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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Podría pensarse que el interés que despierta la obra Coriolano en la época contemporánea se debe a su carácter eminentemente político. Añadiríamos que quizá sea la más inteligente también. La obra enfrenta a dos fuerzas irreconciliables: el general Cayo Marcio Coriolano, con su odio y desprecio al pueblo, y este manipulado por los tribunos populares. La lucha se agudiza y se convierte en un apasionante juego de espejos dentro del marco turbulento de una ciudad dividida por el odio social y político. Coriolano, después de luchar por su país, quiere ser cónsul, pero necesita los votos de los ciudadanos. Un hecho que se aviene mal con su carácter que le llevará al destino trágico del héroe. Felizmente, no podemos hacernos una idea cabal de hacia cuál de los dos bandos se inclina la voluntad del autor. Y esa indefinición permite que la obra interese al público más amplio. La traducción de Eusebio Lázaro refleja certeramente el estilo lacónico cortante ''de piedra y bronce'' del texto más brillantemente razonado de Shakespeare.
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Una extraordinaria novela de culto con una enigmática mujer como protagonista.«Pynchon es probablemente el mejor de todos los grandes novelistas norteamericanos vivos.» Harold Bloom «Thomas Pynchon es en las letras el perfecto equivalente de Bob Dylan: clásico y moderno y atemporal y eterno. Y por encima de todos y de todo. ... Hay que leerle, hay que aprender a leer a este hombre invisible pero omnipresente para saber de qué se trata.» Rodrigo Fresán, Abc Cultural «Pynchon es lo máximo. ... Cuando lees a Pynchon por primera vez es como si te hubiera dado un calambre. No sabes lo que ha pasado, pero luego te das cuenta del milagro..» Junot Díaz, El País Semanal Tres son los protagonistas de esta extraña y fantástica aventura: Herbert Stencil, que busca algo que cree haber perdido, Benny Profane, quien, como nunca tuvo nada que perder, nunca ha buscado nada, y V., una enigmática mujer que podría ser una joven desflorada en El Cairo, una bailarina alemana en el suroeste africano o una lesbiana de París. Pero ¿por qué Stencil se empeña en investigar la verdadera identidad de V.? La respuesta tal vez resida tanto en la pertinaz idea que tiene Stencil de que «detrás de V., y en V., hay mucho más que todo lo que jamás hayamos soñado» como en esta reflexión del propio Pynchon: «Lo que son para el libertino unos muslos abiertos, lo que es el vuelo de los pájaros migratorios para el ornitólogo, lo que es una tenaza para el ajustador, eso es para el joven Stencil la letra V».
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En 1972, el joven director de teatrofrancésGeorgesWerlerfue a ver a MilanKundera a Praga y a suregresoconsiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatroJacques y su amo. Kundera la habíaescritodespués de la invasiónsoviética, cuandotodasu obra, pasada y futura, habíaquedadoborrada de las letraschecoslovacas. Jacques y su amo relata tres historias de amor que se entrecruzandurante el viaje que emprendenJacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye, tres historias que se entremezclanpolifónicamente, donde cada una es, a suvez, variación de la otra, y juntasconforman una comedia sobre los problemasexistenciales de la pasión amorosa.
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Pericles, príncipe de Tiro es la primera obra del ciclo final que culminaría con La tempestad, en el que reina el mundo de lo maravilloso propio de los libros de aventuras (romances) sobre el trasfondo de los mitos esenciales de la experiencia humana (nacimiento y muerte, amor y pérdida, sufrimiento y regeneración). El largo itinerario del protagonista confluye en la que, según T. S. Eliot, es la mejor escena de anagnórisis jamás escrita.
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Freshwater, Una comèdia
El pobre de Freshmater, a la idíl·lica illa de Wight, fou escenari de llegendáries trobades entre la flor i nata dels artistes victorians: pintura, poesia, filosofia, fotografia s'aplegaven entorn d'apassionats ideals estétics en un món cada vegada més accelerat i convuls.
