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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Esta antología poética de Antonio Machado (Sevilla, 1875-Colliure, 1939) se centra en una sola de las vetas de las múltiples que cultivó su autor a lo largo de toda su obra. Frente a la poesía gnómica o metafísica, paisajística, de crítica social o de propaganda, la presente antología quiere centrar su atención en la poesía amorosa. Antonio Machado, poeta del amor. Pero no del amor abstracto e irreal sino de carne y hueso, personificado en tres mujeres: Leonor Izquierdo, Pilar de Valderrama y otra cuyo nombre por desgracia no ha llegado hasta nosotros. De esta mujer de nombre desconocido sabemos que debió de ser el primer amor de Machado y también que murió joven, de modo que don Antonio fue en cierto modo un viudo por partida doble. Con Leonor se repite el drama, pero nos ha dejado un hondo lirismo: se canta lo que se pierde. Tampoco pudo encontrar con Guiomar (pseudónimo de Pilar de Valderrama), amor tardío y final, la completa felicidad. Mujer casada, con hijos y ferviente católica los impedimentos eran muchos. Y finalmente la guerra volvió completamente imposible ese amor pues no volverían a verse aunque tampoco se olvidaran nunca.
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Haikus i tankas de primavera
Llegir aquests versos és com fer una passejada llarga, fructífera... per entremig de rutes fabuloses plenes d'arbres, llocs, plantes, paisatges interns, flors diverses, etc. i de propostes engrescadores que t'omplen de sentors i e tperfumen l'esperit. Tot llegint aquest llarg enfilall d'imatges, sensacions, sentiments, emocions, etc. que contenen uns manifestos poètics sadolls, farcits d'evocacions, trucades i tornaveus primaverals, treballes l'espiritualitat més pregona, aquella que et fa enlairar i que t'endinsa en el contacte amb el vast mapa de l'univers, tot fent-te sentir en comunió amb totes les forces terràqüies, amb tots els elements que conformen el nostre petit planeta blau que, dissortadament, molta gent insensible no tan sols no el respecta, sinó que el desgavella. Aquí, la fórmula escollida és totalment contrària a qualsevol pulsió negativa i pertot respira flaires que ens fa viatjar per racons lluminosos, per espais de positivitat indiscutible.
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«De ser un espectador de la política he pasado bruscamente a ser un actor apasionado. Y el motivo que me ha hecho, a mis años, saltar a este plano ha sido el de la invasión de mi patria», explica Antonio Machado,en 1938. Este poeta intimista llega a ser un agitador, hasta definirse, tras haber reflexionado sobre ladifusión del saber, como «un miliciano más con destino cultural». Su compromiso cívico se expresa por unacreciente colaboración en la prensa. Ésta se insertaen la tradición europea de los apócrifos y ofrece uncontrapunto a la experiencia poética sacando al escritor del idealismo para ponerle en contacto con la realidad. Considerando la estructura y la evolución de aquella obra en perpetua elaboración, se descubre unapráctica literaria compleja que no distingue entre esencias diferentes y superpone, en una escritura fragmentaria, varios lenguajes que une en un trabajo sin fin. Pues, detrás de las paradojas de los apócrifos, Abel Martín y Juan de Mairena, se plasma una obra poética engastada en una reflexión filosófica que se incluye a su vez en una labor periodística y traduce un lento pero coherente caminar político que Machado empezó cuando estuvo confrontado a los problemas estéticos y morales de su tiempo. Paul Aubert es catedráticoemérito de Literatura y Civilización Españolas Contemporáneas de la Universidad de Aix-Marsella. Fue director de estudios de la Casa de Velázquez. Coordinó los programas de investigación «Crisis española y fin de siglo en el Mediterráneo» (Casa de Velázquez), «Lasélites en la ciudad, Cultura política, Transferencias culturales, imaginarios nacionales en la Europa meridional, siglos XVIII-XX» (CNRS-UMR Telemme 7303). Entre sus últimos libros destacan La frustration de l?intellectuel libéral. Espagne. 1898-1939 (2010), Nidosde espías. España, Francia y la Primera Guerra mundial. 1914-1919 (con E. González Calleja, 2014) y La democracia imperfecta (ed., 2014).
