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Libros de cine y artes escénicas
¿Te consideras un cinéfilo o un adicto a las series de televisión? ¿Quieres saber más sobre tus directores, películas, actores o personajes de ciencia ficción favoritos? En Abacus disponemos de los mejores libros de cine y artes escénicas. ¡Descúbrelos todos!
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Estàs preparat per obrir les pàgines d'aquest llibre i caure en una espiral incontrolada de riures i nostàlgia?Si saps com es deien els pingüins del Món d'en Beakman. Si ets capaç de dir sense embarbussar-te clubifaximatipetripiromaticfl ashinetsnotibufi topifi u. Si et vas enamorar de la senyoreta Yamabuki. Si bufaves els cartutxos de la NES perquè funcionessin. Si vas portar un xandall de «tàctel». Si col·leccionaves pins i tazos. Si encara conserves el teu carnet del Club Super3... tu també ets #GeneracióTomàtic!
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Se trata de una serie de relatos, escritos entre 1990 y 2011, en los que Jose Luis Garci habla de vivencias, recuerdos, sensacionesy deseos relacionados con el cine, todo narrado desde la exquisita sensibilidad y el don de saber contar que siempre muestr
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Este libro es una herramienta para despertar inquietudes, para conocer mejor el propio cuerpo y ver cómo intérpretes de diferentes actividades artísticas pueden mejorar en su tarea diaria. Es también la llave con la que artistas de cualquier disciplina podrán conseguir un cuerpo más libre, aprendiendo a respirar correctamente, con el fin de que tanto estos profesionales como los espectadores que acuden a ver su trabajo puedan disfrutar íntegramente de cualquier espectáculo.
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Juan Antonio Bardem aparece hoy, a los cien años de su nacimiento y dos décadas después de su muerte, como un creador indispensable para entender no solo los caminos del cine español, sino también la propia historia de nuestro país en la segunda mitad del siglo XX. Su obra es la columna vertebral de la disidencia crítica y regeneracionista que genera la renovación cinematográfica de los años cincuenta y, a la vez, el tronco del que nacen luego el realismo crítico del Nuevo Cine Español a comienzos de los años sesenta y el cine metafórico de la Transición política, cuyas raíces más fértiles están en obras como ''Muerte de un ciclista'' y ''Calle Mayor''. Ciudadano comprometido con su tiempo y con su país, con la causa de la democracia y con la defensa de sus ideas, partícipe activo en todos los foros e iniciativas progresistas del tejido social y profesional de la España que combate contra la dictadura franquista, Bardem y su obra son el germen del cine español moderno y un ejemplo permanente de coraje civil, cultural y profesional.
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A partir de su propia experiencia cinéfila desbordada, Vicente Monroy desarrolla en este ensayo una apasionante historia de los mitos de la cinefilia y de susargumentos fundamentales, de las múltiples formas enque el cine, ese arte joven pero siempre en crisis,ha llegado a enfermar a sus amantes.De Orson Welles aMartin Scorsese, pasando por los Cahiers du Cinéma oSerge Daney, pero también dialogando con la historiade la filosofía y de la literatura, Monroy consigueconstruir en estas páginas una elegante síntesis de las ideas y polémicas más profundas que se han dado sobre el cine y su significado histórico.
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Los monstruos no surgen de la nada. Son criaturas que tardamos en reconocer a través de la bruma y que, antes de alcanzarnos, han hecho un largo y vacilante camino desde orígenes muy diversos. Un caso mediático de la crónica negra, un episodio histórico, un hallazgo científico, una creencia mitológica, un edificio maldito, una fantasía distópica, un trauma colectivo,... a veces cristalizan en nuestra imaginación bajo una apariencia monstruosa, agudizada por un sentimiento muy familiar: el miedo. A quienes siempre se han acercado al cine de terror con una mezcla de escepticismo y aprensión, les sorprenderá la enorme influencia de las veinticinco películas ilustradas y reseñadas en este libro, convertidas en clásicos y en iconos reconocibles para todo el mundo. Su diversidad, sus fuentes de inspiración (casi siempre literarias), su calidad artística y técnica y su frecuente carácter intemporal, justifican la existencia de fieles y multitudinarios aficionados a la irrupción del terror en la pantalla. Uno de los géneros cinematográficos con mayor capacidad para que nos revolvamos en nuestras butacas, nos sintamos zarandeados en nuestras emociones y no nos recuperemos tan fácilmente tras la palabra FIN. (Alberto Gil)
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El cine y la arquitectura comparten una historia de encuentros. Ya desde sus inicios, el séptimo arte ha necesitado de la arquitectura, del marco construido, como telón de fondo de las acciones desarrolladas en la pantalla. El cine, por su parte, ha permitido establecer una mirada diferente sobre el territorio que los hombres habitamos, una mirada subjetiva, intencionada y distante. El presente diccionario aborda la posibilidad de diseccionar intencionadamente el campo de coincidencias visuales y operativas entre el trabajo del cineasta y del arquitecto a partir de un posible conjunto de términos comunes. La propia enunciación de los mismos, en absoluto entendidos como entidades cerradas, habla de la posibilidad de innumerables relaciones cruzadas, algunas de ellas contenidas en sus páginas, otras por descubrir. Cada una de las voces del diccionario se puede leer como un pequeño ensayo en sí mismo. Desde este punto de vista, su redacción obedece tanto al intento de desarrollar aquellos aspectos que los autores consideran más cercanos a sus propias sensibilidades e inquietudes como, a su vez, a la intención de que se postule como una guía para orientar posibles futuras investigaciones a partir de cualquiera de las entradas que constituyen su índice. Escrito a cuatro manos por dos arquitectos, la que se despliega es, obviamente, la mirada del arquitecto.
