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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Este libro explora la presencia del deseo femenino que contienen las imágenes fílmicas del cine español producido durante el franquismo. El deseo aparece, en el marco filmográfico estudiado, como una fuente de resistencia simbólica y figurativa a las consignas represivas de la ideología censora. En la primera parte del libro se plantea una clasificación de los principales modelos de mujer que traspasaron los imaginarios cinematográficos durante las cuatro décadas del franquismo. El ''cuerpo-hogar'', la ''mujer-patria'', el ''cuerpo místico'', la ''virgen casadera'', el ''cuerpo-espectáculo'', la ''mujer moderna'' y ''la mujer-monstruo'' constituyen arquetipos cuyo examen pormenorizado permite descubrir las diferentes formas del deseo que la figuración femenina podía convocar, más allá de que la mujer se conformara con una vida doméstica, subordinada al marido o al orden patriarcal. En la segunda parte del libro se hace un recorrido por la filmografía de algunas de las principales actrices que encarnaron, matizaron e hicieron evolucionar dichos arquetipos: Aurora Bautista, Analía Gadé, Emma Penella, Josita Hernán, Lola Flores, Sara Montiel, Carmen Sevilla, Marisol, Concha Velasco, Geraldine Chaplin, Teresa Gimpera y Helga Liné. Todas ellas adoptaron, en su forma de actuar, una sugestiva poética de afirmación de los deseos femeninos. Siguiendo el mismo modelo de análisis de su anterior libro ''El cuerpo erótico de la actriz durante los fascismos: España, Italia, Alemania (1939-1945)'', Núria Bou y Xavier Pérez han convocado a un nutrido grupo de especialistas en cine español y estrellato fílmico para analizar la gestualidad, la fuerza expresiva de los cuerpos y las miradas de unas intérpretes que desbordaron, a veces de forma más visible, a veces de manera más sutil, las pautas de contención que el Régimen había exigido a las mujeres de la época.
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Jim Morrison es, sin lugar a dudas, la imagen perfecta de lo que significaba ser una estrella de rock en los sesenta: rebelde, virtuoso, genio, loco, hermoso,excesivo, delirante, raro... Y muerto a los 27 años.En esta novela gráfica, Luciano Saracino y Quique Alcatena recorren la vida de este 'enfant terrible' delrock y la poesía y tratan de responder una de las tantas preguntas que muchos se han hecho alrededor de sufigura: ¿por qué agotar una vida tan prometedora entan poco tiempo? ¿Jimbo buscó su temprana muerte, o esa muerte ya estaba escrita para él desde antes? Sumérgete en la vida de uno de los mitos fundadores de lahistoria del rock y sé parte de una época donde lossueños todavía podían soñarse y las puertas de la percepción estaban sólo para abrirse y asomarse... ''tothe other side.''
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Los animales fascinan y emocionan. Su biodiversidad y sus innumerables formas de manifestarse los convierten en uno de los motivos más populares en el arte. Este cuaderno de ejercicios muestra, paso a paso, de una manera didáctica, lúdica, aunque probada, cómo dibujar animales, sus rasgos y su forma, así como los encuentros con ellos. Repleto de ejercicios prácticos para saber elegir el material y la técnica adecuados, representar el movimiento, crear bocetos y dibujar del natural o con ayuda de plantillas.Un cuaderno que constituye la base de todas las formas de representación artística. Con la técnica correcta, la práctica precisa y el desarrollo de sus habilidades de dibujo, conseguirá dibujar animales salvajes, felinos, caballos, pájaros o perros, entre muchos otros.El único requisito necesario para el aprendizaje es la paciencia para seguir esta guía de dibujo paso a paso. Podrá practicar directamente en el libro de ejercicios, que incluye el espacio reservado suficiente para sus propios dibujos.
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Basado en una exposición monográfica en el Museo Picasso, Málaga, sobre las distintas etapas de la carrera de la pintora española María Blanchard (1881-1932).Descubra cómo las experiencias personales de Blanchard influyeron en su obra, y como los temas del aislamiento, la melancolía y la resiliencia impregnan sus cuadros.Sea testigo de la evolución artística de Blanchard desde sus primeras obras cubistas hasta sus últimas pinturas de gran carga emocional, caracterizadas por colores llamativos.El catálogo ofrece un recorrido cronológico y temático por las diferentes etapas en la vida artística de la pintora española María Blanchard (Santander, 1881-1932). Asimismo, tiene como objetivo poner de relieve la riqueza simbólica y el carácter innovador propios de su trabajo en su corta trayectoria artística. Su consistente obra no fue suficientemente valorada en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina artística. Pintora comprometida con su modo particular de vivir y de crear hasta el final, traspasó los límites de los estereotipos de género.El amplio repertorio de obras que dejó tras de sí, que incluye escenas de maternidades, escenas domésticas, niños o trabajadoras, refleja una sentida preocupación femenina por la vulnerabilidad de la condición humana y el poder evocador de las emociones. Estos aspectos se ven reforzados por un meticuloso dominio técnico y un vivo interés por la historia y la tradición de la pintura europea.
