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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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en el comiat la llum s’adormirà al jaç d’una fulla ens brollaran albons de la boca veurem la son lenta del nimbe del boscpell, ossos, sang nodriment dolç dels micelis esdevindran dels bacteris, la carn l’aigua on s’abeuren les hifes dels fongs la terra s’ocuparà d’esborrar-nos i tot el que quedi en nosaltres d’homes, de misteri esdevindrà flor seca en un llibre en blanc
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Les obres que es recullen en aquest volum són les més significatives d?Àngel Guimerà i van ser escrites en el període de màxima plenitud creativa de l?autor. Mar i cel (1888) que va obtenir a la seva època un èxit sense precedents, aconsegueix una gran tensió dramàtica que desemboca en un final tràgic i espectacular, Terra baixa (1897) és la peça més coneguda de Guimerà, i encarna les virtuts de l?home que ha viscut enmig de la natura i que s?enfronta a una societat hostil, i La filla del mar (1900) és un drama realista que, a través d?una prosa col·loquial, l?autor sotmet les passions humanes a una anàlisi minuciosa.¿A quién va dirigido el libro Teatre: Terra Baixa · Mar i Cel · La filla del mar?TEATRE: TERRA BAIXA · MAR I CEL · LA FIL se dirige a un público amplio interesado en el teatro clásico catalán y la obra de Àngel Guimerà. Es especialmente relevante para estudiantes de literatura catalana, investigadores interesados en el realismo en el teatro, y aficionados al teatro que deseen explorar obras clásicas con un trasfondo social y psicológico profundo. La obra, por su complejidad temática y lingüística, puede ser más accesible para lectores con un conocimiento previo de la literatura catalana y del contexto histórico en el que se escribió. Sin embargo, la fuerza de la historia y la universalidad de los temas tratados hacen que sea una lectura enriquecedora para cualquier persona interesada en el drama y la exploración de las relaciones humanas.Temas que trata el libro Teatre: Terra Baixa · Mar i Cel · La filla del marEsta edición recoge tres obras teatrales de Àngel Guimerà, ofreciendo una visión panorámica de su estilo y evolución creativa. Los temas que se abordan en las tres obras son diversos y se entrelazan, aunque cada una tiene sus propias particularidades:Terra Baixa: Esta obra explora la lucha de clases en un contexto rural, mostrando la opresión del trabajador frente al poder del terrateniente. Se centra en las relaciones de poder, la ambición, el amor y la justicia social, presentando un conflicto entre el mundo rural y el urbano. La obra también presenta una fuerte carga simbólica, con la dicotomía "Tierra Alta/Tierra Baja" representando diferentes realidades sociales y morales. El conflicto se centra en la relación entre Manelic, un trabajador, y Marta, la esposa de su amo, Sebastià.Mar i Cel: Esta obra, de una etapa anterior en la producción de Guimerà, presenta un drama romántico con elementos trágicos. Se centra en las pasiones amorosas, los conflictos familiares y las consecuencias de las decisiones personales. Aunque no se centra explícitamente en la lucha de clases, refleja las tensiones sociales de la época a través de las relaciones entre los personajes y sus circunstancias.La Fil: Aunque se conoce menos información específica sobre esta obra en las fuentes disponibles, se puede inferir que, al formar parte de esta colección junto a Terra Baixa y Mar i Cel, comparte con ellas un interés en explorar las relaciones humanas, las pasiones y los conflictos sociales, aunque con un enfoque y estilo propios.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Teatre: Terra Baixa · Mar i Cel · La filla del marAún no hay opiniones o críticas sobre TEATRE: TERRA BAIXA · MAR I CEL · LA FIL disponibles en las fuentes consultadas.