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Tecnologías de la edad es un volumen imprescindible para trascender la concepción dominante del envejecimiento fomentada por los discursos fílmicos hegemónicos, que contribuye a la invisibilización y homogeneización de las personas mayores y a la demonización de la vejez. Los análisis contenidos en estas páginas sostienen que la edad es una intersección universal, pero no unidimensional, y, por tanto, la experiencia del envejecimiento repercute en el ser humano de maneras diferentes, con lo que el cine tiene el poder de implantar otros conceptos sobre la edad que desnaturalicen los hegemónicos. La primera parte de Tecnologías de la edad recoge una serie de textos teóricos fundamentales que forman las líneas más claras de aproximación teórica a las representaciones culturales del envejecimiento. La segunda parte se dedica a desgranar el espectro de las múltiples formas de envejecer según su intersección con diversos discursos cinematográficos y contextos geográficos. La última parte del volumen incluye, a modo de epílogo, entrevistas con algunas de las personas a cargo de la organización de dos festivales cinematográficos sobre la vejez, los cuales contribuyen a la visibilización de la diversidad de la experiencia del envejecimiento y a su celebración. Un estudio necesario para promover una representación más diversa y no edadista de las personas mayores en la sociedad.
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Generoa osatzen duten filmak natura eta kultura, indarkeria eta legea edo gizabanakoa eta komunitatea bezalako dikotomia unibertsalen inguruan artikulatuko lirateke. Hiltzat jotako adina aldiz berpiztua, liburuki hau joan den mendeko 60ko hamarkadatik gaur egunera arte Estatu Batuetan egindako westernaz arduratzen da. Urte haiek, 60ko hamarkada, Estatu Batuetako herriaren ''errugabetasunaren galeratzat'' jotzearekin batera, westernak ere (ilunabarrekoa, errebisionista edo deitu nahi zaion bezala) mutazio sakonak jasango ditu. Data horretatik aurrera, generoari atxikitako filmak gero eta ilunagoak eta konplexuagoak izango dira, eta zalantzan jarriko dituzte Mendebaldeko Konkistaren Mitoa eratzeko erabilitako tropo eta konbentzio nagusiak: cowboyaren epika maskulinoa, indarkeriaren funtzio zibilizatzailea, mugaren izaera egituratzailea, Bestearen estatusa, emakumea izan edo indiar basatia, beste askoren artean.
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HA EMPEZADO LA CUENTA ATRÁS PARA LA NAVIDAD EN EL GRAN COMEDOR! Celebra las fiestas en Hogwarts con este libro único! En él encontrarás el Gran Comedor nevado tal y como aparece en las películas de Harry Potter, con un árbol de Navidad en 3D en el centro. Ocultos en los compartimentos bajo el suelo del Gran Comedor descubrirás 25 reproducciones de artefactos icónicos y otros elementos del Mundo Mágico, desde el gira tiempo de Hermione a la snitch dorada, para colgar del árbol central y decorarlo a tu gusto. Además, también contiene un libro de 96 páginas con anécdotas y detalles sobre el rodaje, los artefactos, los decorados y las escenas navideñas que aparecen en las películas de Harry Potter. Celebra tu Navidad más mágica y entrañable con este libro imprescindible, mientras recuerdas los mejores momentos nevados de la saga de Harry Potter.