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La vida de El Hombre de negro revelada a través de las letras de sus canciones con fotografías inéditas del archivo familiar y otras rarezas aportadas por amigos y familiares, en edición ilustrada y autorizada por la familia del artista. Venerado por sus coetáneos (de Elvis a Bob Dylan) y considerado custodio de las esencias del country y del folk sureños, Johnny Cash es una de las estrellas más respetadas e influyentes de todos los tiempos, habiendo compuesto más de 600 canciones y vendido más de 90 millones de discos. Ha recibido, a lo largo de su carrera, veintinueve discos de oro, platino y multiplatino, y ha dejado su impronta en el Salón de la Fama de los Grammy, el Salón de la Fama del Rock & Roll, el Salón de la Fama de la Música Country y el Paseo de la Fama de Hollywood. Es esta la primera vez que se edita una antología que abarca cincuenta años de carrera con las letras de 125 canciones y las historias que hay detrás de cada una de ellas. Más que ningún otro artista estadounidense, Cash habló al alma de la nación, mas sin olvidar tampoco la crónica de sus propia vida y tribulaciones. Un documento de época de gran valía que nos acerca al hombre y al artista, así como a la propia historia de Estados Unidos que él mismo y el country contribuyeron a forjar. Entrelazar las venturas y desventuras del bardo con las historias de sus propias canciones es una fórmula sin parangón en el género y acaso más reveladora que cuanto accediera a compartir en sus propias memorias.
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* Las fotografías más representativas del mundo: imágenes innovadoras que se han convertido en puntos de referencia en nuestra concepción de nosotros mismos y del mundo que nos rodea, con textos redactados por un equipo internacional de críticos de arte, periodistas y expertos. * Organizado cronológicamente, el libro repasa la evolución de la fotografía creativa en cada época, con su correspondiente marco histórico, y sitúa las obras en el contexto de los avances culturales y sociales, con información sobre obras, influencias y hechos fundamentales. * Destaca a los fotógrafos que mejor ejemplifican cada género fotográfico, con un análisis detallado de su trabajo. Un homenaje a las fotografías más hermosas, significativas e inspiradoras que ha dado este medio moderno (cuyo nombre, que significa literalmente «escribir con luz», sugiere su potencial para captar los momentos destacados de nuestras vidas). El libro comienza con una visión general de la fotografía, situándola en el contexto de los avances sociales y culturales que han tenido lugar en todo el mundo desde su aparición. A continuación, se traza la rápida evolución del estilo fotográfico, época a época y movimiento a movimiento. Los diferentes apartados, con sus correspondientes fotografías, abarcan todos los géneros, desde los primeros retratos y escenas hasta los montajes manipulados por medios digitales, las imágenes deportivas tomadas en décimas de segundo y las fotografías conceptuales más actuales. Asimismo, se analizan las ideas y los trabajos de fotógrafos destacados para revelar sus motivaciones, sus influencias y sus objetivos.
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La Biblia es el libro más difundido de la Historia. Los hechos que se narran en ella y los personajes quepueblan sus páginas han sido fuente inagotable de inspiración para el arte occidental. La arquitectura, lapintura o la escultura están impregnadas de
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Un libro que ofrece los conocimientos indispensables de los materiales y sus usos para estudiantes de arte y artistas pintores en general. Fruto de la investigación y experiencia del autor tras muchos años de práctica y docencia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, esta obra responde a la necesidad de ofrecer un texto que no sea una traducción, por lo que esta comporta de poca adecuación en cuanto al conocimiento de los materiales propios y sus denominaciones. Asimismo, y teniendo en cuenta la poca consideración que tiene actualmente el oficio del pintor, este libro busca subsanar este déficit facilitando las herramientas necesarias para una buena realización y posterior conservación de la obra pictórica.
