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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Aquest llibre conté un conjunt de capítols que tracten aspectes molt diversos de la cultura catalana, des del segle XVI fins al XXI. Hi destaquen les pàgines dedicades a l'Acadèmia de la Llengua Catalana -una corporació creada en contra de l'Institut d'Estudis Catalans, especialment de la seva Secció Filol.gica-- i tota una sèrie de cartes desconegudes relacionades amb grans figures exiliades: Rafael Patxot, Baltasar Samper, Pompeu Fabra, Carles Riba i Joan Coromines, entre molts altres, que ens permeten de conèixer múltiples detalls dels anys de l'exili i de l'època franquista.
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Poemario del autor Adyel Quintero DíazDurante la pandemia del COVID 19 el miedo, la ansiedad y la incertidumbre se tomaron la vida de casi todo el planeta. Mucho de lo que ocurría parecía a la vez incierto, como si fuese parte de una extraña película sin fin en la que cada día pasaban las mismas cosas. Todos los días se hicieron iguales, llenos de las imágenes que nos trajeron la muerte, la ausencia de ciertos rituales, el hastío, la nostalgia y las conversaciones delirantes que ocurrían al interior de las casas. Una manera de habitar semejante desvarío, fue dejarse llevar por esas imágenes, esos estados y permitir que algunos fragmentos de la “película” se proyectaran en estas páginas, donde la poesía, el teatro y el cine se mezclan como parte de un mismo lenguaje.
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Com un corrent d'aire que naix per contrast entre el mar fresc i la terra càlida, les experiències del passat i del present originen aquests versos. Durant la primavera i l'estiu de l'any anterior van germinar, per florir al llarg de la tardor i granar els primers dies d'hivern. La sentor marina es fa notar en sensacions corporals que envolten la infantesa, el vagareig de la vida emocional, la pau de l'amor i la maduresa entre vegetació i roques, l'enyor de la mar llunyana. Tot amarat d'un sentiment crític que esdevé literatura per estima al país i a la llengua.
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La chinche es una obra de teatro escrita en el año doce de la era soviética con la mirada puesta en un futuro socialista y con ese perfume a fracaso y desencanto que suele rodear lo ruso, una obra que, leída en la era del Covid y de la confusión del pasado, se revela extraordinaria en los matices y generosa en las invitaciones a discernir.
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Joan-Lluís Lluís és autor d'una s.lida i reconeguda traject.ria com a novel·lista, i és també un activista militant de la llengua catalana. Nascut a Perpinyà l'any 1963 i educat a l'escola francesa, l'autor va optar, en paral·lel a un procés d'autoafirmació personal, per fer del català la seva llengua literària. Els invisibles explica aquest recorregut ideol.gic i sentimental per una llengua que, a la Catalunya del Nord, s'ha volgut invisibilitzar.
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¿Cómo debemos valorar la función del lenguaje después de que haya servido para expresar falsedades en los regímenes totalitarios, después de que haya sido arrastrado a la vulgaridad y la imprecisión de las democracias de consumo masificado? ¿Cómo responderá el lenguaje futuro a las exigencias científicas de expresiones más exactas, como la matemática o la lógica? Steiner consagra este volumen a la vida del lenguaje a través de los tiempos, desde la Grecia clásica y la Edad Media hasta los logros siempre inalcanzables de Shakespeare, las luces y sombras de Baudelaire, Kafka, Thomas Mann, Broch o Beckett. Sus reflexiones se centran en las posibilidades de los distintos géneros literarios y en las sacudidas que las complejas energías de las palabras provocan en nuestro mundo, pero también evoca los límites del lenguaje. Ante los extremos de lo atroz o lo sublime parece imponerse el silencio. Sin embargo, a los seres hablantes el lenguaje impone el deber de transmitir incluso aquellas experiencias que están en el límite de poder articularse.
