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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Tot amb un traç molt amorós, Mireia Zantop converteix aquest quadern de viatge en una experiència molt íntima per conèixer els carrers, les places, els parcs i la gent de Sarrià.
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Este libro no es solo una reflexión sobre sostenibilidad, es una invitación a cambiar nuestra perspectiva y transformar cómo diseñamos y habitamos el mundo. Con una mirada crítica, aborda la saturación del término ''sostenible'', instando a redescubrir su verdadero significado: la capacidad de mantener la vida sin agotar los recursos ni hipotecar el futuro. Desde esta premisa, la naturaleza se posiciona no solo como inspiración, sino como mentora y modelo para rediseñar nuestras ciudades y edificios. El contenido de estas páginas nos lleva a imaginar un futuro en el que los edificios funcionan como organismos vivos, respirando, adaptándose al entorno y generando equilibrio dinámico. En esta visión, las ciudades se asemejan a bosques: ecosistemas interconectados donde el aire, el agua, la energía y los desechos fluyen en circuitos cerrados y regenerativos, como las raíces y micorrizas de un bosque. La obra no solo aspira a resolver problemas técnicos, sino a proponer un cambio de paradigma: mirar el diseño urbano como una extensión de los sistemas naturales. Con un enfoque interdisciplinario, el texto enfatiza la colaboración entre arquitectos, biólogos, ingenieros, biotecnólogos, diseñadores, humanistas y químicos, entre muchos otros. Este enfoque bioinspirado nos recuerda que, al fin y al cabo, formamos parte de la naturaleza, y nuestro futuro depende de cómo decidamos aprender de ella y con ella.
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Este libro reúne una selección de veintiuna entrevistas con el artista Santiago Sierra (Madrid, 1966) realizadas por críticos, periodistas, comisarios e investigadores entre 2002 y 2015. En estas conversaciones se discuten muchos de los proyectos más representativos de su amplísima producción, por lo que el volumen ofrece una visión panorámica de la obra de uno de los artistas más clarividentes y mordaces de las dos últimas décadas.
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La música os hará libres es la autobiografía de Ryuichi Sakamoto. El músico va a la esencia de su vida y la relata sin adornos. Rememora casi seis décadas de existencia con un estilo directo que destila delicadeza y sensibilidad, y con la franqueza de quien quiere comprenderse a sí mismo. Ryuichi Sakamoto toma la música como hilo. Desde su primer contacto casi casual con un piano, en el parvulario, va desplegando un amplísimo abanico de influencias, que luego aflorarán en la heterogénea obra de Ryuichi Sakamoto, en una carrera tan rica como diversa. El libro parte de un extenso diálogo con el director de la revista japonesa Engine, que se publicó en sucesivas entregas a lo largo de dos años. Ryuichi Sakamoto (TOKIO, 1952) ha explorado todo el universo musical, desde las melodías populares de Okinawa a los futuristas italianos, su adorado Debussy, el minimalismo y la bossa nova. La primera formación en la que participó, la mítica Yellow Magic Orchestra, fue pionera en la música electrónica. Ha compuesto piezas para piano, un concierto para orquesta, una ópera, y participó en la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona. También ha colaborado con músicos como David Byrne, Iggy Pop o Youssou N'Dour. Además de actuar, compuso la música de las películas Feliz Navidad, Mr. Lawrence de Nagisa Oshima y El último emperador de Bernardo Bertolucci. También ha colaborado con los directores Pedro Almodóvar, Oliver Stone, Brian De Palma o Alejandro González Iñárritu. Su larga carrera le ha reportado un Oscar, dos Globos de Oro, un Grammy, un premio de la MTV y muchos más reconocimientos internacionales.
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El luthier de Delft es una obra que analiza la música (aunque también el arte y la ciencia) del siglo xvii, especialmente centrada en la cultura neerlandesa. El libro gira en torno a tres personajes centrales, el pintor Jan Vermeer, el filósofo Baruch Spinoza y el músico Jan Pietrszoon Sweelinck. A partir de ellos, el lector se encontrará con la construcción de instrumentos musicales, sus maderas y barnices, así como con el papel de la mujer en el arte y la música, la vida de los pintores y el mundo simbólico de sus obras y los estudios científicos destinados a la óptica y la difusión del telescopio. Un libro lleno de resonancias y armonías, sabiduría y sutileza.
