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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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MIGUEL HERNÁNDEZ (1910-1942) - 75.º ANIVERSARIO La obra de Miguel Hernández viene a ser ejemplo y síntesis de la historia de la poesía española en su período más fecundo del siglo XX. Las distintas tendencias de la lírica de los años treinta fueron cultivadas por este poeta, que no dejó nunca de imprimir su huella personal, con metáfora relampagueante, hiriente y luminosa. Nacido en Orihuela y muerto en la cárcel de Alicante, condenado a resultas de su actuación política durante la Guerra Civil, Miguel Hernández supo escapar del ambiente localista y provinciano a través del culturalismo, para acabar resolviendo su poesía en los moldes del romance y del cantar, tras haber pasado por el surrealismo y la poesía de combate. El gran interés que sigue despertando la poesía de Miguel Hernández justifica la edición de su «Poesía esencial», una antología preparada por Jorge Urrutia, catedrático de Literatura de la Universidad Carlos III de Madrid. Urrutia y Leopoldo de Luis, poeta y crítico que fue amigo de Miguel Hernández, elaboraron la «Obra poética completa» de Miguel Hernández que se convirtió en un libro mítico durante la Transición en una nueva edición cuidada también por el propio Jorge Urrutia y publicada por Alianza Editorial, con ocasión del 75.º aniversario de su muerte. «Poesía esencial» está formada por los libros «El rayo que no cesa», «Viento del pueblo», «El hombre acecha», «Cancionero y Romancero de ausencias», además de algunos poemas no incluidos en libro por el poeta.
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Visita, La
És la mort el final de tot, o més aviat el començament? Tractada ambhumor i tendresa, però també dramàticament, la mort és protagonista deLa visita, juntament amb una parella de vells que assisteixen a latragèdia inevitable de qualsevol vida. Tot el dolor del món i alhoratota la rebel·lia es condensen en aquest text que ens ofereix un retratple de sarcasme i humanitat del pas del temps i del castell de cartes onnaufraguen totes les vanitats.
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Allen Ginsberg
Bèsties 12. Allen Ginsberg (9788472269835).Edicions Poncianes presenta un recull de la poesia que caracteritzà Allen Ginsberg, poeta beat estatunidenc. Amb uns versos molt visionaris i narratius, Ginsberg és, amb el permís de Whitman, el poeta que marca tota una generació americana: si el primer representà l'Amèrica profunda i els orígens, Ginsberg representa la contracultura i s'erigeix com el referent de tot un moviment que actualment encara es reivindica. Una poesia del carrer, allunyada de la lírica i amb una varietat formal que la fa fresca i alhora impactant.Bèsties és una col·lecció de pòsters que combinen poesia i imatge d'autors reconeguts de la literatura universal. Una tria de fragments –pòstums, inèdits, oblidats– per part dels traductors, poetes catalans actuals, es presenten en un format trencador que defuig la parcel·lació paginada per projectar en un sol espai el sentit unitari dels poemes. Cada pòster va acompanyat d'una portada que inclou un pròleg del traductor, que contextualitza la tria i situa l'autor.
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Miscel·lània Jordi Bruguera, 1
Primer volum del recull de treballs en honor del filòleg Jordi Bruguera. En coedició amb l’Associació Internacional de Llengua i Literatura Catalanes.