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Los cuatro textos de este volumen constituyen un hito en el pensamiento contemporáneo por tratarse de una de las primeras tomas de posición ante las tendencias de pesimismo cultural presentes en autores como T. S. Eliot ya a mediados del siglo XX. A partir de su concepto de «poscultura», Steiner formula una serie de réplicas de gran lucidez, belleza y atrevimiento, precisamente en un momento en que este pesimismo reaparece en todo su radicalismo y violencia. La cultura, nueva divinidad del siglo XX, había mostrado su impotencia ante la confianza puesta en ella al constatar que no pudo evitar ni suavizar las peores atrocidades surgidas de la mente humana. Y, sin embargo, postular la muerte de la cultura es un sinsentido mientras existan seres humanos. ¿Deben ampliarse entonces las fronteras del concepto de cultura, aceptando como hechos culturales no sólo lo indecible del Holocausto, sino también la ciega destrucción masiva de un patrimonio cultural irrestituible? Steiner propone soportar la debilidad y la humillación de la tradición cultural e incluso su radical desidealización, pero con la osadía y la integridad que ella misma nos ha legado en sus testimonios más excelentes. Esta desidealización permite actualizar y reivindicar importantes propuestas de toda nuestra tradición para construir el horizonte de una poscultura. Sólo con la dignidad de este coraje resistiremos la bancarrota de la esperanza al mirar detrás de la séptima puerta del castillo de Barba Azul.
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Catalogado habitualmente como prerromántico por los historiadores de la literatura, William Blake (1757-1827) es, sin embargo, una figura que desafía cualquier intento de clasificación y que ocupa un privilegiado lugar en la lírica inglesa. Rebelde, visionario y místico, rompió con las doctrinas oficiales de su tiempo (teológicas, morales, políticas y estéticas) y se anticipó a muchos pensadores que hoy forman parte del acervo cultural de Occidente. El suyo es un mundo donde el mal es una fuerza necesaria y las leyes morales son cadenas impuestas al hombre, al que el poeta aspira a liberar a través de la imaginación, la visión y el conocimiento. La presente “Antología bilingüe” ofrece una amplia selección de la obra de William Blake, traducida y prologada por Enrique Caracciolo Trejo. No faltan en ella sus poemas más conocidos, como «El Tigre» o «Un árbol emponzoñado» y viene completada por un glosario de vocablos de sentido especial en la cosmogonía del autor y una cronología.
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KARMELO C. IRIBARREN (Donosti, 1959) creció escribiendo poemas que nadie leía, andando caminos que nadie recorría y rimando a su puta bola. Si hay quien escribe poniendoartificios, él lo hace apartándolos. En Karmelo, como en ciertos paisajes, menos es m
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''Llegir a Leopardi és tan dolorós i plaent que en mans de Comadira aquest dolor es transforma en alegria.'' , Antoni Marí, La Vanguardia. L'italià Giacomo Leopardi (Recanati, 1798 - Nàpols, 1837) és un dels més grans escriptors del romanticisme europeu. Tota la seva obra poètica, fruit d'una tasca continuada de prop de divuit anys, són els trenta-sis poemes -idil·lis i cançons- i els cinc fragments recollits en els Cants, un dels grans llibres de poesia de tots els temps. Leopardi, que d'entrada alterna poemes de temàtica civil i heroica i de to classicitzant amb poemes de ressons autobiogràfics i quotidians escrits en un to més planer, ateny una maduresa esclatant en els últims anys, en què cada poema, en paraules de Narcís Comadira, arriba a «l'íntima adequació de llengua i de sentit, creixent inseparables, fixant-se alhora, indissolublement».
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Paisajes para leer, poemas para mirar, dibujos para cantar. De la mañana a la noche. Del sol a la luna. Así se recorren las páginas de este libro de poemas y canciones de Federico García Lorca, ilustrado por Isol.
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¿Le gustaría conocer Nueva York? ¿Y si su guía fuerael mismísimo Federico García Lorca? Ahora es posiblegracias a este fascinante mapa literario con el que podrá descubrir en primera persona cómo era la ciudadque inspiró a Lorca una de las obras cumbres dela poesía del siglo XX, ''Poeta en Nueva York''. Un viajeen el tiempo que ningún amante de la literatura debería perderse.