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Este título reúne una selección de textos teóricos escritos por la dramaturga, directora de escena e intérprete Angélica Liddell, acerca del sacrificio y lo poético. Conferencias, ensayos y una entrevista inédita con la creadora conforman un volumen imprescindible para aproximarse al pensamiento de Angélica Liddell. El volumen se completa con un prólogo escrito por Christilla Vasserot, traductora y especialista en el teatro de Angélica Liddell.
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¿Cuando ves una puerta te imaginas que de repente la atravesará el hachade Jack Torrance? ¿No dormías por la noche porque estabas convencido deque en tu ventana aparecería un niño vampiro? ¿Siempre has deseado tenerpoderes psíquicos para montar una buena cuando tus compañeros se metancontigo en el baile de fin de curso del instituto? No lo dudes, éste estu libro, pues encontrarás todas las claves de las incursiones de Stephen King enla pantalla, tanto de las adaptaciones de sus novelas y cuentos, comode sus guiones originales. Un autor que ha cambiado para siempre lasreglas del cine y las series de terror, que ha atraído la atención derealizadores de primer nivel como Stanley Kubrick, Brian de Palma, JohnCarpenter y Frank Darabont, y que algo tendrá cuando se ha convertido en uno de los autores que más venden del mundo.
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En esta secuela, presenta 60 nuevas sinopsis de películas históricas del cine, como Watchmen, El último samurái o Interstellar. En 2013, Sanchidrián revolucionó las redes sociales con su página de Facebook Sinopsis de cine. Hoy, su particular estilo y su personalísimo sentido del humor se han convertido no sólo en virales en las redes sociales sino que ya forman parte de la propia vida diaria.
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El gran homenaje al cineasta más famoso de todos los tiempos.Las películas de Spielberg son célebres y han cautivado a millones de espectadores por la forma en que combinan el aspecto comercial con la profundidad creativa del director. A menudo sus filmes ocultan un cierto trasfondo oscuro que se complementa con su maestría para entrelazar historias extraordinarias con los aspectos más mundanos de la vida. Y esque hasta Indiana Jones tiene un lado vulnerable y humano. La inmensa trayectoria de Steven Spielberg está repleta de grandes colaboraciones: desde George Lucas hasta John Williams, pasando por una infinidad de auténticas leyendas del cine en cada una de las fases de realización de sus películas. Nombres que lo han acompañado fielmente a lo largo de, por ejemplo, la accidentada producción de Tiburón, el éxito revolucionario de Parque Jurásico o las conmovedoras narraciones de La lista de Schindler o Salvar al soldado Ryan. A pesar de sus grandes éxitos profesionales como E.T., el extraterrestre, Encuentros en la tercera fase, El color púrpura, Minority Report o la impresionante saga de Parque jurásico, sus inolvidables películas reflejan una constante búsqueda personal de aprobación, tanto por parte de su entorno, como también de sus colegas. Y es que para entender su trabajo debemos ver más allá de la superficie de sus narraciones y comprender de dónde vienen sus fuentes de inspiración, sus interpretaciones llenas de matices y las temáticas recurrentes de su filmografía. El reconocido periodista cinematográfico Ian Nathan recorre con gran destreza y detalle la monumental trayectoria de Spielberg, destacando por encima de todo sus inmensas cualidades artísticas atemporales y revela las múltiples e intrincadas capas de su extraordinaria filmografía.
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Tras los libros de Paulino Viota sobre Ford y Godard, aparecidos en esta misma colección, ha llegado el momento de homenajear al autor y hombre de cine en su faceta de profesor, un docente carismático, divertido, profundo, que penetra junto a sus alumnos en la historia del cine como en un refugio cotidiano desde el que contemplar el mundo y afilar la imaginación. Se transcriben aquí (salvando, en la medida de lo posible, la singularidad de la palabra y la teatralidad de los gestos de aquel contexto privilegiado) las cinco clases de un curso de 2012 sobre la teoría del cine de Eisenstein impartido en la Filmoteca de Santander, en las que asistimos a la paulatina clarificación del complejo pensamiento de uno de los mayores cineastas que han existido, a su vez principal teórico del montaje -desde sus posibilidades rítmicas, plásticas y orgánicas, a sus capacidades relacionales, afectivas e intelectuales-. Pero El genio de Eisenstein es mucho más que el trazo de un curso o la memoria compartida de la enseñanza de un experto, ya que Viota, para paliar la ausencia de las proyecciones de fragmentos fílmicos que interrumpían el flujo de las explicaciones, ha completado un exigente apartado de análisis y descripciones (que diseccionan los momentos álgidos de la obra del director de El acorazado Potemkin o las secuencias de otras películas traídas a colación, como el inolvidable «camino hasta el beso» de Recuerda de Hitchcock), lo que supone su mayor aportación hasta la fecha a la obra del venerado artista soviético. Libro bifronte, inaudito y a contracorriente, El genio de Eisenstein trae noticias de cuando los cineastas y las películas pensaban, también del tiempo en que los cinéfilos intentaban comprender, con paciencia y dedicación, cómo y por qué lo hacían.