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En realidad el título de un artículo que Roland Barthes escribió en 1973, Variaciones sobre la escritura, se presenta como una recopilación de textos de su autor que abarcan el fenómeno en cuestión desde todas las perspectivas: temas como la gramática y la lingüística, por supuesto, pero también autores como Benveniste, Jakobson o Laporte, estructuran un mosaico teórico en el que también caben notas sobre las propias reflexiones de Barthes al respecto o incluso comentarios tan poco usuales como el dedicado al diccionario Hachette. Desde su perspectiva de semiólogo, Barthes contempla la escritura no como un procedimiento que utilizamos para inmovilizar y fijar el lenguaje articulado, de naturaleza siempre fugitiva. Muy al contrario, para él la escritura rebasa considerablemente y, por así decirlo, estatutariamente, no sólo el lenguaje oral, sino también el lenguaje mismo, si lo encerramos, como quieren la mayoría de los linguistas, en una pura función de comunicación. La reflexión que se establece a partir de aquí es, como siempre en el caso de Barthes, tan atrevida como transgresora, pues acaba convirtiendo sus propios textos en un acto creativo mucho más allá del análisis erudito.
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Una conmovedora historia ilustrada para todas las edades sobre la superación de los miedos y la capacidad indomable de la naturaleza para sanar las heridas. Un niño se pierde en el bosque. Allí residen todos sus miedos. Allí se esconden peligros inimaginables. Pero...¿Y si el bosque significara mucho más? ¿Y si allí residiera la esperanza y la amistad? ¿Acompañarías al niño perdido en su aventura? ¿Le enseñarías el camino de vuelta a casa? Una fábula hermosa y emotiva del poeta Miguel Gane, quien, inspirándose en una historia real, construye una maravillosa oda al poder de la imaginación y a la naturaleza.
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Aunque más conocido como uno de los poetas más importantes del siglo XX, desde el comienzo de su carrera William Butler Yeats entendió que el valor de sus obras y su poesía era el mismo. En 1923, cuando aceptó el Premio Nobel de Literatura, Yeats sugirió que «quizás los comités ingleses nunca les hubieran enviado mi nombre si no hubiera escrito obras de teatro... si mi poesía lírica no hubiera tenido la calidad del habla practicada en el escenario». De hecho, el gran logro de Yeats en poesía no debería oscurecer sus impresionantes e innovadores logros como dramaturgo. Este libro reúne las obras en el orden final en el que Yeats planeó que se publicaran y permite a los lectores ver claramente, por primera vez, las formas en que evolucionaron las muy diferentes formas dramáticas de Yeats a lo largo de su vida, y apreciar completamente la importancia del teatro en la obra de este gran poeta moderno.
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Edith Södergran pasó casi toda su vida en un pueblecito llamado Ráivola —residencia de verano de la intelligentsia de San Petersburgo— situado en la frontera con Finlandia. Allí se perdió en ensoñaciones de crepúsculos violeta, flores de otoño y jardines melancólicos, mientras se consagraba a la mudez, al vacío y a un dios íntimo:«Seré durante mi vida entera una mujer silenciosa».También allí enfermó de tuberculosis y compuso poemas intimistas y románticos, de fuertes reflejos simbolistas y nietzscheanos, que después de su muerte pasarían a ser leídos con el oculto fervor que Borges reservaba a la lectura de los clásicos.
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Llorar, aprender y luchar. Ese es el ciclo. Eso es lo que necesita una persona para poder crecer. Llorary desahogar todo aquello que tanto ha dolido, los errores que se cometieron y olvidar el recuerdo de la gente que más daño ha causado. Aprender del dolor y lapérdida, encontrar luces dentro de tantas sombras y entender que la vida hace tiempo que dejó de ser un juego. Luchar por ti misma, luchar por los tuyos. Luchar por lo justo, por la igualdad, por el respeto. Luchar para poder vivir en paz.
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'Zinaída Hippius. Poemas elegidos'' ofrece una selección de poemas de la poeta Zinaída Hippius, acompañados de fotografías, de sus poemas y cartas manuscritas,traducidos por Jorge Ferrer y Ernesto Hernández Busto, y con un prólogo de Marta Rebón. Este es el cuartotítulo de Mitades de una gota, una colección de poesía que nace con la vocación de rescatar voces poéticas femeninas del pasado que siguen vigentes, tanto porel contenido de sus versos como por los ideales y valores a los que fueron fieles a lo largo de sus vidas.
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Vive la magia de tu vida con un arcano cada día.El poemario que tienes en tus manos está lleno de regalos. Descubrirás cómo viven y sienten las personas de tu ambiente. Cada arcano del tarot presagia un tipo distinto de magia. Comprenderás mejor a tus amigos, compañeros y familiares si lees y escuchas con atención estos 22 poemas singulares. Atrévete a conectar con la emoción de cada canción. Baila, ríe, llora, canta, juega y comparte la diversión.VALORES IMPLÍCITOS: La lectura de cada uno de estos poemas nos trasmite importantes valores como la empatía, la sinceridad, el merecimiento, la justicia, la gratitud y la humildad, todos ellos necesarios para lograr tener una vida feliz y plena.