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Eugenia Tenenbaum revive en este libro períodos históricos desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el objetivo de disfrutar de las obras de arte que vieron la luz en esas épocas. Gracias a su voz cercana y rigurosa, nos reconciliaremos con el placer inmenso que nos ofrece el arte sin otro requisito que nuestras ganas. A lo largo de todo el recorrido, sin embargo, se nos obligará a volver a mirar, una y otra vez, para encontrar algo nuevo. Porque cuestionar lo que sabemos es la única manera de comprender mejor quiénes somos, y de conseguir que el arte sea algo para todos.
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En Et tornaré a veure. (Apunts sobre cinema, 1910-1945) Enric Sòria fa un recull d’un miler de pel·lícules produïdes entre 1910 i 1945 i les acompanya d’un comentari individualitzat a manera de compilació crítica de vora cinc dècades de producció cinematogràfica internacional.La selecció i comentari de les obres recollides en els dos volums que completen el llistat naixen, en paraules de l’autor, d’«una cinefília adepta, veterana i consistent, al llarg de tota una vida», que Enric Sòria va anar cultivant des de ben menut al si d’una família vinculada al cinema i que es va desenvolupar i completar en la seua edat adulta. Una cinefília que conserva en l’actualitat i que li ha fet redactar i recollir vora 9.000 fitxes de tantes altres pel·lícules, en què registra la fitxa tècnica, el seu argument i comentaris que li permeten recordar l’experiència cinematogràfica.Et tornaré a veure és, per tant, un exercici de generositat del seu autor, disposat a oferir a totes aquelles persones que s’apropen al text la seua vivència i la seua experiència cinematogràfica. Els textos són «un constant spoiler» en descriure l’argument i detalls de cada pel·lícula, però únicament a través de l’argument podem arribar a conéixer i comprendre l’opinió crítica i formada d’Enric Sòria.Les més de mil fitxes que componen la selecció estan distribuïdes pel seu any d’estrena i organitzades alfabèticament, de manera que se’n puga fer un seguiment cronològic, però el llibre també es completa amb un índex alfabètic que permet trobar ràpidament una pel·lícula concreta per buscar la seua fitxa.Et tornaré a veure és una obra de consulta en la qual trobar-se amb pel·lícules que formen part de l’experiència vital d’Enric Sòria, però també en la qual retrobar-se amb films que podrien compartir-se en la nostra vivència per la història cinematogràfica. Perquè les pel·lícules ací recollides ens demostren que el cinema, a més de contar històries, ens permet narrar les nostres pròpies històries, la nostra vida a través d’imatges, i això és motiu suficient per tornar-les a veure.
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Con EJERCICIOS PARRAMÓN se ofrece al público una colección abierta de títulos destinados a la práctica del dibujo y la pintura. Cada volumen se dedica a un tema (paisaje, bodegón, figura, etc.) o a una técnica (óleo, acuarela, pastel, etc.), y presenta un conjunto de ejercicios variados, desarrollados por diferentes profesores. La foto del modelo para pintar, una introducción a cada ejercicio y una secuencia de fotografías comentadas de todo el proceso constituyen el esquema de cada motivo propuesto. Una introducción sobre el asunto objeto de cada título y unos consejos prácticos sobre la materia que se presenta van a ser, sin duda, una de las mayores ayudas para la persona que quiera dominar el arte y la técnica de la pintura.
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El Candela abrió sus puertas en octubre de 1982, en el corazón de Lavapiés. Era un tiempo en el que Madrid y toda España se agitaban al ritmo de sonidos musicales, sociales y políticos muy diversos. A lo largo de casi cuarenta años, el local cobijó durante noches interminables a la práctica totalidad de los artistas flamencos, con el cantaor Enrique Morente como prócer, pero también con la presencia habitual de Paco de Lucía, Camarón y muchos otros. Estas páginas narran la historia de aquel mítico lugar hasta su cierre en 2022, con dos etapas marcadas por el punto de inflexión que supuso la muerte del fundador Miguel Aguilera en 2008. A partir de entrevistas con varias personalidades del mundo flamenco -Pablo Tortosa, La Tati, Antonio Benamargo, Israel Fernández, Josemi Carmona, Antonia Jiménez, etcétera-, Jacobo Rivero construye un relato coral que refleja la efervescencia social y cultural del Madrid de esos años y, en particular, de Lavapiés y el Rastro, cuyas calles han acogido a los más virtuosos talentos del arte jondo. Partiendo de la mirada particular del flamenco, este relato trasciende la mera historia del Candela para reivindicar la memoria de un barrio y una ciudad atravesados en sus entrañas por una irrepetible tensión creativa, en un momento de incierta transformación a todos los niveles.