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En el estreno de su quinta entrega: un personaje cuyo carisma perdura.La saga de Indiana Jones alcanza su quinta entrega cinematográfica, confirmando tanto su enorme capacidad de entretener como la complejidad de un personaje cuya visión del mundo y de la vida nos remite directamente al ámbito del mito y a unos símbolos que nos proyectan más allá de la época en que transcurren sus aventuras.
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Pero es a principios del nuevo siglo cuando parece haberse incrementado. Así lo demuestra la presencia en las carteleras de un número considerable de películas en las que la teatralidad se muestra en sus más diversas manifestaciones. Entre estas hay cinta
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Cada año el día uno de septiembre, los alumnos llegan al Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería para estudiar magia, jugar al Quidditch y hacer amigos para toda la vida. Pero una parte del plande estudios consiste en estudiar las artes oscuras y aprender a defenderse de ellas. Estás a punto de entrar en tu primera clase de defensa contra las artes oscuras en Hogwarts. En estas páginas, aprenderás todo sobre las artes oscuras, tal y como se ve en las películas de Harry Potter, y los magos que las dominan, además de adquirir una serie de objetos relacionados con ellas, como un marcapáginas o un llavero. En este libro, descubrirás a famosos magos oscuros, pociones peligrosas, maldiciones imperdonables, utensilios oscuros, las reliquias de la Muerte y mucho más. Así que ha llegado el momento de embarcarte en tu viaje hacia las Artes Oscuras.
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Guión de la serie creada por Diego San José.
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Imágenes narradas. Cómo hacer visible lo invisible en un guion de cine aborda la escritura de guiones desde una perspectiva nueva. La mayor parte de los guionistas centran toda su energía en lograr que funcione la trama, la estructura y los diálogos y se olvidan de la enorme capacidad expresiva de las imágenes, pese a que esta es la esencia del lenguaje audiovisual. El presente libro anima al guionista a ser consciente de su condición de cineasta, más allá de su papel de contador de historias. Le proporciona herramientas para saber proyectar en papel su ''película soñada'' y que sus lectores sean capaces de ''verla''antes de que llegue a ser rodada.
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Un viaje alucinante a las profundidades de El Hoyo, un éxito mundial sin precedentes en el cine fantástico.El Hoyo arrasó en Netflix llegando a ser la película más vista de la plataforma en todo el mundo, poco después de declararse una pandemia global.Con un presupuesto muy modesto y un equipo mayoritariamente local, Galder Gaztelu-Urrutia dirigió un enigmático thriller distópico de ciencia ficción que se convirtió en fenómeno viral.Ahora, Juan Dopico Massobrio, community manager de El Hoyo, hace un recorrido por las distintas fases de producción del proyecto y nos descubre, a partir de las entrevistas realizadas a los miembros del equipo durante el confinamiento, cómo esta película independiente pudo convertirse en número uno mundial.Cuidadísima edición para los amantes del género y fans de la película que se quedaron con ganas de adentrarse más en las entrañas de El Hoyo.
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'El cine comienza con Goya'' cuenta los orígenes y creación de un lenguaje universal que será la matriz original del cine. Goya creó ese lenguaje visual dondese funda el lenguaje universal del cine. A la matrizgoyesca del lenguaje cinematográfico serán fieles todos los patriarcas fundadores. Georges Méliès, D. W. Griffith, Friedrich Wilhelm Murnau, Sergueï Eisenstein, Carl Theodor Dreyer, Fritz Lang, Alfred Hitchcock,Orson Welles, Luis Buñuel, Akira Kurosawa, Billy Wilder, John Huston, Stanley Kubrick, Andrzej Wajda, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Néstor Almendros, Luis García Berlanga, Carlos Saura, entre otros grandes maestros, utilizan, rinden homenaje y enriquecen el lenguaje universal concebido y creado por Goya para tocar latécnica y herramientas fotográficas con la gracia deun arte nuevo compartido por todas las civilizaciones.
