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Llibres de teatre
A Abacus disposem de la millor selecció de llibres de teatre, aquest gènere oblidat i ignorat pel públic, però que constitueix en si mateix una important font de riquesa literària. Descobreix les obres de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca i molts més.
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El presente volumen reúne dos obras maestras de Lope de Vega, El perro del hortelano y La dama boba. Edición de Ismael López Martín profesor de literatura y doctor en Estudios Filológicos y Lingüísticos por la Universidad de Extremadura. Lope Félix de Vega Carpio es uno de los dramaturgos más celebrados de la literatura universal. En España renovó la forma de hacer teatro a finales del siglo XVI y principios del XVII, creando una comedia nueva que cosechó los éxitos del público y del lector y sentó las bases del drama contemporáneo. La dama boba y El perro del hortelano son dos comedias de 1613 que pertenecen a lo que ha venido en llamarse «comedia urbana». Se trata de dos de las obras más conocidas del Fénix de los Ingenios, en las que se analiza el tema de amor, el del honor y el de las relaciones paternofiliales.La presente edición está a cargo de Ismael López Martín, profesor en el departamento de didáctica de las lenguas y de las ciencias humanas y sociales de la Universidad de Zaragoza y especialista en teatro español. Su estudio introductorio y el aparato de notas que ha diseñado constituyen una aportación fundamental. Edición de Ismael López Martín
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El arquetipo de Don Juan, entroncado con la tradición literaria del Siglo de Oro español, se convirtió durante el siglo XIX en uno de los personajes favoritos del romanticismo europeo. Estrenado en 1844, el drama de José Zorrilla (1817-1893) incorporó def
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Cuando Tartufo aún estaba prohibido, al día siguiente del estreno de Don Juan o el Festín de piedra (1665), la censura empezó por eliminar algunas frases. Tras la séptima función, se le indicó discretamente a Molière que echase definitivamente el telón sobre la obra. El seductor les parecía un hombre sin costumbres, sin conciencia ni religión, capaz de creer únicamente en que ''dos y dos son cuatro''. En Anfitrión los cortesanos vieron los escarceos iniciales de Luis XIV tras una dama de compañía de la reina. La anécdota no es un reproche de Molièrea su protector: la incrusta de forma natural en el esquema heredado de Plauto para construir una comedia galante.
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Dos hombres, Leandro y el Tocho, entran una mañana a un local situado en el barrio de Vallecas para conseguir dinero fácil y rápido, pero la estanquera y su nieta se resisten y lo que iba a ser un atraco rápido acaba complicándose. Pronto se ven rodeados por la policía, lo que les obliga a secuestrar a las dos estanqueras y atrincherarse dentro del estanco. Esta es una de las obras emblemáticas de José Luis Alonso de Santos, donde el sentido del humor se combina con la tragedia y donde nada es lo que parece, o sí.
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Dona i aspirador(a) és la història d'una dona de cabells vermells que es presenta davant del públic en una mena de conferència performativa per -sembla- vendre una aspiradora. Toparà amb diversos obstacles generats per personatges de tota mena (la seva germana, el seu nebot, la directora de la seva empresa, Vincent van Gogh, un panda vermell de l'Himàlaia i un grup de joves activistes climàtics) que fan que es replantegi la seva vida passada, present i futura, el seu rol a la societat en general i en particular en relació amb el canvi climàtic i la salut del planeta.
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Aquest llibre és l’adaptació teatral de la magnífica novel·la de Sílvia Alcàntara ''Olor de Colònia'' —publicada per aquesta editorial el 2009— que mostra un fragment de la història del nostre país amb una trama vibrant que apel·la a la nostra memòria col·lectiva, entre la lenta represa industrial i la dura repressió franquista.El record d’en Bernat, l’amic del protagonista Climent Palau, és el fil conductor de l’obra i porta l’espectador a reviure les diferents èpoques del relat: des del tràgic incendi inicial fins a l’eufòria de la represa, la història d’amor secret, la rebel·lió de la filla adolescent, els tripijocs dels poderosos i, finalment, la decadència de la colònia.Una peça de literatura dramàtica per dur als escenaris un món que avui ha desaparegut però que encara ens resulta proper i que ben segur ens explica com a col·lectivitat.