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¿Qué sucede cuando los espacios que habitamos se convierten en prisiones? En este volumen, Luis Bartolomé Herrero nos invita a adentrarnos en tres cerrojos de tierra, lugares cerrados donde la memoria, la violencia y la desesperación cobran vida. Desde una taberna rural anclada en el pasado hasta un desván cargado de fantasmas familiares y un piso en cuarentena que exacerba los miedos, cada obra explora la fragilidad humana y la imposibilidad de escapar de un pasado o un presente opresivo. En sus páginas, los personajes, atrapados en sus propias circunstancias, intentan respirar, recordar, sobrevivir. Con una voz que mezcla el costumbrismo con el humor negro, el autor nos muestra el lado más grotesco y doloroso de la realidad, invitándonos a reflexionar sobre el peso de los recuerdos y la lucha por romper con lo que nos define. Estrenadas por la compañía Catarsis en el Teatro Juan Bravo de Segovia, estas piezas dibujan un mapa íntimo y colectivo de un tiempo que aún nos duele. Son historias que nacen de lo cotidiano, pero que, como los buenos cerrojos, guardan en silencio lo más profundo.
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Presoners
Obra dirigida per Carles Alberola i produïda per Albena per a un escenari molt concret: l’antiga presó de Sant Miquel dels Reis. A partir de testimonis històrics, sis autors i autores valencians actuals han inventat sis monòlegs diferents, cadascun dels quals imagina una carta que un presoner o presonera escriu a la seua família o, senzillament, per a la seua intimitat. El primer monòleg correspon a un home que espera el seu afusellament l’endemà, mentre que en l’últim un periodista celebra, des de la presó, la mort de Franco.
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Incitado por su amigo y rival George Bernard Shaw, que lo tenía por un escritor que malgastaba su talento siendo periodista, novelista y ensayista, Chesterton accedió a escribir una obra como dramaturgo: Magia, estrenada en noviembre de 1913 en el Little Theatre de Londres.La obra tuvo muy buena acogida, representándose hasta 165 noches seguidas, antes de estrenarse en Nueva York con idéntico éxito.En una combinación de comedia y drama, de romance, intriga y paradojas, Chesterton aborda en esta obra singular muchos de los temas que le eran predilectos, especialmente la relación entre realidad y racionalidad, entre lo fantástico y la locura.
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ÑAQUE Editora sigue colaborando en la difusión del teatro y de obras premiadas en las convocatorias más relevantes del panorama dramatúrgico. CÉSPEDES CON 'E'es la historia de una mujer trasvestida para ejercerde galeno, recogida en las páginas de su proceso inquisitorial de 1587. De una mujer que pugnaba por ser hombre en todos los sentidos. Como reza el prólogo delpropio autor: Es casi obligado reconocerse en él, nocomo mujer o como hombre, sino como espíritu desprovisto, por fin, de etiquetas sexuales. Porque su vidaes la epopeya del apestado, del diferente, el triunfodel ser y la voluntad sobre la convención y la apariencia. Me condenaron, amén de que fuera o no andrógino, por ser esclavo, morisco, bastardo, de tez bruna y, para más inri, hembra. ALBERTO GÁLVEZ es escritor,narrador, dramaturgo, guionista y enamorado de lo clásico, de su reinterpretación y de su actualidad. Premiado como autor teatral con prestigioso galardones como el 'José Martín Recuerda'. La labor de investigación realizada en este volumen es, sin duda, un acicatemás para descubrir al personaje y a su autor. Un autor con más fantasía de la aparente, y un personaje más real de lo esperado. Drama. Adulto. 11 personajes (8 hombres, 3 mujeres) + coro, doctores, matronas y testigos.