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El cuarto libro de Blon revisa los cuentos tradicionales y con ojos modernos a través de poemas incisivos que los conectan con la actualidad. «Recuerdo un mundo dorado de peonzas y carruseles,de la leche con galletas, magdalenas y pasteles,vestidos de superhéroes pintábamos nuestras pieles,panderetas y flautines, pianos y cascabeles». Érase una vez un mundo en el que los cuentos que nos contaron de pequeños se han hecho realidad en nuestra vida adulta. Eso sucede en la mente de Blon, que ha traído al presente 30 historias clásicas infantiles y las ha versionado en formato poema reescribiéndolas y conectándolas con temas actuales. «Pero aquel mundo dorado de columpios y silbatosse convirtió en un oasis de corbatas y contratos,de salarios y facturas, de cheques y sindicatos,ladrones, malabaristas, vampiros y patronatos».
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Reiniel Pérez Ventura (Santa Clara, Cuba, 1999) es poeta y estudiante de Lengua Inglesa y Francesa en la Universidad Central «Marta Abreu» de las Villas. En 2022, su obra Elegías del inocente y el maldito recibió el Premio Extraordinario de Poesía Centenario de Carilda Oliver Labra. Las sílabas y el cuerpo, ganador del XXXV Premio Loewe, es su primer libro publicado. «Dos grandes obsesiones mueven estas páginas: la escritura y el erotismo. A Reiniel Pérez Ventura la palabra y la mujer lo inspiran por igual, con él las sílabas y el cuerpo se vuelven lo mismo. El poeta se encuentra ante una doble seducción, pero ha renunciado a lo meramente anecdótico, a los lugares comunes del arte de amar contemporáneo, el poeta se sumerge en el desentrañamiento de la naturaleza propia del amor como de la poesía y su encarnación en el idioma. Todo ello gracias a un tono laudatorio, de alabanza perenne, de oda transida por lo filosófico, aunque es la sola inocencia del cantor frente a la amada lo que nos deja ver la belleza y la verdad». Sergio García Zamora
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Los tres poemarios de la célebre rupi kaur, la joven autora más relevante de toda una generación, presentados en un sofisticado estuche.Con más de ocho millones de ejemplares vendidos y autora de los poemarios más leídos del mundo en los últimos cinco años, rupi kaur, ha sido consagrada definitivamente como «una sensación mundial» (Rolling Stone) y se ha convertido en «la voz de su generación» (USA Today). Este estuche presenta sus tres obras, en los que trata temas como el feminismo, el trauma, la pérdida o el amor y desgrana sus experiencias más personales, desde su batalla con la depresión al modo de encarar el éxito o la presión a la que se ha visto sometida en su carrera. Capaz de traducir en palabras sensaciones y sentimientos complejos, exhibe una notable sensibilidad para abordar los males de nuestro tiempo como la autoexigencia, las enfermedades mentales o las relaciones tóxicas.
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Danez Smith (St. Paul, Minnesota, Estats Units) és uni poeta afroamericani, de gènere no-binari, que viu amb el VIH. Entre la seva obra poètica destaquen [insert] Boy (2014), No digueu que som morts (2017, Premi Forward), Homie (2020) i Bluff (2024). Ha publicat en revistes prestigioses com Poetry Magazine, Beloit Poetry Journal, Ploughshares, BuzzFeed i Blavity. Forma part de l’equip editorial de The Offing i és un dels membres fundadors dels col·lectius Dark Noise i Sad Boy Supper Club. Viu al Midwest nord- americà, quan no és de gira pel món. Toni R. Juncosa es va doctorar amb una tesi sobre la poesia de Danez Smith. El 2023 va traduir els poemes amb què Smith va participar en el Festival Internacional de Poesia de Barcelona, i ara ens ofereix la traducció completa de Don’t Call Us Dead.Danez Smith és una força innovadora, celebrada arreu, que poetitza temes urgents amb un gran poder performatiu. No digueu que som morts comença amb una seqüència esgarrifosa que imagina una vida després de la mort per a homes negres disparats per la policia, un lloc on la sospita, la violència i el dolor s’obliden i se substitueixen per la seguretat, l’amor i la longevitat que es mereixien aquí a la terra. Smith es referma en el poder del desig, i la consciència de la mortalitat, els perills experimentats a la pell, el cos i la sang d’un diagnòstic de VIH positiu. Aquest volum és una col·lecció sorprenent i ambiciosa, que confronta, lloa i renya Amèrica, un país que s’encamina cap a funerals massa sovint i oblida la possibilitat de miracles.