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Publicación con motivo de la apertura del Espacio Miró en la Fundación MAPFRE de Madrid en diciembre de 2016. Funciona como guía para la visita a una selección de obras de Joan Miró realizadas a partir de 1941 a partir de temas clave en su producción artí
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Fotografías inéditas procedentes del Archivo Manuel Álvarez Bravo (ArcMAB).Material documental histórico, incluyendo series dedicadas a la construcción de Ciudad Universitaria.Una invitación a nuevas lecturas contemporáneas del legado de un fotógrafo fundamental.Una mirada excepcional al Pedregal, territorio emblemático del sur de la Ciudad de México.Las imágenes de este libro forman parte de un conjunto que el autor no publicó en vida. A veinte años de su fundación, el ArcMAB continúa impulsando nuevas lecturas de su acervo y mantiene sus puertas abiertas a investigadores y curadores interesados en dialogar con la obra de Álvarez Bravo. La selección muestra la visión del fotógrafo sobre el Pedregal. En estas imágenes, la piedra volcánica se convierte en un territorio donde memoria, modernidad y futuro se entrelazan, y donde lo monumental convive con lo íntimo, revelando la fuerza vital que emerge aún en un paisaje áspero.
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Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un ''icono revelado''. La exposición y el catálogo que la acompaña exploran su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catálogo, que se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la exposición, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El «icono moderno» ante la era del arte (Javier Portús), Tipología figural, construcción visual y articulación devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gómez y Angelika García Manso), La Virgen de Guadalupe de México y de cómo los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocío Bruquetas Galán), Agentes, dinámicas y espacios de la recepción guadalupana en España (Francisco Montes González) y La Virgen, los «señores indianos mexicanos» y el rey católico (Iván Escamilla González). El libro se cierra con una bibliografía y un índice antroponímico y de obras reproducidas.
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Stillman, fotografía y cine en México es la primera publicación que aborda el trabajo de los llamados foto-fijas, discretos profesionales que se desplazan por los estudios y las locaciones captando las imágenes que documentan y publicitan cada película. A partir de una investigación de más de una década, este libro invita a reflexionar sobre las influencias, contactos y distanciamientos entre el cine y la fotografía a través de la obra de artistas de la cámara como Manuel Álvarez Bravo, Pierre Verger, Rodrigo Moya, Lourdes Grobet o Graciela Iturbide, entre muchos otros, a la vez que incorpora a la historia de la fotografía mexicana el nombre de extraordinarios fotógrafos que destinaron su vida al trabajo en los sets. Estas imágenes creadas en colectivo con otros profesionales: cinefotógrafos, directores, actores, vestuaristas y diseñadores de producción han enriquecido el arte y la cultura visual de México por más de un siglo.
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El andar es un acto cognitivo y creativo capaz de transformar simbólicay físicamente tanto el espacio natural como el antrópico. Este libronarra una historia de la percepción del paisaje a través del acto decaminar: del nomadismo primitivo a las vanguardias artísticas deprincipios siglo XX, de la Internacional Letrista a la InternacionalSituacionista, del minimalismo al land art, Francesco Careri repasaalgunas de las propuestas históricas que han concebido el acto dedeambular no sólo como una herramienta de configuración del paisaje,sino como una forma de arte autónoma, un instrumento estético deconocimiento y modificación física del espacio atravesado que pasa aconvertirse en intervención urbana.Esta nueva edición actualizada del clásico de Careri incorpora unepílogo del propio autor donde hace un balance de la trayectoria dellibro desde que fuera publicado por primera vez en 2002.
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Los proyectos BIM ('Building Information Modeling') son una metodología de trabajo colaborativa que se utiliza en arquitectura, ingeniería y construcción (AEC) para gestionar de manera eficiente la información y los datos de un proyecto dentro de un modelo digital. Este libro no es un manual de Revit al uso, sino una guía paso a paso sobre cómo enfrentarse a un proyecto real en BIM desde cero, es decir, cómo desarrollar poco a poco un edificio de viviendas íntegramente en Revit. No se trata de aprender los comandos de la herramienta de autoría BIM más utilizada en el mundo, sino de comprender y aplicar un flujo de trabajo real en un proyecto básico y de ejecución completo.Este volumen es ideal para arquitectos, arquitectos técnicos, delineantes, diseñadores, ingenieros e interioristas, tanto estudiantes como profesionales, con conocimientos básicos de Revit, que quieran disponer de una herramienta de apoyo para desarrollar proyectos reales.