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«Los Veinte poemas son un libro doloroso y pastoril que contiene mis más atormentadas pasiones adolescentes, mezcladas con la naturaleza arrolladora del sur de mi patria. Es un libro de amor porque a pesar de su aguda melancolía está presente en él el goce de la existencia». Con estas palabras define Pablo Neruda este libro que el lector tiene en sus manos, aparecido en abril de 1924, cuando su autor tenía veinte años de edad. Han pasado desde entonces más de setenta años, los más prodigiosos setenta años de vida de un libro de poesía en nuestro siglo. ''Viente poemas de amor y una canción desesperada'' es la base de la fortuna literaria de Pablo Neruda. Mientras las vanguardias se extendían en el mundo artístico, Neruda se refugiaba en los crepúsculos para pasar de un modernismo en transformación a un neorromanticismo profundamente original. Su conexión con la sensibilidad adolescente y prorromántica ha puesto de manifiesto un poder de comunicación basado en su potencialidad creativa, en su facilidad para crear un breviario sentimental de sensaciones transmisibles y memorables. Como el propio Neruda dice: «Solo he cantado mi vida y el amor por algunas mujeres queridas, como quien comienza por saludar a gritos grandes la parte más cercana del mundo».¿A quién va dirigido el libro Veinte poemas de amor y una canción desesperada?Se trata de un poemario de amor dirigido a un público amplio, especialmente a aquellos interesados en la poesía del siglo XX en español y en la obra de Pablo Neruda. Su lenguaje, aunque perteneciente a la tradición literaria, es relativamente accesible, lo que lo hace atractivo tanto para lectores con experiencia como para aquellos que se inician en la poesía. La intensidad emocional de los poemas y la universalidad del tema del amor lo hacen relevante para personas de diversas edades y contextos. La obra, por su carácter introspectivo y la exploración de las emociones, puede conectar con lectores que buscan profundizar en sus propios sentimientos y experiencias amorosas.Temas que trata el libro Veinte poemas de amor y una canción desesperadaEl libro explora principalmente el tema del amor romántico en sus diversas facetas. No se centra en una única relación amorosa, sino que presenta una visión idealizada y poética del amor, combinando elementos físicos y emocionales. Algunos de los temas que se abordan son:La idealización del amor: Neruda crea una imagen de la amada que trasciende la realidad, mezclando rasgos de varias mujeres en una figura poética. El amor se presenta como una fuerza intensa y casi sobrenatural.La pasión y el deseo: Los poemas expresan con intensidad la pasión y el deseo físico, utilizando un lenguaje sensual y evocador.La melancolía y la desesperación: A medida que avanza el poemario, el tono se vuelve más sombrío, reflejando la fragilidad y el dolor inherentes al amor. La "canción desesperada" final resume esta faceta del sentimiento amoroso.La naturaleza como metáfora: Neruda utiliza con frecuencia imágenes de la naturaleza (pinos, olas, etc.) para expresar las emociones y sensaciones del amor, creando una atmósfera poética y evocadora.La experiencia personal: Aunque idealizado, el poemario se basa en experiencias amorosas reales del joven Neruda, lo que le otorga una autenticidad y una profundidad emocional particulares.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Veinte poemas de amor y una canción desesperadaAún no hay opiniones o críticas sobre Veinte poemas de amor y una canción desesperada disponibles para su inclusión en este resumen.
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Antonio Buero Vallejo, un clásico ya en la historia del teatro español, ha definido el propósito de suobra como «gafas para cegatos que quisieran ver». Apoyándose en la anécdota histórica que le sugiere un grabado del siglo XVIII –,la cruel humillación de una orquestina de músicos ciegos por parte de un empresario parisino–, teje en El concierto de San Ovidio una parábola que, en el momento de su escritura, podía ciertamente reflejar la experiencia colectiva de los españoles de la etapa franquista, pero que, rebasando con mucho aquella concreta circunstanciahistórica, por la fuerza universalizadora del arte, nos presenta la realidad profunda del momento actual.Profesor de la Universidad de Strathclyde en Glasgowy uno de los mejores conocedores de la ideología bueriana, David Johnston desvela en esta edición las múltiples dimensiones de una obra que, transmitiendo unagran lección moral de esperanza, constituye un ejemplo artístico de extraordinaria calidad.