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Después de Hamlet, Medida por medida es una de las obras de Shakespeare que más interés interpretativo han suscitado.Shakespeare escribe Medida por medida en un momento en el que el teatro inglés y él mismo están pasando por una etapa de experimentación e innovación. Ya no escribirá más comedias de amor, sino tragicomedias. Dentro de este género, parece atraído por las posibilidades dramáticas de la llamada «comedia de perdón», que, como en esta obra, le brinda la oportunidad de ensayar nuevas combinaciones de seriedad y comicidad. La crítica siempre ha observado que en Medida por medida la sexualidad tiene una presencia mucho más abierta y constante de lo que es habitual en Shakespeare e incluso ha mostrado que es en relación con ella cómo los personajes se definen. Sin embargo, no puede decirse que Shakespeare defienda la sexualidad per se, más bien parece que la acepta sin condenarla, cuestionando el tópico de la virtud sobre el vicio.
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Estamos ante uno de los cancioneros más conmovedores de la literatura catalana contemporánea. Pepe Sales arrolla a los lectores con su fuerza lírica y su canallería fabricada ennla cárcel, los antros… bajo el impulso constante del huidor. Su música es capaz de abrirse paso a martillazos a través de un contexto social represivo imposibilitando cualquier acallamiento. Una voz que florece en la periferia compartiendo su vitalismo contagioso capaz de convertir el deseo en una política, el sarcasmo en una fiesta. Víctor Obiols encuentra en su poesía un «nihilismo lúcido, rabia ceñida a un verso, intransferible visión sobre el país que le ha tocado vivir, ironía contra las tinieblas, remanso en la melancolía o en el tedio. Canciones llenas de cosas suyas, «trozos de vida». De amor y droga, como las quiso bautizar». Adentrarnos en este libro es también hacer un ejercicio de memoria, evitando la pérdida de las vidas efímeras o, al menos, postergando un conocimiento frágil de mundo. También es un viaje de conexiones entre lenguas vecinas, de vidas abriéndose paso a través de la palabra, antes de que los gestos sean posibles. Pepe Sales es culpable. ¿Qué decir? Sus versos están atravesados por la música, la droga, la represión franquista, la disidencia sexual. Culpable de obscenidad, grito inyectado en vena, cítara cantarina, luz de verborrea. En su poesía está tatuado el talego y su jerga. El dolor rezuma entre frases que parecen susurradas: «Bello peregrino / ¿quieres hacerlo conmigo? / Bello peregrino, /quédate por aquí». El artista nos dispara una compleja política que hace uso de todas las cadenas que prometen una liberación, pero que subyugan. En él reconoceremos todas estas cosas, inundadas por un cruel optimismo, una asombrosa ternura.
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Heredero de una poética de reescritura ya consolidadaen España por autoras como Berta García Faet, esta obra es un poemario de vulnerabilidad, de nostalgia que no anula la esperanza. Enfermo de amor y exigencia,el sujeto lírico, a la manera de un niño hiperconsciente, se busca en la historia de la Tierra y de la literatura. Así, entre el dolor y el juego, Juanpe Sánchez López nos entrega su relato.
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Contiene y proyecta este último libro de poemas de Juan Cobos Wilkins dos hondas imágenes simbólicas y complementarias: la de un mundo, un tiempo, una forma de vida, que el poeta, testigo, ve desmoronarse en paralelo a la existencia propia. A ambas, fundidas en una, sólo puede responder de una forma activa: escribiendo. Muy presentes en sus versos están la desolación, el desamparo, la indefensión, la orfandad, el extrañamiento, el desarraigo, la contradicción hermosa e hiriente de existir. Estamos ante un libro en el que el vértigo y la serenidad no son contrarios, y soledad y belleza llevan alianza. Un libro marcado por las ausencias, las pérdidas, la asunción del dolor y la conciencia del compromiso solidario con el sufrimiento del otro. Construido con, desde y sobre el vacío, el poemario tiene el paso del tiempo como ritmo mismo de sus versos en los que se abren la transparencia de la infancia y el hálito del amor, capaces -a pesar de que el mundo se derrumba–, de lograr todavía la magia, el asombro, la alada metamorfosis que desafía a la muerte.
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Nunca en la literatura universal se ha producido un florecimiento de poetas que en cantidad y calidad pueda ser comparado con el grupo poético del 27 español.La sola mención de sus nombres bastará para confirmarque estamos en uno de los períodos más brillantes denuestra lírica: Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, FedericoGarcía Lorca, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Emilio Prados, Manuel Altolaguirre... Entre todos lograron unaoriginal síntesis de tradición y modernidad, de clasicismo y vanguardia, de lo español y lo universal. Algunos de sus libros, ilustrativos de las diversas corrientes poéticas de este siglo, representan las más altas cotas de la lírica española contemporánea.
