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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Hollywood antes de la censura. Las películas pre-code
Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este libro pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de sus películas. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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L'Esbart Dansaire de Rubí va néixer l'any 1923 com una secció del Centre Parroquial de la ciutat. La renovació viscuda per l'entitat a partir del 1952, quan prengué el mític Esbart Verdaguer com a model, i la direcció ininterrompuda d'Albert Sans durant trenta-cinc anys van situar-lo al capdamunt dels esbarts de Catalunya, tant per la seva tècnica i sentit escènic com per la tasca d'investigació i creació de noves coreografies, sempre fidels als materials tradicionals. Sota la direcció d'Eduard Ventura i, actualment, de Jordi Rubio, director del grup des de l'any 2005, l'esbart ha maldat per fer-se una posició en la cartellera cultural del país.
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Cartas barrocas desde Castilla y Andalucía
El libro de Francisco de la Maza (1913-1972) ''Cartas Barrocas desde Castilla y Andalucía'', fue publicado por primera vez en 1963. En esta obra se relata el itinerario que realizó en 1956 el doctor De la Maza con el objetivo de conocer a fondo la arquitectura barroca de Castilla y Andalucía, con una selección precisa de edificios y autores, lo que no quita, que se interese por otras manifestaciones artísticas, tanto técnicas como de periodos culturales ajenos al barroco. La estructura en formato ''cartas'' se traduce en una prosa amena, viva y fresca que nos revela sus intereses artísticos viajando desde Burgos a Cádiz, desde León a Granada, con páginas dedicadas a Toledo, Salamanca, Madrid, Sevilla y otras ciudades y poblaciones, siempre con especial predilección por la arquitectura barroca. A lo largo de su diario también se encuentra con personalidades de la cultura del momento como Diego Angulo, René Taylor, Miguel de Unamuno o Rafael Manzano. Visita centros de estudio como la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o la Biblioteca Nacional. Además hace acopio de libros que le servirán para la redacción final, ya de vuelta a México. Esta obra ha servido para muchos mexicanos que han visitado nuestro país siguiendo los itinerarios de Francisco de la Maza, por su capacidad de comunicación y apreciación estética, descubriendo matices sobre nuestra arquitectura barroca de interés, también, para nuestra propia historiografía. Razones suficientes para que se edite este trabajo en nuestro país.
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La Andalucía vaciada
Andalucía ha sido históricamente una tierra siempre poblada, desde sus primeros moradores, pasando por la misteriosa Tartessos, fenicios, griegos y romanos, moldean una tierra rica en historia y cultura. La posterior presencia musulmana termina de configurar este territorio, para que los posteriores siglos tras la llegada de los reinos cristianos, hicieran de Andalucía lo que es hoy, dotándola de un patrimonio humano y cultural sin parangón. Sus pobladores, a lo largo de tan extensa historia, se han movido en flujos migratorios a lo largo y ancho de la misma, pues las guerras de conquista, las pestes y enfermedades, las catástrofes naturales y como no, su relación con el medio productivo principal que es la tierra, han hecho de las migraciones en Andalucía un fenómeno recurrente, que han poblado y despoblado de forma cíclica sus distintos rincones. Es en esta relación con el medio productivo, donde encontramos desde mediados del pasado siglo xx, el origen de la situación que tenemos en la actualidad y que esta obra estudia para abrir un escenario de reflexión.El fenómeno de lo que se ha dado a conocer como como España vaciada, tiene su propio escenario en Andalucía. La Comunidad Autónoma más poblada de España, paradójicamente también se está quedando vacía.
