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Libros de arte
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Made by MSCHF es un estudio del trabajo del colectivo de arte MSCHF, con sede en Brooklyn, conocido por sus proyectos eclécticos que critican las mismas áreas de la cultura popular que habitan. Desde una línea de bolsos de diseño que solo son visibles bajo un microscopio hasta un juego de citas anime que ayuda a los jugadores a generar una declaración de impuestos funcional, las obras de MSCHF son incisivas, a menudo virales y siempre están imbuidas de su estilo único de humor subversivo.Con imágenes nunca antes vistas, este libro presenta estudios de casos que exploran en profundidad 12 de los proyectos de MSCHF, brindando a los lectores un modelo de cómo se desarrollan sus trabajos desde la idea hasta el lanzamiento. Escrito por dos de los cofundadores del colectivo, el libro presenta 6 ensayos temáticos adicionales y un archivo de todas las obras de arte del MSCHF hasta la fecha, que en conjunto revelan el alcance y la evolución del grupo experimental.Los proyectos incluyen: Big Red Boot, un par de botas de goma grandes y caricaturescas, Jesus Shoes, sus zapatillas de deporte de marca llenas de agua bendita, ATM Leaderboard, un cajero automático instalado en Art Basel Miami Beach que clasificaba a los usuarios por saldo bancario, y Severed Spots, en el que recortaron manchas de grabados de Damien Hirst y las vendieron como obras de arte individuales.
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Escrito en 1966, El arte como oficio se ha convertidoen el gran ensayo clásico de entre todos los que escribió Bruno Munari. Este libro es un valioso y singular intento por situar la importancia de los ''nuevosproductores de formas'' del mundo contemporáneo en relación con el arte y con la experiencia personal de nuestra vida cotidiana. Con ello, Munari logra hacernos observar de una manera activa y tomar conciencia del mundo formal que nos rodea al tiempo que pone en valor la labor de los diseñadores, personajes que no solo se erigen como responsables de la creación de objetos funcionales y estéticos, sino que ejercen de auténticos moldeadores ''democráticos'' del gusto. Repleto de ejemplos y referencias a nuestra vida diaria, esta obra nos invita constantemente a detenernos y a repensar las formas que nos rodean. Desde la visualidad de las letras escritas o dibujadas hasta la versatilidad de un material como el bambú, pasando por el valor de una cuchara o unos peldaños desgastados por eluso, o el brutal contraste entre las ostentosas cuberterías europeas y la modestia de los palillos japoneses, Munari nos introduce con la facilidad y la sencillez de los grandes maestros a las grandes cuestionesteóricas de las disciplinas del diseño y la creatividad.
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Durante la década de los cincuenta, Dalí anduvo preocupado por el modo, para él servil, en que los críticos se sometían ciegamente a la dictadura de las vanguardias artísticas y, en particular, a la corrientemás moderna: la pintura abstracta. Sorprende comprobar hoy en cuántos aspectos daba Dalí en el blanco, consu peculiar visión paranoico-crítica del arte y exponiéndose a la mofa de los implacables críticos «ditirámbicos» entregados a lo moderno por lo moderno. Según Dalí, desde que los críticos se unieron «a la viejapintura moderna», ésta no ha dejado de ponerles cuernos: con la fealdad, con la técnica y con el arte abstracto. «Pintor, no te empeñes en ser moderno.Es la única cosa que, por desgracia, hagas lo que hagas, no podrás dejar de ser.» Salvador Dalí
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'María Blanchard nos pinta pobres seres meditativos, bien sean hombres, mujeres o niños, envueltos muchos de ellos en una atmósfera melancólica próxima a la ternura. Tiene para sus criaturas una fisonomía propia. Los personajes de sus cuadros pertenecen todos a una misma raza: nariz ancha, labios gruesos, tiernamente sensuales, ojos tristes, brillantes, cuello corto…'' Escrita en 1941, esta es la primera monografía dedicada en España a María Blanchard. Se la debemos a María Laffitte y Pérez del Pulgar, condesa de Campo Alange, escritora y crítica de arte, defensora de los derechos de la mujer y fundadora, en 1960, del Seminario de Estudios Sociológicos de la Mujer.