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Además de ser una de las principales figuras literarias del siglo xx y ganador del Premio Nobel de Literatura de 1923, William Butler Yeats es el mayor poeta lírico que ha producido Irlanda. Yeats creó una vasta colección de historias, canciones y poesía del pasado histórico y legendario de Irlanda. Esta recopilación incluye un gran número de obras, piezas que le han valido a Yeats el reconocimiento como uno de los más grandes poetas de su tiempo. La ilustradora Sandra Rilova nos lleva al universario literario de Yeats a través de cuarenta poemas esenciales.
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Antología de 17 poetas españolas actuales.Esther Ramón, Julia Piera, Julieta Valero, Marta Agudo, Pilar Adon, Maiza Martínez, Raquel Lanseros, Miriam Reyes, Sofía Rhei, Leire Bilbao, Ana Gorría, Ana Vidal Egea, Elena Medel,Berta García Faet, Luna Miguel, Emily Roberts y Leticia Bergé son las poetas que conforman esta antología que desea mostrar diecisiete razones para leer buena poesía, buena poesía española y escrita por mujeres.
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El ahondamiento en los entresijos de la conciencia es una labor de orfebrería que solo el buen Artesano de la palabra, en todo su sentido platónico, es capaz de materializar. Lana en la garganta desciende hacia las intimidades de la palabra poiética para revelar ese sentido que se oculta tras la máscara de lo cotidiano.Tejer y vivir están conformados por la misma naturaleza creadora, encauzada a través de una palabra que se encuentra en el umbral de la experiencia particular y una verdad de orden universal. El transcurrir de la existencia en la forma del ovillo adquiere unos contornos concretos, pero es al desplegarse cuando alcanza su sentido pleno. En ese recorrido, el hilo hace las veces de guía para un individuo que busca escapar del laberinto del Ego y precipitarse hacia los límites de la identidad. Como Penélope, el yo poético es una potencia femenina, engendradora, que se recrea tejiendo y destejiendo los hilos de su propia subjetividad.
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Si quisieras podrías levantarte y volar, de José Carlos Rosales, es un libro poético de una radical contemporaneidad. Se trata de un solo poema que, dividido en 25 secuencias, ''narra'', en segunda persona, la fuga improvisada de un hombre durante una monótona tarde de agosto. Poesía urbana, vivida, con una gran carga emocional, que pone al lector ante algunos de los símbolos que marcan la cotidianidad del siglo XXI: automóviles, gasolineras, una grúa municipal, sótanos y bares, tiendas cerradas, periódicos olvidados, un centro de salud, caminos vecinales, la luna llena y un deseo: el de la huida.
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En Seré la Tierra Ana Aupi escribre sobre Guatemala desde Barcelona. Desde los versos que podréis leer, Aupi encuentra un lugar para enunciarse. Fragmentos de una época anterior, de una lucha por dejar un mejor presente para quienes vienen después. Una poesía escrita en la distancia, pero no desde el sofá. La autora nos habla desde sus vivencias y experiencias ''hablo desde escuchar la bala en mi oído, desde sentir el golpe en la espalda, desde el sabor a muerte en mi boca, desde la boca abierta de mi amigo''. Escribe para no olvidar. Seré la Tierra es el deseo de querer abrazar fue arrancado y pudo ser llorado. Una afirmación sólida de ser la marginalidad de la izquierda, la disidencia en la disidencia, como pronunciamiento, y como enunciación. Es resistir al olvido y velar lxs muertxs. Seré la tierra es el ir asumiendo lo menudo e inmenso, que es nuestro paso por acá.
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Arvis Viguls (Letonia, 1987) nos sorprende con un libro donde las emociones y la poesía aparecen en los actos más cotidianos, en las situaciones que todos hemos vivido y podemos identificar como propias.
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La poesía de Hölderlin, cuya etapa tardía algunos tildaron de evidente muestra de perturbación mental, hoy se considera uno de los casos más singulares de genialidad poética y filosófica. Enigmáticos, a veces incompletos o incluso incongruentes, sus poemas son al mismo tiempo un deslumbrante testimonio de un moderno e infinito‘work in progress’, de un eterno palimpsesto de un único‘poema’de tono profético que trata de expresar la tragedia de la humanidad que ha perdido la comunicación con la belleza y lo divino. Este volumen reúne lo esencial de Hölderlin siguiendo dos principios: representar todos los temas relevantes de la poética de Hölderlin y componer una edición de lectura que, mediante el comentario a cada poema, haga accesible en lengua española la voz alemana más original y afín a la sensibilidad contemporánea.
