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Libros de diseño
Descubre nuestra colección de libros de diseño. Una amplia y variada selección de lecturas para aprender las técnicas del pintado y del dibujo profesional. ¡Conviértete en un artista! Compra libros de diseño online. En esta sección disponemos de una extensa selección de libros de diseño y artes decorativas. Lecturas que te invitarán a aprender a contar historias y dibujar, a crear objetos con cerámica, a escribir, a pintar al óleo o con acuarelas, a hacer maquetas, grabados, marquetería, serigrafía, o caligrafía con pincel. Asimismo, encontrarás kits completos de dibujo, manuales de técnicas de dibujo y guías introductorias sobre todo tipo de materiales como esmaltes cerámicos, lápices, pinturas y tintas, entre otros.
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Taller de dibujo abarca desde los materiales y las técnicas básicas hasta inspiradores proyectos paso a paso que le ayudarán a entrenar su visión artística y a desarrollar sus habilidades plásticas.
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Carmen Calvo, Premio Nacional de Artes Plásticas, inició en los años setenta del siglo pasado una de las andaduras más personales dentro del arte español. Su formación en bellas artes y en el mundo de la alfarería le hizo subvertir los códigos y tratar el barro como si fuera pintura o escultura. Sus fotografías manipuladas con objetos o pintura constituyen una lúcida crítica social a la cerrada España de la posguerra.
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'En esencia, el arte de Giger se adentra en nuestra psique y roza nuestros instintos y miedos más profundos. Su arte pertenece a una categoría que le es propia. La prueba de ello reside en la intensidad de su obra y de su imaginación, que sólo me atrevería a comparar con las del Bosco y Francis Bacon por su poder para provocar y perturbar.'' - Ridley Scott El artista suizo H. R. Giger (1940-2014) es conocido principalmente por su creación del monstruo espacial de la película de terror futurista Alien, de 1979, con la que ganó un Óscar. En retrospectiva, no fue más que una de las expresiones más célebres del arsenal biomecánico de criaturas de Giger, que fusionaba híbridos de humano y máquina en imágenes de poder evocador y oscura psicodelia. Sus obras se inspiraban en fantasmas del pasado, al tiempo que evocaban mitologías para el futuro. Estas imágenes plasmaron las fantasías y los miedos colectivos de su época: el temor a la bomba nuclear, a la contaminación y al despilfarro de recursos, y a un futuro en el que la supervivencia de nuestros cuerpos esté supeditada a las máquinas. La realización de este libro comenzó poco antes de la inesperada muerte del artista y en él se muestra la historia completa de la vida y del arte de Giger, sus esculturas, su trabajo cinematográfico y sus inconfundibles carátulas de discos, así como el legado que nos ha dejado en su propio museo y la cafetería, que él mismo diseñó, en los Alpes suizos. A través de un estudio en profundidad, Andreas J. Hirsch, un experto en la obra de Giger, ahonda en las temáticas centrales del artista y su mundo. El libro incluye una extensa biografía que parte de citas contemporáneas y de los escritos del propio artista.
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Bellísimos motivos fantásticos y oníricos para colorear.Peggy Nille te abre las puertas a un país maravilloso donde conviven la fantasía y la ensoñación. Embárcate en su fantástica imaginación y descubre sus casas con forma de frutas, su pueblo tortuga, sus globos aerostáticos estrafalarios... Coloreando sus dibujos, los verás cobrar vida ante tus ojos.Un relajante libro antiestrés con más de 90 ilustraciones.Con un papel de 150 g ideal para colorear con distintos materiales.Sumérgete en un universo encantador coloreando escenas que te harán olvidar tu día a día.
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El arte de Feefal es la primera obra publicada de la artista sueca Linnea Kikuchi, conocida como Feefal. Déjate sorprender, encantar e intrigar por su trabajo, sus creaciones surrealistas pero absolutamente creíbles, su extraordinario mundo de personajes divertidos en escenarios llenos de curiosas cualidades macabras y oníricas. En esta obra nos guía a través de piezas clásicas, obras nunca antes vistas y tutoriales donde nos revela pensamientos personales sobre su proceso creativo junto con las técnicas que utiliza para dar vida a estas ideas. En este libro, Feefal comparte las primeras influencias y puntos de vista que la pusieron en el camino para convertirse en la artista que es hoy. También se toma tiempo para detallar su atracción por lo oculto, solo uno de los temas de otro mundo que aparecen en su trabajo.