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Antes de arrojarse por la ventana del cuarto piso de su edificio, la octogenaria Helene Engel tiene una última voluntad: entregar un misterioso manuscrito a uno de sus vecinos. Es lo único que escribió en vida, una confesión extraordinaria titulada Mine-Haha que narra la vida de una joven huérfana desde su nacimiento hasta la pubertad. Sus primeros años los pasa en un orfanato mixto, en el que los niños mayores se hacen cargo de los recién nacidos abandonados a las puertas del lugar, y más tarde en una institución exclusivamente para niñas en la que el modo de vida es rutinario y rígido: las jóvenes se dedican a la gimnasia, al teatro, a las artes y a la danza, pero en ningún caso se trata de una existencia idílica. Algo hay de inquietante entre los muros de ese hospicio: las jóvenes sufren un aislamiento absoluto y se ven sometidas a una disciplina física rigurosa por parte de sus maestras. Todo ello con el fin de protagonizar su peculiar debut una vez alcanzada la pubertad.
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El amor algunas veces es tan complicado como impredecible. Pero al final lo que más valoramos son los detalles más simples, los más bonitos, los que llegan sin avisar. Y a la hora de escribir sobre sentimientos, no hay nada más limpio que hacerlo desde el corazón. Y eso hace Defreds en este libro.
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Esta nueva edición de Luces de bohemia permitirá a los lectores más jóvenes adentrarse en la obra de Ramón María del Valle-Inclán, uno de los títulos esenciales de la historia del teatro español. A través del deambular de Max Estrella y don Latino por las calles de Madrid, su autor non ofrece una imagen tan deformada como reconocible de nuestra propia realidad: una mirada crítica y atemporal sobre quiénes somos que se enriquece con cada nueva lectura.
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La herencia de Jaime Gil de Biedma (1929-1990) -observa Javier Alfaya en el prólogo a este volumen- se encuentra en el origen de la importante y controvertida corriente literaria conocida por el nombre de poesía de la experiencia, concepto que él mismo introdujo o ayudó a introducir en España. Esta Antología poética -preparada por Shirley Mangini González- permite apreciar desde principio a fin la trayectoria de una labor creadora caracterizada por la búsqueda de la perfección y que eleva la experiencia individual del escritor al nivel de significación de la vida de todos los hombres.
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Los poemas de Carlos Salem destilan amor, rabia, soledad, sexo. Escribe en negro, no en color pastel. El negro de la noche, donde se esconden miles de historias. Salem transmite los sentimientos más ocultos de las personas, envueltos en erotismo, muerte y
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José Luis Alonso de Santos es, sin duda, uno de los autores más representativos del nuevo teatro español. Después de una amplia experiencia en el teatro independiente, se incorporó al comercial obteniendo grandes éxitos refrendados luego en varias adaptaciones cinematográficas. Toda la crítica coincide en elogiar su facilidad para volcar en la vida escénica tanto el lirismo de sus recuerdos autobiográficos (El álbum familiar) como su visión tragicómica de los nuevos marginados (Bajarse al moro). La capacidad de observación, el sentido del humor y el lenguaje coloquial han convertido a esta última obra en un clásico, leído y representado en muchos países como testimonio de la nueva realidad del teatro español.
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Antología bilingüe de 70 haikus inéditos de Chiyo, la escritora de haikus más importante de Japón. La poesía de Chiyo es, como afirmó un contemporáneo suyo, «pura, como jade blanco». La pureza de sentimientos humanos, tan bellamente expresados en sus haikus, combinada con la sensibilidad femenina y el espíritu de observación de Chiyo, que la llevaron a identificarse en poesía con tantas situaciones de la vida real, hacen que su arte continúe siendo aplicable siglos después a nuestro entorno cotidiano. Chiyo es la autora de haiku más destacada en los siglos XXVIII y XIX, una época en que la poesía japonesa era sobre todo un quehacer de hombres.