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L'Horta històrica és un territori molt més ampli delque és avui aquest barri. La Vall d’Horta abastava elterritori de l’antic municipi annexionat a Barcelonael 1904 i que ha vist créixer nous barris amb personalitat pròpia. En unes quantes dècades, aquest territori, eminentment rural i muntanyenc, s’ha transformatabsolutament. Han desaparegut masies, camps, cases senyorials, jardins, traçats urbans, formes de vida...que ara es poden reviure gràcies a les imatges recollides per persones i entitats.
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En el 80 aniversario del film Lo que el viento se llevó, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, los actores y sus personajes, el original literario, la repercusión... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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«Compositoras» revela las extraordinarias vidas y obras de mujeres que revolucionaron la música, desafiando los cánones de su tiempo. A través de biografías profundas y reveladoras, Silvia Olivero rescata del olvido histórico a compositoras fundamentales como Clara Schumann, Alma Mahler y Sofia Gubaidulina, exponiendo no solo su extraordinario talento musical, sino también las barreras sociales y personales que debieron superar. Descubriremos las complejas trayectorias de estas artistas, cómo navegaron en un mundo musical dominado por hombres, donde sus composiciones fueron sistemáticamente marginadas o directamente invisibilizadas gracias a mecanismos históricos y sociales. Olivero reconstruye sus luchas profesionales, las presiones familiares, los obstáculos académicos y sociales que enfrentaron, revelando historias de resistencia, pasión y resiliencia creativa. Cada capítulo es un viaje que desentraña no solo la obra musical de estas mujeres, sino también sus universos emocionales, sus estrategias de supervivencia y sus aportaciones a la música, que lejos de convertirlas en figuras periféricas, demuestran que fueron auténticas innovadoras que expandieron las fronteras del arte. Esta obra no solo rinde homenaje a estas pioneras, reescribe la narrativa de la música clásica, recordándonos que la genialidad no conoce género y que la historia del arte está incompleta sin las voces de quienes fueron deliberadamente silenciadas.
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Una historia sobre la reconstrucción de Madrid desde los estudios de arquitectura a la obra de arquitectura.En las décadas centrales del siglo XX, el sector de la construcción madrileño pasó de gestionar los escasos recursos disponibles tras la Guerra Civil a enfrentarse a una de las mayores fases expansivas de su historia, la del llamado milagro económico. Los edificios construidos en ese periodo fueron proyectados en su mayor parte por pequeños estudios de arquitectura, cuyos profesionales asumieron también el control técnico de las obras. Uno de estos estudios fue el de Luis Gutiérrez Soto, tal vez el arquitecto más prolífico de Madrid. Entre los miembros de su reducida plantilla estaba el aparejador Pablo Alonso Gurumeta, que fue el encargado del seguimiento de muchas de las obras de este y otros estudios. Gurumeta dejó constancia de su trabajo en innumerables detalles de obra o cuadros de avance de tareas, que se conservan hoy en el archivo de la Escuela de Edificación de Madrid. Estos documentos permiten entender el modo en que se ejecutaban las obras, acreditando la importancia de una profesión callada, pero esencial en la conformación de la ciudad. El presente libro pretende ser una invitación a la consulta de ese archivo. En sus cajas se esconde una historia diferente de una de las etapas más fascinantes de la construcción de Madrid.
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L'art en joc és una col·lecció de llibres perquè els infants descobreixin l'art dels segles xx i xxi. A mesura que passem les pàgines, una obra del Centre Pompidou se'ns revela a través d'imatges, preguntes, sorpreses gràfiques, jocs... Una invitació a mirar de manera lúdica l'art actual. Com en un decorat d'òpera, David Hockney escenifica L'arribada de la primavera a Woldgate en un bosc misteriós. Al llarg de les pàgines, l'infant adopta la mirada dels animals que l'habiten: què veu la formiga amagada entre l'herba? I la guineu arraulida al sotabosc? I l'ocell que s'enfila a la capçada dels arbres?