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La Traducción/La Traducció/La Traduction/Oh út si oooh iiiii
La traducción, el texto que ustedes van a leer, muestra el potencial humano que supondría dejar de hablar el idioma de los hombres en un momento de la historia donde ha empezado a ser sustituido por las imágenes y la inteligencia artificial. Dejar de hablar, como dejó de escribir Lord Chandos, protagonista del libro del escritor austriaco Hugo Hofmannsthal, ''La Carta de Lord Chandos'', porque ya no ve que tenga ningún sentido seguir escribiendo si es para no decir nada y se siente desconcertado ante la incapacidad del lenguaje para seguir dialogando con lo que le rodea. La propuesta e interpretación de Joana Preiss nos permite descubrir que también nosotros necesitamos liberarnos del lenguaje impuesto, deseando que, al mismo tiempo, alguien tenga la capacidad de traducir aquello que expresamos sin palabras para comunicar y ser escuchados, ser traducidos, ser comprendidos. La edición que les presentamos está compuesta de cuatro textos que son la traducción en cuatro idiomas del texto original de la obra ''La traducción''. Los cuatro idiomas son catalán, castellano, francés y el lenguaje creado por Joana Preiss, la mujer de lenguaje indescifrable, seguido de un documento fotográfico que nos permite observar la puesta en escena de la obra y las interpretaciones de la autora y el actor Enric Llort. La lectura de ''La traducción'' en el lenguaje de Joana Preiss nos permite recuperar la fascinación que sienten los hombres y mujeres en dar testimonio de sus vidas y escuchar las que otros narran.
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A lo largo de veinte años de trabajo continuo, la obra teatral de Sergio Blanco ha recibido constantes elogios por parte de la crítica internacional: la calidad de sus obras ha sido destacada, y su nombre se ha posicionado entre los más importantes de la escena teatral actual. Además, su poética de la autoficción ha renovado el concepto de la teatralidad contemporánea. En el presente libro, reunimos Tráfico, monólogo de un joven que se prostituye y que se va adentrando en un oscuro mundo de crímenes, y Cuando pases sobre mi tumba, donde se contrastan diversas emociones en torno a la muerte, a partir de la decisión del alter ego del autor de cometer un suicidio asistido. Así, mientras que en la primera obra Alex narra los encuentros y desencuentros con sus clientes, abordando temas como la soledad, la adicción y la traición, en la segunda obra el suicidio asistido y la necrofilia nos hacen cuestionar los límites del deseo humano.
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Renovador del exhausto género de la comedia en Francia, Jean-Baptiste Poquelin, Molière, entreveró la capacidad de observación, el talento literario y el impulso crítico, para alumbrar un espectáculo nuevo en elque los propios contemporáneos suministraban la materia adecuada para la creación de personajes inolvidables que animan tramas perfectamente estructuradas. Elpresente volumen reúne dos de sus obras más características: ", Tartufo o El impostor ", (1644), sátira sobre la falsa religiosidad cuyo personaje principal ha trascendido, con el paso del tiempo, a la categoría de arquetipo, y ", Don Juan o El festín de piedra ", (1665), en la que el dramaturgo, anticipándose a los personajes de Gide y de Genet, transforma al célebre seductor y libertino en campeón de lalibertad absoluta, aunque la busque por el camino del mal.