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La escuela de cine de Madrid es la pieza que faltaba para completar el puzle del cine español de la segunda mitad del siglo pasado. Entre 1947 y 1976 se ruedan en las instalaciones del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), primero, y en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC), después, centenares de cortometrajes y mediometrajes que llevan la firma de quienes poco tiempo después, cuando abandonen las aulas, se encargarán de poner en pie algunas de las filmografías más sugerentes de la historia del cine español. Al no estar (salvo excepciones) sujetas a la censura franquista, las prácticas que Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem, Carlos Saura, Manuel Summers, Basilio Martín Patino, Francisco Regueiro, Mario Camus, Víctor Erice, Cecilia Bartolomé, Josefina Molina, Iván Zulueta, Manuel Gutiérrez Aragón o Imanol Uribe (por poner solo unos cuantos ejemplos) ruedan en el IIEC-EOC matizan y, por lo tanto, enriquecen la imagen del país y de sus gentes que se desprendía del cine profesional de la época. En este libro se analizan en detalle las prácticas más relevantes y, sobre todo, se intenta determinar en qué medida dichos trabajos de formación modifican o completan la idea que teníamos hasta ahora del cine español del periodo.
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Este libro reconstruye la historia del espectáculo que se estrenó en mayo de 1947 en el madrileño Teatro de la Comedia bajo el título Historia del romancero, protagonizado por los alumnos del Colegio «Estudio». El proyecto fue impulsado por Jimena Menéndez-Pidal, quien, inspirada por las investigaciones en torno al romancero español de sus padres, María Goyri y Ramón Menéndez Pidal, y alentada por su experiencia teatral previa en el Instituto-Escuela, decidió llevar a escena la historia y evolución de los romances desde su nacimiento en el medievo español hasta su actualidad en el mundo hispánico moderno. Gracias a la privilegiada memoria de la historiadora y pedagoga Elvira Ontañón -que participó de niña en la obra-, el musicólogo Víctor Pliego ha transcrito las letras y elaborado las partituras de los romances representados, además de poner en contexto aquella iniciativa. Teatro, poesía, historia, tradición, música y danza se funden en este testimonio de la historia de la educación en España durante la posguerra que, a la vez, es un material didáctico plenamente vigente.
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'La historia de Hollywood se ha forjado a base de películas que el tiempo ha elevado a la categoría de mitos, títulos que sin ser obligatoriamente los mejores –aunque casi siempre lo son– rebasan las barreras generacionales y los límites estrictamente cinematográficos para convertirse en verdaderos fe nó menos sociológicos. Obras tan singulares que siempre, aunque se hayan visto docenas de veces, se ven por primera vez. Y de todas ellas, la más legendaria, la más famosa, la más taquillera, la más fascinante e irrepetible es Lo que el viento se llevó. La búsqueda de la protagonista adquirió tintes épicos y en su realización intervinieron cinco directores, tres operadores y un ejército de guionistas, decoradores y extras. Todos pusieron su granito de arena para que Da vid O. Selznick, el verdadero artífice de la cinta, moldeara a su gusto este monumento de celuloide. Ha habido películas mejores, antes y después, pero pocas que hayan dejado una huella tan profunda en el público. Con motivo de su ochenta aniversario, Juan Tejero aborda en ‘La fabulosa historia de Lo que el viento se llevó’ todos los aspecto de esta obra magna: el fortuito origen literario, la laboriosa preproducción, el legendario casting, el problemático rodaje, el apoteósico estreno, la lluvia de Oscars, la leyenda que no se extingue... El resultado es un making of tan novelesco como la novela de margaret Mitchell y tan apasionante como el epic de Selznick.''