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Los veintiún poemas del ciclo Cristal de aliento de Paul Celan fueron publicados en 1965 acompañados de ocho grabados de Gisèle Celan-Lestrange. Fue ese mismootoño que la pareja decidió separarse, al menos temporalmente. Lo cierto es que en estos poemas Celan reafirma su preferencia por una pareja que nunca le fallará: su alter ego, al que llama Tú. El presente librorecoge los comentarios que el filólogo francés Jean Bollack escribió sobre la obra de Celan. Una vez más,Bollack despliega aquí su hallazgo. El poeta se ha escindido en dos instancias: el yo, o sujeto histórico,y el tú, o sujeto lírico. El lector se encuentra a menudo ante el diálogo irónico que entablan estos dospronombres esenciales. Por su parte, Arnau Pons complementa el desciframiento al cuestionar a su vez las interpretaciones supuestamente críticas que han surgido en el ámbito universitario y aporta asimismo su punto de vista no sólo como teórico y como traductor deCelan, sino también como creador.
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La ausencia de aventuras fantasmales en mis vigilias pudo haberme llevado a la fácil e irracional actitud de negar su existencia. Por lo que sé, existen fantasmas que no reconocen la existencia de los seres humanos, posiblemente por la misma razón, porque nunca han visto a un individuo de nuestra especie. Puede darse el raro caso de fantasmas que acepten la existencia de los seres humanos y que no se les manifiesten simplemente por temor. Se puede recontar la historia de los fantasmas según las religiones imperantes, según las costumbres de cada época, según los filósofos. Se puede mencionar la manera como los científicos han tratado a los fantasmas (tal vez sin tomar en cuenta que ya había muchos fantasmas antes de que existiera el primer científico), y uno llega al punto de que, habiendo estado los fantasmas presentes desde siempre en la tradición oral de todos los pueblos y habiendo surtido esas narraciones a los más grandes clásicos, el más apropiado territorio de los fantasmas es la literatura. Para empezar, allí nadie les va a preguntar si, de verdad, existen, ni nada por estilo. Y lo que hace la literatura es darles un papel, conferirles continuidad para hacer emocionantes las historias. En compensación a su potencial literario, los fantasmas están, desde sus orígenes, en las obras más esenciales de la literatura. La lista es tan apabullante (Homero, Virgilio, Ovidio, Dante, Chaucer, Gio-vanni Boccaccio, Cervantes, Shakespeare, Dickens, Rulfo, García Márquez) que mejor sería jugar a encontrar un gran autor que no haya tropezado con fantasmas. El tema siempre estuvo ahí. Darío Jaramillo Agudelo nació en Santa Rosa de Osos (Antioquia, Colombia) en 1947. Ha publicado nueve libros de poesía: Historias (1974), Tratado de retórica (Premio Nacional de Poesía, 1978), Poemas de amor (1986, 2013), Del ojo a la lengua (ilustraciones para diez grabados de Juan Antonio Roda, 1995), Cantar por cantar (Pre-Textos, 2001), Gatos (Pre-Textos, 2005), Cuadernos de música (Pre-Textos, 2008), Sólo el azar (Pre-Textos, 2011) y El cuerpo y otra cosa (2016). De su poesía se han hecho tres reediciones completas: 77 poemas (Universidad Nacional, 1987), 127 poemas (Universidad de An-tioquia, 2000) y Libros de poemas (Fondo de Cultura Económica, 2003), y varias selecciones parciales entre las que se cuentan Antología poética (1991), Cuánto silencio debajo de esta luna (1992), Razones del ausente (1998), Aunque es de noche (Pre-Textos, 2000), Del amor, del olvido (Pre-Textos, 2009) y Basta cerrar los ojos (Era, 2015). También ha publicado el libro en prosa Guía para viajeros (1991), un texto autobiográfico, Historia de una pasión (Pre-Textos, 2006), el ensayo Poesía en la canción popular latinoamericana (Pre-Textos, 2008) y un Diccionadario (Pre-Textos, 2014), además, las novelas La muerte de Alec (1983, Pre-Textos, 2013), Cartas cruzadas (1993), Memorias de un hombre feliz (2000, Pre-Textos, 2010), El juego del alfiler (Pre-Textos, 2002), Novela con fantasma (Pre-Textos, 2004), La voz interior (Pre-Textos, 2006) e Historia de Simona (Pre-Textos, 2011).