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La voz de Derek Walcott representa como ninguna otra el sincretismo de los pueblos del Caribe. En Walcott la lengua inglesa se vuelve estrepitosamente mágica al mantener la gran tradición clásica incorporando el espectáculo de la vida en el Caribe. Es posible que desde García Lorca no haya existido un poeta como Derek Walcott.
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Este mundo de fuerza y violencia no es, no puede ser un mundo añorado o ensalzado en los versos de Julio Martínez Mesanza, que pasan por belicistas. Si nos detenemos un poco ante ellos, veremos, junto al desprecio de la especulación racionalista (que es, sobre todo, el desprecio por la soberbia humana, sus utopías, su orgullo y sus torres), veremos, digo, la terrible verdad de que esa ley de la fuerza y la materia no es la del vitalista que invoca la acción o la de un quijote caballeresco: esa ley preside estos versos no porque sea la suya, la de ellos, sino porque es la nuestra. Nuestro mundo tiene, de nuevo, la idea de la historia que corresponde a la muerte irremisible del individuo personal y al progreso de la especie: en suma, al triunfo de la materia. Y ese mundo de guerra al alma, en el que el alma se debate por obedecer sin que la maten -por ello- los desobedientes, ese mundo es el nuestro, el de hoy, nuestro dialogante y relativo mundo, con su cultura y todo. E. A. R.
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W es la letra con la que Javier Pérez Walias concilia su álbum familiar, enfrenta distintas formas del dolor humano y pretende saldar algunas cuentas con los ausentes. Para lo cual, urde un discurso descarnado que va desde la elegía a la crónica, desde lo íntimo a la mesurada celebración de lo vívido. Acerado todo por un vertiginoso ritmo y una imaginería que desemboca en hallazgos deslumbrantes: «Gime la rabia en mis ojos porque otrora gimió como un cordero en los ojos de mi madre+. El pasado y el presente, la memoria y los recuerdos, el olvido y la vida se entrecruzan creando mundos que trascienden para volver a otorgar presencia a lo que ya no está. Julio Cesar Galán
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LUIS BAGUÉ QUÍLEZ (Palafrugell, 1978) trabaja como investigador “Ramón y Cajal” en la Universidad de Murcia. Sus últimos libros de poemas son Página en construcción (2011, Premio “Unicaja”) y Paseo de la identidad (2014, Premio “Emilio Alarcos”). Recientemente ha publicado el ensayo La Menina ante el espejo (2016) y el libro de relatos 5 capitales (2017, Premio “Cortes de Cádiz”). Clima mediterráneo ha obtenido el Premio “Tiflos” por unanimidad. “El Mare Nóstrum, que fue cuna de sueños de la vieja Europa cuando no era vieja, hoy es fosa común donde naufragan las pesadillas de la Europa de dos velocidades. De la cuna a la sepultura, Clima mediterráneo convoca los mitos clásicos confundidos con —o degradados en— pecios de la cacharrería posmoderna: la figura de don Quijote, el toro de Osborne, el retrato cortesano, la dieta mediterránea. Son, todos ellos, emblemas que alumbran la identidad colectiva y también acotan la identidad privada, en un tiempo en que las relaciones humanas se retransmiten por streaming en las redes sociales. Irónicos y fragmentarios, comprimidos en lápidas aforísticas o desvanecidos en volutas de escepticismo expansivo, estos versos constituyen un caleidoscopio cultural cuyas estampas salen a un mundo que ha suplantado la verdad por la interpretación para no caer postrado ante lo insoportable”. ÁNGEL L. PRIETO DE PAUA
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El Cantar de los Cantares fue incorporado a la Biblia como el más bello poema de amor vivido por el rey Salomón y la hija del Faraón. A mediados del siglo XVI fray Luis de León tradujo el original hebreo, palabra a palabra, atendiendo solo a la «corteza de la letra», convencido de que cuanto más penetramos en la experiencia humana del amor, mejor comprendemos el sentido alegórico espiritual que se oculta en los versos. Es lo que fray Luis explica en la Exposición, en un castellano considerado el más hermoso de la literatura espiritual del Siglo de Oro. Censurado y prohibido por la Inquisición, no fue publicado hasta 1798. Aquí se cuenta la apasionada historia y se desentraña la belleza de lo que Jorge Guillén calificó como «adorable, prodigioso cántico».