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Complejidad y Barroco
La época actual se puede denominar barroca sobre todo por la complejidad de sus construcciones visuales. Todos los demás factores que también contribuyen a hacerla barroca giran en torno a este eje cultural, estético y cognitivo que resulta de la transición de una cultura basada en el texto a otra fundamentada en la imagen. La imagen contemporánea es más un campo de significado que en un medio concreto, ya que no solo existen muchos tipos de imagen, sino que hay que contar sobre todo con el hecho de que muchas de ellas poseen movimiento y van acompañadas, ademas, de sonido. El barroco actual surge del ecosistema que configuran una realidad compleja, una imagen compleja y un sujeto complejo, todos ellos en constante interacción transformadora que catalizan las tecnologías de la imaginación.
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Diego de Anaya y Maldonado
A lo largo de una vida, las razones que traen a las manos un libro, los usos y las funciones que se les conceden varían de la misma forma que sus lecturas, de tal modo que en los últimos años se conservan algunos de los más preciados, pero no sólo, también habrá otros que nunca fueron leídos del todo, otros, fruto de un regalo que fueron directamente almacenados, incluso algunos se intentaron vender, pero no se pudo, por supuesto, también se conservan varios de los olvidados. Por todo ello, la aproximación a una colección de libros resulta controvertida y, en cierto modo, voyerista, pues hay quienes reconocen en las colecciones el reflejo de su propietario, mientras que otros ponen en entredicho la posibilidad de ponerse en el lugar de sus lecturas. En el equilibrio de este dilema, entre la posesión y la recepción, oscila la inspección sobre las arcas que custodiaban los libros del arzobispo Diego de Anaya al final de su vida, una de las colecciones privadas más importantes de la ciudad de Salamanca durante las primeras décadas del siglo XV. Con el propósito de conocer las actitudes que manifestó hacia ellos y con ellos, confluyen en esta monografía referencias tan asépticas como son los inventarios colegiales, cuya información se ve tamizada por la red de afectos que revelan las mandas testamentarias, así como la configuración visual y material de los últimos códices que encargó, paradójicamente, con inquietantes imágenes que nos evocan sus últimos años al frente de la sede hispalense.
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Queercore: Cómo punkear una revolución
Yony Leyser desarrolló la idea de Queercore: Cómo punkear una revolución durante una gira con un grupo de artistas queer. Años más tarde, el bagaje adquirido se traduciría en el aclamado proyecto documental del que este libro ofrece por primera vez una traducción al español. Aquí se deja claro que el punk y lo queer no son estilos ni géneros musicales, sino ideales por los que merece la pena luchar. Formas de hacer del mundo en el que vivimos un lugar mejor y más divertido. Leyser retoma el legado del queercore para luchar contra cualquier clase de conformismo, animando al público a liberarse y constituir una fuerza liberadora y transformadora de la sociedad. Rebosante de testimonios de iconos como Peaches, John Waters, Bruce LaBruce, Billie Joe Amstrong, Jodi Bleyle o Lynn Breedlove, este libro supone un tesoro para la comunidad queer.
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El Curueño, donde la luz es memoria
La fotografía es luz, la mirada del fotógrafo busca un ángulo desde el que, en esa luz, retener el instante, trazar la memoria de una geografía nacida de sus deseos. Detrás de cada retrato están las presencias de mi origen, lo aprendido en ese lenguaje de respuestas de una cultura rural, vivida y soñada: las metáforas de los ''afluentes humanos'' del río Curueño, que fueron realidades en otro tiempo. En este viaje por el cauce de un río de imágenes, el camino está cubierto de espejos y arroyos, a veces turbios. Atreverse a regresar en la distancia es proseguir sin límites ni puntos cardinales, incluso deseando hundirme como el náufrago, volver a un principio: la nieve sin derretir en mis labios, en cuyos límites lindar con el imposible. La esencia del volver se plasma en una senda de agua helada, que el tiempo y la memoria la llevan por caminos diferentes: La tejedora de invierno y verano, el tatuaje fosilizado de la noche y el día con su magia de brumas, la hacedora de otoño y primavera, y ese juego extraño de preguntas que sigue habitando dentro de mí: ¿La realidad vivida, la realidad recordada?