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Versos en combustión está compuesto por 84 poemas que nos dejan entrever que como seres humanos bailamos entreluces y sombras, entre lo positivo y lo negativo, entre el miedo y el amor. Nos muestra que entre la luz y la sombrasiempre hay un gris neutro y un hueco para sembrar el color. Que la luz que nos ilumina también nos calcina, quelas sombras amedrentan pero también nos cobijan. Y que mientras nos enfocamos en ello el tiempo sigue pasando,sin parar, quemando la vida y secando las caducas hojas del calendario.Versos en combustión nace entre los pálpitos del corazón y los retorcijones de las entrañas. Entre la acción, el sentimientoy el pensamiento que habitan en nuestro interior. Entre el hueso, la carne y la piel. Versos en combustión,84 poemas que queman la vida.
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Friedrich Schiller comenzó a escribir ''Los bandidos'' cuando apenas tenía diecisiete años y era alumno de la Academia Superior Militar. Esta institución, máxima expresión de un absolutismo ilustrado en su versión más represiva, acogía en su seno a los jóvenes más capacitados del reino, rigurosamente seleccionados para ser formados en carreras técnicas y administrativas, con el fin de crear una reserva de talentos destinados a trabajar en los más altos puestos del estado. Los incidentes que se produjeron durante el estreno de la obra y la insostenible situación que le creo al autor llevaron a Schiller a dar el amargo paso del autoexilio y abocaron, sin embargo, a ''Los bandidos'' a una carrera teatral imparable. ''Los bandidos'' se inscribe en las tendencias dramatúrgicas de la Ilustración y del ''Sturm und Drang'', con un lenguaje provocativo y en ocasiones soez. Pero también tiene muchos rasgos extemporáneos que están en claro contraste con esas dos tendencias: la falta de naturalidad y espontaneidad, el patetismo que a veces roza el ridículo, rasgos escénicos regresivos que combinados con las más radicales manifestaciones fundamentan y configuran el rango extraordinario de esta historia de dos hermanos enemigos y antagónicos, unidos, sin embargo, por el enfrentamiento con el padre.
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La quinta entrega de la obra poética de Jacobo Cortines fue adelantada en parte en la recopilación Pasión y paisaje (1974-2016), publicada también por Vandalia, pero desde entonces ellibro ha ido creciendo hasta tomar las dimensiones de esta edición definitiva. A los poemas entonces conocidos, como el impresionante ''Europa'', se suman ahora nuevas estampasdela sección ''De vita beata'', laelegķa al maestroAlberto Zedda –,que encuentra su lugar en ''Afinidades'', junto a los homenajes aManuel Castilloy Carmen Laffón–,, el conmovedor trķptico ''Pasos deamor'' –,dedicado a quien fuera la esposa delpoeta, Cecilia Romero de Solķs–,, el largo poema''Extrańo regreso'' –,escrito durante el confinamiento de la pasada primavera, en el queCortines prosigue la lķnea de otras composiciones mayores como''Carta de junio'' y ''Nombre entre nombres''–, o la ''Coda'' que cierra el volumen, donde se reśnen poemas marcados por una melancolķa que resulta de la edad y la suma de ausencias. Libro de absoluta madurez, Dķas y trabajoses la obra de un poetaesencial que maneja con igualmaestrķa la breve anotaciónlķrica y el poema extenso. Un poeta de fondo humanista e intención moral cuyavoz, perfectamente modulada,se caracteriza por el tono meditativo,la dicciónelegante y las resonancias clįsicas, que parten de los recursos de la tradición para enfrentarla verdad personal y los claroscuros dela edad contemporįnea.