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Veinte poemas de amor y una canción desesperada es uno de los poemarios en lengua española más leídos de todos los tiempos. El poeta chileno Pablo Neruda (pseudónimo de Neftalí Reyes Basoalto) lo publicó en 1924 con tan solo 19 años, y con él ingresó en la cumbre de la literatura universal, lo que se confirmaría más tarde con la obtención del Premio Nobel. Muy influido por el modernismo, este clásico conserva intacta su magia secreta, contagiosa y peligrosa.
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Sin fronteras cuestiona políticas culturales que definen la identidad en términos estrictos y, por lo tanto, acortan horizontes. La antología reúne a trece poetas que comparten un lugar de nacimiento -Galicia- y una lengua literaria, el español, y cuya identidad poética no se puede definir por un solo factor, ya sea el lugar de nacimiento, la lengua en la que escriben, el estilo o la ideología. Al fin y al cabo, la calidad literaria no emana de ninguna de esas características. La antología aboga por dejar de lado categorías reductoras -políticas y literarias- y cruza las fronteras más comunes que se imponen sobre la poesía. No está organizada por generaciones o tendencias, y la idea de traspasar fronteras -en todas sus encarnaciones- es una imagen recurrente en los poetas seleccionados. La muestra incluye nombres esenciales de la poesía contemporánea, como Blanca Andreu, Miguel d'Ors o César Antonio Molina, poetas que merecen ser más conocidos, como Oroza, y un manojo de voces jóvenes. Por el criterio del que parte, la antología capta un mundo cultural que no se percibe con claridad por las restricciones que se imponen sobre él. Ana Eire nació y creció en Orense. Es doctora en Literatura Hispánica por la Universidad de Vanderbilt y catedrática de la Universidad Stetson de Florida. Sus ensayos sobre poesía española contemporánea han aparecido en diversas revistas académicas. En Renacimiento ya publicó Conversaciones con poetas españoles contemporáneos (2005) y la antología de la poesía de Miguel d'Ors, El misterio de la felicidad (2009). Los poetas antologados son: Carlos Oroza, María Elvira Lacaci, Arcadio López-Casanova, Miguel d'Ors, César Antonio Molina, José Cereijo, Blanca Andreu, Beatriz Hernanz, Luisa Castro, Agustín Fernández Mallo, Pablo Fidalgo, David Fernández Rivera, Raquel Vázquez
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Joan Salvat-Papasseit (1894-1924) es uno de los más importantes poetas de la literatura catalana. De extracción humilde y formación mayoritariamente autodidacta, comienza su aprendizaje literario y vital en la Barcelona irrepetible de principios de siglo, una ciudad creativa, emprendedora y luminosa donde tanto la burguesía como el proletariado, aun siendo clases enfrentadas, contribuían a la modernización de su entorno social. Autor revolucionario en lo ideológico y en lo poético y lector privilegiado de, entre otros, Apollinaire, Cocteau, Tzara y Marinetti, pero también de Whitman y de Poe, dejó para la posteridad una obra insólita, arriesgada y llena de matices, en la que lo sencillo se hace excepcional.
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Amb Memòria de la mar l'autor regressa a la fèrtil memòria de la cultura grecoromana, l'humus del seu quefer rutinari que ja s'inicià amb el poemari La mar i els blaus (2013) amb la presència dels herois i les deesses de la mitologia mediterrània, aleshores assumida en la vida quotidiana del poeta. Amb el present recull ens trobem amb un petit grup de poemes quotidians i un munt d'escrits en projecció esdevenidora i articulats des de la memòria de futur del poeta adolescent, aquí el jo poemàtic serà coprotagonista amb els personatges de la cultura grega, viurà i conviurà amb ells, navegant al vaixell dels argonautes, contemplarà el comiat d'Hèctor i d'Andròmaca, o assistirà als esdeveniments dramàtics d'Antígona i del mateix Sòcrates o el fracàs dels herois de l'Anàbasi...