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Denise Despeyroux ha construido en los últimos años una de las trayectorias más singulares de la dramaturgia contemporánea. Su teatro, traducido, representado y estudiado en numerosos países, se caracteriza por esa mezcla de humor inquietante, hondura filosófica y ternura inesperada que lo hace inconfundible. «Teatro denisíaco» reúne siete piezas fundamentales escritas entre 2015 y 2025, precedidas por un prólogo que funciona como confesión íntima y manifiesto estético. Allí, la autora evoca el mito de Ariadna y el laberinto como metáforas de la creación y la vida, invitando al lector y al espectador a perderse en un territorio donde la verdad aparece disfrazada de paradoja, y la comedia convive con la herida. Las obras aquí reunidas —«La tentación de vivir», «El planeta añil», «Paciencia debe morir», «Tiempos mezquinos», «La omisión del si bemol tres», «Salvar a Apollinaire» y «Misericordia»— componen un mosaico de personajes que buscan, tropiezan y a veces se reinventan. Desde la comedia romántica teñida de desesperación hasta los juegos de la memoria y la traición, el teatro de Despeyroux se sostiene en un pulso verbal deslumbrante y en una estructura dramática que sorprende por su libertad. Lo que comienza como una situación reconocible -una conversación de pareja, una reunión de terapia, una sala de hospital- se transforma pronto en un territorio de extrañeza, donde lo cotidiano roza lo absurdo y lo fantástico para revelar el fondo de la experiencia humana. Su teatro interroga la identidad, el deseo, la fragilidad y la esperanza con una escritura que no teme a la confesión ni a la ironía, a la ternura ni a la crueldad. Como el hilo de Ariadna, estas obras trazan un recorrido posible para escapar del laberinto y, al mismo tiempo, enseñan que quizás el verdadero viaje consista en aprender a habitarlo. «Teatro denisíaco» es, así, una invitación a entrar en un universo propio, donde el amor y la traición, la memoria y el olvido, lo sagrado y lo cómico, se entrelazan en un mismo gesto teatral.
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El misantrop
Hi ha una manera de definir El misantrop: el món contra mi, i, si convé, jo contra el món. Si algú em porta un sonet que és més dolent que el pebre, en nom de què podria afalagar-lo? Si em jutgen perquè he dit allò que havia de dir, per què hauria de buscar algú que recomanés la meva innocència al tribunal? Que tinc raó és clar: que em jutgin, doncs, i demostrin si són al costat de la veritat o amb l'interès que sembla moure-ho tot en el món dels homes. O amb mi o contra mi, amb la raó o contra la raó.
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¿Qué relación guarda Lope de Vega con la inteligencia artificial? ¿O el sobrepeso con la obra más emblemática de Velázquez? ¿Y qué papel juega el perro como animal de compañía en los tiempos que corren? Sergio Adillo ha sabido articular tres historias recurriendo a la entelequia irónica propia de las situaciones hilarantes. Inteligencia artificial para hacer comedias en este tiempo es una crítica a los generadores informáticos de contenido y su uso en la industria cultural, con las consecuencias que todos imaginamos, pero también una fotografía de los enfermos de alzhéimer, sin recurrir al dramatismo que entraña la enfermedad pero sí al drama propio de la representación escénica. Menina y gorda es una obra compleja con una única lectura. Sergio Adillo plantea, en la piel de una niña, la necesidad de que la sociedad vea más allá de los cuerpos normativos y acepte la pluralidad de físicos como modo de superar el acoso delirante que sufren aquellos que no tienen un cuerpo que sigue los estándares de la moda. Por último, Un tiempo de perros es un texto que recurre a la figura del perro como sujeto activo para presentar la evolución de las relaciones interpersonales y de nosotros con los animales.
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Retablo Incompleto de la Pureza es el silencio que sucede al grito de horror, ese silencio que es sepulcro donde enterrar la culpa y el espanto. Un páramo habitado por un puñado de sombras que, asustadizas, ocultan el rostro y se esconden, avergonzadas de ser lo que son, mortificadas por la certeza de no poder ser jamás otra cosa. Dos autos profanos, dos cuerpos, forman este retablo: Muerte, resurrección y muerte y La mujer barbuda. Dos cuerpos anormales, deformes, monstruosos, geografía del castigo y los daños. Dos almas retorcidas por un infierno, condenadas por descubrir el espejo que otros taparon justo a tiempo para conjurar el miedo. Otros: los hombres que, despojados de toda paz, toda gloria y todo lo sagrado, le construyeron un altar a la superstición y sus artefactos.