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El nuevo libro del fenómeno de la poesía en España: Manu Erena, el autor de Consecuencias de decir te quiero y Nos quedarán más atardeceres. Este libro está dedicado a aquellas personas que temen, aman y luchan día a día. A aquellos que siguen adelante a pesar del dolor. «Después de perderlo todoy de obligarnos a curarnuestras heridas más profundas,sanaremos cuando seamos capacesde hablar sobre todo lo que nos duele.Yo fui mi propio miedo hasta que me di cuentade que no quería un final así para mi historia,hasta que pude cambiarlo contigo.Porque, aunque vuelvas a tener miedo,el amor también es capaz de salvarnos,y decir adiós es otra forma de querer.» Tras el éxito arrollador de Consecuencias de decir te quiero y Nos quedarán más atardeceres y haber sido el autor de poesía más vendido antes de cumplir los dieciséis años, Manu Erena se consolida como la voz poética de toda una generación. Con la belleza y la sensibilidad que ha conquistado a sus miles de lectores, en este libro nos habla de todo lo que solemos callar, de los temores -esos que llegan en la adolescencia y no nos abandonan nunca- y de lo importante que es contar en la vida con personas que nos ayudan a plantar cara al miedo y son refugio para seguir adelante. La crítica ha dicho:«Sincera, sutil y desgarradora. La poesía de Manu Erena te hará sentir desde la primera página».Inma Rubiales «La pureza de las palabras de Manu Erena enamorarán tus recuerdos».Defreds «Manu Erena es la sorpresa editorial del año.»Zenda «Manu Erena, el poeta de 16 años que pulveriza las listas de ventas.»The Objective «Los versos de Manu Erena se han ganado el corazón de los lectores.»Woman
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Ahora más que nunca la reflexión sobre el arte se percibe inminente, y lo es porque el sentido mismo se ha evaporado, ha perdido suantigua pertinencia. «Hacer por hacer-nos dice Chantal Maillard- no produce más que insatisfacción.» La gran desventura de
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En sus poemas, como nos tiene acostumbrados, IreneX enseña un universo tan salvaje como íntimo, su mirada, que no claudica ante la vorágine de la realidad,cuenta sus secretos y sus miedos, sus pasiones y pensamientos feroces que no dejan de cautivarnos.«No puedo escribir como Calderón de la Barca porque cuando entro en mi casa o salgo a la calle, cuando vivo, no veo lo mismo que él vio. Escribo puliendoel vocabulario e intentando quejarme desde la belleza».
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Ana Cerezuela conecta en su poesía con ese hilo histórico de la literatura donde lo privado y lo público se unen para hacer, desde lo propio, un espacio comúnen el cual se habite (à). No me parece casual el título del libro ùmás apropiado, imposibleù ni la voz construida en los poemas. Fuerza, hondura, elaboración con claridad, superando la dicotomía del verso y la prosa, donde se juntan o entremezclan.Jorge Villalobos
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Memoria y haiku se ha compuesto con el propósito de respetar la naturaleza de estos poemas y de preservar el sentido de la composición requerido por cualquier libro mediante el diálogo establecido entre los haikus y las imágenes de Pep Carrió, una serie de ilustraciones con la forma simplificada de la cabeza, convertida en un microcosmos por las imágenes que aloja y la rodean. Los haikus seleccionados son de épocas distintas y, en cierto modo, constituyen una muestra alterada de la evolución de estas composiciones. Sin embargo, en este libro no se han ordenado cronológicamente, para así eludir precisamente los rasgos historicistas o biografistas de otras antologías.
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'La verdad ignorada: homoerotismo masculino y literatura en España (1890-1936)'' aborda el tema del deseo entre hombres, a través del análisis filológico de los textos de varios autores, de los diversos modos expresivos asumidos por ellos para ''desvelar'' la pulsión homoerótica masculina: Jacinto Benavente, pionero en la asimilación del credo ''decadente'' para explorar la querencia erótica entre iguales, la versión más frívola del homoerotismo representada en las novelas de Hoyos y Vinent, Retana y Hernández Catá, dos pilares fundamentales de esta literatura, Federico García Lorca y Luis Cernuda, y dos formas muy distintas de desnudarse ante el espejo de la palabra, la muy explícita (y desconocida) poesía de quien fuera amigo personal de Lorca: Eduardo Blanco-Amor. Se incluye, además, el análisis y la edición crítica de ''Sortilegio'', pieza teatral firmada por los Martínez Sierra (Gregorio Martínez Sierra y María de la O Lejárraga) inédita hasta la fecha.
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Charles Simic es el poeta de mayor autenticidad en nuestro tiempo. Su voz única le ha hecho merecedor del Premio Pulitzer y de una larga lista de reconocimientos entre los que se encuentra el haber sido elegido Poeta Laureado del Congreso de los Estados Unidos. El señor de las máscaras es uno de los libros fundamentales de su bibliografía. ''La imaginación de Charles Simic es prodigiosa: un mundo onírico que se funde con la realidad más cruel y con las esperanzas más nobles''. Nieves García Prados
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Julio Neira, Rosa Romojaro y Francisco Morales Lomas, en sus respectivos trabajos, llevan a cabo un estudio iluminador de la obra de Rafael Ballesteros. JulioNeira se ocupa de la genuina transgresión lingüística que Ballesteros practica en su obra y de las implicaciones políticas, éticas incluso, y, sobre todo, artísticas, que dicha tenaz transgresión conlleva. RosaRomojaro hace un repaso general a su producción poética señalando los temas y las obsesiones creativas queBallesteros aborda en ella. Por último, Francisco Morales Lomas realiza un exhaustivo análisis de toda suproducción narrativa, destacando los valores éticosque rigen en ella y la personal visión humanística del mundo que nos propone.