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'El buen soldado Svejk me enseñó a mirarlo todo desde la perspectiva de los marginados, de los de abajo. Y desde el punto de vista de la docta ignorancia, o sea, apagando el brillo del intelecto e intentando ser igual al polvo en que me voy a convertir. El buen soldado Svejk me enseñó a preferir la vivencia al saber puro.'' Bohumil Hrabal
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La acción se desarrolla en una ciudad universidad. Sala de estar de un secretario de actas. Apenas amueblada y decorada. Paredes claras, sin tapizar.
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El tango del emperador es la segunda de una trilogía de piezas independientes de Santiago Martín Bermúdez sobre la historia europea del siglo XX, una especie de triple retrato muy parcial de una crisis de conciencias y de partidos políticos. La danza es un denominador común: vals, tango y Tarantela. El vals de los condenados, de tema francés, el protagonizan tres intelectuales que tuvieron opciones políticas muy diversas.
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En 1895 se estrena en el teatro St. James La importancia de llamarse Ernesto, la pieza más brillante de Oscar Wilde (1854-1900) y también la última. De ritmo vertiginoso y parlamentos agudos, la obra aparenta ser una comedia de enredos y costumbres, pero deja entrever, como es típico en el dramaturgo irlandés, un trasfondo dramático, de donde emerge el retrato de una sociedad falaz, prejuiciosa y de doble moral.Pero las convicciones quedan expuestas, y ya no podrán permanecer soterradas bajo los buenos modales, respuestas displicentes y perezosas costumbres. Vera o los nihilistas, primera pieza teatral de Wilde, se representó en agosto de 1883, en Nueva York, en el transcurso de su gira por los Estados Unidos.
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Quins són els límits que separen la realitat de la ficció? Fins a quin punt s'ha de diferenciar la representació de l'autenticitat en un escenari? La conversa entre el Marqués i Gabriel de Beaumont en El verí del teatre és una de les grans obres del teatre català contemporani.Ambientada en el context del racionalisme il·lustrat, l'obra planteja una reflexió metateatral que explora la creació artística com una substància verinosa tant en el sentit literal com en el figurat, analitzant les dinàmiques de poder entre els éssers humans, els límits de les convencions en l'art i la vida, i la moralitat de l'acció humana.
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La gavina (1896), L'oncle Vània (1897), Tres germanes (1902) i El jardí dels cirerers (1903) són les obres mestres indiscutibles dins la producció dramàtica d'Anton P. Txèkhov: quatre peces que van canviar el curs de la tradició teatral russa, europea i nord-americana. Perquè Txèkhov, per primera vegada, hi va renunciar a desenvolupar una acció dramàtica convencional i es va concentrar en la pintura d'atmosferes, i així va aconseguir que, per sota del text, sense fer-se mai explícita del tot, es reveli sempre el que en podríem dir la vida soterrada: l'autèntica vida interior dels personatges, els estats d'ànim d'uns homes i unes dones que, amb més o menys angoixa i amb més o menys resignació, assisteixen a l'acompliment del destí que els ha correspost mentre observen la decadència del seu món amb l'esperança d'entreveure'n un de millor.
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En El cafè de la Marina (1933), mitjançant un llenguatge acolorit i expressiu, l'autor fa un retrat pintoresc i realista de la vida dels pescadors i els mariners del cap de Creus. Aquesta edició inclou una introducció i activitats dirigides a alumnes de Batxillerat.