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Una exhaustiva recopilación de símbolos, que fueron usados desde los tiempos remotos hasta la Edad Media yque el famoso tipógrafo Rudolf Koch recopiló y organizó. Koch nos propone casi medio millar de monogramasbizantinos, cruces, iniciales sagradas, símbolos masónicos, alquímicos, de los elementos botánicos y astrológicos que vuelve a diseñar para este libro, ahondando en su capacidad para representar ideas complejasa través de formas aparentemente sencillas. La obrade este diseñador y calígrafo alemán es una lectura obligatoria para los estudiantes y profesionales de las Bellas Artes, además de una fuente de inspiración inagotable para creativos de distintos ámbitos.
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Madrid hat zwei Seelen: die Moderne und die Tradition, die Kühnheit und die Keuschheit. Villa y Corte, Hauptstadt der Künste und Literatur, hat sich im Laufe der Jahrhunderte immer wieder neu erfunden. Heute sieht es dank der Gebäude am Paseo de la Castellana, des Aussichtspunkts Sanchinarro oder des multikulturellen Charakters des Viertels Lavapiés wieder innovativ aus.
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«En el verano de 2023, un tsunami de enormes proporciones sacudió la industria cinematográfica mundial. El estreno de ''Barbie'', de la cineasta estadounidense Greta Gerwig, que llegó precedido de una gigantesca campaña de marketing, batió récords de todo tipo: fue, con diferencia, la película más rentable del año, y también el primer taquillazo de tales dimensiones dirigido por una mujer. Más allá de las cifras, se convirtió en un fenómeno de masas que provocó, y esta vez la frase hecha es más pertinente que nunca, auténticos ríos de tinta. Nadie quiso quedarse al margen. Es evidente que algo pasó con ''Barbie''. Nos guste o no, ''Barbie'' ya forma parte de todo un sentido definitorio de nuestro tiempo, tanto en lo que se refiere al debate intelectual, como a su repercusión a nivel social, y a cuestiones como la resignificación cultural de la célebre muñeca o del propio concepto de blockbuster, el papel del feminismo en las narrativas pop y la industria del cine, o la facilidad con que el capitalismo es capaz de reinventarse a través de su inagotable capacidad para sacar beneficio de cualquier concepto. No haber visto Barbie -y, no menos importante, carecer de una opinión sobre ella- significaba estar fuera de juego. En una sociedad que articula su funcionamiento mediante la polarización, era lógico que ''Barbie'' también provocara posicionamientos encontrados, hasta el punto de tener repercusión incluso en la geopolítica cultural, mientras la juguetera Mattel y Warner Bros., principales productoras de la película, se frotaban las manos y ponían las calculadoras en marcha: el film costó 145 millones de dólares y en apenas cuatro meses ya había recaudado más de 1 300». Este volumen, compuesto de seis artículos críticos en torno a la película y a sus diversas lecturas culturales, busca ser una herramienta que nos ayude a aterrizar un fenómeno que trasciende con mucho a la propia muñeca en la que se inspira.
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Una herramienta fundamental para pensar e imaginar el presente y el futuro de un mundo en emergencia.En el presente libro, la tradicional separación entre naturaleza y cultura, construida en connivencia con la Historia del arte, se ve interpelada por la invocación de un mundo posnatural. Los imaginarios del fin del mundo y del apocalipsis se resignifican en las primeras décadas del siglo XXI, al ritmo de las múltiples crisis planetarias, la producción de residuos o el avance de la IA, así como de las nuevas teorías que promueven formas alternativas de relación con el planeta, desde las ecologías queer al pensamiento poshumano.En este paisaje de profundas mutaciones, el arte se convierte en una herramienta fundamental para pensar e imaginar el presente y el futuro de la vida en la Tierra. A través de genealogías que reescriben la historia del paisaje, el retrato y la naturaleza muerta, se exploran prácticas artísticas que desafían la norma, desmontan el mito de lo natural y ensayan estéticas contrapocalípticas para un mundo en emergencia.Para ello, se recurre también a las nuevas ontoepistemologías que, procedentes de ámbitos científicos como la biología, la botánica, la micología o la física cuántica, están transformando los modos de pensar el mundo y las formas de habitar en él. Un libro, en definitiva, para comprender la naturaleza estética de la crisis planetaria y el papel del arte desde una formulación naturocultural de la Historia del arte.