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Cleopatra. El libro del 60 aniversario
En el 60 aniversario del film Cleopatra, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: El descomunal rodaje, los directores, las estrellas, la ruina de los estudios Fox... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Norman Foster Sketchbooks Volume III 1986-1990
El Volumen III 1986-1990 muestra los cuadernos de dibujo realizados en la segunda mitad de los años 1980. Incluye 761 dibujos seleccionados de 123 cuadernos. El punto de partida enlaza con el el final del Volumen II, cuando la finalización del proyecto del banco de Hong Kong implicó una importante reorganización de la firma Foster Associates. Aquel momento también supuso el comienzo del trabajo en el diseño final del Carré d'Art en Nîmes, que llevaría ocho años desde el encargo hasta la finalización de la construcción del edificio en 1993. El final de este periodo está también marcado por dos sucesos importantes en la vida de Foster, el primero fue la muerte de su compañera y esposa, Wendy, el segundo el traslado al nuevo estudio junto al río en Battersea.
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Rituales de la percepción
Lo que percibimos no es algo dado. Máquinas fotográficas, cinematográficas, ordenadores, no son solo modos técnicos para distribuir lo sensible a domicilio, sino también objetos rituales que prescriben el límite de la experiencia en el mundo contemporáneo.El autor analiza así los modos en que se organiza el común estético occidental, y la dimensión política de este fenómeno, a través de lo que llama rituales de la percepción. Con una perspectiva latinoamericana como alternativa, traza un recorrido por el trabajo de varios artistas para mostrar los mecanismos con los cuales las artes desarticulan ese patrón estético develando formas de existir que no se dejan programar y que los devenires técnicos no pueden imaginar.
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1540, una odisea en el espacio
El libro que fascinó a la realeza europea del Renacimiento.Si amas la Astronomía, las Matemáticas o la Ciencia, este pedazo de la Historia es para ti.Corría el año 1540 cuando el intelectual alemán Petrus Apianus diseñó para la realeza europea un singular tratado sobre Astronomía: el Astronomicum Caesareum. Este manual explicaba con sencillez la Astronomía del siglo XVI e incluía detalladas ilustraciones de la bóveda celeste y discos móviles que permitían identificar rutas de cometas o pronosticar eclipses.Gracias al Astronomicum Caesareum, Petrus Apianus fue capaz de determinar las fechas de nacimiento de la realeza europea. Ello le permitió ser nombrado Matemático Imperial y recibir financiación para seguir estudiando Matemáticas y Astronomía durante toda su vida.Hoy, cinco siglos después, el mundo reconoce el legado de Petrus Apianus dando su nombre a un cráter de la Luna y a un asteroide. 1540: una odisea del espacio es un homenaje a este genio del Renacimiento, un tesoro de la Historia para aquellos que, como Petrus Apianus, aman las Matemáticas, la Astronomía y la Ciencia.
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Poéticas dispersas I
Esta antología se inicia con un primer texto publicado en un fanzine y finaliza con un ensayo destinado al espacio académico. La palabra circunda el tiempo. Ambos escritos denotan la evolución en la escritura al tiempo que reflejan la del pensamiento. No progresa el escribir por su precisión técnica, sino por el discurso que al madurar encuentra en la palabra su transcripción.Estos textos dispersos conforman mis reflexiones sobre la fotografía y la vida, un tránsito por etapas entrelazado con las voces de obras y autorías, sonoridades que forman círculos concéntricos en torno a un origen compartido: la fotografía.