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Christian Bobin em estado puro, este poema é uma carta maravilhosa, uma escrita iluminada.Esta longa carta tornou-se num pequeno livro. Nunca escreveria mais do que livros curtos, pela incapacidade de fazer outra coisa, mas quiçá também pela necessidade: escrever é transformar o demasiado em pouco, o excesso em carência.Nenhum livro deveria ser mais pesado do que a luz. Nenhuma escrita deveria fazer mais barulho do que um sorriso.
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Vida de mestre Ramon
El volum, a cura d'Anthony Bonner, s'obre amb una introducció que situa el text, en repassa la transmissió i explica el context en què es mogué el seu autor. A més, el llibre conté dotze làmines d'imatges datades del 1325, miniatures de la vida de Llull extretes del Breviculum, una antologia breu d'escrits lul·lians dirigida a la reina de França. La Vida de mestre Ramon fou escrita originalment en llatí. Ha estat traduïda al català pel mateix Anthony Bonner. S'hi han mantingut els versicles en llatí per poder-los llegir de manera acarada amb la traducció. Llull pertanyia a una família benestant barcelonina instal·lada a Mallorca i mantenia estretes relacions amb la cort reial. Estava casat, tenia dos fills i es descrivia com a ''ric, lasciu i mundà'' en l'etapa anterior a la il·luminació, vivia en una Mallorca en què la tercera part de la població era musulmana i en què els jueus tenien molt de pes en l'economia insular. La narració, escrita cinc anys abans de la mort de Llull, s'inicia amb les cinc aparicions de Jesucrist en la cambra de Ramon, fins que aquest comprèn el que Déu vol d'ell. S'adona que ha de servir Crist en la tasca de convertir sarraïns, però li cal aprendre llatí i posar els dictàmens per escrit. Ramon comença el seu camí per instruir-se, sobretot a París, aprendre la llengua aràbiga i començar, consumar i difondre l'Art, sistema filosòfic que demostra la veritat del cristianisme. L'obra no deixava de ser la culminació de la construcció de la seva imatge pública, amb uns propòsits «justificadors i propagandístics» ben clars. Això ha fet que els estudiosos es qüestionin fins a quin punt s'ha de donar crèdit a una informació tan selectiva.
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Ante nosotros tenemos un jugoso catálogo de malditos que solo una minoría selecta debería conocer: de los realistas sucios al Club de los Bigotes Largos, de Kathy Acker a los escritores de cuello vuelto, pasando por Annemarie Schwarzenbach y los amantes del periodismo gonzo. Un exhaustivo listado repleto de autores de vida desastrosa pero sublime, de dandis inveterados, de escritoras de rostro andrógino y gatillo fácil, de miembros de sectas literarias asesinas o de muertos heroicos cuya rocambolesca desaparición les catapultó al estrellato. ¿Quién es ese tipo llamado André Blanchard, que provoca crisis de espasmofilia con solo escuchar su nombre en según qué lugares? ¿Quiénes integran exactamente el Club de los Bigotes Largos? ¿Acaso un extraño grupo de moteros pilosos? ¿Es Jean de La Ville de Mirmont el más grande escritor francés del XX, tal como se afirma en diversos círculos? Fabrice Gaignault, como buen esnob, nos presenta un diccionario de literatura indispensable para todos aquellos que de algún modo sabían que existe vida más allá de las figuras impuestas por la Academia. Una biblia para los «happy few» amantes del namedropping, que se convertirá en un manual de obligada consulta a la hora de determinar quién es quién en el exigente mundo de los entendidos de cenáculo.
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En La Fiera se vislumbra, más que en ningún otro libro suyo, al joven poeta británico que Ben Clark lleva dentro.