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¿Cómo diablos puede convertirse una familia obsesionada con la limpieza en la fuente de polución más horrenda de la historia de la humanidad? Esta es la incógnita que se resuelve en El 6º continente, la obra teatral creada a partir de las innumerables improvisaciones de un grupo de actores bajo las órdenes de la directora francesa Lilo Baur. Estrenada en el teatro parisino Bouffes du Nord, este drama familiar-planetario es a su vez una ópera bufa que, ante el inevitable desastre ecológico que vaticinan sus páginas, no deja otra salida al espectador (y al lector) que la risa. Precede a esta pieza teatral el monólogo Ex paciente de los hospitales de París, en el que un médico residente de un hospital público de París relata una larga y accidentada noche de guardia, una noche en la que encontró la fe, la perdió, la reencontró y la extravió de nuevo. Con su habitual y aguda ironía, y echando mano del lenguaje escénico, Daniel Pennac nos enfrenta con la realidad de una sociedad posmoderna llena de excesos, inconsciente y egoísta, cuyos integrantes desestabilizan un sistema sanitario precario y un equilibro medioambiental ya prácticamente inexistente.
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La protagonista de esta obra de Federico García Lorca es una mujer joven e imaginativa que, de tanto soñar, se olvida de vivir. A los lectores y a los espectadores de esta pieza teatral nos resulta fácil identificarnos con la Zapatera y con su manera de trastocar la realidad. Gracias a su imaginación prodigiosa, podremos sentir cómo esa realidad se transforma y se vuelve, como la del personaje lorquiano, mágica y poética.
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Durante el reinado de Felipe II, el príncipe Carlos, heredero del mayor imperio de la historia, vive sumido en el desánimo ya que la mujer que ama está casada con otro. Conquistarla no sólo supondría romper los vínculos del matrimonio, sino también contravenir las leyes naturales, ya que ese otro es el mismísimo rey, su padre. Don Carlos es una tragedia amorosa en la que se suceden las intrigas con la sublevación de los Países Bajos como telón de fondo. Esta obra, fruto de uno de los mayores talentos del teatro alemán y universal, sirvió de inspiración para la famosa ópera de Verdi de mismo nombre, y constituye un fascinante canto a la amistad, el amor y la libertad humana.
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Juego, trabajo y economía son los ejes desde los quemás de veinte autores establecen este nuevo recorrido sobre las artes escénicas contemporáneas. La idea de comunidad y lo común, del público y lo público, ideas que no son solamente ideas sino formas de hacer: formas de hacer con los demás, de producir lo común, de ser y hacernos públicos, en una palabra, formas degestionar y administrar lo inmaterial de las relaciones, «economías de la escena».Este libro ha ido creciendo a base de ensayos y reflexiones, restos y huellasprocedentes de acontecimientos muy distintos que hantenido lugar en forma de encuentros y obras, proyectos y relaciones, algunos reales y otros solamente ideados, y la mayor parte de las veces las dos cosas a la vez.
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Biblioteca de autor Alianza
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Llegado a la literatura justo en el momento en el que acababa el Simbolismo, y fallecido la víspera del advenimiento del Dadaísmo en París y del nacimiento del Surrealismo, Guillaume Apollinaire (1880-1918) desarrolló una obra situada en la encrucijada de las principales tendencias estéticas que atraviesan el siglo XX. En ''Las tetas de Tiresias'', subtitulada ''Drama surrealista en dos actos y un prólogo'', Teresa muda de sexo y se convierte en hombre para librarse de las imposiciones sociales que sufre como mujer, tras lo cual abandona a su marido y emprende una exitosa carrera militar en Zanzíbar. El marido, a su vez, se adapta a la situación y asume hiperbólicamente los roles asociados a las mujeres, llegando a tener en un único día 40050 hijos. Ingeniosa, irreverente y arriesgada, la obra de Apollinaire cuestiona y desafía la moral de su época, al tiempo que llama a abrazar un futuro radicalmente nuevo, en el que los antiguos moldes se desechan para siempre.