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Una aproximació a Dalí i a la seva pintura més icònica i enigmàtica, El Crist, amb motiu de la primera exposició dedicada a l'obra. Amb motiu de l'exposició monogràfica de l'obra El Crist de Dalí, que acollirà el Museu Dalí de Figueres del novembre del 2023 a l'abril del 2024, Planeta publica un apassionant assaig que ens descobreix una de les obres més enigmàtiques del pintor. Mitjançant una ficció en forma de correspondència epistolar amb el pintor, Javier Sierra ens submergeix en l'essència d'aquesta obra i el seu procés de creació a través d'un pertorbador interrogant: Per què, Dalí? A continuació, Antonio López, en diàleg amb Montse Aguer, aprofundeix sobre la figura de Salvador Dalí i ens convida a endinsar-nos en la ment, el cervell i el procés de creació d'un dels artistes més complexos dels últims temps. La part més tècnica va a càrrec de diversos membres del centre de documentació de la Fundació Gala-Salvador Dalí.
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Esta nueva muestra sobre el pintor Joaquín Sorolla ofrecerá una combinación inédita hasta ahora y que se ensaya aquí por primera vez: una exquisita selección de un interesante conjunto de pinturas originales -muchas de ellas pertenecientes a colecciones particulares y, por tanto, apenas vistas antes- y los nuevos formatos de exposición que, utilizando los recursos técnicos de última generación -multipantallas LED y realidad virtual- sumergen al visitante en un espectáculo de imágenes en movimiento y sonidos que amplían e intensifican el efecto sensorial de la pintura y nos permiten viajar cien años atrás a la época del pintor. Ninguna otra pintura podría prestarse mejor a esta fusión que la de Sorolla, que tiene en la luz y el color su principal soporte.
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In the year of the centenary of the death of Lluís Domènech i Montaner, Triangle Books has brought together in one book the best spe- cialists on Domènech in general and on its buildings in particular to understand the multifaceted personality and interpret the work of a major architect in the history of European Art. The book begins with introductory articles that present the architect in the context of the European Art Nouveau and explain his different facets: civic, political, academic... and continues with the monographs of his buildings, from the Editorial Montaner i Simon (1979-1881) to the Casa Fuster (1908-1911) or the Palau de la Música or the Hospital de Sant Pau, both World Heritage Sites.
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Usando un proceso simple de diez pasos, aprenda a dibujar un contorno básico comenzando con formas simples, luego agregue lavados de color y detalles finos para completar su trabajo. Organizado en tres capítulos basados en el nivel de habilidad, este libro presenta 25 proyectos encantadores, cada uno de los que le muestra cómo pintar un pájaro en diez pasos. Hay muestras de pintura para cada ave, que le muestran los colores que necesita mezclar para cada paso y la pintura terminada sirve como referencia para guiarlo. ¡No podría ser más fácil! También se incluye una sección de técnicas útiles al principio, y consejos de pintura inteligentes del autor a lo largo del libro. Con aves tan diversas como un frailecillo atlántico, una lechuza común, un colibrí y un águila calva, hay mucho para elegir y practicar, para desarrollar sus habilidades.
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Zacarías Cerezo y Blanca Espigares nos acercan respectivamente mediante sus ilustraciones y sus textos a Granada, una ciudad increíble y única, entre las más bellas del mundo, asentada sobre una sucesión de cuatro colinas, en la que aprender a mirar es condición sine qua non. A través de nuestra acuarela de viaje recorreremos una Granada que, en palabras de Blanca Espigares, ''se comprende a partir de su territorio y que, en unos minutos andando, nos adentra en la naturaleza del valle del Darro o del Genil, su agua, sus huertos y su belleza topográfica, la pura esencia de esta ciudad''. Organizado en 6 capítulos por unidades de paisaje territoriales, más que por barrios, en este libro ''las acuarelas de Zacarías transmiten esa presencia del paisaje y la importancia de este enclave tan privilegiado como particular''. Nada queda fuera de estas páginas: los valles, las colinas del Albaicín, de la Sabika con la maravillosa ciudadela de la Alhambra, del Mauror y de Cervantes, plazuelas, miradores, callejuelas, palacios, conventos, cármenes, junto con el impresionante fondo escénico de Sierra Nevada.