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Antonio Salcedo Miliani (Jajó, Trujillo, Veneçuela, 1951) És historiador, crític d'art i professor jubilat d'Història de l'Art de la Universitat Rovira i Virgili (URV), autor de monografies d'artistes, comissari d'exposicions i articulista. S'ha especialitzat en art modern i contemporani. Ha rebut diversos guardons, entre els quals el Premi Espais a la Crítica d'Art 2003, el Premi ACCA (Associació Catalana de Crítics d'Art) 2013 i el Premi GAC (Galeries d'Art de Catalunya) 2014. En aquesta mateixa col·lecció ha publicat monografies sobre Jacint Salvador, Joan Curieses i Maties Palau Ferré.
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Somos raíces, el catálogo de la exposición homónima que se inaugura en el Círculo de Bellas Artes el 12 de junio de 2025, propone un encuentro con el universo de Santiago Yahuarcani, pintor y escultor autodidacta del clan de la Garza Blanca de la nación uitoto, y su compañera Nereyda López, escultora autodidacta de ascendencia tikuna y cocama.La exposición invita a emprender un viaje por cosmogonías indígenas basadas en la oralidad, el canto, la visión y la resistencia comunitaria. A través de sus obras, Santiago y Nereyda reinterpretan los mitos y el mundo espiritual de sus antepasados, a la vez que relatan siglos de extractivismo y violencia que siguen afectando profundamente a los pueblos originarios de la región amazónica, marcada por el genocidio cauchero.
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Madrid a deux âmes : la moderne et la traditionnelle, l'audacieuse et la chaste. Villa y Corte, capitale des arts et des lettres, la ville se réinvente au fil des siècles. Aujourd'hui, il semble à nouveau innovant grâce aux bâtiments du Paseo de la Castellana, au belvédère de Sanchinarro ou au caractère multiculturel du quartier de Lavapiés.
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Un reino maravilloso, es fruto de tres años de trabajo (2022-2024) por la provincia y la ciudad de Cuenca, en un intento de reconstruir un territorio imaginario a partir de la riqueza y variedad de esta provincia.En definitiva, se trata de un viaje fotográfico, sentimental y demorado, a uno de esos reinos maravillosos que siempre están ahí al lado, esperándonos, tal como un día nos enseñó el escritor portugués Miguel Torga, refiriéndose a su Tras-os-Montes natal (con el que Cuenca guarda no pocos paralelismos): «Voy a hablarles de un Reino Maravilloso. Aunque muchas personas digan que no, siempre hubo y habrá reinos maravillosos en este mundo. Lo que es preciso, para verlos, es que los ojos no pierdan la virginidad original ante la realidad y que el corazón no dude.»
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Esta Estética de lo performativo, que presentamos ahora en español con una introducción de Oscar Cornago y que fue publicada en Alemania en 2004, se ocupa de los problemas fundamentales de las realizaciones escénicas del arte de la performance, del teatro experimental y de las que tienen lugar en el ámbito público. La realización escénica como acontecimiento se revela así como fundamental para una nueva comprensión del arte y de su relación con lo público.