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Aquí duermen ciervos aúna diferentes puntos de vista y lenguajes para abordar la crisis política y humanitaria de la inmigración en Europa. En el verano de2019, el Open Arms permaneció a la deriva frente a la costa de Lampedusa durantediecinueve días. Partiendo de dicho suceso, esta obra ofreceuna reflexión sobre el uso de las redes sociales, laeducación y el derecho a una vida digna. Y lo hace con voluntad poética.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este primer volumen dela serie que recoge su «Teatro completo» incluye susprimeras tres piezas, escritas entre 1918 y 1924, marcadas por la Primera Guerra Mundial y sus secuelas:'' Baal, Tambores en la noche '' , que toma como telón de fondo la revuelta espartaquista de 1919, y '' En la jungla de las ciudades '' , centrada en la pugnasin cuartel de sus dos principales personajes. Traducción de Miguel Sáenz
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En la obra de teatro El Gé, Emma Demar nos abre las puertas de la casa de Paco, junto al que compartiremos una noche en la que el sexo, el deseo y la soledad se entremezclan bajo los efectos de las drogas. Entre las cuatro paredes de un piso de Madrid, convertido en pista de baile, refugio y campo de batalla, nuestro protagonista busca la conexión física y emocional con otros hombres a la vez que se enfrenta —entre presencias, ausencias, palabras y silencios— a sus propios fantasmas, mientras el chemsex se convierte en catalizador de una realidad marcada por los traumas del pasado.El Gé es un texto crudo y emocionante que nos atraviesa como comunidad. Un texto que no juzga, sino que muestra, no explica, sino que expone. Y deja al espectador —y ahora, al lector— sin la opción de mirar hacia otro lado. Sin la posibilidad de apartar la vista del reflejo que ofrece el espejo.En este mismo volumen encontrarás De Chill. Una guía para la reducción de riesgos y daños del chemsex de Iván Zaro, trabajador social, investigador y activista vinculado a temas de salud sexual, VIH y consumo de sustancias. A través de un enfoque riguroso y accesible, profundiza en las motivaciones que hay tras el chemsex, el papel de las apps de contacto, los efectos y peligros de las drogas más usadas, la responsabilidad compartida o la importancia de poner el consentimiento en el centro de las relaciones sexuales. Una obra que, lejos de romantizar el chemsex, nos advierte de sus consecuencias, al tiempo que rompe el silencio en torno a una práctica en la que el estigma convive con la necesidad de información.
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«Erase una vez en el gueto. Mientras todo moría a sualrededor, un viejo se empeñó en dibujar un mapa. Pero como sus piernas no lo sostenían, como no podía ira buscar los datos que necesitaba, pidió a una niñaque lo hiciese por él.» En la Varsovia de nuestros días, Blanca tomará por cierta esa leyenda y se lanzaráa la búsqueda del mapa de un mundo en peligro.Mayorga indaga en el ángulo más oculto de la memoria trazando así una cartografía del cuerpo, del gesto y de laconciencia. Presente y pasado se interpelan para interrogarnos y ofrecer pistas de lo que está a punto deocurrir. Si «hacerse preguntas es mucho más difícilque medir y dibujar», ¿cuáles son hoy las nuestras?
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Tú yo yo somos tres (1945) es una de las piezas más divertidas de Enrique Jardiel Ponceal, renovador del teatro de humor español. Es, sin embargo, una de las menos conocidas. Su autor la denominó «comedia psico-ilógica», por los elementos inverosímiles que incluía, que rompían la lógica de lo cotidiano y hacían entrar al espectador en un mundo extremo y absurdo donde los personajes se enfrentaban a las situaciones más peregrinas y divertidas.
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Grooming, una de las obras de Paco Bezerra más premiadas a nivel internacional, La desconocida, uno de los debuts de nuestro cine más sorprendentes de los últimos años. Una misma fábula contada de dos formas distintas a partir de mimbres comunes: internet, un chantaje, un parque de una ciudad, una farola, el encuentro de un hombre adulto con una adolescente: «Usted no tiene dieciséis años», dice ella. Él responde: «Dices eso porque todavía no me conoces». ¿Qué quiere el hombre? ¿Y ella? Empieza la intriga, también el miedo. Entramos en el tenebroso mundo de las parafilias, de lo inconfesable. Acompañamos 'Grooming' del guion de la película basada en dicha obra de Paco Bezerra. La película ha contado al frente de su reparto con dos actores ganadores del Goya como Monolo Solo y Eva Llorach, y una de las actrices jóvenes más prometedoras de nuestro país, Laia Manzanares. Aborda temas de actualidad come el ciberacoso sexual a menores a las parafilias, todo ello envuelto en una potente denuncia social.