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La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud. Neronga se une al popular motociclista de acrobacias Evel Knievel para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles. Trifulca, rayos, navajazos, patadas voladoras, verso blanco pentámetro yámbico es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas como polizontes de un navío herrumbroso que cargaba una escenografía para una obra de Esquilo versión moderna (lo de siempre: un falo gigante recubierto de purpurina jugando con el estilo jónico) que se iba presentar en un festival internacional ahora anulado, como era de imaginar, por la guerra en la Bahía.
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Anar a Saturn i tornar
A Rosa, una jove professora de quaranta-cinc anys, li diagnostiquen un càncer de pit. Obertament, ho parla amb la seua classe. Li costa dir-li-ho a sa mare. L'acompanyen tothora en Carles, el seu home, i la Laura i en Jordi, els fills. En un monòleg íntim i proper, però irònic i directe alhora, Rosa renuncia a qualsevol pretensió d'heroisme. Lluny de veure's com una lluitadora, se sent una persona més que vol continuar vivint, com qui farà un viatge llarg i incert, però tornarà, i tant que sí.
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Don Juan Tenorio es sin duda la obra más popular del teatro español del siglo XIX. Su argumento responde plenamente al modelo de teatro romántico de la época: misterio, duelos, desafíos, escenas nocturnas, raptos, enigmas, muerte, el mundo de ultratumba…, La obra está ambientada en el siglo XVI, en Sevilla, y tiene como protagonistas a don Juan, prototipo universal del hombre seductor y libertino, y a doña Inés, que simboliza el amor puro e idealizado del Romanticismo. Desde su estreno en 1844, Don Juan Tenorio, convertido ya en un clásico, se representa todos los años en alguna localidad española.
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Els companys
A Els companys (1888) August Strindberg descriu la relació d'un matrimoni d'artistes. Axel i Bertha són una parella d'artistes joves, moderns i paritaris. S'esforcen per viure com a companys en termes d'igualtat qüestionant la societat en què viuen o trencant-ne les normes, però la companyonia és posada a prova quan cadascú lliura la seva obra per a participar en una prestigiosa exposició. Ella hi és admesa, mentre que ell és refusat. La lluita que abans era contra la societat restrictiva, convencional, es transforma en una lluita aferrissada entre la parella. En aquesta obra els arguments de l'època a favor i en contra de la igualtat entre els sexes surten de la boca dels protagonistes en un diàleg trepidant que no ha perdut la força trencadora i polèmica.
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Los sueños constituye una de las obras fundamentales del Siglo de Oro español.Los sueños es una obra de lectura imprescindible si se quiere tener una idea de los extremos a los que llega el arte literario de Quevedo y del Siglo de Oro español. Es una pieza de sátira aguda en la que desfilan todos los estados y oficios del mundo, con sus tachas, abusos y engaños, descubiertos y condenados por la expresión ingeniosa acerada y la burla más feroz. Con la libertad que da la visión onírica, Los sueños componen una galería de caricaturas inigualadas y exploran todo tipo de juegos lingüísticos en denuncias que van de la risa a la amargura más violenta. Modelo de numerosas sátiras posteriores, esta obra queda en la historia de la literatura y cultura españolas como una cima cuya dificultad es sólo un atractivo más.
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Porta'm al bosc
En Ricard i l'Ester van estudiar junts a l'institut. L'Ester no ha oblidat mai el martiri que li van fer viure en Ricard i els seus amics, però sobretot en Ricard. Al cap dels anys l'Ester es converteix en mestra i descobreix, en una reunió de pares, que té a classe el fill d'en Ricard. Sembla que el fill retiri al pare: en Martí presenta problemes greus de conducta, falta al respecte als professors i ataca sense motiu aparent els seus companys de classe. Pot ser que la vida estigui donant a l'Ester una segona oportunitat per fer el que hauria hagut de fer fa molts anys enrere?...