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El artista holandés Constant Nieuwenhuys (1920-2005), conocido simplemente como Constant, concibió entre 1956 y 1974 una de las utopías más audaces del siglo XX. Su proyecto ''New-Babylon'' esbozaba el sueño de un hábitat artificial para una humanidad nómada, completamente libre para vivir donde quisiera y como quisiera. En esa sociedad liberada de la necesidad de trabajar gracias a las máquinas, los neobabilonios podrían dedicar todo su tiempo al juego y al desarrollo pleno de su creatividad. Con este nuevo diseño se superarían los problemas derivados de la concepción de las ciudades y de los dos sistemas económicos enfrentados del capitalismo y el ''socialismo real''. Esta original utopía, que desafiaba todas las convenciones del urbanismo y de la arquitectura de su época, creció en el clima idealista de los años sesenta y tuvo mucho que ver con los intelectuales que inspiraron la revuelta estudiantil de Mayo del 68. Constant plasmó su idea en una extensa obra artística, pero también en un manuscrito que había permanecido inédito hasta ahora y que se publica por primera vez, en castellano, con un estudio introductorio que lo sitúa en las coordenadas de su tiempo. Sin duda, muchas de las ideas que plantea siguen siendo válidas en nuestros días.
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Con el estilo divertido, irreverente y siempre polémico propio de los vídeos de su canal de YouTube, Antonio García Villarán revisa en este libro los diferentes movimientos artísticos y la obra de los grandes maestros para poner en duda los cánones establecidos a la hora de valorar el arte. Con el concepto Hamparte (creado por él mismo a partir de las palabras «hampa» y «arte»)como hilo conductor, plantea desde un punto de vista crítico la validez de los criterios actuales para encumbrar aautores españoles de la talla de Dalí, Miró o Chillida, e internacionales como Yoko Ono, Damien Hirst o Jeff Koons.
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Los cuadros esconden mensajes que pueden pasar desapercibidos, pero que a menudo cuentan historias fascinantes. Detrás de detalles aparentemente insignificantes alientan epopeyas que cambiaron el mundo, como los diminutos granos de pimienta en un bodegón, el pequeño colgante con un carnero dorado en un retrato o el pigmento que presta su color a un lienzo. O bien contienen indicios que remiten a la más temible red de espías, las contraseñas del ''marketing'' protestante o el gabinete de imagen y propaganda de la monarquía hispana, con guionistas como Calderón de la Barca y creativos como Velázquez. Agustín Sánchez Vidal nos lleva de un tema a otro y los relaciona con nuestra vida cotidiana y el presente, desde el color naranja de las zanahorias de un bodegón a Bugs Bunny, Freud y la publicidad, del rey Midas al actual valor del oro, del Bosco a las pinturas negras de Goya o de la Inmaculada Concepción a una Unión Europea dividida entre los ''trabajadores'' países del norte y los ''holgazanes'' del sur. Todo eso y mucho más se esconde en los cuadros del Museo del Prado, que relatan la historia de España y sus vínculos con Europa.
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En la Antigüedad, la Edad Media y los tiempos modernos Este breve tratado sobre el simbolismo tradicional de los colores, escrito de un modo puntilloso y exhaustivo, es uno de los pocos disponibles en una lengua del mundo occidental. Su fundamento teórico consiste en el concepto de que todo lo manifestado procede esencialmente de un principio metafísico y expresa la realidad según su orden de existencia. También los colores obedecen a esta ley y, respecto a su grado específico, encajan en la unidad principal. El simbolismo del color es un modo de expresión universal que ha atravesado culturas y religiones, desde la India hasta China y Persia. Este importante elemento de la iconografía se encuentra en los templos de Egipto, los mo-numentos de Grecia y Roma, y luego en la Edad Media y las vidrieras de las catedrales góticas. Los libros sagrados, desde los textos védicos hasta la Biblia y el Corán, recurren constantemente al simbolismo del color. Frédéric du Portal recorre con detalle el viaje de los colores simbólicos a través de los siglos, y su extensa inves-tigación le ha llevado a la convicción de que «los colores tenían el mismo significado entre todos los pueblos de la alta antigüedad». Basándose en una exhaustiva documentación, Portal explica los principios y leyes que rigen el lenguaje de los colores. Un libro fascinante, que invita a la reflexión y que sigue siendo una referencia para artistas y estudiantes de Historia del arte.