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Hallamos en este libro los temas que pulsan la escritura de Marco Antonio Campos: las figuras del poeta logrado o frustrado, la pintura de los maestros renacentistas, la infancia, la música, la memorabilia familiar. Sustratos que se prolongan de su libro anterior, El señor Mozart y un tren de brevedades (2004, 2018), igualmente integrado por ficciones breves donde las palabras se rigen por una economía léxica del equilibrio, es decir, por la palabra justa y exacta que ilumina el hecho que vislumbra. Asimismo el humor y la ironía campean por estas ficciones que se quieren sucintas, aunque colindan con otras narrativas apegadas al cuento canónico. Sus personajes infantiles viven en su inocencia, las antiguas colegialas despiertan en el recuerdo placeres confesables, las mujeres las presenta en las ondulaciones de su madurez, inteligentes y bellas, plenas de maldad algunas. En este volumen también la protesta social importa, así como la violencia que hampones y otros canallas imponen a una sociedad adormecida.
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Una elegía que explora la obsesión literaria del amor, la memoria, la muerte y la degradación del cuerpo que resiste.Entre el poemario y la novela, entre la prosa y el verso, entre la biografía, la carta, la elegía y la ficción, Raíz dulce juega a situarse siempre sobre una frontera inesperada. Estructurado en torno a una larga historia de amistad truncada por la muerte, este libro recorre dieciséis años de vida y experiencias compartidas, pero también de distancia, soledad y miedo, como si fuera trazando una sinuosa línea de recuerdos sobre la que el lector, arrastrado por la corriente del lenguaje poético, va penetrando en el amor ajeno y la memoria personal. Así, Juan F. Rivero continúa explorando algunas de sus obsesiones literarias: la memoria, el amor, la muerte y la degradación del cuerpo que resiste.
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Una carta salva la distancia entre dos cuerpos separados. En esa mediación se da el contacto, y esos dos puntos aislados se abren el uno al otro, se permean hasta desdibujarse y generar una nueva forma de relación con el espacio y la palabra. Todas las cosas que se van investiga el lenguaje de la pérdida y la forma en que el cuerpo se coloca frente a la despedida. La forma de la carta sirve para reconocer la dimensión porosa de los cuerpos, cuyo adentro y afuera se confunden en el gesto de escribirle a otro. Con un tono contenido pero certero, Laura Villar atraviesa los límites que señalan un cuerpo como propio, reconociendo en su escritura que el cuerpo es todo aquello que le pasa y lo que en él hace mella. Las cosas al pasar dejan su surco.
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¿El sexo cura del amor? Eso es lo que se pregunta unode los dos protagonistas de esta obra de teatro, quevive enamorado en secreto de su mejor amigo desde hace años y busca un método radical para terminar con esa obsesión que le devora por dentro. Después de varios años de separación, Germán y Daniel se reencuentran en la casa del primero. Germán tiene algo que contarle, o que proponerle. Pero antes de eso recurren a la memoria de sus años dorados y comparten algunos delos mejores recuerdos que tienen juntos. Cuando al final de todas las medias palabras llega el momento dehablar, se desarrollará una lucha dialéctica entre los dos en la que no faltan las revelaciones escondidasdel pasado, el chantaje sentimental y las deudas pendientes. ¿Conseguirá Germán sus objetivos? ¿Quedará curado su amor después de ese día? El volumen se completa con un epílogo en el que el autor, usando sus propios recuerdos biográficos, contextualiza a los personajes e indaga con ironía sobre algunos clichés sexuales que nos caen en la cabeza y de los que nos cuestadesprendernos. ¿Cuándo hablamos de amor y cuándo hablamos únicamente de sexo?
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82 sonetos, con un total de 1150 versos y 397 rimas diferentes con todas las posibilidades habidas y por haber para distribuir los tercetos y la acentuación.Suenan en este libro todas las músicas que el soneto, con su estructura italiana trasladada a nuestro aire castellano, nos puede entregar, distribuyendo el conjunto en varias partes que denomina invocaciones y que se corresponden con los temas más habituales de la poesía, desde la amada a la muerte, pasando por los cuatro elementos y otros asuntos de la más pura tradición poética.Es decir todo un ejercicio, no sólo de inspiración, sino de trabajo intenso, sabio y concienzudo.En fin, querido lector, que te deseo una agradable y cómplice lectura de este libro la complicidad en poesía es imprescindible, y te invito a pasar por sus páginas siguiendo los pasos de su autor que una vez afirmó: «La literatura se funda en la realidad no solo para reproducirla, sino también para recrearla y transcenderla, y la realidad utiliza la literatura para ponerse sus prendas (las que tiene o las que sueña) y mirarse en un espejo real o imaginario».- ENRIQUE GRACIA TRINIDAD
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De la poesía de Jenaro Talens nacen cinco vertientes que se explican unas a otras, que se intercomunican y que le construyen como poeta: la propia poesía, la escritura, la teoría literaria, la traducción y laiconografía o los lenguajes iconográficos. Talens seha referido en múltiples ocasiones al hecho de que setrata de una poesía que habla desde mí y no de mí, y este planteamiento, teórico y poético,remite tanto a la relación con lo real como a la formulación de la identidad.