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«Auden és el primer poeta de llengua anglesa que es va sentir com a casa al segle XX», com bé va dir el seu marmessor, Edward Mendelson, en el pròleg dels Selected Poems: «Va acollir en la seva poesia totes les circumstàncies convulses del seu temps, tota la varietat de llenguatges i esdeveniments». Mentre els seus predecessors, cadascun a la seva manera, apel·laven nostàlgicament a una forma o altra de paradís perdut i de grand style, Auden es va deixar absorbir per les agitacions polítiques, socials, morals, psicològiques i religioses de la seva època i va anar-les reflectint des de diversos punts de vista a mesura que passava el temps fins a configurar una autèntica visió del món, cosa a l'abast de molt pocs poetes. En aquest sentit, poques obres poètiques deuen haver estat tan representatives d'un segle com la d'Auden, que n'encarna els principals nòduls de tensions i contradiccions que el travessen de cap a cap. Però no ens enganyem: la història és històrica, i la poesia aspira justament a no ser-ho. La força i l'originalitat de l'obra poètica d'Auden es troben en la seva simultània capacitat d'absorció, meditació i regurgitació de la història -pública i privada- que li va tocar de viure, de la qual no sols no es va desempallegar, sinó que la va voler entendre, reflectir i en certa manera transcendir o resoldre, encara que només fos en un pla espiritual o estètic. Del pròleg d'Àlex Susanna Nascut a York el 1907, Wystan Hugh Auden és considerat per molts el poeta anglès més important del segle XX. Es graduà a Oxford, on es va fer amic de Cecil Day-Lewis, Stephen Spender i Louis MacNeice. Fou també crític, autor de teatre, assagista, traductor i professor, tant a Anglaterra com als Estats Units, on residí molts anys. Dotat d'un extraordinari intel·lecte i un agut esperit, va exercir una enorme influència sobre la poesia del seu temps. L'any 1948 guanyà el premi Pulitzer amb The Age of Anxiety. A la seva poesia es troba la preocupació pels reptes morals i s'hi mostra la influència d'un context ple de qüestions polítiques, religioses, socials i psicològiques. Se l'ha considerat un antiromàntic per la seva claredat analítica, però és a la vegada versàtil, inventiu, prolífic i capaç de conrear tant les formes clàssiques com d'inventar-ne de noves. Entre els seus llibres destaquen Another Time, For the Time Being, The Sea and the Mirror i Nones. Va morir a Viena el 1973.
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La tragedia romántica más señalada de la literatura en inglés.Escrita originalmente en 1892, esta obra de William Butler Yeats retoma una vieja leyenda franco-inglesa -que a su vez remite a la del sacrifico de Alcestis de la mitología griega- para abordar, con tintes propios de la cultura popular irlandesa, la cuestión de la adversidad y la redención.
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El cielo de abajo ofrece un mapa alternativo de la poesía femenina hispanoamericana en el empeño de repensar la noción de cuerpo-objeto que le ha sido tradicionalmente asignada, situando la fisicidad como un lugar determinante para la producción de sentido. María Alcantarilla recorre un itinerario singularísimo compuesto por trece autoras que, en su práctica totalidad, habían permanecido hasta ahora en una suerte de limbo con respecto al canon establecido, y cuya fortuna editorial dificultaba sensiblemente el acceso general a sus obras. Tal es el caso de la venezolana Hanni Ossott, la uruguaya Tatiana Oroño, la boliviana Blanca Wiethüchter, la panameña Diana Morán, la ecuatoriana Ileana Espinel o la mexicana Esther Seligson, entre otras, cuyas voces, desde la individualidad estética y expresiva que las caracteriza, se enhebran a lo largo de estas páginas a través de un mismo hilo de urdimbre que contrapone el discurso lógico de la razón al canto orgánico de la intuición poética. La selección, complementada por las fotografías de la antóloga, pretende así recuperar el papel de las mujeres como legítimas interlocutoras poéticas y sobreponerse a esa misoginia ancestral que durante siglos ha silenciado su imaginario, restaurando el espejo poliédrico de la poesía hispanoamericana contemporánea escrita desde y a través del cuerpo.
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