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Aprenda a dibujar sus razas de perros favoritos, paso a paso, las prácticas indicaciones para seguir le ayudarán a aprender a dibujar y le animarán a expresar su individualidad creativa. Más de 50 razas de perros para dibujar: gran danés, pastor alemán, chihuahuas, etc.
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En esta nueva entrega de Anatomía artística, Michel Lauricella nos adentra en el asombroso mundo de la morfología animal. A través de más de un centenar de especies de mamíferos, conoceremos sus características anatómicas comunes y aprenderemos a establecer vínculos entre sus formas y funciones, además de entender cómo sus procesos evolutivos han adaptado esas formas a los distintos ecosistemas. Un sinfín de conceptos y observaciones de morfología animal que nos permitirán crear formas ficticias llenas de verosimilitud. Más de 500 dibujos anatómicos organizados en función de los medios de los distintos animales. Una amplia variedad de especies animales, desde topos y armadillos hasta chimpancés, ardillas, nutrias y cetáceos.
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Álbum que recoge el trabajo poético experimental o visual de Ferran Fernández y donde queda fijado su imaginario en torno al abecedario, la tipografía y la señalética, con las que dialoga desde el humor, la reflexión, la sátira o la crítica política. Inspirándose en maestros como Apollinaire o Brossa, el autor crea un maravilloso campo de entrenamiento donde poner a prueba nuestra capacidad para descifrar y traducir las visiones que nos ofrece (ingeniosos juegos tipográficos, fragmentos de realidad, mundos dentro de mundos…). Es este un libro sin ataduras y lleno de sorpresas, que nos sacude de la modorra de la vida automatizada y nos invita a jugar, a soltar amarras.
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Este volumen examina el coleccionismo de artes decorativas españolas entre 1850 y 1945, aproximadamente, desde la doble perspectiva británica y española. Se trata del periodo en el que distintos tipos de objetos de procedencia española, como arquetas de marfil, tejidos en seda, alfombras, cerámica de loza dorada, mobiliario, joyas y objetos de plata eran apreciados y comprados tanto por museos como coleccionistas de ambos países. Los artículos muestran desde ambas perspectivas los puntos en común, las diferencias, las figuras claves implicadas y los contextos tan diferentes en donde estas actividades tuvieron lugar. Destaca el papel que jugaron determinados museos como el Victoria and Albert Museum y el de las exposiciones de artes decorativas y aplicadas a nivel local, nacional e internacional en la difusión del conocimiento de los objetos españoles, históricos y contemporáneos. El libro se completa con breves biografías de las figuras claves y un apéndice bibliográfico sobre el coleccionismo de arte español con especial referencia a las colecciones europeas y norteamericanas y el coleccionismo de artes decorativas españolas en España, Gran Bretaña y Europa.
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La exposición El gusto francés pretende paliar una deuda pendiente: la del análisis de la presencia del arte galo en nuestro territorio a lo largo de un período prolongado, el de mayor influencia recíproca e interrelación entre los dos países: los siglos XVII, XVIII y XIX. El proyecto se plantea de manera transversal. Cruza aspectos de la historia del gusto con elementos de la historia del coleccionismo, combinados con otras disciplinas colaterales como son el estudio de las relaciones diplomáticas, los fenómenos de hibridación cultural o el análisis de la construcción de las identidades nacionales. Asimismo, desde el punto de vista estrictamente material, la muestra no se plantea límites y trata de pensar en esa evolución de un cierto gusto atravesando territorios creativos tan diversos como la pintura, la escultura, los textiles, las artes suntuarias y objetos de uso cotidiano o la moda.
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* Una obra completa y didáctica con ejercicios para aprender a dibujar seres fantásticos de una forma rápida, segura y correcta. * Los ejercicios le ayudarán adibujar con agilidad emocionantes héroes, dragones,hadas, criaturas mitológicas y seres fantásticos. * Deuna forma paulatina, los principiantes y los nivelesmás avanzados podrán practicar diferentes técnicas,desde ejercicios sencillos hasta obras de dibujo magistrales. Se incluyen numerosos consejos prácticos. El único requisito necesario para el aprendizaje es lapaciencia para seguir esta guía de dibujo paso a paso. Podrá practicar directamente en el libro de ejercicios, que incluye el espacio reservado suficiente para sus propios dibujos. Se explican, asimismo, algunosmateriales, la perspectiva y las sombras correctas,el trabajo con líneas auxiliares y la estructura de la imagen.