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Los versos de Aurora Luque-«la más griega de nuestras escritoras modernas» a ojos de Jaime Siles-parten de una afinidad con la tradición clásica que le permite a un tiempo poetizar las inquietudes de nuestro tiempo con extraordinaria sensibilidad y hermanarnos con la humanidad entera. Desde los poemas tempranos de Hiperiónida (1 9 8 1 ) hasta los celebrados versos de Un número finito de veranos (2021)-Premio Nacional de Poesía 2022-, el canto a la cultura y la vida del Mediterráneo, el hedonismo como réplica a la finitud, la exaltación de los sentidos y el cultivo del espíritu son algunas de las calas donde fondea la «poética solar» que celebra la vida, frágil pero pletórica, y sus ambivalentes ofrendas-la belleza, la amistad, el deseo-, así como la insobornable autonomía de la poesía. Cual «camarada de Ícaro», la poeta ha surcado durante veinte años los cielos en busca de «ese esplendor de la experiencia» que nos permite sabernos vivos, y su poesía reunida en esta edición a cargo de Josefa Álvarez ofrece al lector un viaje extraordinariamente audaz y exuberante.
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El tiempo que nos hizo nos deshace se integra en la colección Poesía Portátil como una selección de los versos más representativos de Octavio Paz.Premio Nobel mexicano Poesía Portátil acoge, esta vez, la voz de uno de los pensadores más importantes del siglo XX: Octavio Paz. Crítico literario, intelectual y filósofo, pero, ante todo, uno de los poetas hispanoamericanos más destacados de todos los tiempos. La reflexión poética de Paz se extiende a toda su creación y sus versos son una parte fundamental de su legado. Esta selección, a cargo del escritor Jordi Soler, nos permite explorar el mundo lírico del autor de El laberinto de la soledad. «mi corazón a obscuras es un puño que golpea -no un muro ni un espejo: a sí mismo, monótono...»
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Toda la poesía de uno de los más grande escritores latinoamericanos de la actualidad, Premio Nacional de Poesía «Los lectores hallarán aquí una obra de gran complejidad y hondura, con una enorme belleza verbal, y con verdaderas revelaciones sobre lo que somos. [...] Su lectura nos depara una emoción tras otra, un descubrimiento tras otro.» Héctor Abad Faciolince Incluye poemas inéditos Este volumen imprescindible reúne toda la poesía de William Ospina, uno de los más grandes escritores latinoamericanos de hoy, ampliamente traducido y ganador del Premio Nacional de Poesía del Instituto Colombiano de Cultura, desde sus poemas tempranos hasta los libros Hilo de arena, La luna del dragón, El país del viento, ¿Con quién habla Virginia caminando hacia el agua? y África, además de los poemarios inéditos Más allá de la aurora y del Ganges y Sanzetti. Como dice Luis Jorge Boone, «Ospina es cercano a Borges por más de una razón de fondo y otra de forma. Igual que el argentino, el colombiano mezcla con fortuna los géneros, poematiza historias, narra poemas y versifica ensayos, en textos construidos a base de cuidadosas combinaciones métricas, así como de una enunciación pulcra y elegante. [...] Y una minucia: ambos autores prologan fugazmente sus libros, en un gesto que enmarca la conversación que será la lectura». «Los lectores hallarán aquí una obra de gran complejidad y hondura, con una enorme belleza verbal, y con verdaderas revelaciones sobre lo que somos. [...] Ospina es capaz de conjugar todas estas voces en una música total que nunca es disonante. Por eso su lectura nos depara una emoción tras otra, un descubrimiento tras otro.»Héctor Abad Faciolince Reseñas:«Yo no me imagino de otra manera a William que como poeta, por más que otros libros suyos hayan conquistado un mayor éxito de crítica, el favor del público y hasta los elogios con reservas de alguna que otra gran figura. El poeta en su sentido más radical es lo que campea en todas las páginas que Ospina ha escrito.»José María Espinasa «La serena poesía conceptual de William Ospina es un desesperado combate por salvar las cosas más queridas del caos, de la irrealidad, y de ese río que todo lo erosiona, el tiempo.»Humberto Marín «Hondo el poema, honda la voz, hondas las presencias y ausencias del poeta. El lector de estos versos encontrará de principio a fin la composición de una sinfonía con toda la musicalidad, expresada en sus ritmos y melodías. Preciso en las formas y métricas, desde el soneto, los