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Galilea Glam
La vida dels habitants d'un petit poble d'interior mallorquí, Galilea, es veu profundament trastocada quan la Laia, de nou anys, diu que ha respost la telefonada (literal) de Déu a la cabina del poble. Una cabina que està a punt de ser retirada de circulació. La Laia defensa que Déu li ha dit que tornarà a telefonar d'aquí set dies. Qui agafarà el telèfon quan torni a cridar-los? Es convertirà el poble en un destí atractiu amb el possible miracle? O és la salvació del poble el miracle en si? I, sobretot, per què els ha telefonat Déu?
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Una obra construida alrededor de una figura fascinante y monstruosa seducida por el poder.«Mi reino por un caballo», una de las citas más conocidas de Shakespeare, pertenece a Ricardo III. La obra, escrita probablemente en 1592, cuando el dramaturgo tenía veintiocho años, culmina su primera tetralogía de dramas históricos ingleses, iniciada con las tres partes de su Enrique VI. Su acción se centra en acontecimientos de los doce años del reinado de Eduardo IV y los dos del de Ricardo III, y cierra el ciclo dedicado a la Guerra de las Dos Rosas. Sin embargo, Ricardo III no es una mera continuación de la trilogía precedente. Apoyándose en un argumento muy estructurado, Shakespeare crea en ella su primer personaje memorable: un ser de gran magnetismo diabólico entregado a la conquista criminal del poder que ha llegado a convertirse en mito teatral y literario. Ángel-Luis Pujante, catedrático de Filología Inglesa de la Universidad de Murcia y traductor y estudioso de Shakespeare, nos ofrece en su introducción un estudio completo de los personajes de la obra y nos ayuda a comprender las diferentes fases de la acción.
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Enric VI
Enric VI és una obra històrica escrita per William Shakespeare que tracta sobre la lluita de l'imperi anglès per mantenir el seu poder militar i polític, sobre els territoris que havia obtingut anteriorment el rei Enric V a França. Aquesta obra representa, amb algun trastorn en l'ordre lineal, els fets ocorreguts en aquest primer regnat d'Enric VI, incloent algunes de les lluites internes entre els Lords anglesos i la conseqüent pèrdua de la meitat dels seus territoris francesos.
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Segons part de l'obra Enric VI de William Shakespeare. És una obra històrica que tracta sobre la lluita de l'imperi anglès per mantenir el seu poder militar i polític, sobre els territoris que havia obtingut anteriorment el rei Enric V a França. Aquesta obra representa, amb algun trastorn en l'ordre lineal, els fets ocorreguts en aquest primer regnat d'Enric VI, incloent algunes de les lluites internes entre els Lords anglesos i la conseqüent pèrdua de la meitat dels seus territoris francesos.
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Una recopilación de tres obras de teatro en las que Walcott cuenta la historia de los nativos de las Indias Occidentales durante más de cuatrocientos años de guerras, conquistas y rebeliones. Este volumen contiene tres obras: la primera de ellas, Henri Christophe, es una meditación de Shakespeare sobre la influencia corruptora del poder, mientras que la segunda, Tambores y banderas, es un espectáculo de la historia desde la era de los descubrimientos con Colón hasta 1833. La tierra haitiana es un largo drama histórico sobre la esclavitud, la rebelión, el asesinato, la codicia y las luchas por el poder que han fertilizado con sangre la tierra haitiana.