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Jardines históricos y palaciegos, jardines que responden a modernas remodelaciones urbanísticas y jardines románticos... Este libro describe a través de los pinceles de Pablo Rubén López y de los textos de Pepo Paz Saz una serie de jardines de la capital madrileña que, en el pasado, disfrutaron reyes, aristócratas y personajes de las artes y la cultura, y que hoy se han convertido en auténticos oasis de naturaleza en el entramado de asfalto.
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Material de trabajo editado por el propio artista donde se muestran dibujos y obras inacabadas La serie de Cuadernos de artista que empezó hace 28 años con Eduardo Chillida dedica su último número al gran artista de nuestro tiempo, Antonio López Una serie de obras inacabadas elegidas por el artista configuran esta cuidada edición de gran formato Para quienes deseas profundizar y /o disfrutar del material de trabajo de uno de los artistas más internacionales y aclamados
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Es abundante la literatura donde se proponen las hipótesis y teorías sobre la patología ocular que padeció Edgar Degas y como influyó en la transformación de su estilo pictórico. En La enfermedad de Edgard Degas, su autor, oftalmólogo de profesión y estudioso de la pintura del artista, nos ofrece una concienzuda revisión de la literatura publicada hasta nuestros días. Una perspectiva interesante y contratada sobre Degas, como hombre y artista, sus relaciones y los distintos médicos que lo visitaron, logrando aclarar su enfermedad.
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Esta publicación presenta el proyecto de creación Nosotras o atravesar cuerpos, un proyecto desarrollado por la artista Maite Vélaz expresamente para el Museo Oteiza, formado por un conjunto de obras que proponen una reflexión sobre las condiciones de la práctica artística y los modos de abordar lo escultórico. El concepto de lo atravesado determina gran parte del desarrollo conceptual del contenido del proyecto: atravesar los materiales, el tiempo, las referencias a Jorge Oteiza o la propia escultura. Todos estos elementos constituyen recurrentes puntos de partida de una propuesta artística y editorial que remite a su condición procesual y al hacer como de forma de conocimiento y relación con los demás. Esta publicación incluye un completo aparataje visual del proyecto desarrollado por la artista, así como la obra textual de creación titulada Esa escultura se llamaba cariño, un escrito crítico realizado por Peio Aguirre y denominado Cachitos y las intervenciones de los artistas Nerea de Diego, Idoia Leache, Taxio Ardanaz y Daniel Resano.
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La exposición Tina Modotti(Údine, 16 de agosto de 1896-Ciudad de México, 5 de enero de 1942) recupera la figura de esta artista a la que se ha venido conociendo paulatinamente desde la década de 1970. Además de hacer hincapié en su relación con España, la muestra realiza por vez primera una reconstrucción sin fisuras de la figura de Modotti, tanto en su faceta de artista/fotógrafa como en la de revolucionaria /militante antifascista. Gracias al extenso trabajo de investigación de la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, y debido a la escasa producción de la fotógrafa, la exposición que hoy presenta Fundación MAPFRE reúne alrededor de 240 fotografías a lo largo de un recorrido cronológico que se divide en cuatro secciones. Se exponen en su mayoría copias de época y una extensa muestra de material documental. Además, se presentan obras de fotógrafos de su entorno cercano como Edward Weston, así como una de las películas que Modotti protagonizó en Hollywood.El catálogo de la exposición recoge las fotografías y material documental expuestos, además de los ensayos de la comisaria Isabel Tejeda y diversos autores, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudio Natoli, Eva M. Vives.
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Guía para comprender y representar la forma del cuerpo humano: • Los procedimientos de dibujo • Las formas externas • Las proporciones • El componente óseo • El componente articular • El componente muscular Para uso de estudiantes de escuelas de arte y de artistas.