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Corea del Sur ha sido, a lo largo de la historia, un país muy hermético y reticente a abrirse al mundo exterior. Sin embargo, en los albores del siglo XX tuvo lugar un fenómeno conocido como hallyu, a través del cual la cultura coreana comenzó a expandirse. El canalizador de esta ola coreana fueron las series de televisión (K-dramas) y poco tiempo después se sumó la música (K-pop). Así, durante las últimas dos décadas, Corea del Sur se ha convertido en uno de los principales exportadores de cultura y entretenimiento al mundo. Gracias al reconocimiento internacional de la película Parásitos (Bong Joon Ho, 2019), que se hizo con cuatro Óscar de Hollywood, todo parece indicar que estamos ante un nuevo fenómeno expansivo: el K-cine. Cine Coreano: cine se escribe con K llega, por tanto, en un momento idóneo, cuando el público general de este lado del mundo comienza a interesarse por las películas de ese país. Esta obra, amena, exhaustiva y rigurosa, ofrece al lector un repaso por las mejores películas que nos ha dejado el cine coreano y lleva a cabo una revisión del estado actual de una industria. que pasa por su mejor momento. Un recorrido por la historia del cine coreano con especial atención a los directores y actores más interesantes de nuestros días. A través de las páginas de este libro, emprendemos juntos un largo y enriquecedor viaje de 10 000 kilómetros a un país profundamente desconocido en Occidente, quizá el más ignoto de todo Asia. Todo lo que necesitas saber y conocer para adentrarte en el fascinante e hipnótico mundo del K-cine lo encontrarás entre sus páginas.
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Dirty Dancing nos ensen?o? que, si?, las mujeres abortan. La princesa prometida nos ensen?o? que el amor verdadero no es un cuento de hadas. Cazafantasmas nos ensen?o? quéla amistad masculina no tiene por que? ser inmadura. Todo en un día nos ensen?o? que siempre habra? clases sociales. No sabi?amos quélas peli?culas que nos cambiaron la vida también nos estaban preparaño para las luchas de hoy. Un ensayo revelador.«Adoro estas peli?culas porque son desternillantes, tiernas e inteligentes, porque son divertidas. Son Buenas, con B mayu?scula, y también están infravaloradas. Estas peli?culas no solo nos hicieron felices, sino que nos ensen?aron mucho más quélas peli?culas de hoy en día. Si?, La fuerza esta? en ti, Lone Starr, por citar una délas peli?culas délos ochenta que me gustaba taño de niña que vi la cinta hasta que quedo? destrozada. Pero les debo a estas peli?culas quéla fuerza este? en mi?. Gracias a élas, la verdadera fuerza délos ochenta siempre sera? intensa en nosotros.»
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El humor puede ser muchas cosas, se puede definir de muchas maneras (es inteligencia, es comunicación, es alegría, etc...) pero, desde luego, siempre debe llevar implícito una cierta manera de sorprender al público. Pero ser un referen¬te de la comedia no es fácil. Y si no que se lo pregunten a gente como Dani Rovira, Eva Soriano, Berto Romero o David Broncano. ¿Por qué algunos cómicos funcionan genial y otros no tanto? ¿Por qué su show exactamente igual, palabra por palabra, puede triunfar un jueves en Valencia y fracasar un viernes en Madrid? ¿Cómo es posible que un súper profesional pueda quedarse en blanco en mitad de un show? Este libro tiene la vocación de convertirse en un referente a la hora de formar nuevos talentos, porque explica de manera clara y diáfana las bambalinas de la formación cómica tanto desde el punto de vista técnico como emocional.
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Un libro fundamental para todos los seguidores de Juan Carlos Aragón, y para todos aquellos que quieran descubrir a este genio creativo del Carnaval de Cádiz, que consiguió generar un movimiento, el ''juancarlismo'', y una filosofía de vida y arte a través de su música y sus versos. CON PRÓLOGO DE ''CALIXTO'' REVUELTA Y EPÍLOGO DE FEDE QUINTERO.
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La primera obra consagrada a la fructífera relació entre l'espionatge i el cinema, les sèries de televisió o fins i tot els dibuixos animats, des de la pel·lícula Protea, dirigida per Victorin Jasset el 1913, fins als treballs de Fritz Lang, Alfred Hitchcock, Kathryn Bigelow, Brian de Palma, John Huston o Laura Poitras. Organitzat per ordre alfabètic, aquest llibre ofereix, a més, entrevistes en exclusiva amb realitzadors com ara Olivier Assayas, Arnaud Desplechin i Éric Rochant, o amb l'actriu i noia Bond Léa Seydoux, així com textos perfectament documentats sobre la història que ha entrellaçat el cinema amb l'espionatge. Es mostren els ressorts de la geopolítica mundial a través de James Bond, Jason Bourne, Argo, Missió: Impossible, Shiri... o de sèries com Homeland, The Spy o Le Bureau des légendes. Les dones del món de l'espionatge ocupen un lloc privilegiat en aquest llibre: les espies rebels (Mata Hari) o les que només van ser creades per a la fi cció (X 27), les que van protagonitzar documentals (Chelsea Manning), i les actrius-espies, o espies-actrius, com Marlene Dietrich, Greta Garbo o Hedy Lamarr. Generosament il·lustrat amb imatges de pel·lícules, cartells, decorats dels rodatges, dibuixos i obres d'art, aquesta obra convida a descobrir el transfons d'aquest univers d'enganys, dissimulació, manipulació i secrets d'estat classificats amb un absolut Top secret.