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Viento fuerte se estrena en el Teatro Español el 19 de diciembre de 2024 y estará en cartel hasta el 2 de febrero de 2025. La dirección corre a cargo de José María Esbec. El teatro es la forma de escritura que encumbró a Fosse como autor excepcional. Escribió más de treinta obras a ritmo vertiginoso y saltó a la fama en los escenarios de París y Berlín. Después de su gran obra narrativa ''Septología'' volvió con ''Viento Fuerte'' en 2021 y en 2024, después de recibir el Premio Nobel, se representa en los escenarios su nueva obra Einkvan. El teatro de Jon Fosse se lee como una obra narrativa o su obra narrativa se lee como teatro. Los dos géneros se difuminan en la escritura del nobel. En este primer tomo de su obra teatral en español, Cristina Gómez Baggethun ha hecho una selección bajo supervisión del propio autor. En ''Soy el viento'', el Uno y el Otro están en una barca, en la inmensidad del mar. En el puente, los personajes comparten un aguardiente, beben en silencio y se preguntan sobre el sentido de la vida que navega sin rumbo fijo. ''Viento Fuerte'' gira alrededor de un extraño triángulo amoroso. El tiempo y el espacio se desintegran. En un apartamento del decimocuarto piso, el viento sopla y la ventana cae lentamente al vacío. Un poema sobre el amor y la soledad. ''Viento fuerte'' nos lleva a presencias más allá de la realidad. En ''Invierno'', una mujer y un hombre se encuentran de vez en cuando en una ciudad a donde el hombre llega en un viaje de negocios. Una conexión temporal amenazada por un final abrupto o un trastorno radical. ''Sueño de otoño'' es una historia de amor y un drama familiar. En un momento aparentemente fortuito, un hombre y una mujer se conocen en un cementerio. Se conocieron en una vida pasada y tal vez sentían nostalgia el uno por el otro.
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Lluís Pasqual i Joan Yago van convidar onze dramaturgs catalans a compondre cadascú una peça breu sobre els fets relatius al referèndum d'autodeterminació de Catalunya de l'1 d'octubre del 2017, basats en tres principis: deu minuts de duració, cap escenografia i implicació de fins a tres actors. El projecte, en què van participar Esteve Soler, Victòria Szpunberg, Marc Artigau, Marta Galán, Guillem Clua, Lali Álvarez, Llàtzer Garcia, Cristina Clemente, Clàudia Cedó, Helena Tornero i Sergi Belbel, reafirma el paper social del teatre i renova el model del teatre d'urgència, capaç d'enregistrar la història i la realitat immediata i sensibilitzar el públic. Tanmateix, la iniciativa i els seus resultats transcendeixen el context en què s'han concebut i es projecten en una dimensió global, perquè reflecteixen principis socials, humanitaris i polítics universals.