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Dentro
¿Cuándo surge el sentimiento de intimidad en el arte? ¿Qué pintores empezaron a representar espacios acogedores, cálidos e íntimos? Probablemente fueron Vermeer, De Hooch y otros pintores del siglo de oro neerlandés quienes trasladaron por primera vez a sus telas esos interiores privados. Pero si los holandeses dieron el pistoletazo de salida, tras ellos, numerosos artistas iban a participar en esta búsqueda de lo íntimo. De los interiores cálidos de Holanda se pasó a los fríos y pálidos del pintor danés Vilhelm Hammershøi, el suizo Felix Vallotton descubrió en sus cuadros lo que había de perturbador en los espacios burgueses de las ciudades europeas de principios del siglo XX, los surrealistas indagaron en los interiores soñados, en los que las paredes se deforman y los suelos se abren bajo nuestros pies, Edward Hopper diseccionó con la precisión de un cirujano los espacios anónimos de los no lugares: los hoteles y los compartimentos de tren. Otros artistas, como Degas y Bonnard, abrieron de par en par las puertas del cuarto de baño, mientras más tarde, en este siglo, el dormitorio y la misma cama revelaron todos sus secretos en las interpretaciones de Tracey Emin y de Sophie Calle. La intimidad es un producto cultural que se ha declinado de muchas maneras a lo largo de los siglos. Con rigor y pasión, Charo Crego nos descubre en Dentro esta insólita historia de la intimidad en el arte.
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Teoría del arte y cultura digital
Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
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En público
En público es el noveno cuaderno de la colección de Cristóbal Hara Los ensayos banales. El lenguaje fotográfico, y en particular el lenguaje de la fotografía con ambición documental, está sujeto a múltiples reglas y convenciones. El trabajo de Cristóbal Hara gira en torno a la búsqueda de alternati vas a las convenciones de su época. En Los ensayos banales, el formato de ensayo, más conciso que el de un libro, le permite aislar y tratar diferentes aspectos del oficio de fotógrafo, ilustrándolos con imágenes, algunas conocidas y otras inéditas, realizadas durante sus más de cuarenta años de trabajo. Los Ensayos Banales tratan aspectos que tienen que ver con la creación de imágenes y con el oficio de fotógrafo.
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El sonido dentro del sonido
La apasionada y estimulante historia de los compositores que se atrevieron a desafiar el mundo convencional de la música clásica en el siglo XX.«Escribo este libro por amor y por rabia. El amor: porque quiero gritar a los cuatro vientos que la música clásica es fascinante, esencial y capaz de cambiar lo personal y lo político. La rabia: porque no puedo gritar con orgullo sobre una cultura que está dispuesta a cerrar sus puertas cuando percibe la presencia de extranjeros.»Este es un libro que no entiende de credos, fronteras, raza ni género. Es un canto a la creatividad entendida como acto revolucionario, un alegato en pos de un canon capaz de representar el sentir y devenir del mundo y la gente de hoy. Kate Molleson nos regala un viaje fascinante que nos llevará lejos de las fronteras y estándares decretados por el establishment musical. De Etiopía y las Filipinas a México, Rusia y más allá, la autora nos descubre diez historias, diez vidas, que iban a alterar para siempre el curso de la historia de la música del siglo XX y XXI.
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De Fuentidueña a Manhattan
Mientras tenía lugar la producción y estreno de ''Bienvenido Mr. Marshall'' (Luis García Berlanga, 1953), otros insignes representantes norteamericanos visitaban la pequeña localidad segoviana de Fuentidueña con un objetivo: adquirir su iglesia románica de San Martín. El ábside del templo era una excelente construcción idónea para completar una de las salas del museo The Cloisters (la sección de arte medieval del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, erigida gracias a John D. Rockefeller Jr.). El director del citado museo, James J. Rorimer (integrante durante la II Guerra Mundial del conocido grupo Monuments Men del ejército estadounidense), retomó en 1952 una idea de 1935: adquirir y trasladar a Manhattan aquel ábside románico español. Halló entonces condiciones óptimas para llevar a cabo una iniciativa que en los años treinta resultó inviable. El nuevo horizonte venía dado por la dictadura franquista, en un momento en el cual esta trataba de salir del aislamiento internacional, contando para ello con el apoyo de Estados Unidos. ¿Cómo fue posible la exportación de un monumento nacional? Esa es la pregunta a la que tratan de dar respuesta las páginas de este libro. El acceso a documentación inédita, tanto en España como en Estados Unidos, ha permitido reconstruir los episodios que se sucedieron hasta la firma del acuerdo en 1957 y la final presentación del monumento en Nueva York en 1961, como una cesión absolutamente excepcional en el ámbito internacional. Los agentes que promovieron y facilitaron la operación, los pagos de diversa naturaleza que mediaron en el acuerdo, las fórmulas para sortear la legislación, los hilos movidos por representantes públicos y por respetados miembros de la élite cultural, así como las voces críticas, constituyen piezas clave de una historia que hasta ahora desconocíamos y era preciso desvelar.