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Libro-disco con pinturas a tinta de Juan Manuel Uría y música de Ángel Unzu.El libro-disco Impromptu es un fascinante encuentro entre dos lenguajes poéticos: la pintura y la música. Las sugerentes pinturas de Juan Manuel Uría y la inspirada música de Ángel Unzu, 60 pinturas a tinta y 21 temas musicales improvisados con el guzheng, junto con una serie de “pentagramas intervenidos” y algunas notaciones musicales manuscritas, hacen de Impromptu una maravillosa obra de arte.
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Colección de ensayos en torno a conocidas obras del arte occidental, quetienen en común la seducción de su misterio. Ante la ventana abierta delos lienzos, Siri Hustvedt propone al lector no sólo un paseo por lahistoria de la pintura, sino también por la vida. Unos textosesclarecedores y plenos de sensibilidad.
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Un texto breve y apasionante, polémico, en el que se articulan los ejes principales de la gran pintura italiana. Tres protagonistas fundamentales por encima de los nombres más consagrados: Giotto, Piero della Francesca, Giovanni Bellini. Con ellos, Paolo Uccello, Antonello da Messina, Miguel Ángel y los grandes venecianos, también Caravaggio. La narración de Longhi rompe los esquemas preestablecidos y se aventura en una articulación histórica original. Si algo le preocupa es mirar las obras y analizarlas en esa mirada: su argumento prescinde de los elementos externos y trata de precisar con rigor los caracteres de su plasticidad. En 1914, cuando solo tenía veinticuatro años, Roberto Longhi redactó esta síntesis de la historia de la pintura italiana para uso de los estudiantes del liceo en el que impartía clase. Reproducida en numerosas ocasiones, se convirtió en un texto legendario que solo muchos años después sería publicado, que ofrecemos en traducción castellana. Como ha dicho su introductor, Cesare Garboli, aquí está en embrión el Longhi posterior. Un embrión apasionante y polémico, que se lee «de un tirón», casi como si fuera una novela.
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La investigación artística de Jorge Satorre —surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial— ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta práctica ha estado cada vez más vinculada a una vertiente escultórica desde la que establece diálogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformación y subversión derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo íntimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anécdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.Con motivo de su exposición en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo [Ría, CA2M, del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025], se publica su primera monografía, que incluye nuevos ensayos de Daniel Garza Usabiaga, director del museo del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, y del artista irlandés Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y Latitudes, comisarios de la muestra, que reúne obras de nueva creación, junto a esculturas, dibujos e instalaciones producidas entre 2013 y 2025. Esta publicación está estructurada en orden cronológico inverso en torno a las exposiciones y trabajos realizados en los últimos quince años.
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Una invitación poderosa y emocionante a participar en uno de los grandes debates culturales de nuestro tiempo.Quizá la belleza no pertenezca a nadie. Pero ¿qué pasa con los objetos que los museos han elevado al rango de grandes obras de arte y que son su orgullo? ¿Pertenecen al lugar donde nacieron, a la cultura cuyo genio encarnan, a quienes se los apropiaron, o a la humanidad entera, que solo accede a ellos a través de instituciones dedicadas a su conservación? Y si es lo último, ¿cómo justificar que solo algunos puedan disfrutar de este patrimonio universal?Bénédicte Savoy nos propone empezar por el principio: seguir el rastro concreto de esos objetos, preguntándose cómo llegaron hasta nosotros y qué revelan sus trayectos sobre nuestra historia. Del busto de Nefertiti al retrato de Adele Bloch-Bauer de Klimt, pasando por el altar de Pérgamo, la Madonna Sixtina o los tesoros reales de Benín. ¿Quién se conmovió ante estas confiscaciones, cuándo y por qué? En las peripecias de estas obras emblemáticas se entrelazan historias sobre violencia, asimetrías, archivos, cine, memoria familiar, curiosidad científica, diplomacia y política internacional.Una lectura emocionante y placentera, este poderoso ensayo nos invita a participar en una de las grandes discusiones políticas y culturales de nuestro tiempo. Si estas piezas provocaron, allí donde llegaron, fecundaciones estéticas inesperadas, también abrieron, allí donde faltan, heridas aún vivas.