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Esta comedia, escrita por Miguel Mihura, escenifica una denuncia de lo absurdo de ciertas situaciones de la vida cotidiana, así como de la vaciedad de los tópicos y las convenciones sociales. En la obra se enfrentan dos mundos y dos concepciones de la existencia:por un lado, el orden burgués y las normas y comportamientos establecidos, por otro, la alegría, la despreocupación y la espontaneidad de un grupo de artistasque representan la vida libre y sin compromisos. Lapresente edición consta de una completa introducciónpara situar la obra en el contexto histórico y cultural en el que surge, además de ofrecer un análisis claro de su composición, de su estilo y de su importancia en la historia de la literatura, que incluye un cuadro cronológico. A continuación, se inicia el estudiode la obra, que cuenta con numerosas notas aclaratorias, en su mayoría de carácter léxico. Finalmente, sepropone una serie de actividades didácticas para facilitar la lectura y la comprensión del texto.
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Federico García Lorca dirigió La Barraca, experiencia teatral decisiva para la escena española. Desde 1918, en que publicó su primer libro, hasta su muerte, Federico no dejó nunca de componer versos y escribir teatro. Austral presenta en este volumen Bodas de sangre, ejemplo esencial de su obra dramática, que construye a partir de un hecho real, una pequeña noticia del periódico, una tragedia cargada de lirismo y de elementos simbólicos. Escenifica, en prosa y en verso, la crónica llena de presagios de una pasión, de la lucha por una mujer que lleva hasta la muerte a los dos rivales. El que fue director de la Real Academia Española, Fernando Lázaro Carreter, analizó en su Introducción la génesis de la tragedia y su situación en la obra de Lorca, desvelando su simbología y su significación última.¿A quién va dirigido el libro Bodas de sangre?Bodas de sangre es una obra literaria que puede ser disfrutada por un público amplio, incluyendo estudiantes de literatura, amantes del teatro y lectores interesados en la cultura española. Su lenguaje poético y su profunda exploración de temas universales como el amor, la pasión, el destino y la muerte la hacen accesible a un público diverso. La obra también resulta atractiva para aquellos interesados en el contexto histórico y social de la España rural de principios del siglo XX, reflejado en las costumbres y creencias de los personajes. Finalmente, la obra es apropiada para aquellos que buscan una experiencia literaria intensa y emotiva.Temas que trata el libro Bodas de sangreBodas de sangre explora una serie de temas interconectados que contribuyen a su complejidad y riqueza literaria. Entre ellos se encuentran:El amor y la pasión: La obra presenta diferentes tipos de amor, desde el amor familiar hasta el amor romántico, explorando la intensidad de la pasión y sus consecuencias devastadoras. El amor entre la novia y Leonardo, un amor prohibido, es el motor principal de la tragedia. El amor entre la novia y el novio, por otro lado, se presenta como un amor más convencional, pero igualmente afectado por las fuerzas del destino y la tradición.El destino y la fatalidad: La obra sugiere la existencia de un destino inexorable que se cierne sobre los personajes, llevando a una tragedia inevitable. Los acontecimientos se suceden de manera que parecen preordenados, creando una atmósfera de fatalismo. La repetición de ciertos motivos y símbolos refuerza esta idea de un destino ineludible.La tradición y la sociedad: La obra muestra cómo las tradiciones y las normas sociales pueden influir en la vida de los individuos, limitando sus opciones y conduciéndolos a tomar decisiones que tienen consecuencias trágicas. La presión social sobre la novia para que se case con un hombre que no ama, y las expectativas de honor y venganza que pesan sobre las familias, son ejemplos de cómo la tradición puede ser un obstáculo para la felicidad individual.La violencia y la muerte: La violencia es un elemento central en Bodas de sangre, tanto física como simbólica. La obra muestra cómo la pasión descontrolada, los celos y la venganza pueden llevar a la muerte y a la destrucción. La muerte, en la obra, no es solo un final físico, sino también una metáfora de la pérdida, la frustración y la imposibilidad de escapar del destino.La naturaleza y el paisaje: El paisaje andaluz, con sus elementos simbólicos como la luna, el caballo y el campo, juega un papel importante en la obra. La naturaleza se presenta como un testigo silencioso de la tragedia, pero también como una fuerza que influye en el destino de los personajes.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Bodas de sangreAún no se dispone de un resumen de críticas, opiniones y valoraciones sobre esta edición específica de Bodas de sangre.