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Arte y Caja de Reparaciones
Se denominaba Caja de Reparaciones al conjunto de bienes requisados a los golpistas con el objetivo de poder afrontar con ellos los quebrantos que la guerra había provocado al país. La mayoría eran de carácter económico, pero la cuestión es si también podían encontrarse piezas de valor patrimonial, como ha podido comprobarse. De hecho, habían sido entregadas en 1938 a la Junta del Tesoro Artístico, encargada de la labor de salvamento patrimonial-artístico. Las más importantes serán evacuadas al final de la guerra a Ginebra, a la sede de la Sociedad de Naciones. Llegados a principios de 1939 Juan Negrín, previendo lo peor, había dado orden de comenzar a embalar y enviar los bienes procedentes de la Caja de Reparaciones con destino a México para sufragar los gastos del exilio. Esta es la primera parte de este libro. La segunda está centrada en el viaje del yate ''Vita'' a México con bienes fundamentalmente de la Caja de Reparaciones. Sobre este yate se ha escrito mucho, pero son también numerosas las incógnitas, especialmente en lo concerniente a su carga y si en la misma había bienes de carácter patrimonial. El hecho de que fuera Indalecio Prieto, en abierta beligerancia con Negrín, el que tomara posesión del yate, ahonda más el problema por la falta evidente de inventario del cargamento. La clave de esta investigación radica en no aislar el estudio del ''Vita'', sino relacionarlo y cotejarlo con la evacuación de las obras de arte a Ginebra. La tercera parte se centra en la gestión franquista en la inmediata posguerra de los bienes de la Caja de Reparaciones. Se trata de analizar el destino de estas piezas, con pinturas de primera importancia, sus devoluciones, entregas en depósito y desvíos. A partir de una estancia de investigación en México, el autor ha podido acceder a numerosa documentación de archivo, en gran parte inédita, con lo que el objetivo de este libro es aportar nueva información con el ánimo de poder esclarecer este enigma histórico.
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Dejadme que os cuente algo del grupo Lone Star
Con la ayuda en las tareas de redacción del rock critic Sergio Martos Montes, Pere nos cuenta, en primera persona y con voz propia, su historia y la del grupo con todo lo que sucedió a su alrededor social y musicalmente desde 1958 hasta el año 2000. En estas páginas, el lector encontrará, además, jugosas aportaciones del resto de integrantes de Lone Star, en sus diversas etapas y formaciones, así como las opiniones de unos cuantos invitados ilustres de nuestro panorama musical. Desde Santiago Auserón, que prologa el libro, a reconocidos periodistas como Jordi Sierra i Fabra o Mariskal Romero, pasando por músicos y compañeros de profesión como Ramoncín, ''Sherpa'', Teddy Bautista o Miguel Ángel Carreño ''Micky''.
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La trilogía de la caballería de John Ford
En el 75 aniversario de la primera película de la famosa trilogía de la caballería de John Ford, el libro analiza exhaustivamente los films que la componen: Fort Apache,La legión invencible y Río Grande.