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Trabajo esencial que muestra la obra de más de 300 artistas modernos y contemporáneos nacidos o afincados en América Latina.Los artistas latinoamericanos han ido adquiriendo cada vez más relevancia internacional a medida que el mundo del arte ha ido descubriendo las extraordinarias escenas artísticas de la zona. En un formato accesible ordenado alfabéticamente, este volumen presenta obras clave de 308 artistas que, en conjunto, demuestran la variedad y vitalidad de las obras de arte que se están realizando. Centrándose en los artistas nacidos o que han vivido en las 20 regiones de habla hispana y portuguesa de América Latina, y presentando a artistas históricos y vivos -tanto conocidos internacionalmente como nombres menos conocidos fuera de sus países de origen-, este libro ha sido creado en estrecha colaboración con un experto panel de 68 asesores y escritores.Entre los artistas incluidos figuran: Allora y Calzadilla, Manuel Álvarez Bravo, Francis Alÿs, Olga de Amaral, Fernando Botero, Leonora Carrington, Lygia Clark, Carlos Cruz-Diez, Leonor Fini, Gego, Félix González-Torres, Carmen Herrera, Graciela Iturbide, Alfredo Jaar, Frida Kahlo, Guillermo Kuitca, Wifredo Lam, Teresa Margolles, Marisol, Cildo Meireles, Ana Mendieta, Beatriz Milhazes, Ernesto Neto, Hélio Oiticica, Gabriel Orozco, José Clemente Orozco, Diego Rivera, Zilia Sánchez, David Alfaro Siqueiros, Cecilia Vicuña, Adrián Villar Rojas y Faith Wilding.El panel asesor incluye a: Deri Andrade, David Ayala-Alfonso, Fernanda Brenner, Estrellita B. Brodsky, Tatiana Cuevas, Anna Di Stasi, Andrés Gustavo Duprat, Raphael Fonseca, Zanna Gilbert, Laura Hakel, Yina Jiménez Suriel, Maya Juracán, Pablo Léon de la Barra, Miguel A. López, Bernardo Mosqueira, Gerardo Mosquera, Rodrigo Moura, Laura Orozco, Taisa Palhares, Maylin Pérez, Catherine Petitgas, Patricia Phelps de Cisneros, Florencia Portocarrero, Ileana Ramírez Romero, Amy Rosenblum-Martín, Emiliano Valdés y Michael Wellen.
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El videoartista más influyente del arte actualBill Viola es uno de los artistas contemporáneos más populares. En las últimas décadas, sus video instalaciones, caracterizadas por combinar innovación tecnológica y temas clásicos, han sido expuestas en algunos de los museos más relevantes del mundo. Sin embargo, hasta la fecha, no existía un texto en castellano centrado en su figura. Este libro no se limita a cubrir este espacio, sino que propone una innovadora discusión sobre el poder que sus obras ejercen sobre el público.
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Este libro es el reflejo de varios años de indagacióncompartida en torno a un tema que genera debates, aportaciones y controversias: la investigación artística. Un campo para el cual no existe una definición única, ya que, como pasa en el arte, se construye no desde una afirmación propositiva sino desde el cuestionamiento de su propia existencia. Es desde el disenso mismo desde donde partimos para poder desplegar otrosargumentos que contribuyan a esclarecer qué puede serla investigación artística y cuáles pueden sus aportaciones al mundo del saber, del pensar y del hacer dentro y fuera de las artes, dentro y fuera de la Universidad. Este recorrido se inicia abordando la pertinencia de revisar los argumentos que sustentan la investigación artística, para luego recuperar algunas ideas que han ayudado a construir el debate alrededor deella. Finalmente, hacemos visibles las diferencias entre la investigación artística y la producción en elarte, con el fin de reivindicar la importancia del rigor metodológico, la transparencia de los procesos yla difusión de los resultados. Esta publicación no está ¡ pensada para enseñar a hacer investigación artística, sino para situarla y problematizarla. Para dialogar con algunas pistas que aquí se presentan en torno a los debates y las aproximaciones que esta relación ha generado en los últimos años. En especial, desdeque las artes entran en la Universidad y pasan de ser un objeto de interés para la crítica y los historiadores a una necesidad que ha de dar cuenta de sus recorridos y procesos. No solo a partir de los objetos yexperiencias artísticas, sino también de publicaciones que, en forma de tesis o artículos, son evaluadaspor los pares, y no ya en el sistema del arte, sino en la Universidad.
