero también otros de orden social.
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El caballero de Olmedo, basada en un hecho histórico que fue motivo de múltiples recreaciones artísticas ?la muerte de don Juan de Vivero, caballero de Olmedo, a manos de su vecino Miguel Ruiz en 1521?, es una de las obras maestras de Lope de
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Representantes en la Tierra de una irrealidad llamada Dios: un diálogo clarificador en la sala de espejos.El papa y un cardenal, amigos de juventud, mantienen un diálogo en el que no faltan críticas a determinadas actuaciones de la Iglesia. La figura de la joven Hermana Teresa romperá el esquema del debate. Su identidad provoca un zamarreo emocional en los interlocutores. La charla íntima continuará después entre ellos, rompiendo verdades consolidadas que son sustituidas por su mero reflejo. Una conversación entre hombres de poder, que saben...
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Una fábula sociofantástica y psicológica, una bellísima reflexión sobre la enfermedad y lo corrompido. El gran escritor mexicano Juan Villoro inició su andadura novelística en 1991 con El disparo de argón, que obtuvo el inmediato respaldo de la crítica y se tradujo al alemán y al francés. Dos temas articulan la sugerente trama de esta novela: la mirada y la ciudad. Un espacio definido les sirve de vínculo: la clínica oftalmológica del doctor Suárez, versión mexicana de la célebre Clínica Barraquer en Barcelona. Casa de los signos, el edificio levantado por Suárez pretende servir a la vista y a la visión, a la salud y las formas trascendentes que entran por los ojos. Pero este ideal ocurre en un México convulso, donde el tráfico de órganos es una activa variante de la economía informal. El sueño ha sido pervertido y Suárez no puede ser localizado, el gran profeta de la vista se ha vuelto invisible. Su discípulo Fernando Balmes debe buscar el hilo que lleve al maestro. Todo lo que pasa por sus ojos -la ciudad, la clínica, los otros- se somete al rigor del oftalmólogo hasta que algo nubla su horizonte: una mujer altera el cristal con que mira el mundo y una trama de sombras lo adentra en un país donde la urgencia no es curar los ojos sino venderlos.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.