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Porno-Teo-Kolossal
Una superproducción teológico-pornográfica en la que trabajó durante casi una década, Porno-Teo-Kolossal hubiera sido la película con la que pondría fin a su brillante y controversial carrera cinematográfica antes de dedicarse íntegramente a la escritura. Sin embargo, su brutal asesinato en 1975 dejó inconclusa esta oscura alegoría cargada de sadismo e irreverencia. Epifanio, un rey mago napolitano, emprende su camino seguido de un fiel servidor, Nunzio, en la búsqueda de la estrella que señala el lugar donde deberá rendir homenaje al Mesías recién nacido. Como un símbolo de esperanza, los caprichos del cometa lo conducirán por ciudades utópicas y salvajes, tan fantásticas como reconocibles. Estos alter egos satíricos de las grandes metrópolis del norte de Italia y Francia en las que reina la violencia y la degradación sirven a Pasolini para construir una crítica descarnada de la sociedad de consumo y la decadencia cultural de Europa.a de crear una sociedad no jerárquica y de liberar la mente de las influencias controladoras que nos rodean.
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Sorolla en 30 claves
A lo largo de una fructífera vida consagrada al arte, Joaquín Sorolla forjó un estilo propio, lleno de luz, color, incluso sabor. Pero en su vasta obra también abordó estilos con los que habitualmente no se le identifica, como el costumbrismo, el modernismo o la pintura social, e incluso realizó una importante obra en tonalidades oscuras. Triunfó en Roma, París o Nueva York y recorrió España para pintar sus rincones y sus gentes. A los cien años de su muerte, su obra sigue muy vigente. Con el ritmo de una novela de intriga y el estilo de un narrador con voz propia, Sorolla en 30 claves muestra el perfil humano y revindica la riqueza artística de este singular pintor. El libro se ilustra con una selección de las obras de Sorolla, así como con obras de precursores, coetáneos o admiradores del artista, y otras imágenes variadas (desde los lugares en que vivió hasta objetos de la época) que en su conjunto contextualizan y ofrecen una cuidada edición.
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El proyecto Picasso
'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Manga style 06: psychopath pistachio
Colección Manga Style 06. Pistachio.
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Horta Picasso Miró Mont-Roig
Picasso y Miró revolucionaron, a principios del siglo XX, el arte moderno. Formados en Barcelona, fue en París donde ambos se consagraron como artistas. Pero su pintura y su arte tiene sus raíces en dos lugares singulares del Sur de Cataluña: Horta de Sant Joan y Mont-Roig del Camp. El fotógrafo francés Jean Marie Del Moral no ha dejado nunca de sentir fascinación por la obra y por las figuras de Picasso y de Miró. Buen conocedor de los lugares donde ambos genios se inspiraron y trabajaron afirma que en Horta y en Mont-Roig, Picasso y Miró encontraron la naturaleza y la cultura popular en su estado primigenio. Del Moral piensa que ambos artistas compartían las mismas ideas sobre la creación, el arte, la vida y la naturaleza. De ahí que considere que las raíces de su arte son comunes y que las similitudes entre el paisaje de Horta y el de Mont-Roig resultan del todo reveladoras. A través de su fotografía lírica e íntima, Del Moral crea un diálogo imaginario entre los paisajes y los lugares que inspiraron a Picasso y a Miró. Con su mirada lúcida y poética, Del Moral nos descubre un nuevo Picasso y un nuevo Miró, siempre originales, siempre únicos, pero próximos en lo esencial.
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Pablo Juliá
Este libro habla, entre otras cosas, de la transición a la democracia que yo viví. Pero no pretende definirla, no es un valor absoluto, es mi transición. En todo caso este libro aspira a ser un apunte, un borrador de imágenes que me provocan a hablar de ellas desde hoy, desde el presente continuo, vadeando el tiempo vivido. Sé que no se debe definir algo por lo que no es, pero estoy empujado a no categorizar el tiempo, porque no es solo política, o música, o cine, o temas sociales, no. Es el contexto de todo eso, una amalgama de inquietudes que conformaron esos otros tiempos y que yo veo con una luz extraña, una luz dubia, crepuscular, que espera en el ínterin antes de que salga el sol, esa luz que ilumina el contorno pero a la que le cuesta definir las formas. Palabra y fotografía se unen, pero a veces no se ilustran, sino que establecen otros porqués de mis miradas.