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Cine bélico pacifista en el siglo XX
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Un emocionante recorrido por los ingredientes del éxito de la historia de la Tele en España. Pasado y presente para vislumbrar el futuro de esa Tele que nos ha convertido en quienes somos.De Chicho Ibáñez Serrador a La casa de papel .De Crónicas
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Esta monografía trata sobre los usos que los seres humanos damos a las fotografías, desde un enfoque que consideratanto las formas y los temas, como el devenir del medio fotográfico. Plantea una reflexión sobre la fotografía desde una perspectiva cultural, en el entendimiento de que, conforme se extienden y multiplican sus usos, las funciones que le son asignadas socialmente se superponen: representar, testimoniar, exponer, exhibir y socializar. Su objetivo primordial es ofrecer un retrato fidedigno y abarcable de la fotografía a lo largo de su historia, con especial hincapié en los usos informativos y documentales. El libro está compuesto por ocho capítulos que se articulan en torno a diversos ejes temáticos: el propio medio en general, la documentación fotográfica, el fotoperiodismo, la fotografía publicitaria, los usos privados y sociales, la era digital, las fuentes de información y, finalmente, las agencias de prensa y los centros e instituciones fotográficas. Cada apartado proporciona una presentación teórica que expone de forma sintética y estructurada los aspectos principales, complementado con el análisis de estudios de caso. La idea es que sirva de forma eficaz para proporcionar un conocimiento adecuado sobre cada ámbito. Unos breves textos permiten centrar y reflexionar sobre los principales aspectos que se abordan, mostrados a continuación de forma gráfica y aplicada. La fotografía cambia la forma de representar y de percibir el mundo. Influye de forma determinante en numerosas prácticas sociales como los viajes, el turismo, las relaciones personales, las modas... Y fue decisiva en la evolución de todos los medios de comunicación: prensa, cine, televisión, redes sociales. Uno de sus atractivos principales reside en su capacidad de preservar huellas, emociones, de vidas transcurridas. Cada instantánea es un certificado de presencia, de certidumbre de lo que se ve, de lo que algún día fue. Las fotografías congelan momentos de la vida de individuos o de grupos y los presentan como rebanadas delgadas del pasado. Es información y es arte. Es documento y obra estética. Historia viva y presente continuo. La fotografía es luz y es memoria. Evidencia y sugerencia. Le invitamos al viaje de la lectura. Le animamos a sumar (con) su visión personal, a compartirla tras los pasos de los maestros que, hoy como ayer, gracias a sus formas de mirar, tanto nos enseñan.
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La investigación artística de Jorge Satorre —surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial— ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta práctica ha estado cada vez más vinculada a una vertiente escultórica desde la que establece diálogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformación y subversión derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo íntimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anécdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.Con motivo de su exposición en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo [Ría, CA2M, del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025], se publica su primera monografía, que incluye nuevos ensayos de Daniel Garza Usabiaga, director del museo del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, y del artista irlandés Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y Latitudes, comisarios de la muestra, que reúne obras de nueva creación, junto a esculturas, dibujos e instalaciones producidas entre 2013 y 2025. Esta publicación está estructurada en orden cronológico inverso en torno a las exposiciones y trabajos realizados en los últimos quince años.
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Este libro es un viaje apasionado al corazón de las sevillanas, un género que late con la fuerza de la tradición andaluza y que ha tejido, a lo largo de los siglos, una historia de emociones, fe y arte. Feliciano Pérez-Vera Hernández nos invita a descubrir cómo estas coplas han sido testigo de amores, devociones y costumbres populares, desde su infancia en Hinojos hasta los escenarios más emblemáticos de la cultura flamenca. Con un estilo cercano y lleno de vivencias personales, el autor nos comparte anécdotas entrañables, el proceso creativo tras sus composiciones más icónicas y su lucha por preservar la esencia de un género que une generaciones. Además, el libro ofrece un homenaje a las figuras que marcaron el auge de las sevillanas y una reflexión sobre su transformación a lo largo del tiempo.
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Llucmajor desaparegut proposa un viatge visual al passat a través d’un recull de prop de 170 fotografies, datades entre finals del segle xix fins a la dècada de 1970. El lector hi descobrirà indrets que han desaparegut o que han canviat de manera significativa, així com oficis, establiments i tradicions que avui només perviuen en la memòria de la gent més gran.
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Originario de Viena, Richard Neutra llegó a Estados Unidos al principio de su carrera y se estableció en California. Su influencia en la arquitectura de posguerra es innegable. Su estilo elegante y sobrio se adaptaba a la perfección al clima soleado y el rico paisaje de su patria adoptiva.Neutra poseía una gran sensibilidad para captar la relación entre el ser humano y la naturaleza. Su marca de fábrica son las altas paredes acristaladas y los techos que se convierten en profundos salientes, conectando el interior con el exterior. La habilidad de Neutra para combinar en sus proyectos tecnología, estética, ciencia y naturaleza le ha llevado a la vanguardia de la arquitectura moderna.En este volumen se reúnen más de 100 obras de Neutra (viviendas, escuelas y edificios públicos), ilustradas con cientos de fotografías, incluidas las de Julius Shulman y otros destacados fotógrafos.