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«Maslowska no perdona a nadie. En sus textos no hay buenos, todos se llevan, como diríamos hoy, un buen zasca. Esta perspectiva dificulta mucho la representación teatral, porque el teatro tiende a buscar el bien,a moralizar, a señalar a los villanos por ser villanos. Pero no se trata de eso. Todos somos culpables, todos hemos transgredido las normas de la decencia. Todos tenemos las manos manchadas de sangre de la humanidad, que se ha convertido en una manada de bestias.Tampoco se trata del poshumanismo, sino de la pérdidade los sentimientos nobles. Las obras de Masłowska son divertidas, pero al ver lo que esconden, se nos ponen los pelos de punta». Piotr Gruszczyński
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Tres sombreros de copa, escrita en 1932 y publicada veinte años más tarde, está considerada como una de las obras maestras del teatro humorístico. La noche antes de su boda, Dionisio duerme en un hotel de provincias. En ese mismo hotel está Paula, una muchacha joven e inocente que trabaja en una compañía de musicales. El saber dramático de Miguel Mihura hará que se crucen sus destinos para mostrarnos el conflicto de ese encuentro, que esconde en el fondo el desapego de dos mundos divergentes: uno, el de Dionisio, anodino, pautado y convencional, otro, el de Paula, que pretende alejarse de los tópicos y los convencionalismos. De la atracción entre ambos surgirá la exposición, tan cómica como dramática, de sus contradicciones, de los deseos inalcanzables, del ridículo que los rodea y de la frustración a que conducen sus vidas.Introducción, notas y propuesta didáctica de Francesc Reina.Francesc Reina es licenciado en filología hispánica por la Universidad de Barcelona. Desde 1990 es profesor de secundaria. Ha colaborado con esta colección en las ediciones didácticas de Cantar de Mío Cid, El burlador de Sevilla y la Guía de lectura de 'Eloísa está debajo de un almendro', de Enrique Jardiel Poncela.
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La venganza de don Mendo de Pedro Muñoz Seca es uno de los textos más importantes y populares de la historia del teatro español. Forma parte del canon dramático, junto a Fuenteovejuna, La vida es sueño, Don Juan Tenorio, Luces de bohemia, Bodas de sangre o Historia de una escalera. Su excepcionalidad reside en su extraordinaria factura como parodia dramática respecto a la tradición española de Talía. Una rocambolesca y disparatada historia de amor y venganza que sintetiza, de manera muy brillante, aquella práctica burlesca que seguirá como «sombra jovial a toda revolución literaria, lo mismo a la tragedia neoclásica que al dramón romántico» (E. Asensio), desde el honor calderoniano y la comedia de capa y espada, hasta el polvoriento neohistoricismo modernista de finales del xix y principios del xx. Y es que Don Mendo era también una caricatura que ponía en solfa la escena de su tiempo, cuyo remedo e impostura llena de ripios, anacronismos y juegos cómicos de personajes, situaciones y lenguajes un texto que logra, cien años después de su exitoso estreno (1918-2018), la carcajada del espectador: todo un clásico del humor. Pedro Muñoz Seca (Puerto de Santa María, Cádiz, 1879-Madrid, 1936). Uno de los autores dramáticos más populares del primer tercio del XX. Sus inicios (1904) están en el género chico. Colaboró con Pérez Fernández, García Álvarez, Rafael de Santa Ana, López de Aro y Azorín, con quien estrena El clamor (1928). Renovador del teatro cómico gracias al disparatado astracán, que se basa en la deformación caricaturesca de la realidad y en el manejo del humor lingüístico. Su obra maestra es La venganza de don Mendo (1918), que llevaría al cine Fernando Fernán Gómez en los años 60. Otras obras importantes son: El verdugo de Sevilla (1916), Los extremeños se tocan (1926), La oca (1931), Anacleto se divorcia (1932) y La plasmatoria (1935). Valle-Inclán dijo de él: «quítenle al teatro de MS el humor, desnúdenle de caricatura, arrebátenle su ingenio satírico y facilidad para la parodia, y seguirán ante un monumental autor de teatro». Como García Lorca murió víctima de la guerra civil. Alberto Romero Ferrer es catedrático de Literatura Española de la Universidad de Cádiz y Premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2016. Ha sido profesor invitado en el King's College London y ha impartido cursos y conferencias en la University of London, Fondation Napoleón de París, Nineteenth-Century Hispanists Network, CSIC, Menéndez Pelayo, Instituto Feijoo de Estudios del Siglo xviii, UNIA, Napoli, Verona, Padova, Saarbrücken, Regensburg, La Plata, Gent, RESAD, Casa de Velázquez, UNED y Fundación Juan March, entre otras. Es autor de un centenar de artículos especializados y de una quincena de libros referidos a sus principales temas de estudio: el teatro breve de los siglos XVIII y XIX, la parodia dramática española, escenografía teatral del XIX, la zarzuela y el género chico, y la historia de la cultura popular peninsular.
