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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Este es un libro sobre la música de John Coltrane. Pero no sólo es eso. En el momento en el que el jazz revolucionaba la música del siglo XX, sus músicos vivían otra revolución: la de la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos. Coltrane no fue ajeno a esa lucha. Su talento lo puso a la vanguardia de la música de su tiempo, pero su saxofón, más allá del ritmo y belleza de sus sonidos, se convirtió también en una de las voces de la resistencia frente al racismo.
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Salvador Dalí convirtió el paisaje ampurdanés en un símbolo del surrealismo. La obra del pintor catalán resulta inseparable de su geografía natal. La mejor prueba la tenemos en los espacios del Teatro-Museo Dalí, de Fiueres, la casa de Portlligat y el castillo de Púbol. Tres vértices del triángulo en el que transcurrió buena parte de la vida cotidiana del genial artista.
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Varietats
Aquest volum aplega tretze escrits d'extensió i temes diversos, com ara els suïcidis d'adolescents a les Balears entre 1893 i 1939, la prohibició de les esqueles mortuòries en català, la recuperació de dues artistes mallorquines que a la seva època feren tronar i ploure: Anita Ramis i Margarida Muntaner, Màrgara, l'exhumació d'una mostra de poesia homòfoba en la Mallorca de la postguerra, i aspectes de la història de les arts escèniques a les Balears, com la història dels espectacles de varietats a Mallorca entre 1900 i 1936.
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Sitges: de blanca a multicolor
A finals del segle XIX, Sitges va viure un període de gran esplendor. A la tornada de comerciants pròspers d'Amèrica, s'hi va sumar el desembarcament d'artistes modernistes. Des de llavors, Sitges s'ha convertit en un pol d'atracció cultural, lúdica i turística. La presència actual de museus i festivals la mantenen a primera línia.
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Ante este nuevo siglo, se plantea la conveniencia de que en los procesos de urbanización regidos por el planteamiento no sólo se consideren variables económicas, sociales o artísticas, sino también, y de forma preferente, las cuestiones relativas al Medio Ambiente. Se ha hecho acuciante la necesidad de que planificadores, arquitectos y urbanistas pongan en un lugar destacado dentro de sus prioridades la consideración por la Naturaleza. Con este libro se pretende ayudar a la formación de los profesionales encargados de llevar a cabo el proceso de construcción de la ciudad, introduciendo los temas ambientales aplicados a sus intereses específicos.
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Teatro del Oprimido se publicó en 1974 como propuesta contraria a la especialización en la producción cultural, en la que los espectadores pudiesen intervenir activamente en la representación escénica y cuestionando la idea de que los actores son mediadores ideológicamente neutrales. Pronto se reveló un texto ineludible de referencia, tanto en el ámbito de la creación teatral como en el del activismo político, la psicoterapia, el arte y la educación social.
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Renovó el rock español, rompió los límites de la canción de autor, se empapó de todas las tradiciones, combinó la alta cultura con el lenguaje de la calle, de la ironía saltó al humor, vivió al límite para escribir las canciones más emocionantes, tendió puentes con la actualidad, fijó la crónica poética de un tiempo y la memoria sentimental de varias generaciones de hispanoblantes. Casi sin darnos cuenta, Joaquín Sabina se reveló como uno de los más excepcionales compositores e intérpretes del último medio siglo. Su canon no admite comparación. Hablamos de alguien que, sin desearlo, es mito en vida. En Sol y sombra, Julio Valdeón nos invita a recorrer la vida y obra de Sabina en un viaje eminentemente musical que cuenta con las voces del propio biografiado (en el extraordinario epílogo) y de la mayor parte de los músicos, compositores, productores, colaboradores y amigos que le han acompañado a lo largo de los años: de los imprescindibles Pancho Varona y Antonio García de Diego a los integrantes de Viceversa, de Alejo Stivel a Leiva, de Ariel Rot a Caco Senante, de Álvaro Urquijo a Andrés Calamaro, de Olga Román a Rubén Pozo, de Mara Barros a Luis García Montero, de Pedro Guerra a Carlos Narea, de Felipe Benítez Reyes a Miguel Ríos. Más de cuarenta entrevistados para aproximarnos a la gestación de las canciones, a la creación de los discos, a los procesos de trabajo, a los escenarios y a la vida en la carretera.