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Durante mucho tiempo, introducirse en la lectura de los Sonetos del amor oscuro suponía adentrarse en terreno vedado. Estos bellos poemas han estado rodeados de silencio. Lorca no los publicó en vida, y debido a los acontecimientos políticos posteriores
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José Zorrilla es uno de los poetas y dramaturgos más importantes del Romanticismo. Logró conmover al pueblo con sus versos, sonoros, ágiles y amenos. Para deleitarte con la lectura del Don Juan Tenorio, es bueno que te adentres en su época, en la apasionante vida de su autor, y que conozcas sus rasgos literarios más relevantes. El libro no sólo te descubriráuno de los más famosos dramas románticos, también tedará a conocer a la más popular figuración del mito universal del burlador, cínico y mujeriego Don Juan.
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Un llibre, una veu: una combinació màgica. Una reivindicació de la lectura compartida com a estratègia de millora individual, familiar i social.En una era dominada per internet, les noves tecnologies i la immediatesa, la periodista nord-americana especialitzada en literatura infantil Meghan Cox Gurdon ens demostra que la lectura compartida és un recurs extraordinari a l'hora de millorar les capacitats intel·lectuals i afectives d'infants i d'adults, així com una manera de refermar els vincles familiars i socials.Basant-se en estudis científics de psicologia i neurociència, i en vivències i experiències reals en cases, en escoles, en hospitals..., l'autora analitza els beneficis de dedicar una estona al dia a la lectura en veu alta amb els fills, amb els alumnes o amb malalts a qui els sigui impossible llegir, i són tantes i tan evidents que a hores d'ara els neurocientífics consideren la lectura en veu alta un dels indicadors més importants en el grau de felicitat i benestar.En un llibre rigorós i planer, Meghan Cox Gurdon reivindica el fet de llegir en veu alta com una activitat reconstituent que ens ajuda a recuperar allò que la tecnologia ens pren. És un acte senzill, però amb unes repercussions complexes i meravelloses, en què no cal gairebé res: tan sols un llibre, un lloc tranquil i almenys dues persones disposades a gaudir del plaer que és compartir aquesta estona màgica.
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Hay personas que podrían ser ciudades porque convierten en hogar allá donde vayas. Son las razones los motivos y las excusas por las que recorrería cientos de kilómetros porque ellas serán siempre el mejor destino. Y el mejor destinatario.
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La vida de Blas de Otero (1916-1979) atraviesa los grandes acontecimientos del siglo pasado: en particular nuestra Guerra Civil. Pocos autores ha habido en la poesía española del siglo XX tan conscientes de su oficio. Pocos tan sometidos al sintagma lapidario de ''poeta social''.
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La danza de los muertos (1901), fiel reflejo de las obsesiones del autor (amor y matrimonio, vida-muerte, conflictos personales y padecimientos de conciencia). Las Obras de cámara: Tormenta, El solar quemado, La sonata de los fantasmas y El pelícano las escribió Strindberg en 1907 para el Teatro Íntimo, que fundó con el joven director A. Falck. Para él precisamente concibió estas audaces “obras de cámara” que desconcertaron a la crítica y al público, por tratarse de piezas en un solo acto, en las que quedan borrados los perfiles de sus dramatis personae.
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Gusta que cruja al morder, el primer poemario de Lorente García, una obra plasmada de lo que él bautiza como «poesía de percepciones», a causa de su espontaneidad para escribir. En este viaje el joven granaíno a través de sus poemas toca temas como la crítica social, el clasismo, el amor y el existencialismo alternando entre verso libre y métrica clásica con un lenguaje cuidado y directo, valiéndose en el proceso de un despliegue de recursos estilísticos que no dejarán indiferente a nadie en esta expedición a las catacumbas de los pensamientos del autor.