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La acción de Casa de muñecas (1879) tiene como protagonista a Nora, una mujer que simula estúpida frivolidad pero que en verdad es inteligente y aguda. Nora se vio forzada años atrás a recurrir a una artimaña financiera para costear un viaje en salvaguarda de la salud de Helmer, su marido, al tiempo que su padre se hallaba moribundo. A medida que la tensión del conflicto va in crescendo, la monotonía burguesa de la protagonista se va convirtiendo en un nudo corredizo que va dejándola sin aire. Ante su impotencia, observa la imposición de todo un mundo de valores contradictorios que amenazan su idea de felicidad. Teatro de ideas, pero intensamente dramático, la obra del noruego Henrik Ibsen (1828-1906) ha influido profundamente en la evolución de la escena europea contemporánea.
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Federico García Lorca, Obra Completa V. Teatro 3. Cine. MúsicaTeatro imposible: Diálogos El público Así que pasen cinco años Comedia sin título CINE Viaje a la Luna. Música: Colección de canciones populares antiguas Dos melodías del «Romancero gitano» Canciones del teatro Música para La Barraca Granada. Apéndices: Diálogos Teatro inconcluso Música
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Del laberinto en el que estuvo sumida la Castilla del siglo XV surgió otro, ahora en verso, que Juan de Mena presentó en 1444 al entonces monarca Juan II como un plan de acción política para la reforma del reino. Ese ''Laberinto de Fortuna'' constituye una pieza mayor en el canon de la literatura española, que se mueve entre las últimas inercias medievales y un primer Renacimiento propiamente hispánico. Mena lo concibió con una conciencia humanística y una decisiva dimensión experimental. En su afán por imitar la epopeya clásica, diseñó una lengua poética que se alejaba del uso común para dotar al castellano de una dignidad pareja a la del latín. Su éxito fue enorme y se mantuvo en el tiempo, como muestran los numerosos manuscritos en los que la obra nos ha llegado, los comentarios de Hernán Núñez o el Brocense o su presencia, aún viva, en la polémica gongorina. Esta edición crítica y modernizada pretende ofrecer una lectura clara y accesible de ese ''Laberinto'', que se presenta como un desafío sugestivo y extraordinario para los lectores del siglo XXI.
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El castigo sin venganza destaca en el canonde las lecturas indispensables del teatro de Lope deVega. Amor, muerte y honor son los tres grandes ejesque mueven la acción de la obra y que desencadenan el ''castigo'' del título. Secreto férreamente guardado, este castigo y su singular ''sin venganza'' nos sitúan ante una toma de conciencia de una nueva forma de comedia y de un espectador que la admira y la aplaude.
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Els Turcs al Friül és una obra de teatre històric que presenta una Cjasarse (localitat on es varen refugiar els germans Pasolini amb la mare) que fusiona dos moments històrics diferents però semblants: el context de destrucció i control per part de l'ocupació alemanya durant la segona guerra mundial i la tèrbola situació de l'any 1499 quan, poc després de la caiguda de Constantinoble, els turcs provinents dels Balcans representaven una autèntica amenaça amb atacs continuats contra la República de Venècia. Amb el temps, Els Turcs al Friül ha esdevingut un text enigmàtic que mostra determinats temes i aspectes que Pasolini desenvolupa i dissemina anys més tard. A través d'aquestes pàgines, l'escriptor construeix un autèntic monument de paraules amb una poderosa força simbòlica i lírica.
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La imatge de la coberta és l'astronauta soviètic Iuri Gagarin que, un cop a l'espai, exclama: «Déu no hi és!» Rere aquesta imatge, hi ha el sentit d'aquest llibre. Aquest llibre és un intent d'explicar el món, d'abordar les incongruències que són inherents a la nostra existència. Aquest llibre és una recerca d'un agnòstic o un ateu que, en el fons, és paral lela a la recerca d'un creient: l'ateu i el creient transiten pels mateixos espais i els mateixos dubtes. Aquest llibre delata la incapacitat humana per a definir l'alternativa o l'oposició a Déu que no sigui la negació de Déu.