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Libro en el que se analiza con detalle cómo se desarrolla la gestión de una gran institución como el Museo del Prado.El Museo Nacional del Prado, más allá de la excelencia de su colección, ha sido considerado en múltiples ocasiones un referente en la gestión cultural por el acierto de sus exposiciones temporales, sus cifras de visitantes, su política de adquisiciones, su presencia en las redes sociales o su innovadora página web, por citar algunos de sus principales hitos. En muy pocas ocasiones existe la oportunidad de explicar la gestión que se esconde tras esos logrados éxitos, resultado del buen hacer de todos los profesionales que conforman el equipo del museo.A través de estas páginas, el Museo del Prado, consciente de la conveniencia de compartir buenas prácticas y aprender de la experiencia diaria y ordinaria, busca reforzar su compromiso con la comunidad museística con el propósito de seguir contribuyendo a la profesionalización en la gestión de los museos. Para ello, esta publicación pone a disposición de todo interesado diferentes herramientas, aplicadas previamente en nuestra institución, que pueden ser de suma utilidad e interés.
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La anatomía del fenómeno del k-pop, con su fulgurante cara visible pero también, y sobre todo, la parte más oscura, desconocida y a veces trágica. Un interesantísimo ensayo sobre la opresión de la sociedad, la importancia de los orígenes culturales y el lado oscuro de la industria musical coreana escrito con gran espontaneidad al mezclar episodios de la vida de la autora junto con sucesos reales vividos por los miembros de los grupos K-Pop. La obra presenta así un punto de vista que acerca al lector a los escondrijos de la gran revolución musical de nuestro siglo en un arriesgado e inteligente conjunto de ensayos reflexivos sobre las luces y sombras de la industria musical coreana, en una constante comparación con la vida de la autora a través de las experiencias reales de las grandes estrellas del K-Pop, desde H.O.T hasta BTS. La obra cuenta con una dedicatoria, un epígrafe, un prólogo especial dedicado y doce capítulos entremezclados con apartados especiales no enumerados. Cada capítulo está, a su vez, dividido en fragmentos dedicados a la vida personal de la autora y fragmentos en los que se narra las experiencias de los cantantes.
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La historia del siglo XX, contada a través de una pintura. La novela gráfica más premiada de la temporada en Francia: la obra maestra de un autor de culto, superviviente a los atentados de Charlie Hebdo. Todo comenzó en 1919 en un bosque a las afueras de Berlín, cuando un joven pintor expresionista de origen gitano pintó el cuadro Dos mujeres desnudas. El pintor existió realmente y se llamaba Otto Müller. Todo lo que vemos en esta novela gráfica está contado desde el punto de vista de ese cuadro. Desde el estudio del artista hasta las paredes de la oficina de su primer propietario, la pintura observa la vida cotidiana antes de ser arrastrada por las tribulaciones de este periodo oscuro: el ascenso de Hitler al poder, el arte moderno calificado de «degenerado» por los nazis, el expolio de las familias judías, exposiciones y ventas, incendios...