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Voz indispensable de la poesía moderna norteamericana, Marianne Moore fue clave en las renovaciones del siglo XX junto a Ezra Pound o Hilda Doolittle. Esta selección revela a una poeta libre e innovadora, donde su escritura mezcla inteligencia, humor y una mirada sobre el mundo natural y humano con un estilo único y reconocible.
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La obra es una recopilación de poemas escritos a lo largo de mi vida, una conexión directa con mi yo más íntimo y con los distintos estados emocionales que me han acompañado en el tiempo. Escribir me permite, de algún modo, observar los problemas desde otra perspectiva y encontrar en la palabra un espacio de reflexión y alivio. Los versos son profundamente personales y ponen en primer plano el amor a la familia, el dolor y el duelo por los seres queridos, el desamor y la ruptura de pareja. Los amigos también ocupan un lugar esencial dentro de esta obra. En la profundidad del alma se presenta como una forma de consuelo emocional, dirigida a todas aquellas personas que puedan sentirse identificadas con estas vivencias y emociones.
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XIX Premi Vicent Andrés Estellés de Poesia de Burjassot.Els qui travessen la mar canvien de cel, però no d’ànima. Canviar de cel parteix d’aquesta reflexió del poeta llatí Horaci: no serveix de res fugir quan portem el mal dins nostre. Dividit en dues grans seccions, «Ànims i Cels», amb unes «Cançons» que fan de pont entre una part i l’altra, aquest poemari ens presenta les dues cares de la mateixa moneda: la de l’ànima que viu amb angoixa i que no gosa moure’s, i la del subjecte que busca salvar-se a través de la fugida, del canvi constant.El poemari es clou amb alguns textos en prosa, fragments de dietari d’èpoques diverses on l’autor reflexiona sobre aquesta ànsia de la fuga, ja sigui a través dels viatges, de l’amor o de la mateixa literatura. Després d’haver guanyat el premi Vicent Andrés Estellés de Burjassot, el llibre es presenta en una nova versió revisada i ampliada.
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Ángel Antonio Herrera (1964) concreta y prorroga un recóndito linaje de poeta que cree en la magia salvaje del idioma, bajo la indagación del azar jubiloso, y, por tanto, del cerrado enigma. Esta antología expone más de tres décadas de esta singladura, donde vive la felicidad del lenguaje libre, entre la partitura de lo radical y la legislación de lo invisible. Ha escrito Antonio Lucas que Herrera es «una isla extrema». Alvaro Pombo agrega: «Se trata de la prosodia aquí, de la elocuencia, del motus animi continuus, de Horacio. Se trata de una excelsa virtud de los poetas clásicos como es Herrera». Diego Doncel nos recuerda que estamos ante «las metáforas de una desobediencia». Barnatán, en el prólogo, ha visto «atrevidos combates de un creador que se propone siempre un nuevo desafío. Así, el autor puede ufanarse de triunfo tras triunfo en sucesivas y autoimpuestas situaciones conflictivas». En todo caso, leer a Herrera es convidarse a un incendio, subir a dañadas lejanías, irse a la catástrofe de la belleza, donde la palabra quiere «oler a loco». V. C.
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Nueva York fue, para Federico García Lorca, el descubrimiento de la vanguardia, el capitalismo y la vida moderna. El choque de su gran sensibilidad con los contrastes de la realidad neoyorquina desató su creatividad y fue el génesis de una obra incomparable, llena de admiración, dolor y surrealismo, que trascendió los límites estéticos de su época.Escrito entre los años 1929 y 1930, Poeta en Nueva York se ha afirmado como uno de los clásicos indiscutibles de la literatura modernista y una de las más hondas meditaciones poéticas sobre la ciudad, la multitud y la soledad, cuya influencia sigue extendiéndose más allá de la lengua y del género.