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En aquest volum es troben les obres Màtria i [Èxit] through the gift shop de Carla Rovira. Gairebé com un díptic involuntari, l'autori ens relata dues històries de maternitat: una com a filli, l'altre com a mare. A Màtria desplega la seva pròpia història familiar a través de la desaparició d'Enrique Isart Alonso, besoncle de l'autori, assassinat pel franquisme i desaparegut de la història oficial. A [Èxit] through the gift shop narra l'experiència d'Ella, embarassada de sis mesos i mig, que en rebre una notícia sobre el seu embaràs, s'embarca en un viatge als inferns. Partint de l'autoficció, Carla Rovira investiga les possibilitats polítiques del gènere.
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El 24 de novembre de 2025, la Fundació Romea va estrenar al Teatre Goya l'acció artística ''Lament i altres consideracions per la meva bata vella'', en la qual el periodista, columnista de La Vanguardia i escriptor Joaquín Luna dialoga amb el text del filòsof francès Denis Diderot ''Lament per la meva bata vella. Consell per a aquells que tenen més gust que fortuna''. El lector de ''Lament per la meva bata vella. Consell per a aquells que tenen més gust que fortuna'', en la traducció al català d'Ester Gómez, entra en contacte amb una obra que no neix de l'erudició ni del diàleg amb el món clàssic, ni tan sols del coneixement de l'època en què va viure el filòsof, sinó de la seva extraordinària capacitat d'observació de la condició humana. Diderot hi revela l'atracció pel que és nou i la seva capacitat d'apoderar-se de tot allò que abans tenia importància, de tot allò a què es concedia valor. Amb la col·laboració de Jordi Bosch.
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Piezas imprescindibles para entender la literatura del Siglo de Oro: Cervantes, Calderón de la Barca, Agustín de Rojas, y muchos más. Edición de Ignacio Arellano, Catedrático de literatura española de la Universidad de Navarra Loas y entremeses, piezas teatrales de corta duración que solían acompañar con frecuencia a comedias y autos sacramentales, son dos de las formas de teatro breve más cultivadas por los grandes dramaturgos del Siglo de Oro. De simples introducciones al espectáculo y entretenimiento entre los diversos actos de las comedias, pasaron a ser verdaderas obras maestras de la mano de autores como Lope de Rueda, Agustín de Rojas, Alonso de Castillo Solórzano, Hurtado de Mendoza, Calderón de la Barca y, por supuesto, Miguel de Cervantes, cuyos entremeses son considerados una de las cimas del género. Ignacio Arellano, uno de los máximos especialistas en literatura del Siglo de Oro, propone en este libro una cuidada selección de estas formas de teatro breve que ayudará al lector a comprender su génesis y evolución.
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Los mejores libros jamás escritos. «¡Salud a ti, Macbeth! ¡Salud, barón de Glamis!¡Salud a ti, Macbeth! ¡Salud, barón de Cáudor!¡Salud a ti, Macbeth! Serás un día rey.» La tragedia de Macbeth, un violento y sanguinario mapa de la ambición humana, empieza en el preciso instante en que las hermanas fatídicas le revelanel esplendoroso futuro que le aguarda. Sus palabrasparecen un canto de sirena surgido de las profundidades del infierno, una seducción que cualquier hombre sensato desoiría. Pero cuando se cumple la primera predicción y el rey Duncan le nombra barón de Cáudor para recompensar su inteligencia y destreza en el campode batalla, las dudas, la codicia y la obsesión se apoderan de Macbeth y de su ávida esposa. Frenteal magnífico texto original presentamos la versión rítmica de Agustín García Calvo, uno de los humanistasmás destacados del panorama español. Asimismo, vieneacompañada de una introducción de Carol ChillingtonRutter, catedrática de literatura inglesa de la Universidad de Warwick. Edición bilingüe. Versión de Agustín García Calvo.