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Celebra el mundo en constante expansión de Avatar, de James Cameron, y las tres primeras entregas de un viaje cinematográfico épico El mundo de Avatar. Edición actualizada celebra, explora y explica el espectacular mundo de Pandora, desde su extraordinaria geología, flora y fauna, hasta las costumbres y creencias de su gente, los misteriosos na'vi. Conoce las batallas contra la RDA junto con la tecnología que los aspirantes a colonizadores pretenden usar contra ellos. El libro revela contenido clave de las tres primeras películas de la franquicia: Avatar, Avatar: El camino del agua y el éxito de taquilla más esperado de 2025, Avatar: fuego y ceniza. Combina imágenes y obras de arte originales con impresionantes imágenes del espectáculo del Cirque du Soleil Toruk: El Primer Vuelo, inspirado en Avatar, y de Pandora-El Mundo de Avatar, del parque temático Disney's Animal Kingdom. Adéntrate en la majestuosa luna de Pandora y descubre la increíble creatividad de esta historia, que llevó a la película original a convertirse en la más taquillera de todos los tiempos y a que la saga en su conjunto recibiera cuatro Óscar. Con un prólogo de la estrella de Avatar, Zoe Saldana (Neytiri), y una introducción del productor Jon Landau, El mundo de Avatar. Edición actualizada es la guía visual perfecta para los fans que esperan un adelanto de Avatar: fuego y ceniza, y anticipa el éxito masivo de Avatar en el futuro.
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Junto con Miguel Ángel y Leonardo, Rafael (1483-1520) fue uno de los artistas más importantes del Alto Renacimiento italiano. En su breve vida realizó alrededor de 100 pinturas y nueve ciclos de frescos en los que abordó una variedad de temas inigualable: desde sensuales bellezas femeninas, mitos antiguos y retratos hasta ciclos históricos y escenas bíblicas. También realizó retablos y diseñó tapices para la Capilla Sixtina. Su Madonna Sixtina es una de las pinturas religiosas más reproducidas de todos los tiempos. Rafael fue un aprendiz infatigable que no concebía la autocomplacencia ni se limitaba a repetir soluciones ya intentadas y comprobadas, sino que seguía únicamente el constante impulso hacia adelante de una imaginación inagotable. Transformó su tema central, la experiencia visionaria de la gracia divina, en una realidad pictórica visible. En especial su obra madura en Roma y sobre todo los frescos en el palacio Apostólico del Vaticano le aseguraron un lugar en la historia del arte. Admirado ya en vida como el artista más moderno de su tiempo, la maestría de Rafael allanaría el camino para el manierismo y la época barroca.
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El mayor enigma que ha guardado el Museo del Prado, hasta la fecha, se exhibe en la sala 12. Dentro de la pintura más valiosa, más famosa y más contemplada que atesora la colección. Dicho secreto no es otro que el significado oculto de Las meninas de Velázquez. Aquel que el genio sevillano encerró bajo el cuadro, esperando que fuese descubierto por su destinatario original, el rey Felipe IV. El hallazgo de un posible error en las fuentes históricas de la obra ha desencadenado un lustro de investigaciones por parte del autor, cuyo fruto es una lectura inédita del cuadro. El ensayo ofrecerá al lector una visión completamente distinta de la pintura. Permitiendo comprender el significado profundo de cada uno de sus elementos, su mensaje subyacente, la enseñanza moral asociada y su verdadero género pictórico. Como nuevos espectadores del cuadro nos emocionaremos y disfrutaremos ante otras meninas que durante más de trescientos años han estado paradójicamente escondidas a la vista de todos.
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En FLUJO VISUAL se publican un conjunto de reflexiones, desde una perspectiva fluida y dinámica, en donde la realidad es percibida en perfecto cambio y, al mismo tiempo, ese cambio es a su vez, paradójicamente, un continuo.Valerio Rocco introduce el debate desde una perspectiva filosófico-artística atendiendo a la evolución histórica del arte, en una puja constante del creador contra los límites materiales que cada disciplina artística presenta. En esta confrontación se sitúa la reflexión que plantea Ana Marcos.Los autores aportan razonamientos que parten de lugares de reflexión diferentes. Lois Patiño interviene desde su experiencia personal como creador de imágenes en movimiento, y ello le permite pensar sobre los elementos inmateriales que ordenan e impulsan su actividad, desde un sentimiento oceánico, pero también da cuenta de aspectos muy concretos y materiales del mercado audiovisual y de sus condiciones de trabajo.Valentín Vallhonrat, por su parte, nos describe el flujo histórico de la fotografía desde su origen hasta la actual cultura de la imagen, así como la evolución que va desde los propósitos científicos iniciales de los primeros fotógrafos, la necesidad de precisión y exactitud, a la diversidad y el desarrollo proteico y biogenético de la fotografía en estos momentos. La biogénesis creadora subyace ante el reto de la mal llamada “inteligencia artificial”, pues la vida solo se genera desde la vida y el arte es fruto de seres vivos: los seres humanos.