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Un libro de lujo del famoso videojuego.En conmemoración al 15º aniversario de Assassin's Creed se ha llevado a cabo un análisis exhaustivo de la creación de la galardonada franquicia, con magníficas ilustraciones de más de una década y media de desarrollo y entrevistas detalladas con los creadores de los juegos.
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Tothom ha sentit a parlar dels famosos volcans d’Olot, com el Croscat o el Santa Margarida. Però sabies que a Catalunya n’hi ha prop de 150? Més enllà de la Garrotxa, trobem cons volcànics i colades de lava a l’Empordà, el Gironès, la Selva i ns i tot al Maresme. Aquesta guia et convida a explorar aquest ric patrimoni geològic des d’una mirada excursionista i naturalista, per redescobrir un paisatge sorprenent i, sovint, oblidat.
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Visor. Escritos de arte y cultura, de Chus Tudelilla, reúne una selección de artículos dedicados a determinados episodios centrales en la historia reciente de la cultura y del arte en Aragón, denostados en su mayoría por su decidida vocación renovadora. Un relato en los márgenes de la cultura oficial atento a los creadores que, con sus aportaciones, lograron sobrevivir al olvido hasta convertirse en luminarias de una historia que hoy nos representa.
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Ilori transforma los espacios para acoger a la comunidad y dar lugar al optimismo desde la convicción de que el arte y el diseño debe ser accesible a todos.Esta publicación interactiva es un espejo sobre su forma de entender el mundo desde la imaginación. Ilori nos reta con su forma de entender las dimensiones nuestro lugar en el espacio y el derecho a reclamar los espacios que ocupamos sin importar de dónde venimos.
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Una extraordinaria colección de más de 300 imágenes que celebran la belleza y diversidad de los árboles.Este exquisito estudio presenta una impresionante secuencia de imágenes a página completa, desde pinturas de paisajes y dibujos botánicos hasta frescos antiguos, ilustraciones de libros antiguos y fotografías contemporáneas, que revelan el árbol como fuente de inspiración a lo largo de la historia.Abarcando continentes y culturas, Árboles refleja la diversidad de su tema, representando secuoyas gigantes, flores de cerezo, palmeras, álamos, ginkgos y otras especies que se encuentran en los biomas forestales de la Tierra, en una amplia selección de imágenes que datan desde la antigua Grecia hasta la actualidad. Más de 300 imágenes incluyen mosaicos de piedra romanos, mitos nórdicos ilustrados, grabados en madera del período Edo e instalaciones de árboles vivos.Comisariadas por un panel internacional de botánicos, naturalistas, historiadores del arte y otros expertos, las imágenes amplían la definición de arte botánico y juntas forman un homenaje vibrante y vital al mundo natural.Los artistas y colaboradores destacados incluyen: Ansel Adams, Yann Arthus-Bertrand, Ruth Asawa, Paul Cézanne, Agnes Denes, Alberto Durero, Caspar David Friedrich, Global Forest Watch, Andy Goldsworthy, Ernst Haeckel, Utagawa Hiroshige, Frida Kahlo, Yayoi Kusama, Sally Mann, Grandma Moses, Marianne North, Pierre-Joseph Redouté, Daniel Roseberry para Schiaparelli, Antoine de Saint-Exupéry, Sebastião Salgado y Yokohama Nursery Co., entre otros.Panel de expertos: Dr. Giovanni Aloi, Dr. Preston Bautista, Dr. Diana Beresford-Kroeger, Fred Breglia, Casey Clapp, Jim Gardiner VMH, Dr. Andrew Hirons, Tony Kirkham MBE, VMH, Margaret D. Lowman, PhD, Carlos Nobre, PhD, John Parker, Anna Pavord and Christiana Payne.