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Publicada por primera vez en 1999, la emblemática colección de retratos de mujeres de Annie Leibovitz vuelve a publicarse, junto con un nuevo libro de fotografías. La amplia gama de temas refleja el aspecto actual de las mujeres: bailarinas, actrices, astronautas, artistas, políticas, agricultoras, escritoras, directoras ejecutivas, filántropas, soldados, músicas, atletas, figuras de la alta sociedad y científicas.En conjunto, estos libros, profundamente personales, presentan más de 200 retratos con el estilo único, personal y profundo que caracteriza a Leibovitz. Fotografías reproducidas con gran precisión, tanto en color como en blanco y negro, representan a un grupo internacional de mujeres que han impulsado cambios positivos en el mundo, desde Louise Bourgeois, Joan Didion, Elizabeth Taylor y Eudora Welty hasta Joan Baez, Billie Eilish, Serena y Venus Williams, y Anna Wintour.Con textos de la autora nigeriana Chimamanda Ngozi Adichie, Susan Sontag, una de las escritoras e intelectuales públicas más destacadas del siglo XX, y el ícono feminista Gloria Steinem, esta edición de dos volúmenes en estuche es una celebración de las mujeres realizada por una de las fotógrafas más influyentes de nuestro tiempo.
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PREMIO AUGUST AL MEJOR LIBRO DE NO FICCIÓN. En 1897, tres aventureros suecos parten en un globo aerostático con la intención de conquistar por primera vez el Polo Norte. 33 años después, en una isla remota, sus cuerpos son encontrados sin vida conservados bajo la nieve y el hielo. Habían logrado levantar un campamento y tenían suficiente comida, ropa y municiones para sobrevivir. ¿Qué les sucedió? ¿Por qué murieron? En los años noventa, Bea Uusma, aburrida en una fiesta, toma al azar un libro de una Estantería. Es un relato sobre la expedición Andrée. A partir de ese instante no puede pensar en nada más: necesita descubrir qué ocurrió. Estudia medicina. Viaja a los lugares por los que pasó la expedición. Realiza pruebas forenses. Bucea entre miles de archivos y documentos para unir las últimas piezas de un rompecabezas. Con una narración trepidante -apoyada por diarios de la tripulación, cartas, gráficos, fotografías y mapas- la autora persigue el rastro efímero de un globo en el aire y nos lleva hasta Isla Blanca, la isla inaccesible donde aparecen y se ocultan todas las pistas. La expedición es una apasionada historia de amor en busca de la verdad.
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Tiembla, querido. Tiembla hasta petar. Por primera vez, las obscenas reflexiones sobre el porno (gay) del único y verdadero Hereje de la Disidencia Maricona. Bruce LaBruce, ese director de culto y ''pornógrafo a regañadientes'', no es solo una pieza del engranaje del Nuevo Cine Queer, es su maldita columna vertebral. Emergió como un virus en los bajos fondos de Toronto a finales de los 80 con fanzines punk queer y películas en Super 8 que hacían sangrar los ojos de la moral establecida, para luego infectar la escena internacional del cine independiente. Mientras tanto, LaBruce derramaba su tinta corrosiva y disparaba su cámara para revistas como ''Honcho'', ''Inches'', ''Exclaim!'', ''Vice'' y otros reductos de la contracultura que se atrevían a publicarlo. Esta colección vomita sus artículos más viscerales, políticos, incendiarios y despiadadamente ingeniosos sobre la pornografía. El volumen incluye un enfrentamiento verbal entre LaBruce y la bestia sagrada del porno gay Peter Berlin, ensayos políticamente incorrectos, artículos que no piden permiso y tres diarios de rodaje brutalmente honestos para SKIN GANG, THE RASPBERRY REICH y L.A. ZOMBIE. Todo ello acompañado por fotografías que pulverizan los límites, obras de arte y retratos que no podrás borrar de tu retina, entre ellos imágenes de Richard Kern, Raul Hidalgo, Ricardo Gomes, Terry Richardson y otros conspiradores visuales.