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¿A quién pertenecen los mármoles del Partenón o el busto de Nefertiti? La historia de cómo el imperialismo y el colonialismo llenaron nuestros museos. Detrás de muchas de las obras que admiramos cuando visitamos el Louvre, el Museo Británico o el Met de Nueva York se oculta un pasado incómodo. Son piezas que desaparecieron de su lugar de origen, arrancadas de templos, tumbas o palacios, y que hoy se siguen reclamando. Durante siglos, los grandes museos reunieron objetos procedentes de todos los rincones del planeta convencidos de estar preservando el patrimonio de la humanidad. Pero tras esa apariencia de universalidad se esconde una historia de conquistas, expolios y apropiaciones que todavía proyecta su sombra sobre nuestras instituciones culturales. Este libro sigue el rastro de seis piezas emblemáticas —de los mármoles del Partenón al penacho de Moctezuma, los bronces de Benín y el busto de Nefertiti— para contar, con rigor y claridad, cómo llegaron a las salas de exposición en las que reposan y para abrir el debate sobre su restitución. «¿Y si la identidad de los museos más importantes del planeta descansara sobre piezas que no deberían custodiar? El temblor que sacude a una de nuestras instituciones clave amenaza con alterar para siempre la visión que tenemos de nosotros mismos. Este libro lo cuenta. Y sus conclusiones son perturbadoras.» Javier Sierra, escritor «Estas historias relatadas con maestría revelan un panorama muy inquietante: una letanía de codicia, deshonestidad, manipulación y apropiación indebida a escala internacional. Arte secuestrado lanza una llamada clara y apremiante: ¡por favor, devolved lo antes posible estas obras maestras a los lugares a los que realmente pertenecen!» Paul Cartledge, catedrático emérito de Cultura Griega de la Universidad de Cambridge «Arte secuestrado ofrece, a partir de casos de estudio, un panorama problemático sobre la cultura que ''nos pertenece'' y la necesidad de lo que podríamos llamar una justicia post-patrimonial. Rastrear los olvidos usurpadores del Museo contribuye, como ejemplarmente hacen Catharine Titi y Katia Fach Gómez en este lúcido y riguroso libro, a tener una memoria crítica y a respetar otras formas de mirar.» Fernando Castro Flórez, crítico de arte y profesor de la Universidad Autónoma de Madrid
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Barcelona is a mosaic of landscapes and atmospheres: the port and the Rambla, the Gothic route around Ciutat Vella, Eixample, Modernism and Gaudí, the Olympic urban planning, the museums and sculptures, leisure and night life... A complete visual report complemented with general and thematic maps of the city.
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Henri Matisse: La tristesa del rei
L'art en joc és una col·lecció de llibres perquè els infants descobreixin l'art dels segles XX i XXI. A mesura que passem les pàgines, una obra del Centre Pompidou se'ns revela a través d'imatges, preguntes, sorpreses gràfiques, jocs... Una invitació a mirar de manera lúdica l'art actual. Unes formes senzilles, retallades en papers de colors, semblen destacar davant els nostres ulls i encaixar a través de les pàgines. És un sol o una taronja? Una flor o una mà? De mica en mica, la composició va prenent forma i les siluetes es defineixen. És com si fóssim a l'estudi de Matisse i poguéssim contemplar com la seva obra La tristesa del rei cobra vida en una harmonia que ens enlluerna gràcies a la màgia d'uns simples cops de tisora.
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Caires circulars
Vam descobrir el batec, el del món i el propi i calia proclamar-ho. Ens va semblar tan bona notícia, que hauria estat injust no fer-la saber i vam dir, des de tots els angles i amb la major contundència possible, que el món palpitava, es movia. Estàvem tan tips d’immobilisme, que encara que fos a sotragades vam triar apuntar-nos a l'incipient canvi. Somiàvem llibertat i drets i, assumíem els deures derivats. Mirant-nos al mirall havíem vist l’objectiu com el fons difuminat del voltant de la nostra imatge. Ens vam acostar al desig, el vam examinar de tots els vèrtexs trobats i, fins i tot en vam fer un tast. De cop, un mal vent i molts mals caps, ens van robar el somni. No ho hem callat i seguim explorant dreceres dins el cercle.