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El polar francés 1931-1982
Representaciones que van mucho más allá de la simple antropología del delito y del delincuente, del enfrentamiento entre el Bien y el Mal. El polar fílmico es, probablemente, una de las mayores aportaciones europeas al cine del género de la historia del cine, pues es el punto de encuentro entre las vanguardias europeas, las películas de Hollywood y la poética trágica, tremendista, sobre la marginación, sobre les bas-fonds, que nace de la novela naturalista francesa de finales del siglo XIX. Todo ello ligado a la fascinación por unas imágenes metafóricas, líricas o ferozmente realistas. De este modo, el polar se define como un cine ideológicamente diverso y estéticamente poliédrico. Un fenómeno transcultural, transhistórico y transgenérico, cuyo estilo visual definido pero, a la vez, dúctil en función de las inquietudes de sus autores, se convierte en miradas, pensamientos, emociones, alrededor del lado oscuro de la sociedad y, sobre todo, de sus individuos. Un género, el polar, dentro del cual encontraremos las mejores obras de cineastas de la categoría de Jacques Becker, Marcel Carné, Pierre Chenal, Claude Chabrol, Alain Corneau, Julien Duvivier, José Giovanni, Jean Grémillon, Jean-Pierre Melville, Jean Renoir o Henri Verneuil, entre otros.
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Las matemáticas, la música y el músico (yo)
Este es el libro de un viaje al interior de la mente de un creador. Un viaje con anécdotas y, como no podía ser de otra manera, sentido del humor, que nos permite descubrir cómo tener curiosidad por las cosas de la vida, y que, unidas a inquietudes profundas, organiza las conexiones sinápticas del cerebro, creando una manera particular, única, de entender la naturaleza de la creatividad y cómo ponerla en práctica. Un viaje que va desde los griegos, Pitágoras, Platón o Aristóteles, hasta los fractales de Mandelbrot, pasando por otras muchas mentes que entendían las matemáticas, la física, la música y la profunda esencia que las unen. Un viaje de valores representativos que, de manera indirecta, nos permite adentrarnos en la personalidad de un genio y comprender y aprender cómo encontrar la inspiración en el conocimiento, porque es posible que aquello del saber no ocupa lugar sea cierto, pero te llena las estanterías de la mente con un sinfín de cosas que intentar y que hacer.Creo que los dos coincidimos en que con una sola vida no nos va a dar tiempo a hacer todo lo que quisiéramos, así que habrá que ir pensando en las siguientes reencarnaciones. Tal y como dijo el no solo gran matemático Gottfried Leibniz: «La música es el placer que experimenta la mente humana al contar sin darse cuenta de que está contando». De la misma manera que placentero es hacer el recorrido por la mente de Eduardo, que él mismo nos propone.
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Beethoven
Cumplidos los 250 años de su nacimiento, ¿por qué sigue Beethoven estando tan vivo y tan de actualidad? En palabras del propio Beethoven El Arte exige que no nos quedemos quietos, motivo por el que seguimos celebrando su inconmensurable genio -cercanos a conmemorarse los 200 años del estreno en directo de la Novena Sinfonía- con la edición en castellano de la novela gráfica Beethoven. La sinfonía final.
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Las mujeres en el sistema artístico, 1804-1939
Las mujeres en el sistema artístico, 1804-1939 ofrece claves para esclarecer el relevante papel que en ese periodo desempeñaron las artistas en España, y en otros focos como Italia, Francia o Reino Unido. Promovido por el proyecto I+D+i Mujeres artistas en España, 1804-1939, el libro plantea una necesaria reflexión sobre la participación y consideración de las artistas en la escena cultural contemporánea, así como sobre los lenguajes plásticos que desplegaron y con los que impulsaron la renovación del arte y el desarrollo de las vanguardias. Conforme a ello, el libro contribuye a la construcción de un nuevo relato historiográfico, que valora, de forma justa, las invisibilizadas aportaciones de las creadoras a la Historia del Arte.