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Billy Childish es mucho más que un músico, pintor o poeta, Es el último gran antiheroe del undergrounds británico. En esta biografía “autorizada pero no autorizada” el popular periodista musical Ted Kessler ahonda en las raíces del Childish y destila explora la vida del artista que continuamente ha rechazado las reglas del mainstream. Desde su infancia traumática hasta su salto a convertirse en un referente mundial, para figuras como Kurt Cobain, Jack White o Kylie Minogue, su único objetivo ha sido la incansable búsqueda de la verdad a través de su expresión artística, conformando en el un verdadero maestro de la contracultura.
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La ciudad está en disputa. El espacio público, la vivienda o el turismo son sólo algunos de los conflictos más conocidos. Sin embargo, hay un estrato prácticamente invisibilizado y que Colin Ward coloca encima de la mesa: el lugar de las niñas y los niños.Viven limitada su libertad de desplazamiento, sufren la amenaza de los vehículos a motor y se les empuja a los espacios «amables». Se impone el parque infantil: un gueto vallado, desinfectado, sin esquinas, de plástico y con colores coherentes. Quedan atrás los terrenos baldíos y las zonas abandonadas. El playground de arena y barro, palos y cuerdas, tizas y canicas no es útil para el urbanismo capitalista. El espacio muerto sustituye al espacio vivo.En El niño en la ciudad, Ward recupera la vida real, la autonomía y la fuerza de toda esa gente pequeña cada vez más arrinconada en la ciudad liberal.¡Abajo los parques infantiles!
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Desde su clamoroso redescubrimiento mediada la pasada centuria, la figura de Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) no ha hecho sino ganar adeptos, provocar estudios, protagonizar ciclos de conciertos, propiciar ingentes grabaciones discográficas, suscitar, en suma, una creciente, justificada fascinación que aún hoy, recién comenzado el siglo xxi, parece estar lejos de su techo. Vivaldi –también conocido como el Prete Rosso (el cura rojo) en virtud de su condición sacerdotal y del color de sus cabellos– no fue sólo uno de los compositores más prestigiosos e influyentes de su generación, un formidable maestro del Barroco Italiano, sino que fue ante todo un genio vanguardista y visionario que renovó el lenguaje Barroco para dotarlo de una exuberancia dramática sin parangón entre sus contemporáneos. El libro que el lector tiene en sus manos, el primero en lengua castellana dedicado in extenso a la música de Vivaldi, constituye un profundo estudio de la obra instrumental vivaldiana, la parcela más emblemática y revolucionaria de la producción del Prete Rosso. Para ello se ha prestado una atención pormenorizada a todos los géneros instrumentales cultivados por Vivaldi, desde la música de cámara a la obra concertante y sinfónica, de la sonata al concierto, de las obras publicadas a las páginas manuscritas, de las piezas más famosas a las páginas menos frecuentadas. Pese a estar consagrado a la obra instrumental, el presente volumen no pierde de vista, naturalmente, la igualmente extraordinaria obra vocal vivaldiana, tanto sacra como profana, cuya referencia se antoja imprescindible para un conocimiento pleno del inmortal legado instrumental del compositor veneciano. El texto presta también especial atención al célebre «autoprestamismo» del Prete Rosso, y revela de hecho algunas conexiones temáticas hasta ahora inéditas, concernientes tanto a la música instrumental como a la vocal.
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Según la interpretación que Hans Belting ofrece del tríptico El jardín de las delicias de El Bosco, ésta no es una obra secretamente herética, ni representa una concepción personal de los dogmas de la Iglesia, ni es una singular y opulenta ilustración del relato bíblico de la Creación, según él, no se trata sino de la pintura de una utopía, que sólo pudo brotar del «espíritu de la época» y que es necesario relacionar con las teorías humanistas de Tomás Moro y Willibald Pirckheimer.