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La dama del alba es una obra de teatro melodramática de 1944 del dramaturgo español Alejandro Rodríguez Álvarez escrita durante su estancia en Buenos Aires, Argentina, donde se instaló en 1939 tras exiliarse en 1937. Esta pieza teatral la publica por primera vez en España, en 1945, la revista Fantasía.
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Els llibres de teatre són obres impreses que recullen textos dramàtics pensats per a la representació escènica i la lectura reflexiva. El teatre com a gènere literari es construeix a partir del diàleg, l’acció i l’estructura en actes o escenes. Tot i que a vegades es parla de novel·les teatrals, el text dramàtic té característiques pròpies que el diferencien de la narrativa tradicional. El format en paper facilita una lectura pausada, l’anàlisi del diàleg i la comprensió de l’estructura dramàtica.
Què són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre són publicacions en paper que contenen obres dramàtiques destinades tant a la representació com a la lectura individual.
Definició
Una obra de teatre s’estructura en actes i escenes i es desenvolupa principalment a través del diàleg entre personatges. Els llibres de teatre permeten accedir al text íntegre, analitzar les acotacions i comprendre la construcció escènica.
Característiques del gènere dramàtic
El teatre es caracteritza per l’acció directa, la interacció entre personatges i la presència d’indicacions escèniques. La lectura en paper facilita la visualització de la posada en escena i la interpretació del conflicte dramàtic.
Com triar llibres de teatre
Seleccionar entre diferents llibres de teatre implica considerar el període històric, l’estil de l’autor o autora i el tipus de dramatúrgia que es vol explorar.
Criteris de selecció
És recomanable valorar si es busca teatre clàssic, contemporani o propostes experimentals.
- Obres teatrals clàssiques del cànon universal.
- Dramatúrgia contemporània amb temàtiques actuals.
- Teatre breu o monòlegs.
- Edicions comentades per a l’estudi acadèmic.
Tipus de llibres i contingut habitual
Els llibres de teatre en format paper poden incloure diferents propostes editorials que enriqueixen l’experiència lectora.
Tipus de llibres i contingut
- Obres completes d’un autor o autora.
- Antologies teatrals temàtiques o històriques.
- Textos acompanyats d’estudis crítics.
- Dramatúrgia contemporània de nous autors i autores.
Aquests llibres permeten analitzar l’estructura dramàtica, el ritme del diàleg i l’evolució dels personatges.
Beneficis culturals i educatius
La lectura de teatre en paper afavoreix la comprensió del llenguatge escènic i el desenvolupament d’habilitats interpretatives.
Comprensió del conflicte dramàtic
L’anàlisi d’obres teatrals ajuda a entendre la construcció del conflicte i la dinàmica entre personatges.
Foment de la lectura expressiva
Els llibres de teatre conviden a la lectura en veu alta i a la interpretació, reforçant l’expressió oral i la sensibilitat artística.
Orientació lectora: per a qui són els llibres de teatre?
Els llibres de teatre s’adrecen tant a lectors i lectores interessats en la literatura dramàtica com a estudiants i docents que treballen el text teatral.
- Persones interessades en l’art escènic.
- Estudiants de literatura i arts escèniques.
- Grups de lectura que practiquen la lectura dramatitzada.
- Qui vol conèixer l’evolució històrica del teatre.
Preguntes freqüents sobre llibres de teatre
Quina diferència hi ha entre una obra de teatre i una novel·la?
L’obra de teatre es construeix principalment a través del diàleg i està pensada per a la representació escènica, mentre que la novel·la desenvolupa una narració extensa en prosa.
Què aporten els llibres de teatre a nivell educatiu?
Afavoreixen la comprensió del llenguatge dramàtic, l’anàlisi del conflicte i el desenvolupament de la lectura expressiva.
Com triar un llibre de teatre adequat?
És recomanable considerar el període històric, l’estil dramàtic i l’interès per determinades corrents teatrals.
Per què llegir teatre en format paper?
El format en paper facilita la lectura detallada del diàleg, la comprensió de les acotacions i la interpretació pausada del text dramàtic.