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Refugios del cuerpo y la imaginación
Animales, arquitectura arte y construcción. Un recorrido por las relaciones entre naturaleza y creación humana desde las construcciones biomiméticas.El objetivo de este libro es mostrar las relaciones que pueden existir entre las construcciones de los animales y el arte contemporáneo a través del análisis de aspectos funcionales y poéticos tanto en obras de arquitectura como en artistas plásticos. El desafío principal es trazar un mapa para cruzar las fronteras entre la creatividad humana y las soluciones en los distintos hábitats de los animales, sumando miradas, desde el arte y la ciencia ampliando nuestra noción de la estética y sugerir la unidad biológica del mundo.Dicho enfoque coincide con criterios que defiende el propio trabajo de la autora, Laura Lio, como artista plástica, con búsquedas que han estado muy presentes en sus dibujos y esculturas. En este estudio ha buscado desarrollar una mirada zoológica crítica con una constelación creativa e interdisciplinar que incluye perspectivas típicamente ignoradas por los estudios sobre animales: su relación con el arte y la arquitectura para así avanzar en una comprensión mayor de las imbricaciones humanas y animales.
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Manual de psicoterapia integrativa basada en escenas
El presente libro describe un método de trabajo que los autores hemos ido creando, desde hace casi veinte años, a través de la experiencia con cientos de grupos psicoeducativos y psicoterapéuticos con niños, niñas, adolescentes y familias. La característica innovadora del enfoque nos lleva a hacer especial hincapié en su validación científica.
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Latir de cine
He aquí un libro que alumbra con luz viva, quirúrgica, porciones inmensas de geología cinematográfica. Esto se debe a que Garci alude alguna forma de ver cine que era una forma de ser, una forma de creer y de salvarse. Muchas películas memorables las recuerda Garci no como películas, sino como acontecimientos íntimos de su vida. Es el hombre de cine total... Maravilloso
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Com escriure diàlegs que funcionin per a cinema i televisió
Després de gairebé 40 anys de no parar d'escriure esquetxos, programes de televisió, sèries, tvmovies, pel·lícules i obres de teatre i de més de 25 anys de fer classes als estudis de comunicació àudiovisual de la Universitat Pompeu Fabra, Piti Español ha decidit publicar un llibre que expliqui tot el que ha après sobre l'escriptura de diàlegs per a cinema i televisió. Com escriure diàlegs que funcionin per a cinema i televisió és un llibre basat en la seva experiència, tant d'escriure escenes dialogades com d'analitzar-les a les seves classes. Un llibre que vol ser una mena de manual amb reflexions teòriques i consells pràctics, ple d'exemples trets del cinema, de la televisió i, fins i tot, d'anuncis comercials, que serveixi tant a estudiants que volen aprendre les bases de l'escriptura de diàlegs, com a professionals que potser hi descobriran recursos, exemples i trucs narratius que desconeixien. Albert Plans (guionista de Plats Bruts i Porca Misèria): El Piti és un guionista amb una de les carreres més brillants del nostre país. Que què és un bon diàleg? Llegiu aquest llibre! Joaquim Oristrell (guionista i director): És divertit, és útil, és generós. El millor llibre d'amor que he llegit últimament, d'amor a l'ofici d'escriure, per descomptat. Cesc Gay (guionista i director): Llegir-lo és adonar-te de tot el que encara pots aprendre per tal d'escriure millor. Una gran guia! Isabel Coixet (guionista i directora): Un llibre sensacional i absolutament imprescindible per a tots aquells que escriuen ficció, tant professionals com aspirants.
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Improvisación libre
En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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