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«Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular.» Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zúrich el 2 de febrero de 1916 cuando decidió fundar el mítico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaísmo. Y lo hizo sin saber quiénes acudirían ni qué llevarían. Tres días más tarde, el Voltaire abrió sus puertas sin ninguna planificación previa. «Mítico» es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaísmo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zúrich y luego en París, junto a André Breton, futuro padre del surrealismo, George Grosz en Berlín, donde también destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Höch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dadá, la pareja Duchamp-Picabia con su dadaísmo neoyorquino… Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿qué hubo de verdad y qué de mito en el origen y la evolución del dadaísmo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografía colectiva, en la senda de los trabajos de historia narrativa de Barbara Tuchman y Peter Gay, retrata las figuras y los momentos más brillantes de un movimiento que transformó radicalmente el arte del siglo XX y cuyas ramificaciones llegan hasta nuestros días. Una revolución antiacadémica y provocadora que, partiendo de la idea de destrucción, logró construir obras artísticas y literarias de una frescura y una vitalidad que aún no se han apagado. Sin dadá, nos dice Jed Rasula, hoy no tendríamos collages musicales, ni fotomontajes, ni happenings… Y ni siquiera habrían existido el surrealismo, el pop art y el punk. «Sin dadá, la vida moderna tal como la conocemos difícilmente podría calificarse de moderna.»
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Este libro es, ante todo, una invitación. Una invitación a descubrir una nueva forma de ver y pensar el mundo que conlleva, a su vez, una nueva forma de ver y pensar la arquitectura. Con la ayuda de las ciencias de la complejidad y el pensamiento complejo de Edgar Morin, David Obon nos abre las puertas a un conocimiento que trasciende las barreras disciplinares. Se trata de un saber capaz de reconocer la multidimensionalidad de nuestra disciplina, de un saber que no simplifica, sino que reconecta, articula y clarifica. Un saber que nos habla de orden y de desorden pero, sobre todo, nos habla de creación. Estos conocimientos han ido germinado en múltiples disciplinas hasta construir un nuevo paradigma emergente: el paradigma de la complejidad. A partir de los nuevos conceptos que articulan este paradigma, el autor hilvana un extraordinario relato en el que se revelan las profundas relaciones (relaciones sistémicas) entre la arquitectura y los diferentes niveles de organización vital: de la célula a la moderna sociedad red. Se trata, pues, de una síntesis teórica radical. Radical, no en el sentido extremista del término, radical porque atañe a la misma raíz (radix), a los verdaderos fundamentos, de la arquitectura. Estas páginas son también un antídoto contra una de las características —a menudo perversa— de nuestra moderna sociedad especializada: la fragmentación y la parcelación del saber. Ante una realidad que se hace cada vez más compleja necesitamos, hoy más que nunca, construir visiones integradoras que nos ayuden a orientar y clarificar nuestras formas de pensamiento y de acción. Este es el reto que aquí afrontamos ya que la complejidad es inagotable. Así que esperamos que el lector acepte esta invitación como un desafío.
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El acceso al mensaje poderoso y transformador de la música exige una cierta pedagogía, que no siempre se ha sabido cultivar de la manera adecuada. Desgraciadamente, sucede muy a menudo que el enfoque de la enseñanza musical en las escuelas (e incluso en los conservatorios) no es el correcto. Como consecuencia de esto, una gran parte de la población más joven (y no tan joven) no siente ninguna afinidad hacia la gran música, la consideran una realidad lejana, incomprensible, propia de gente aburrida o extraña. Otros quizás albergan la sospecha de que se trata de un mundo fascinante y enriquecedor, pero les parece que no disponen de las claves para acceder a él, no saben cómo se han de acercar a las grandes creaciones musicales, y pronto se rinden con la amarga sensación de que han perdido ese tren. Escrito en un registro cercano y amable (tan lejos de la erudición como de la divulgación insustancial), Música para leer es una guía para iniciarse, profundizar y llegar a amar (hasta la completa adicción) el mundo de la gran música.