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Kokoro anhela conocer el Mar, del mismo azul profundo que sus ojos. Se prepara para el viaje día tras día. Pero, a veces, las cosas no salen como se planean. Un accidente precipita su partida en las condiciones más inesperadas. Sin embargo, tiene todo lo que necesita para enfrentarse a la inmensidad del MAR y a la gran OLA que la espera en su travesía. María Belón Bordes sobrevivió al tsunami de Asia-Pacífico en diciembre de 2004 con su marido y sus tres hijos. Esta historia nació durante el proceso de escritura del guion de la película ''Lo imposible'' (2012) de J. A. Bayona, cuando Jota le pidió: «María, cuéntame qué se aprende al regresar de estas experiencias tan difíciles que la vida nos hace vivir». Fue entonces cuando Kokoro emergió desde el fondo del Mar.
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NUEVO FORMATO DE COLECCIÓNSi bien en el folclore europeo se documentan tradiciones y leyendas entorno al convidado de ultratumba y el culto a los muertos, y tampocofaltan precedentes literarios del burlador de mujeres, es innegable queTirso de Molina logró transformar todos esos elementos en uno de losmitos más fascinantes, perennes y universales de la humanidad: el de donJuan.Lo que hasta entonces había sido simple leyenda, se convierte en lapluma del genial fraile en pura indignación sobre el sexo y el espíritude rebeldía. Así, en EL BURLADOR DE SEVILLA Tirso condensa ya todos lossentidos que irá adquiriendo con el tiempo el mito donjuanesco: elrebelde social, el seductor, la mujer enamorada, el hombre enfrentado aDios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural y con lamuerte. Una obra que aún hoy hace llorar, reír y temblar a cualquierlector, a cualquier espectado
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La fàbrica (1970-1971)
L'experiència de gairebé trenta anys de Martí i Pol com a escrivent de La Blava, una fàbrica de filats de Roda de Ter, i el seu compromís cívic i polític amb els treballadors «la seva gent» i, poèticament, els «herois» de la història, es concreten en aquest poemari que recrea la vida silenciosa i quotidiana d'aquelles persones i denuncia l'opressió econòmica i social.L'autor va redactar els poemes de La fàbrica entre els anys 1969 i 1971 i els va publicar, amb gravats de Jordi Sarrate, a Quaderns El Bordiol el 1972. El text que reproduïm dels poemes procedeix del primer volum de l'Obra poètica de Miquel Martí i Pol, publicada per Edicions 62, que va ser revisat pel mateix poeta i per Pere Farrés, curador dels quatre volums de l'Obra poètica i d'aquest volum.
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En 1972, el joven director de teatrofrancésGeorgesWerlerfue a ver a MilanKundera a Praga y a suregresoconsiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatroJacques y su amo. Kundera la habíaescritodespués de la invasiónsoviética, cuandotodasu obra, pasada y futura, habíaquedadoborrada de las letraschecoslovacas. Jacques y su amo relata tres historias de amor que se entrecruzandurante el viaje que emprendenJacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye, tres historias que se entremezclanpolifónicamente, donde cada una es, a suvez, variación de la otra, y juntasconforman una comedia sobre los problemasexistenciales de la pasión amorosa.
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Nana nació en una isla, al lado de la mar, y hacía preguntas que nadie sabía responder. Sus ojos veían más, y Nana tenía que escribirlo, para que no se le escapase como la arena entre los dedos. Un cuento bellísimo sobre el nacimiento de la poesía y del amor.