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La biografía de Leo Castelli, el principal galeristade arte contemporáneo de Nueva York durante más de cuatro décadas. fue el abanderado del pop-art, el minimalismo y el arte conceptual, descubridor de talentoscomo Andy Warhol, Jasper Johns, Jackson Pollock o RoyLichtenstein.Annie Cohen-Solal, autora también de la biografía definitiva de Sartre, entrevistó al protagonista a lo largo de varios años y narra su vida a través de las voces de los artistas, los amigosy los clientes que convirtieron a la Castelli Gallery en el corazón del arte neoyorquino.Un librolleno de glamour, profusamente ilustrado con fotografías inéditas.Leo Castelli fue hasta los cincuenta años lo que en Estados Unidos se considera un europeo típico: diletante, más aficionado a la vida socialque al trabajo, mujeriego y vividor. Pero entonces abrió su local en Nueva York, y se convirtió en El Galerista: el hombre que dio entidad y cuerpo al pop-art, que descubrió a Jasper Johns, a Lichtenstein, a Rauschenberg o a Warhol. El anfitrión de las fiestas clave, el marchante de los artistas que contaban
un europeo que reinó durante varias décadas en Nueva York,y que desde allí reconquistó Europa con toda una redde galerías satélite.Annie Cohen-Solal llegóa Nueva York a finales de la década de 1980, a tiempode caer fascinada por el hechizo de este hombre enigmático, con el que sostuvo largas charlas, complementadas con los testimonios de sus familiares, esposas yex, hijos, artistas, colaboradores, amigos y adversarios. De todo ello emerge un retrato fascinante, el relato de unos años mágicos en la Gran Manzana y una obra imprescindible para los lectores interesados en el arte contemporáneo y en el mercado que lo rodea.La autora se recrea en la personalidad del hombre:culto, indudablemente, pero sobre todo pleno de habilidades sociales y económicas extraordinarias [
] Castelli representa por primera vez al galerista que alcanza un monopolio artístico [
] actuando sobre la vidaparticular y el comportamiento de los artistas [
] Apasionante vida, muy bien narrada e ilustrada con abundante y muy significativo material gráfico. Fernando Checa, Revista de Libros.
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Este libro sigue al increíble éxito que es la Guíacromática floral, y cómo aquel, toma de base el diseño de colores para realizar composiciones florales. Este libro nos presenta 175 arreglos que nos muestrancómo combinar flores con distintas tonalidades, todosdiseñados entornos a esquemas cromáticos, incluyendoanálogos, complementarios, monocromáticos, triádicos, y transicionales.Incluye un apéndice con información básica sobre teoría del color, recomendaciones para arreglos por estación, consejos para los jarrones / vasos y otros temas.Es tanto una inspiración como una guía para realizar románticas, exuberantes y elegantes creaciones propias.
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La colección reunida por Juan Abelló y Anna Gamazo constituye uno de los fondos artísticos más ricos del ámbito europeo, con obras que van desde la Edad Media al siglo XXI. Entre sus fondos se concentra un grupo muy coherente de pinturas y dibujos con vistas de la ciudad de Madrid y de parajes de su comunidad autónoma, que aquí son reunidos y estudiados por primera vez de forma monográfica. La riqueza y variedad de las obras permite un sugerente recorrido por un Madrid hoy desaparecido o muy transformado. Este conjunto equivale a un pequeño museo de la evolución de la imagen de la capital y los Reales Sitios cercanos, algunos de cuyos parajes son hoy Patrimonio de la Humanidad.
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Un libro que combina el estudio y la práctica, ilustrado con ejercicios paso a paso, que se basa en las enseñanzas contenidas en los tratados de Leonardo para adaptarlasa las necesidades e inquietudes del artista actual. Un manual útil que trata de
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Crea personajes de caricatura como un profesional Muchas de las personas que quieren dibujar caricaturas y animación aspiran a crear personajes originales: esa es la parte divertida del trabajo. Esta guía para principiantes muestra cómo realizar ajustes a partir de formas básicas para crear personajes únicos que puedas considerar propios. El libro está dedicado a diferentes aspectos fundamentales, como tipos de cabeza y cuerpo, distintas personalidades, exageración, poses y ropa. Si te gustaría inventar personajes originales pero no sabías por dónde empezar, en esta guía completa y accesible vas a encontrar las claves para dibujar caricaturas como un profesional. Aprende a: dibujar los nueve tipos clave de personajes de caricatura, exagerar las proporciones del cuerpo para hacerlas divertidas y diferentes, dar vida a los personajes con distintas posturas, y crear variaciones de color, ropa y poses. Con cientos de ilustraciones, claras instrucciones paso a paso y un montón de trucos que garantizan el éxito.