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«El protagonisme exercit pel vaixell al llarg de la història, des dels seus inicis fins als nostres dies, en el desenvolupament, expansió i sosteniment de les civilitzacions en l’àmbit mundial, ha estat crucial i, fins fa molt poc, irreemplaçable.»L’extraordinària història de la navegació i dels grans velersFins a l’arribada dels vapors al segle XIX, els vaixells a vela havien dominat els mars i els oceans del planeta. Des dels primers intents de navegar a vela que van tenir lloc en les civilitzacions antigues de Mesopotàmia i Egipte, els vaixells van anar evolucionant constantment, fent-se cada vegada més grans, més àgils, més ràpids i més segurs.A Velers es repassa com han evolucionat els vaixells gràcies a nous materials i a noves tècniques de construcció: drakkars, coques, caravel·les, carraques, navil·lis, galeres, bergantins, fragates, goletes... Sovint, per a un imperi, el control dels territoris exigia disposar d’una marina potent, ben provisionada i moderna. El domini del mar va comportar nombrosos avenços tècnics i científics per millorar la seguretat i l’orientació: brúixoles, sextants, cartografia, etc.Velers ens descriu l'aventura de conèixer i dominar el mar, ens fa reviure la història de la navegació a vela i ens endinsa en la vida als grans velers, i ho fa recuperant l'extraordinari patrimoni del Museu Marítim de Barcelona.
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Una manera original i entretinguda d'explicar l'art perquè arribi a tothom. Un assaig imprescindible, però també una narració on la veu experta del seu autor desvetlla les curiositats de cada una de les obres seleccionades i tot allò que amaguen. T'imagines un espai que acollís les obres mestres de l'art català sense límits en el temps, sense pressupost ni problemes d'espai? Artur Ramon, reconegut antiquari i divulgador d'història de l'art, ens proposa la construcció d'un museu imaginari en què puguem descobrir, admirar i conèixer al detall les obres més rellevants de l'art a Catalunya. Joan Miró parla amb l'art romànic així com Joaquim Mir conversarà amb Miquel Barceló.
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Made by MSCHF es un estudio del trabajo del colectivo de arte MSCHF, con sede en Brooklyn, conocido por sus proyectos eclécticos que critican las mismas áreas de la cultura popular que habitan. Desde una línea de bolsos de diseño que solo son visibles bajo un microscopio hasta un juego de citas anime que ayuda a los jugadores a generar una declaración de impuestos funcional, las obras de MSCHF son incisivas, a menudo virales y siempre están imbuidas de su estilo único de humor subversivo.Con imágenes nunca antes vistas, este libro presenta estudios de casos que exploran en profundidad 12 de los proyectos de MSCHF, brindando a los lectores un modelo de cómo se desarrollan sus trabajos desde la idea hasta el lanzamiento. Escrito por dos de los cofundadores del colectivo, el libro presenta 6 ensayos temáticos adicionales y un archivo de todas las obras de arte del MSCHF hasta la fecha, que en conjunto revelan el alcance y la evolución del grupo experimental.Los proyectos incluyen: Big Red Boot, un par de botas de goma grandes y caricaturescas, Jesus Shoes, sus zapatillas de deporte de marca llenas de agua bendita, ATM Leaderboard, un cajero automático instalado en Art Basel Miami Beach que clasificaba a los usuarios por saldo bancario, y Severed Spots, en el que recortaron manchas de grabados de Damien Hirst y las vendieron como obras de arte individuales.
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* Inspirado en la inconfundible visión del director Wes Anderson, este libro está lleno de imágenes evocadoras y análisis detallados de la extraordinaria filmografía del cineasta. * Una guía única para conseguir imágenes cinematográficas que transformen escenas cotidianas en momentos vibrantes que cuenten una historia, dignos de la gran pantalla. * A diferencia de un análisis teórico o una biografía, explica de manera clara y accesible los elementos visuales más reconocibles de la estética de Anderson como la simetría, el uso cuidadoso del color, los encuadres centrados, la profundidad de campo y el aprovechamiento de la luz natural. Una obra dirigida tanto a principiantes como a fotógrafos con experiencia, que no busca que el lector copie un estilo, sino que entienda sus principios para aplicarlos de forma personal. En conjunto, una lectura inspiradora y útil para quienes disfrutan del cine de Wes Anderson y quieren trasladar esa sensibilidad estética a la fotografía o al lenguaje visual propio.
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Nadia Scit desvela en este libro las claves alquímicas para poder entender las metáforas de cada una de las escenas de este cuadro del Bosco. El jardín alquímico de las delicias es un libro basado en los principios alquímicos que el Bosco conocía muy bien, cuya interpretación ha dado lugar a controversias que han perdurado más de quinientos años
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