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El aire viaja desde los pulmones hasta la piel, sale del cuerpo transformado en movimiento. Cada cuerpo singular indaga en una partitura de movimiento, teniendo su lugar en la coreografía, forma parte de un coro de voces propias. La danza de Marina Mascarell sugiere percepciones, evoca pensamientos, estimula sensaciones. Cuestiona los patrones tallados y grabados en el cuerpo. Libera las palabras y su significado. Este libro es un despliegue de retratos múltiples, escritos por personas que han compartido con ella el sudor y el placer en la sala de ensayo, además de un autorretrato en forma de cuaderno de creación. Un collage sobre el universo creativo de Marina Mascarell: sobre cómo y por qué corporeiza el pensamiento.
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El libro que complementa la nueva y premiada película de Pedro Almodóvar y Penélope Cruz. Su historia te sorprenderá. Dos mujeres, Janis y Ana, coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto se muestra pletórica, la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar y complicar de un modo tan rotundo que cambiará las vidas de ambas. Esta edición contiene, además del guion original de la película, un sustancioso apartado de comentarios sobre su proceso creativo y el rodaje, firmado por el propio Almodóvar, asimismo, está profusamente ilustrada a todo color con fotografías y fragmentos del storyboard, y se cierra con un iluminador epílogo a cargo de Vicente Molina Foix. Madres paralelas es un libro que sirve de perfecto acompañante del largometraje y atraerá a todos los amantes del cine y la cultura.
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En un caluroso fin de semana de julio de 1987, con la ciudad de Madrid desierta, Miguel, un veterano articulista, temido y respetado, se cita en un café con Ángela, una joven estudiante de primer curso de Periodismo. Obligados a convivir en una jornada muy particular, ambos tratarán de sobrevivir al roce del deseo. Como dos trenes, sus personalidades chocan frontalmente, en la España de 1987, un país que terminaba de cerrar el capítulo negro del franquismo y se instalaba plácidamente en la democracia. Quizá demasiado plácidamente, mientras los valores y las jerarquías tradicionales aún disfrutaban de un poder sólido. Guión de la película. En un caluroso fin de semana de julio de 1987, con la ciudad de Madrid desierta, Miguel, un veterano articulista, temido y respetado, se cita en un café con Ángela, una joven estudiante de primer curso de Periodismo. Obligados a convivir en una jornada muy particular, ambos tratarán de sobrevivir al roce del deseo. Como dos trenes, sus personalidades chocan frontalmente, en la España de 1987, un país que terminaba de cerrar el capítulo negro del franquismo y se instalaba plácidamente en la democracia. Quizá demasiado plácidamente, mientras los valores y las jerarquías tradicionales aún disfrutaban de un poder sólido. Anagrama presenta el guión de Madrid 1987, la última película del escritor y realizador David Trueba, definida por la crítica norteamericana tras su paso por el festival de cine de Sundance como un cruce entre el cine intimista y la literatura de Philip Roth, otra magnífica obra literaria de Trueba.
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EL NUEVO ENSAYO GRÁFICO DE LO S AUTOR ES DE BARCELONA. LOS VAGABUNDOS DELA CHATARRA El retablo gótico es el primer artefacto narrativo enviñetas de la historia artística de Occidente. El tatarabuelo del cómic.A partir de esa idea y de la colección de arte gótico del Museo Nacionalde Arte de Cataluña, Jorge Carrión y Sagar han creado un ensayo gráficosobre cómo el dibujo y la pintura medievales muestran la transiciónentre el teocentrismo y el humanismo. Un libro extremadamente originalque recurre a diversos lenguajes para expandir lo que entendemos pormuseo y por ensayo en el siglo xxi. Jorge Carrión es escritor, críticocultural de The New York Times en Español y doctor en humanidades por laUniversidad Pompeu Fabra de Barcelona. Es autor de varios ensayosnarrativos, como Librerías y Barcelona. Libro de los pasajes. Sagar esuno de los autores gráficos más prolíficos y reconocidos del panoramanacional, con trabajos en el mundo de la ilustración, el cómic, el cineo la escenografía. En 2015, ambos autores publican la investigaciónperiodística Barcelona. Los vagabundos de la chatarra, que ha sidorecibido como uno de los cómics españoles más innovadores de los últimostiempos.