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De algún tiempo a esta parte narra la angustiosa existencia de una mujer de ascendencia judía en la Viena de 1938, tras el Anschluss, la anexión de Austria a la Alemania nazi, en la vigilia de la Segunda Guerra Mundial. Emma, la protagonista, habla con su marido muerto y le cuenta cómo se ha convertida en víctima y espectadora de los cambios que han venido sucediendo, a la vez que recuerda otros momentos más felices de su pasado, junto a él y a su hijo Samuel. A pesar de haber sido escrita en 1939, esta pieza es de una actualidad rotunda: nos alerta del peligro de los discursos del odio y las complicidades que despierta en la sociedad. La obra ha sido considerada por la crítica como uno de los mejores monólogos escritos durante el siglo xx. Y es que Max Aub, emblemático autor del exilio republicano español de 1939, crea un texto impecable, fuerte, brutal, estremecedor, impactante, visual, acongojante, profundo, humano, ¡vivo!... Max Aub (París, 1903-México D.F., 1972) llegó a España con once años, exiliado de la Primera Guerra Mundial. De ideales progresistas y republicanos, al final de la guerra civil tuvo que exiliarse en París. Tras un periplo de tres años por campos de concentración en Francia y el norte de África, llegó a México en 1942, donde vivió hasta su muerte. Sólo volvió a España unos meses en 1969 y en 1972. Cultivó todos los géneros: narrativa, teatro, poesía, ensayo, crítica, teoría literaria, diarios... De su obra destacan las novelas de El laberinto mágico, el diario La gallina ciega, la tragedia San Juan o los microrrelatos Crímenes ejemplares, entre otros. Esther Lázaro es miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL). Ha publicado trabajos en revistas especializadas y obras colectivas, mayormente sobre exilio teatral republicano y teatro español contemporáneo. Se ha encargado de la edición del epistolario entre Max Aub y José Monleón (2016) y de El texto insumiso, de José Sanchis Sinisterra (2018).
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La noche inclinada, obra de teatro escrita a principio de los años sesenta del siglo XX, está compuesta por tres jornadas y ahonda en los recovecos del alma de José Miguel Carrera -uno de los héroes más controvertidos de la independencia hispanoamericana- en el momento más difícil y atormentado de la vida, o sea cuando se encuentra cara a cara con la Muerte, a la que se entrega sin miedo y sin remordimientos, consciente de haberlo dado todo por su patria, honorándola siempre. Tras su fusilamiento, tocará a la Noche protegerle de la Envidia y de la Muerte y otorgarle la posibilidad de brillar para la eternidad. Sacar del inmerecido olvido la última obra teatral del escritor Ramón de la Serna y Espina significa abrirse a la posibilidad de abandonar las lecturas maniqueas de las guerras de independencia hispanoamericanas y capturar los más sutiles matices del alma humana con todas sus debilidades, de las que ni siquiera los héroes pueden escapar. Drama inédito sobre la guerra de independencia chilena, en el que los héroes sin miedo y sin tacha, dejan espacios a los miedos y a las debilidades de los seres humanos. Ramón de la Serna y Espina (Valparaíso, 1894-Santiago de Chile, 1969). Periodista, traductor, novelista y dramaturgo, fue un intelectual de su tiempo, poliédrico, ecléctico y políglota. Primer hijo de la escritora Concha Espina, Ramón de la Serna se formó entre España, Alemania e Inglaterra y empezó su carrera dando cuenta de la vida cultural del tiempo para periódicos influyentes, como El Sol y El Imparcial. Tradujo del alemán al español importantes ensayos y obras críticas, entre las que destacan Lope de Vega y su tiempo de Vossler y Tipos psicológicos de Jung, gracias a las que obtuvo el aprecio de José Ortega y Gasset. Su novela Chao publicada en 1933 se inscribe en el surco trazado por los prosistas de la Generación del 27. Tras su exilio voluntario en Chile en 1939, el escritor empezó su importante colaboración con el periódico El Mercurio -que duraría hasta su muerte- con el ABC y con la editorial Losada. Bajo el influjo del grupo universitario chileno Teatro Experimental, empezó a dedicarse a la redacción de obras teatrales en las que los verdaderos protagonistas son los valores que los seres humanos corren el riesgo de perder. Daniela Agrillo. Doctora en Estudios Literarios, Lingüísticos y Comparativos, ha escrito Ramón de la Serna y Espina. La torre invisible. Lleva años intentando sacar del olvido al desconocido autor hispano chileno, al que ha dedicado, además de la mencionada antología, artículos y ponencias en congresos nacionales e internacionales.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.