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Al leer los poemas de Manuel Machado (1874-1947), el lector tiene la impresión de que surgen de una experiencia fundamental, subyacente en todos ellos, que los dota de un sentido y una proyección muy particular. El hombre, herido de muerte poética, se ve abocado a una profunda e incurable melancolía que le provoca un constante anhelo de morir. Este sentimiento de nostalgia por el pálido reflejo del bien perdido obliga al poeta a un constante juego con su propia herida: el ejercicio de hacer versos. En Manuel Machado, con todo, hay poca poesía dedicada a recordar una pérdida concreta. Se trata, más bien, de una especie de desencanto esencial de la vida y del mundo. Es como si, muy pronto, al poeta se le hubiera roto ese amor básico a la existencia que todos llevamos dentro. Con esta antología, de egregia elegancia, se ofrece la oportunidad de conocer una obra escrita al borde del abismo, en un perpetuo titubeo de aliento y agonía. Si para el autor sus versos afirmaban la vida que hace pensar en la muerte, para el lector son un obsequio artístico que lo reconcilian con la existencia.
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Sangre en los estantes es el libro decabecera para todos los amantes de la novela negra de nuestro país. PacoCamarasa, uno de los mayores especialistas en la materia, ex librero ycomisario de BCNegra, nos plantea un libro ordenado, como buenlibrero, de la A a la Z, con la historia de este ya mítico géneroliterario, hoy en día tan de moda.El libro nos ofrece un recorridopor los grandes nombres del género, explicándonos sus mayoresaportaciones. También despliega un sinfín de anécdotas y desmenuza lasdiferencias dentro del género por países y culturas, las subcategoríasdentro de lo que denominamos novela negra y un sinfín de historias.Todo ello relatado con la sabiduría, la pasión y la proximidad quesolo Paco Camarasa tiene. Por este motivo es el más querido y reconocidoexperto en el género, y siempre consigue mover a los lectores.
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Les dones i els dies
Les dones i els dies (1968) és el volum en què Gabriel Ferrater va aplegar la seva poesia, aparegudaanteriorment a Da nuces pueris (1960), Menja't una cama (1962) i Teoria dels cossos(1966). Aquesta edició presenta per primera vegada, a més del text definitiu de Les dones i elsdies, tots els altres poemes que Ferrater havia publicat en revistes o que havia incl.s en els tresvolums previs i després no va recuperar. Comprèn, a més, un aparat de variants i reprodueix lesversions que el poeta va fer d'algun dels seus poemes en altres llengües.Edició crítica de Jordi Cornudella.
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INDI VISIBLE
Tushita
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JOSÉ HIERRO nació en Madrid en 1922 y en la misma ciudad murió el 21 de diciembre de 2002, aunque se consideraba santanderino de adopción y fuera titulado como Hijo adoptivo y Poeta de Cantabria. En su obra, tan rica en matices rítmicos como en empaque conceptual, se han fraguado las tendencias más válidas de la poesía española de posguerra. Sus primeros versos aparecieron en distintas publicaciones del frente republicano. Acabada la guerra civil padeció cuatro años de cárcel, y esta experiencia lo marcó para siempre. Hierro ha conseguido los galardones más relevantes de la literatura española: Premio de la Crítica en tres ocasiones, Premio Nacional en dos, el Príncipe de Asturias (1981), el Premio Pablo Iglesias (1986), el Nacional de las Letras Españolas (1990), el Premio Reina Sofía de Poesía Hispanoamericana (1995) y el Cervantes (1998). También fue elegido académico de la Real Academia Española (1990), cuyo discurso de ingreso sobre Juan Ramón Jiménez no llegó a pronunciar.
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Presentamos un volumen que publicamos al margen de la obra completa de Valle-Inclán y que reúne las dos obras de teatro más recomendadas en institutos y universidades: Divinas palabras y Luces de bohemia.