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El pincel de Hiroshige captó como ningún otro el encanto del paisaje japonés, en el que con frecuencia se asoma el monte Fuji, la cumbre más elevada del archipiélago nipón. Este volcán, cercano a la capital Edo (actual Tokio), era visible desde numerosas poblaciones y desde las principales carreteras del país. Por esta razón, tanto en sus vistas de Edo como en sus paisajes por las provincias, Hiroshige dibujó innumerables veces la inconfundible silueta del monte Fuji.Este libro presenta las estampas más destacadas de la producción de Hiroshige que tienen al monte Fuji como protagonista y, también, de manera integra, las dos series que el artista publicó bajo el título Vistas del monte Fuji en 1852 y 1858. En conjunto, este libro es una magnífica manera de adentrarse en el universo artístico de Hiroshige y conocer sus grandes obras maestras, que se elevan a la altura del monte Fuji.
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Zurich, 1916. En plena guerra mundial, las oscuras callejuelas y ruidosos tugurios de este ciudad suiza acogen a una nutrida flota de refugiados políticos, agentes secretos, jóvenes objetores renuentes a marchar al frente, artistas, literatos y poetas exiliados. Entre todos ellos, un grupo de amigos encabezados por el rumano Tristan Tzara da a conocer el movimiento Dada en una serie de manifiestos. Su lugar de reunión es el mítico Cabaret Voltaire, en el número 1 de la Spielgasse, frente al domicilio de Lenin y Krupskaia. Tzara, Arp y Schwitters, entre otros, juegan al ajedrez con el revolucionario ruso por la tarde, y por la noche se entregan a la rebelión espiritual contra una sociedad responsable de haber transformado Europa en una inmensa carnicería. Tal vez ningún otro movimiento espiritual haya pretendido renovar el arte y la literatura desde unos presupuestos tan radicales y subversivos como los que alientan en cada uno de estos siete manifiestos.
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Una accesible e informativa guía sobre el arte pictórico desde el siglo XV al XXI que le permitirá desarrollar las habilidades y conocimientos necesarios para disfrutar de los diferentes estilos pictóricos. Toda la dilatada experiencia de Liz Rideal transmitida, de una manera sencilla y amena, en el detallado análisis de 50 obras de la pintura universal.
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En pleno fragor de la Primera Guerra Mundial, poco despuΘs de que en Z·rich naciera el Dadaφsmo y en Rusiael Suprematismo, un reducido grupo de artistas fundaen Holanda la revista De Stijl y establece los principios fundamentales de la estΘtica neoplßstica. Hoy son de sobra conocidos los productos de la moda y delmarketing que utilizan el lenguaje de Mondrian: desdeel famoso vestido de Yves Saint Laurent a los frascos de cosmΘticos de l’,OrΘal. Pero muy pocos saben quΘ se esconde en realidad detrßs de esas lφneasy de esos colores tan caracterφsticos. En el presentevolumen, Charo Crego desentra±a lo que nos quieren decir los cuadros de Mondrian, los muebles de Rietveldo las casas de Oud. Tras un detallado estudio hist≤rico del grupo y de sus relaciones con las demßs corrientes de vanguardia de la Θpoca, la autora analiza las obras artφsticas y las ideas estΘticas de estos artistas, ofreciΘndonos un apasionante y riguroso retrato de este movimiento artφstico
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El dibujo ha sido durante siglos una práctica desdeñada, perseguida o relegada a los márgenes del arte. Sin embargo, mientras los grandes museos llenaban sus salas de óleos monumentales, generaciones de dibujantes e ilustradores creaban las imágenes que han dado forma a nuestra memoria colectiva. Carlos Cubeiro, experimentado ilustrador y profesor, traza un brillante recorrido por maestros y épocas, desde los anónimos miniaturistas medievales hasta los innovadores artistas del siglo xx. La primera historia de un arte que, pese a su omnipresencia en nuestra vida cotidiana, ha permanecido invisible en los grandes tratados. A través de estas páginas desfilan los autores que redefinieron la ilustración científica, los maestros que elevaron la caricatura a arte de guerra, las creadoras que abrieron caminos prohibidos y los visionarios que transformaron el libro infantil. Profundiza en figuras esenciales como Dürer, Blake, Doré o Steinberg, analiza fenómenos como el impacto del ukiyo-e en el arte occidental y explora territorios poco transitados: los pliegos de cordel, las revistas satíricas, los cuadernos de viaje o la ilustración de los grandes clásicos