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Este volumen recoge, puesta al día, toda la obra poética de Vicente Gallego (Valencia, 1963). Sus cinco primeros libros han quedado excluidos definitivamente de su bibliografía -que ahora empieza con Cantar de ciego-, y los cinco que hoy integran esta recopilación se han visto sometidos a un largo proceso de purga y correcciones que acabó desembocando en su completa reescritura. Así pues, el lector encontrará, repartidos por estas páginas, algo más de 150 poemas inéditos, los cuales, puestos en armonía con las más que numerosas supresiones y los trabajos de afinamiento de los que consiguieron superar la criba, hacen que todos los libros, conservando el espíritu de las diferentes etapas creativas, constituyan casi una entera novedad. Este volumen es el fruto de un atrevimiento, pues, en su relectura crítica radical de lo anteriormente publicado, el poeta renuncia a gran parte de su obra anterior mientras se permite explorar nuevos modos de expresión.
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El poemari, afirma l’autor, és un trànsit pels llindars: «pel llindar d’allò prohibit i allò permès, el llindar entre jo i tu, el llindar entre el cos i l’exterior, el propi i l’extern. M’interessava molt generar un discurs sense posició. No fer una apologia sobre l’abús o sobre la insatisfacció o la falta d’autonomia. Preferia reflectir algunes horribles sensacions com: gaudir l’abús, sentir-se reconegut en l’abús, refugiar-se en la violència. Ho resumiria com una falta de prejudici.» D’estil marcat per l’escriptura automàtica, està conformat per referents directes com Josep Palau i Fabre, Harold Pinter, Dino Buzzatti, i els còmics de: Jeff Jones, Moebius. Hi apareixen temes com la reconciliació amb el jo, l’alteritat, el record, la memòria i la relació humana amb l’animalitat, entre d’altres.
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El poeta Luis García Montero ens diu: ''La història moral de l'ésser humà l'han escrit els poetes. El poeta es busca en els altres, defineix la seva intimitat en diàlegs amb els altres''. En els versos que omplen aquest llibre de Josep Checa llegirem, precisament, una intimitat que vol ser compartida. A partir de la presència de la mareo de la vivència del fet poètic, per exemple, el lector es trobarà amb les seves pròpies mares i vivències personals, la vida que està feta de pèrdues i esperances, de records que ens reconcilien amb el passat i fan que el present ens sigui més lleuger i amable. El futur, com deia Eleanor Roosevelt, pertany als qui creen en la bellesa dels seus somnis.
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Encontrarse perdido es un viaje introspectivo que invita al lector a sumergirse en un laberinto emocional que explora los límites de la identidad y la existencia misma desde una perspectiva visceral. Los poemas son espacios donde el dolor, la duda y el deseo se entrelazan, se difumina la línea entre lo filosófico y lo cotidiano, y perderse se convierte en una forma de revelación. En un contemplativo collage sobre sí misma y la experiencia humana, la autora reflexiona, combinando ironía y ternura, sobre la desconexión entre el ser y su reflejo, el peso o levedad de la incertidumbre y la búsqueda de sentido en un mundo fragmentado. Un íntimo retrato de la vulnerabilidad que no solo es una gran pregunta, sino también una reconciliación con la belleza de no poseer todas las respuestas.
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POEMES QUE ES DESPLEGUEN COM UN RECORREGUT EMOCIONAL Vindrà la mort i tindrà els teus ulls, deia Cesare Pavese convertint en metàfora tràgica la ruptura sentimental amb Constance Dowling. La mort, real i inhòspita, sempre arriba i la mort va venir i tenia els ulls de l'Anna. Però els ulls de l'Anna, malgrat l'enyor que provoca la seva absència, eren alegria, lluminositat, esperança i somni i per això enyorar-la, tot i la tristor que, de manera inevitable, porta implícita, hauria de ser també un esclat de llum, la consciència real que els seus ulls, la seva mirada i el seu somriure elegant i lànguid seran sempre refugi i calma, melodia i ritme, calidesa i recer.
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Pour que chantent les salamandres, editat en occità i francès, ha estat traduït a l’anglès, l’hebreu, el noruec i l’holandès, amb una càlida acollida de la crítica en mitjans com The Guardian, Al Araby Al Jadeed o Haaretz Daily.