septetos, octosílabos, heptasílabos, endecasílabos, hasta el alejandrino.»Yirama Castaño, Arcadia «[Ospina] tiene una sensibilidad afinada que ha educado a lo largo de su existencia, con la curiosidad insaciable de los arqueólogos o los cazadores de tesoros recónditos en el abismo del océano. [...] El poeta nos embruja con su música intemporal, nos revela su alfabeto prodigioso para encontrar milagros en las piedras y en los bosques, y en el esquivo corazón de los hombres.»El Nuevo Día «Ospina es cercano a Borges por más de una razón de fondo y otra de forma. Igual que el argentino, el colombiano mezcla con fortuna los géneros, poematiza historias, narra poemas y versifica ensayos, en textos construidos a base de cuidadosas combinaciones métricas, así como de una enunciación pulcra y elegante. [...] Sobre sus textos también se ciernen inmutables presencias metafísicas (el tiempo, la memoria, la muerte) que encarnan en la materia.»Luis Jorge Boone, Letras Libres «Los lectores hallarán aquí una obra de gran complejidad y hondura, con una enorme belleza verbal, y con verdaderas revelaciones sobre lo que somos. [...] Ospina es capaz de conjugar todas estas voces en una música total que nunca es disonante. Por eso su lectura nos depara una emoción tras otra, un descubrimiento tras otro.»Héctor Abad Faciolince
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Desde la piel del verbo van trazando un mundo de experiencias en las que se van deteniendo, cada una a suvoluntad, en diversos momentos, o a veces en un instante, de lo que es y significa ser madre. Las palabrasse van entretejiendo para hablar del tiempo del embarazo, del momento mismo de la concepción, de los añosde crianza entre pañales, de miradas de futuro que se cuajan al observar a aquel ser que ha nacido de susmismas entrañas. Y también el paso del tiempo, ese que ha ajado la mirada, y también el cuerpo, de aquella madre que ahora ve en su herencia carnal un espejoen el que también mirarse.
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Obra ganadora del Premio Nacional de Poesía''Si alguien me preguntara cómo definiría yo la personalidad de Aurora Luque, diría que como la más griega de todas nuestras escritoras modernas. Y si alguien me pidiera que describiera su escritura, haría uso de una sola palabra: poikilía, el término griego equivalente al que los tratadistas del Siglo de Oro denominaron mixtura, esto es, la combinación de géneros, subgéneros y paragéneros más variados. Esa riqueza y variedad helenística con que Aurora Luque enriquece sus textos, contribuyendo así a la exactitud y belleza de los mismos, esa constante traducción de tiempos y espacios que ella hace, esa articulación del poema en una forma culta y clara a la vez, todo eso, en fin, que constituye su creación, su estilo y su manera de mirar y comprender el mundo es tan antiguo y moderno como nosotros mismos.'' (Del prólogo de Jaime Siles).
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Durante nueve meses, Federico García Lorca vivió en Nueva York, alejado por primera vez de su país, de sus padres y amigos más íntimos. A lo largo de ese período, su poesía cambió radicalmente, oscureciéndose y dejando a un lado el folclorismo andaluz que
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Llegado a la mediana edad, el personaje que hablaen estos poemas ensaya una suerte de recapitulación indirecta, un balance no deliberado de su juventud. Untanto inconsciente de sí mismo, el protagonista deambula por un mundo fatigado, por un tiempo espiritualmente pobre, y de ese movimiento introvertido nace unameditación en la que se solapan tiempos y espacios,incluido el futuro remoto, inconcebible, insinuado enel título. Con buen humor y desenfado, a la busca decierta trascendencia sin solemnidad, pretendiendo hablar de lo sublime que nos ocurre pero interpretándolo sin afectación, los poemas de Diez mil cien despliegan una melancolía sin nostalgia, una memoria sin rencor, un “canto a mí mismo” en el que elyo individual quiere importar muy poco. Con una épica modesta, callejera y como de segunda mano, con cultura secreta, con una ironía natural que no es hiriente pero que puede llegar a flirtear con la vulgaridadcalculada, en Diez mil cien la poesía de JuanMarqués toma impulso y da un salto cualitativo, un decidido paso adelante desde un registro más lacónico ycauteloso hacia el poema de largo aliento, más temerario queambicioso, levantando algo así como un diarioen verso.
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