literarios. El recorrido abarca desde la abadesa Herrada de Landsberg, primera directora de arte, hasta las revolucionarias portadas del Saturday Evening Post o The New Yorker. Examina el trabajo de los ilustradores científicos que dieron cuerpo al conocimiento, los caricaturistas políticos que sacudieron conciencias, y artistas como Edward Gorey o Roland Topor, que crearon universos visuales únicos. Un libro riguroso y exhaustivo que destaca la relevancia histórica de la ilustración y el dibujo, reivindicando su merecido lugar en la historia del arte. La línea y el trazo no son meros instrumentos subsidiarios, sino lenguajes primordiales que han dado forma a nuestros sueños, que nos devuelven a ese instante de asombro, ese momento preciso en que una línea sobre el papel deja de ser una marca para convertirse en una ventana a otros mundos. Esperamos que al recorrer estas páginas sienta ese cosquilleo especial que surge cuando un libro nos hace ver el mundo con ojos nuevos, porque esta historia es, en el fondo, la historia de cómo hemos aprendido desde niños a ver, a imaginar y a soñar.
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Aprenda a dibujar la figura humana en distintas poses y actividades. Hombres, mujeres, niños y adultos toman forma en esta guía paso a paso. Incluso los principiantes podrán crear grandes dibujos y los artistas con experiencia encontrarán mucho en lo que inspirarse. SUSIE HODGE es una apasionada de la enseñanza del arte e imparte talleres y da clases de Historia del Arte desde hace más de 17 años. Ha escrito e ilustrado numerosos libros de dibujo. También trabaja para la Royal Academy, la Tate (National Gallery of British Art) y el Victoria and Albert Museum realizando folletos y catálogos para visitantes, profesores y estudiantes. Vive en Westcliff-on-Sea, Essex.
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A Erwin Panofsky (1892-1968) se le debe la sistematización de una metodología de trabajo, el método iconográfico-iconológico, que es uno de los puntales más sólidos de la disciplina y uno de los grandes logros intelectuales del siglo XX. Panofsky, alemán
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La conservación de los bienes culturales ha centrando la actividad de los museos desde sus orígenes. En ese contexto los públicos que visitaban los museos no cumplían ningún papel relevante. Sin embargo, a lo largo del s. XX, el rol pasivo del público cambia a medida que la democratización de la cultura y la democracia cultural se asientan en nuestra sociedad. Este cambio acarrea dos novedades en las actividades museísticas: los museos se van a interesar por quienes los visitan o los usan, y usuarios y comunidades locales y museísticas van a querer participar en las actividades de los museos. El lector de esta obra encontrará un análisis de los públicos de los museos y las comunidades vinculadas a ellos, y descubrirá las diversas posiciones que, ante los museos, se pueden encontrar en la sociedad.
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Balé literal, de Laura Lima, es una obra visual, performática, teatral y arquitectónica conformada por una multiplicidad de entes en forma de esculturas, pinturas y otros objetos. Realizado en 2019, el Balé literal tuvo lugar una única noche en A Gentil Carioca, una galería de arte del centro de Río de Janeiro. En aquel momento la instalación se construyó entre las dos salas de la galería situadas a ambos lados de una intersección de calles. Se colocaron dos bicicletas, una en cada edificio, y la fuerza generada por el pedaleo movía el hilo del que colgaban las obras y los objetos presentados. En 2023, Balé literal tuvo una segunda versión y la estructura se adaptó para instalarse en el interior del MACBA.La presente publicación se inicia con un largo recorrido visual que funciona como un paseo inmersivo por el universo que propone Laura Lima mediante esta «obra gigantesca, infinita y contramonumental», utilizando sus propias palabras. El libro incluye una conversación entre Elvira Dyangani Ose y Laura Lima, así como dos ensayos de Tania Rivera y Marcia Tiburi que permiten interpretar la obra en relación con el contexto político de Brasil, así como darnos algunas pistas sobre los conceptos y las estrategias que la artista pone en juego al activar toda la maquinaria que rodea al Balé literal. La publicación incluye, también, una descripción y referencias visuales de todos los elementos que conforman la instalación de Balé literal.La publicación consta de una sola edición en castellano e inglés, así como de un opúsculo con los textos en catalán.