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A Als llacs, Silvie Rothkovic segueix aconseguint aquella proximitat, incòmoda però plaent, entre dolor i bellesa, que configura l’abisme que encén a través del glaç i que il·lumina des d’una foscor que la converteix, amb Antònia Vicens, en la veritable diferència de la poesia catalana contemporània, aportant, com passa amb la Vicens, no només una manera personal, singular, quasi estrangera de dir, sinó una forma diferent, d’una sensibilitat estranya i sorprenent, de mirar el món i la condició humana.
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«Gálata moribundo» es un libro que nos remite a la perdurabilidad de la belleza como un discurso de salvación: una luz que ilumina el camino de los errantes en medio de una sociedad de consumo. Trae a la actualidad aspectos grecolatinos con una estética filosófica y reaccionaria. Premio Nacional de Poesía Joven Grande Aguirre 2026.
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“Arrels d’aire” és un volum on es recullen els set llibres que tracen el periple vital i poètic de l’autor des de l’any 1996. El volum revisa a fons els llibres publicats, refent-los, eliminant-ne poemes i tornant-los a presentar al lector com una obra nova, i ens ofereix un llibre inèdit, “Érem tan fràgils”, acabat el 2020.
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“Làpida” és aquell pes mascle que t’esclafa i la molsa-dona que t’estira terra endins. És el vent que entra per les clivelles de la pedra i és el crit que no saps fer (encara). La gespa tova, molla, et xucla, i la pedra t’ofega, et pesa i l’has de digerir.
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Premi Jocs Florals de Barcelona 2024.«Acròpolis és una ciutat més alta que la part alta de la seva Tarragona, un lloc que du el nom de dos sants, Sant Pere i Sant Pau. És allí on el poeta s’adona que “jo tenia un desig, però jo no sabia què fer-ne” i em sembla que aquesta és la pedra angular de tota la seva obra. La poesia de l’Adrià Targa és una mena de resposta a aquest no saber què fer-ne, tot intentant-ho, del desig i del plaer, de la voluptuositat del cos i de l’escriure. I em sembla també que l’Adrià gairebé mai no planteja aquesta resposta com un dret ni com una escapatòria, sinó com una necessitat.»Marc Rovira al pròleg.
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Los principales personajes de la mayor obra de John Milton son Satán, Dios, Adán y Eva, y sus actitudes terminan revelando el mensaje esperanzador que se esconde tras la pérdida del Paraíso original. Estamos ante una de las cimas de la literatura universal, imprescindible para conocer el desarrollo del pensamiento y la cultura occidentales, que sigue despertando la admiración del público contemporáneo.
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Al llarg del temps, els qui han escrit la història de l’Àndalus no han deixat de meravellar-se de la instintiva genialitat dels andalusins en el conreu de la poesia àrab clàssica. A hores d’ara, però, no ens hauria de sorprendre gens que el focus més important d’irradiació de la cultura àrab a Occident durant segles donés una bona florada de poetes extraordinàries. De la quarantena de noms que ens han arribat a través de les fonts —cosa que indica clarament que aquest tresor literari no va ser pas fruit de l’atzar—, apleguem en aquesta antologia gairebé tots els poemes que s’han conservat d’elles, rutilants perles de la nit que per primer cop fan llum en català.