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Es calcula que entre elements, balls i músics, més de 700 persones participen de manera directa al Seguici de Santa Tecla de Tarragona, a més a més dels milers de persones que, any rere any, l'esperen impacientment pels carrers de la ciutat. Aquesta és la
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Cuando Martin Scorsese estrenó en 1976 la historia de Travis Bickle, un taxista solitario que se desliza hacia la violencia en una Nueva York oscura y corrupta, el público no sabía si estaba ante una obra maestra o ante un descenso al infierno. Con el paso de los años, ‘Taxi Driver’ se ha consolidado como uno de los retratos más intensos de la alienación urbana, un espejo incómodo que refleja nuestras propias sombras. Este libro se sumerge en todos los ángulos de la obra: el rodaje en las calles de un Manhattan decadente, la interpretación incendiaria de Robert De Niro, el guion perturbador de Paul Schrader y la dirección febril de Scorsese. Aquí se recogen las críticas apasionadas y airadas de la época, entrevistas con los principales responsables del filme, así como ensayos que iluminan la compleja simbología de la película. Más que una guía, este volumen es una invitación a volver a recorrer el viaje nocturno de Travis Bickle, a escuchar el rugido de la ciudad y a descubrir por qué ‘Taxi Driver’ sigue siendo una de las películas más influyentes y debatidas de todos los tiempos.. Pero si algo convierte a este volumen en una obra excepcional es la nómina de críticos que firman sus páginas.
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Un volumen esencial que recupera y contextualiza la obra de Susan Hiller, revelando cómo su práctica transformó lo intangible -sueños, creencias y saberes ocultos- en pensamiento visual. Con una trayectoria de más de cinco décadas, Susan Hiller (1940-2019) fue una de las artistas más influyentes de su generación. Dedicated to the Unknown es la primera gran exposición individual de Hiller tras su fallecimiento, y reúne obras clave que exploran fenómenos invisibles, saberes ocultos y prácticas marginales. A través de instalaciones, fotografías, vídeos y obras gráficas, Hiller investiga lo que nuestra cultura excluye: el subconsciente, los sueños, la percepción extrasensorial o las creencias colectivas. Su trabajo, profundamente conceptual, ilumina zonas inexploradas de la experiencia y convierte lo intangible en testimonio visual. Una muestra esencial que recupera el legado de una artista que expandió los límites del arte contemporáneo.
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¿No acabas de entender tu nómina? ¿Te cobran comisiones que no sabes de dónde salen? ¿Te pierdes entre alquileres, contratos, herencias o trámites bancarios? Tranquilo: no es culpa tuya. A todos nos han liado alguna vez... hasta ahora. En este libro, la abogada y divulgadora Ariadna López convierte el mundo legal en algo por fin comprensible. Con humor, cercanía y ejemplos del día a día, te guía por todo lo que nadie te enseñó: cómo distinguir una deuda buena de una mala, detectar abusos en préstamos y tarjetas, entender tu hipoteca, reclamar comisiones ilegales, leer tu nómina, proteger tu herencia o defender tus derechos como consumidor y viajero. Ariadna te acompañará paso a paso para que dejes de sentirte perdido y empieces a tomar decisiones informadas. Al terminarlo, serás un auténtico SuperLawyer: un ciudadano al que nadie puede engañar, porque sabe qué firmar, qué reclamar y cómo protegerse. La guía definitiva para moverte por la vida adulta sin morir en el intento... y sin que nadie te tome el pelo.
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¿Vidente o alquimista, surrealista o moralista, católico o hereje, holandés o flamenco? Quinientos años después de la muerte de El Bosco en 1516 seguimos sin saber quién era Jheronimus Bosch, ni siquiera estamos seguros de su nombre. Y pese a ello, la obra de este mítico pintor sigue despertando admiración y asombro, al tiempo que se suceden las publicaciones de historiadores del arte, novelistas, teólogos, filólogos, psicólogos y filósofos que intentan explicarla. Durante la larga andadura previa a la exposición del V Centenario de Bosch en el Museo del Prado de Madrid, Henk Boom ha seguido el rastro de todas esas interpretaciones y controversias, y a través de diversas entrevistas y el estudio de archivos nos descubre una extraña historia rodeada de mística y misterio. Una controversia que acompaña a El Bosco desde hace ya cinco siglos.