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Simpáticos e irresistibles, los pequeños Kawaiis de este libro están deseando que te unas a ellos para jugar y resolver pruebas, laberintos, búsquedas y sudokus. También están deseando que colorees su mundo como más te guste. ¡Abre las páginas y sigue a los gatitos, los gatitos unicornio y todos sus dulces amigos para descubrir cuánta diversión adorable puedes tener!
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«No creo que sea fácil establecer cuándo empezaron las mujeres a pintar: también el caso, muy marginal, de una monja miniaturista es una pura hipótesis. El Trecento florentino, si a alguien se le pasase por la cabeza, la rechazaría como sugestión diabólica. Si acaso, tal vez cargado de prole femenina, a algún pintor se le ocurrió hacerse moler las pinturas por una hijita suya. Pensad: ¿una Laudomia di Bicci, una Ginevra di Fredi? Tiemblo sólo de pensarlo. Y, por el amor de Dios, no hay nombres femeninos entre los contemporáneos de Pollaiolo, de Botticelli. La llegada de Miguel Ángel borró por completo a las mujeres y lo mismo hicieron sus discípulos directos o indirectos: basta pensar en Pontormo, en Rosso, personajes lunáticos, auténticos espantajos de la vida del hogar. [...] Fue a mediados del siglo xvi cuando algo cambió: ciertos padres empezaron a mimar a sus pequeñas, que, astutas, no tardaron en sacar provecho de ello.» Anna Banti Anna Banti (Florencia, 1895 - Ronchi di Massa, 1985) nació en una familia de origen siciliano que se mudó primero a Calabria y luego al Piamonte. Realizó estudios lingüísticos y humanísticos y su obra literaria incluye crítica de arte, novela, traducciones y artículos históricos, literarios y cinematográficos. El tema recurrente en sus escritos es la soledad de la mujer en un mundo de hombres, así como la falta de memoria respecto al pasado femenino. No obstante, su postura y su estilo distan mucho del feminismo violento y reivindicativo. Su prosa, rica y elegante, y su sentido del humor apuntan más bien a una colaboración entre los dos sexos como vía para lograr cambios reales en la sociedad. Casada con el también historiador del arte Roberto Longhi, Banti ejemplifica el ejercicio de la igualdad intelectual a la que debe aspirar la mujer.
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La exposición «Magiciens de la Terre» en el Centre Georges Pompidou en 1989, descubrió una profunda falla en el mundo del arte contemporáneo, limitado hasta entonces, con escasas matizaciones o excepciones, a las fronteras de Europa y América del Norte. Veinticinco años después, la mirada occidental ha dejado de ser imperante, tal como se puso de manifiesto en el remake de «Magiciens de la Terre» que tuvo lugar en el mismo lugar, en julio de 2014, y que elevó la exposición de 1989 a la categoría de «muestra de culto». En dicho remake, fue edificante repensar a través de documentos, epistolarios, publicaciones, filmes y fotografías la aventura conceptual de Magiciens de la Terre, pero sobre todo fueron estimulantes los debates llevados a cabo en la Bibliothèque Kandinsky del propio Pompidou sobre la genealogía de la exposición, su recepción crítica y los desplazamientos teóricos que implicó. Los años que median entre «Magiciens de la Terre» de 1989 y su recreación documental en 2014 constituyen el territorio temporal que escanea y cuestiona este libro, un territorio de flujos cambiantes y categorías mezcladas dominado por la capacidad creativa de la interacción y del diálogo, pero también por una economía en crisis que pone en entredicho el desarrollo basado en el crecimiento o por una política de sociedades pospolíticas que generan tanto utopías de no-fronteras como radicales procesos de carácter religioso y territorial.