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Una pila de caramels acumulats en una cantonada, una piscina plena d'oli de motor, un terra de fusta per on passejar-hi, quadres enigmàtics amb mil i una interpretacions però amb només una història real al darrere... L'art -especialment el contemporani- pot sorprendre, deixar-nos indiferents o, fins i tot, indignar-nos quan creiem que té una simplicitat poc justificada. L'art d'explicar l'Art acosta obres d'art de tots els temps i, amb una explicació, pot fer que en gaudim, ens emocionem, ens posem tristos o, fins i tot, deixem anar alguna llàgrima de felicitat. El llibre explica els motius pels quals un artista fa el que fa i el missatge que vol transmetre, de manera que davant d'una obra d'aparença senzilla, potser no cal afirmar amb tanta rotunditat «El meu fill petit ho fa millor!», tot i que no dubtem gens ni mica de les enormes possibilitats de tots els fills petits.
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En este libro concebido para el público general aficionado al arte y al estudiante que da sus primeros pasos en la materia, Dana Arnold proporciona un conocimiento básico sobre los aspectos fundamentales de la cultura visual y permite al lector equiparse con las herramientas básicas necesarias para tanto para el estudio como para el disfrute del arte.
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El nombre de Jonathan Brown está inexorablemente unido a Diego Velázquez y ese trabajo tan sólido y popular desde hace años a veces eclipsa otros interesesdel autor que van desde el coleccionismo a agudas apreciaciones sobre el Greco o Murillo, el estudio de los cambios en la historia de las mentalidades que conlleva la llegada al ''Nuevo Mundo'', las relaciones entre la producción española y americana en tiempos dela colonia y las numerosas implicaciones de ese cambio en el propio patronazgo. Pero Brown ha escrito también sobre Goya, sobre Picasso, sobre la pintura de esos otros nuevos grandes maestros. El presente volumen, No solo Velázquez, intenta, así, presentarla producción del autor más allá del pintor barroco,reunir otros temas esenciales en el fértil discurso intelectual de Jonathan Brown. Con su estilo conciso yelegante, interroga a las pinturas decidido, sin perder jamás de vista el objeto y, al tiempo, se interroga sobre las propias pinturas y sus trazos como cambios en el mundo.
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En 1893 una joven francesa comenzó a escribir un diario que mantendría durante toda su adolescencia. “Siempre he querido llevar uno”, señalaba con determinación, “así que creo que voy a empezar ahora”.El nombre de aquella chica era Julie Manet y procedía de una familia artística verdaderamente notable. Su padre, Eugène, era el hermano menor de Edouard Manet y su madre, la destacada pintora impresionista Berthe Morisot. La familia contaba a Renoir, Degas y el poeta Mallarmé entre sus amigos más cercanos.El diario, de hecho, ofrece una fascinante visión de primera mano del mundo de los impresionistas y de la propia Francia en el cambio de siglo. La vida aparentemente idílica de Julie se vio truncada por la prematura muerte de sus dos queridos padres en un corto periodo de tres años, quedó huérfana con sólo dieciséis años de edad. Bajo la tutela de Stéphane Mallarmé, se fue a vivir con sus primos de quienes se sentía muy cercana. Recibió también el apoyo de artistas amigos de la familia, Renoir en especial, que tuvo a Julie durante todo el verano tras la muerte de Berthe, dando muestras de gran bondad y de un continuo interés por su bienestar.
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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HISTORIA DEL ARTE consta de cuatro volúmenes elaborados por treinta y dos reputados especialistas procedentes de diversas universidades españolas. En la segunda edición,actualiada y revisada, del CUARTO VOLUMEN de la serie se explica la evolución de las
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