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Verónica Jaffé Carbonell (Caracas, 1957). Estudió letras en Caracas, y se doctoró en literatura alemana en Munich. Ha sido profesora en varias universidades venezolanas, editora, ensayista, traductora. Ha publicado algunos ensayos sobre literatura venezolana y teoría e historia de la traducción, y los poemarios: El arte de la pérdida (1991), El largo viaje a casa (1994), La versión de Ismena (2000), Sobre traducciones (2010), Friedrich Hölderlin: Cantos hespéricos. Traducción y versiones libres (en lienzos y poemas) de Verónica Jaffé (2016), De la metáfora, fluida (2019), Fugaz lagartija (2024). Con el libro lo animal si poema ganó el XXV Premio Casa de América de Poesía Americana. Como artista plástica «traduce» poemas en imágenes y ha expuesto sus poemas visuales en Caracas, Viena y Madrid. «Este libro inteligente, poéticamente tan lúcido, se la juega en el territorio inexplorado de la verdad silente y silenciada que somos, esa parte del animal que nos habita, porque implica decantarse por un mundo mudo definitivamente, mudo de todo, incluso de la gran misión significante que se le supone a la poesía. El animal, en cambio, discurre por la tierra sin pretender otra trascendencia, otra inmediatez que la de su silencio, mensaje y signo de estos parientes que vuelan, cantan, muerden o se arrastran. Sobre su mandato escueto, humilde e inmanente se levantan los poemas de Jaffé: conviene escuchar su callada belleza». Esperanza López Parada
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Libro nacido del diálogo y la fascinación compartida por la alquimia, los lenguajes secretos y la poesía como conocimiento oculto.La fiesta hermética es el resultado de un largo intercambio entre sus dos autores. Un ejercicio de escritura que tiene como punto de partida la fascinación de ambos por los misterios de la obra alquímica y las ciencias ocultas. Tras ese telón de fondo es posible adivinar la figura de un inasible Paracelso, quien podría ser el instigador de toda esta fabulación. Sin embargo, no se trata de ofrecer un apunte biográfico, ni de establecer un panorama histórico. Lo que este libro contiene es la invención de un lenguaje apuntalado por los símbolos secretos y las imágenes arcanas de los tratados alquimistas. Legendarias son las fuentes propiciadoras de aquella antigua sabiduría. Laberínticos, a veces, los caminos tan minuciosamente recorridos por María Negroni y Jorge Esquinca, siempre ligados a la poesía, pozo artesano de agua viva y faro cómplice de sus propias visiones.
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Vaina Barniz es una exploración íntima y valiente de la fragilidad humana y su capacidad de transformación. A través de una escritura que combina delicadeza y firmeza, David Caulfield White nos invita a pensar el cuerpo y la identidad como territorios en constante metamorfosis.La vaina protege, acoge, permite el cambio. El barniz cubre, embellece, resiste. Juntos, forman una imagen poderosa de lo que somos: seres que se resguardan y se exponen, que se rompen y se reconstruyen, que se muestran al mundo con sus cicatrices convertidas en materia nueva.Este libro toca fibras profundas: heridas emocionales, bullying, discapacidad, corporalidad, sexualidad, relaciones afectivas y LGTBIQ+. Cada página es una habitación sin puertas, un espacio seguro para la reflexión y la reparación. Vaina Barniz no ofrece respuestas fáciles, pero sí una mirada honesta y transformadora sobre lo que significa habitar el cuerpo y la experiencia.Con sensibilidad y rigor, Caulfield White reivindica la fortaleza psicológica como un proceso colectivo, hecho de vulnerabilidad, memoria y deseo. Porque romper la vaina no es perderse, sino comenzar a ser.
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Saurí del nom s’obre amb un poema inicial i iniciàtic (“Llum fundacional”) que fa de pòrtic a un recorregut a la recerca de les pròpies arrels mitjançant la figura del saurí. A voltes alquímic, a voltes visionari, Joan Vigó ens ofereix, en paraules d’Eduard Sanahuja Yll, “poemes breus i escultòrics que parlen d’aquells i aquelles que cartografien certeses amb el pèndol de l’instint i parlen amb el cor de l’absència”. El pèndol escaneja el món en fa mapa d’agonies i portolans de plaer. No endevina res però fa estar quiet i eixampla el marge.
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Ese lugar de las sillas vacías relata la historia de un exilio, el venezolano. La primera parte, «Caracas», es el núcleo conductor de acciones y sentimientos de minusvalía y miedo que traen consigo el exilio y el insilio, como consecuencia de lo ajeno del paisaje.Además, la obra se expande para reflejar el sentimiento de pérdida, dolor y vacío que siente aquel que llega a tierras ajenas de cualquier forma en la que llegue. La ausencia de identidad de aquellos que vagan por territorios inciertos, el «muerto vivo» que nadie ve.En «Insilio» y «Cuerpo» se refleja el dolor de lo que fuimos y su recuerdo. La construcción desde los trozos que quedaron. La geografía de lo que no somos. La extrañeza.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.