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Ensayo profusamente ilustrado sobre la obra de destacados dibujantes de la guerra de trincheras de 1914-18, realidad, por desgracia, más de actualidad que nunca.Por sus cualidades de inmediatez y ligereza, el dibujo es un medio de expresión plástica idóneo en un contexto de guerra. Durante la Primera Guerra Mundial, muchos artistas combatientes produjeron numerosos bocetos, ilustraciones y viñetas sobre su experiencia bélica y la realidad de las trincheras.Adoptando un enfoque transversal de las innovaciones vanguardistas a la prensa satírica, este breve ensayo analiza sus distintas aproximaciones al conflicto, reproduciendo algunas de esas obras más notables. ¿Hasta qué punto era posible captar la deshumanización de la guerra moderna, denunciar las manipulaciones de la propaganda, plasmar el horror?
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Chagall es uno de los artistas más singulares del siglo xx. Adorado por algunos, despachado por otros como fantástico y sentimental, su pintura encierra una cantidad de símbolos y significados ligados tanto a la historia reciente como a las más antiguas tradiciones rusa y judía. El texto de Pieyre de Mandiargues es delicado, original y extraño. Considera a Chagall un «pintor-poeta», le otorga la categoría de «un héroe de nuestro tiempo [cuya obra] es una defensa, una iluminación y una predicación perpetuas del amor», y tiene razón cuando dice que no hay nada en el mundo en el que vivimos que sea tan moderno como el amor. La suya es una lectura atípica de la obra de Chagall, atrevida en sus referencias a su tendencia a la mística, inteligente al cambiar ese término por el de «mágico».André Pieyre de Mandiargues (París, 1909-1991) fue un novelista, poeta, dramaturgo y ensayista francés, cercano al grupo surrealista. Tradujo, entre otros autores, a Octavio Paz, W.B. Yeats, Alberto Savinio, Salvador Elizondo y Yukio Mishima, y su profunda relación con la pintura –estaba casado con Bona Tibertelli de Pisis, sobrina del pintor italiano Filippo de Pisis– le llevó a escribir sobre varios de sus contemporáneos artistas. En 1967 obtuvo el prestigioso Premio Goncourt por su novela Al margen y en 1979, el Gran Premio de Poesía de la Academia Francesa.
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La representación del ser humano es casi tan antigua como la historia del arte. Bosquejar una figura humana no solo significa capturar su materialidad, sino también atrapar visualmente su motricidad, sus gestos y sus emociones, como si de un pensamiento fugaz se tratara. Plasmar todo esto en una hoja de papel es una habilidad que puede entrenarse y perfeccionarse, y esto es precisamentélo que explican Peter Boerboom y Tim Proetel en estélibro: una serie de métodos lúdicos y analíticos que invitan taño a principiantes como a profesionales a descubrir y a practicar la representación déla figura humana en todas sus vertientes.
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Estrategias de su enseñanza en el siglo XX.
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A los 50 años de su fallecimiento, Pablo Picasso (1881-1973) continúa siendo un referente, un sinónimo de Arte. Eugenio d´Ors finalizaba su ensayo sobre Goya con estas palabras: «Cualquier asunto parece claro, hasta el día en que se le concede un poco de estudio». Probablemente sea lo que aquí sucede cuando profundizamos en estas páginas para oír hablar al artista en primera persona a través de sus propios amigos, de los galeristas, de los críticos de arte, de los periodistas de turno que jamás saciaron su necesidad de conocer más a fondo el polifacético universo de este hombre que abarcó y estremeció toda la cultura del siglo XX. Por vez primera se recoge en la amplia bibliografía picassiana el mayor número de entrevistas y conversaciones editadas hasta la fecha (ciento treinta), la mayoría desconocidas en España. Y Picasso está presente en todas, incluso en sus silencios. Aquí habla el Picasso artista, pero además el ser humano: el familiar, el de su mundo privado, el comprometido con las causas... Ya lo sentenció en 1945: el artista «es al mismo tiempo un ser político, en constante alerta ante los acontecimientos del mundo, ya sean desgarradores, urgentes o agradables, moldeándose por completo a su imagen». A través de la palabra impresa, pero también del timbre de su voz grabada, tenemos ahora la sensación de abarcar más a este personaje, al menos de conocer rasgos inéditos de su vida y de acercarnos mejor a las claves, siempre controvertidas, de una ingente producción que todavía nos asombra, nos sobrecoge y perdura.
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