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La música viaja en Tren explora el entrelazamiento del ferrocarril y sus canciones a través de la historia. Las melodías con inspiración ferroviaria se extienden por los cuatro puntos cardinales y llegan hasta el infinito (y más allá). Los más grandes de la música contemporánea se suben al tren desde hace un siglo. En estas páginas se narra la herencia del caballo de hierro en la vida y obra de gigantes como Bessie Smith, Jimmie Rodgers, Sister Rosetta Tharpe, Duke Ellington, Woody Guthrie, Johnny Cash, Bob Dylan, Beatles, Rolling Stones, Tom Waits o Van Morrison, entre otros. Muchos artistas han utilizado los recursos expresivos del ingenio mecánico que abrió las puertas al mundo moderno, iluminando los mil ángulos del alma humana. Su poder metafórico despertó incontables canciones por donde viaja sin desmayo la savia ferroviaria primigenia que alumbró la música de nuestro tiempo. El autor describe la coincidencia de la época dorada del tren con los años en que blues, jazz, góspel o el soul forjan su identidad en Estados Unidos y Europa, a partir de un tronco común afroamericano. También se abordan los hitos musicales del tren español, desde su origen en Cuba hasta hoy. La era ferroviaria sembró el planeta de inéditas relaciones económicas, sociales y culturales. La música y las sociedades crecen gracias a mezclas de lo existente, y casi nada entre las invenciones humanas ha contribuido tanto al mestizaje cultural como los trenes. Las locomotoras y vagones desdibujaron la frontera entre razas y rompieron confinamientos sonoros que transformaron las formas de entender la vida. La presencia del tren en el cancionero ha menguado con el paso de los años, aunque las melodías actuales siguen nutriéndose del tren, al igual que las de mañana y las de ayer. Aquí se cuentan cientos de historias sobre ese viaje que une en el infinito las vías paralelas sobre las que avanzan la música y el tren.
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¿Qué prácticas e historias convocan aquellos espacios ni del todo funcionales ni olvidados del todo, suspendidos entre el abandono y la finalización? Allí donde se interrumpe la secuencia planificación-construccióninauguración, proliferan las promesas, la especulación, el desánimo o el activismo. Estos espacios inacabados pueden cobrar una nueva vida en forma de proyecciones de futuro, recuerdos nostálgicos o formas varias de reapropiación. Lejos de un simple fracaso, cabe pensar la suspensión como un estado de contingencia y posibilidad. Su futuro es desconocido e incognoscible, pero no por ello menos material o experienciable. El carácter incierto de los espacios en suspensión —urbanizaciones truncadas, infraestructuras a medias, proyectos anunciados, pero nunca construidos— puede, de hecho, convertirse en una plataforma para la experimentación e invención de nuevos usos, significados, afectos o colectividades.
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Bienvenidos a un universo poblado por detectives, gánsteres, psicópatas y femmes fatales en el que el engaño, las pasiones y la traición están a la orden del día... Si se le ha acelerado el corazón, siquiera un poquito, este va a ser uno de esos libros que codiciará: un libro de fotografía único que se centra, película a película, en el género negro cinematográfico, tanto en el clásico como en su reciente revival. Tras arrancar en las películas mudas francesas y alemanas que influyeron en el género desde sus inicios, el libro aborda obras clave del mismo como Perdición, El cartero siempre llama dos veces y Vértigo para llegar a las más actuales Chinatown, Pulp Fiction, Heat, Memento y la reciente Drive, que tanto éxito ha cosechado. La edición incluye carteles, infinidad de fotogramas rara vez vistos, información sobre elencos y equipo técnico, citas extraídas de las películas y de la crítica y análisis de cada obra. Paul Schrader, director de cine, experto en cine negro y guionista de Taxi Driver, aporta el prólogo a este volumen de homenaje al género. Además de acercarse a directores tan reverenciados como Hitchcock, Wilder, Welles, Polanski, Mann y Scorsese, el libro rinde también homenaje a los rostros más emblemáticos del celuloide: Mitchum, Bogart, Hayworth, Bergman, Grant, Bacall, Crawford, Nicholson, Pacino y muchos otros.
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