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Els Watson
Con diecinueve años, Emma Watson acaba de llegar a su pueblo después de haberse criado entre lujos a casa de su tía, y ahora necesita casarse lo antes posible si no se quiere enfrentar en una vida de pobreza, soltería y aburrimiento en la casa familiar. Por suerte no le faltan aspirantes a bailar con ella, desde el mundano y bien plantado Tom Musgrave hasta Lord Osborne, un hombre tan escandalosamente rico como socialmente inepto. ¿A quién elegirá? Esta comedia de Laura Wade parte de una novela inacabada de Jane Austen y aborda qué le pasa a una escritora cuando se le escapa de las manos la trama de su obra y son los personajes quienes toman el control.
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«Sumergirse en este libro es mirarse en el espejo y encontrar aristas y rincones olvidados llenos de belleza.»Alice Kellen «El suspiro después de la caricia. Este libro es un corazón latiendo.»Sara Búho Emociones y sentimientos van ligados, pero no son la misma cosa. Ellas, salvajes, ellos, conscientes. Alejandra G. Remón, guía excepcional, nos conduce en un viaje fascinante bajo la piel y nos invita a descubrirnos y redescubrirnos, a sentir y a sentirnos. De manera honesta, certera, atravesada de poesía, la autora que nos deslumbró con Cuando nadie mira explora el intenso mundo de las emociones para demostrarnos que vale la pena observar la vida más allá mucho más allá de lo que ven nuestros ojos.
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Personal y profano, y en ese difuso límite entre la santidad y lo diabólico que nos resulta tan atractivo como indistinguible, Elena Gallen traza un recorrido inédito de la mujer fatal. El relato histórico y cinematográfico se ha encargado durante siglos de culpabilizarnos por sentir fascinación por un estereotipo en el que de manera instintiva identificamos que se escondía el germen de nuestra libertad. Los evocadores trazos de Sara Herranz acompañan las reflexiones de Gallén e impregnan cada página de simbolismo y misterio.
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Los protagonistas de este libro sienten que han perdido la libertad para ordenar su propia historia dentro de otra historia que es mucho más grande que ellos mismos. La madre celosa del tiempo que su empleada de hogar pasa con sus hijos, el adolescente vigoréxico obsesionado con construir un cuerpo que lo convierta en mejor persona, el anciano judío homosexual que llora abrazado a los jerséis de su amante cuando se le rompe la lavadora... y la vida. Una colección de personajes que luchan por encajar en el relato de sus propias vidas, héroes y fracasados al mismo tiempo. Labari indaga en estos cuentos en el deseo, la diferencia de clase social o el racismo, y en las carencias de todo tipo que nos impiden descifrar nuestra identidad sin atender a dogmas o a recetas. Al contrario, enfrenta el peligroso deseo de reunir lo que es distinto a través del lenguaje y se lanza a escribir desde fronteras, palabras e idiomas nuevos.
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William Butler Yeats (Irlanda, 1865 – Francia, 1939) recibió el Premio Nobel de Literatura en 1923. La poesía de Yeats es rica y diversa. Sus temas abarcan leyendas y mitos celtas y expresan su preocupación por el destino de Irlanda, dividida entre el protestantismo y el catolicismo.Se trata de una lírica compleja, pues se nutre de elementos heterogéneos: emplea rasgos surrealistas, esotéricos, románticos y simbolistas. A menudo, dentro del poema aparecen rupturas temáticas y hasta contradicciones. Hay poemas de intenso tono satírico, en otros, la melancolía resulta casi paródica. La riqueza y la multiplicidad de matices, temas y atmósferas que los poemas recrean sobrepasan todo intento de encerrarlos bajo algún calificativo. Leer a Yeats es asomarse a la historia de Irlanda y, por consiguiente, a su cancionero y sus luchas.
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Alceste, el protagonista de esta obra, ocupa todo el escenario: odia su tiempo, odia los versos de Oronte, tiene un pleito por unos rumores que hacen correr sobre él. Y como enamorado, paradójicamente, no cesa de reprochar los defectos a su amada (de l
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