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Considerado tradicionalmente como el director más importante del cine español, Luis Garcia Berlanga poseecomo pocos cineastas un universo tan propio y original que hace de su obra un conjunto perfectamente identificable, Un grupo de expertos analizan en El universo de Luis García Berlanga todos sus films, sus actores, colaboradores
. Todas las constantes de su vida yobra.
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Entendiendo el cine como una potente herramienta para la producción y la reproducción de la realidad social, las Ciencias Sociales y las Humanidades se han interesado por cómo las representaciones cinematográficas muestran las migraciones y personifican a las personas migrantes. En este sentido, la literatura académica es muy importante, en especial desde el campo de los estudios culturales y literarios, pero no solo. Y aunque en España no existe una arraigada tradición si se han dado un número importante de estudios y contamos ya con algunas personas académicas que podríamos considerar especialistas. Pero el cine español de migraciones se ha estudiado, sobre todo, fuera de España y en especial en el mundo anglosajón. Este libro viene a cubrir esta laguna de producción académica. El objetivo ha sido reunir textos diversos sobre la temática de cine y migraciones especialmente centrados en España. El conjunto de textos está organizado en tres partes: la imagen de las migraciones en diversos soportes: cine documental, literatura y audiovisuales en general.
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Los libros de cine y artes escénicas son publicaciones impresas que analizan la creación audiovisual y las disciplinas vinculadas a la escena. Los libros de cine y los libros de artes escénicas permiten profundizar en la historia del séptimo arte, el teatro, la danza o la interpretación, ofreciendo una mirada crítica y contextualizada. En formato papel, estas obras facilitan una lectura pausada y el estudio detallado de guiones, teorías y procesos creativos.
¿Qué son los libros de cine y artes escénicas?
Son libros que estudian el lenguaje cinematográfico y las prácticas escénicas desde perspectivas históricas, técnicas y artísticas.
Definición
Incluyen ensayos, análisis fílmicos, estudios sobre dirección y producción, así como reflexiones sobre interpretación y puesta en escena.
Ámbitos artísticos
Abarcan disciplinas como el cine, el teatro, la danza y otras manifestaciones escénicas que combinan expresión artística y narrativa.
Cómo elegir libros de cine y artes escénicas
Seleccionar libros de cine o libros de artes escénicas implica considerar el enfoque del contenido y el nivel de especialización.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una introducción general, un estudio académico o un análisis centrado en una obra o creador concreto.
- Historia del cine y movimientos cinematográficos.
- Análisis de directores y directoras relevantes.
- Estudios sobre dramaturgia y puesta en escena.
- Manuales de interpretación y técnicas escénicas.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de cine y artes escénicas en formato papel presentan distintos enfoques editoriales.
Tipos de libros y contenido
- Ensayos críticos sobre cine y teatro.
- Guiones publicados y textos dramáticos.
- Estudios técnicos sobre dirección y producción.
- Reflexiones sobre estética y teoría escénica.
Estas obras permiten comprender los procesos creativos y el impacto cultural de las artes audiovisuales y escénicas.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de cine y artes escénicas en papel favorece el análisis crítico y el conocimiento del lenguaje artístico.
Comprensión del lenguaje audiovisual
Estos libros ayudan a interpretar recursos narrativos, estéticos y técnicos presentes en obras cinematográficas y teatrales.
Formación artística
Contribuyen a desarrollar una mirada crítica y a contextualizar la evolución de las artes escénicas y audiovisuales.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de cine y artes escénicas están dirigidos a lectores y lectoras interesados en el análisis cultural y artístico.
- Estudiantes de comunicación audiovisual y artes escénicas.
- Docentes y profesionales del sector cultural.
- Personas interesadas en la historia del cine y el teatro.
- Lectores que desean profundizar en el lenguaje artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de cine y artes escénicas
¿Qué incluyen los libros de cine?
Incluyen análisis de películas, estudios históricos y reflexiones sobre dirección, guion y producción cinematográfica.
¿Qué abarcan los libros de artes escénicas?
Abarcan estudios sobre teatro, danza, interpretación y puesta en escena desde una perspectiva histórica y técnica.
¿Cómo elegir un libro de cine o artes escénicas?
Es recomendable considerar el enfoque, la disciplina artística y el nivel de especialización del contenido.
¿Por qué leer estos libros en formato papel?
El formato en papel facilita el estudio detallado de conceptos, guiones y análisis críticos con una lectura concentrada.