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Textos gráficos II continúa la línea de su predecesor, Textos gráficos (Ediciones Asimétricas, 2024), en su voluntad de reunir textos de investigación de áreas de conocimiento afines a la expresión gráfica y los proyectos arquitectónicos. Esta vez son diecisiete aportaciones de treinta y cinco autores que se sirven de la expresión gráfica y escrita para trazar una investigación armada desde la palabra y el dibujo, como argumentos de transferencia de conocimiento a la sociedad.Poner palabras a lo que los arquitectos transmiten habitualmente a través de imágenes y dibujos es una dificultad propia al mundo académico en su intención de divulgar conocimiento. A través de planos, cartografías, imágenes, dibujos, figuras y otros argumentos visuales se refrenda y amplia el significado de lo textual. De manera que estos Textos gráficos acaban siendo una manera muy particular de afrontar la divulgación de esta investigación.Agrupados alrededor de tres temáticas: Expresiones, Territorios y Proyecto, Textos gráficos II propone una transversalidad en la que el lector podrá encontrar un intenso crisol de pensamiento crítico y contemporáneo de arquitectura.
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Este volumen se propone como una introducción a modo de archipiélago teórico sobre una obra que no dudamos en calificar de oceánica.Hubert Damisch (1928-2017) prestó una atención constante al arte, trabajando no tanto sobre las obras sino con ellas, en la medida en que plantean problemas de interpretación que abren perspectivas singulares sobre las estructuras y el funcionamiento más íntimo de una cultura. Lejos de posiciones puristas, su empeño por constituir un espacio de interrelación entre sus estudios y el conjunto de las humanidades tendría como consecuencia una apertura hacia la sociología, la semiótica o el psicoanálisis. Damisch concebía así la historia del arte como una disciplina filosófica y desde esa posición se nos muestra como una figura clave en la formación de autores como Rosalind Kraus, Yves-Alan Bois o Georges Didi-Huberman.En formato bilingüe y coordinado por Gabriel Cabello, Sabine Guermouche y Daniel Lesmes, contamos aquí con destacados estudiosos de la obra de Damisch, como son Matthew Bowman, Elisa Coletta, Georges Didi-Huberman, Thierry Dufrêne, además de contar con la participación de Teri Wehn-Damisch en conversación con Guillermo G. Peydró, y un texto inédito de Hubert Damisch.
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En la denominación de origen del vino Rioja confluyen tres rutas enológicas que componen uno de los paisajes más bonitos de España:la ruta de la Rioja Alta, entre Logroño y Haro, columna vertebrar vitivinícola con media docena de pueblos con encanto (Fue
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Las sabias e inspiradoras reflexiones de un icono del cine, ilustradas con elegancia por Megan Hess.Marilyn Monroe iluminó las pantallas de la Edad de Oro de Hollywood. A lo largo de su vida, breve pero inolvidable, exhibió una creatividad extraordinaria y un estilo inconfundible. Este libro, de la prestigiosa ilustradora de moda Megan Hess, es un tesoro repleto de sabias reflexiones que nos servirán de inspiración. «Marilyn Monroe inspiró a numerosos artistas, desde Andy Warhol hasta Madonna. Todo tipo de personas han hablado largo y tendido sobre ella, sin embargo, sus propias reflexiones también están cargadas de sabiduría. A lo largo de su breve vida, Marilyn aprendió mucho sobre las relaciones, la creatividad, la fama y, por supuesto, el estilo. Fue un auténtico icono del glamur, cuyo estilo nunca ha sido igualado. Sus palabras han sido una fuente de inspiración para mí y confío en que también lo sean para todos los lectores.»Megan Hess
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En este libro, Jan Doat nos descubre un método para la educación del lenguaje corporal que ofrece, sin duda, una ayuda práctica a los alumnos y alumnas de arte dramáticoSi se compara una obra de teatro con una sinfonía, se puede decir que el actor es, a la vez, el instrumentista y el instrumento, instrumentista, porque traduce, con su inteligencia, su sensibilidad y su sentido artístico un texto escrito, así como el músico traduce su partitura, instrumento, porque solo puede exteriorizarse con la voz, la mímica, los movimientos del cuerpo.La actuación sutil y emotiva de un personaje exige de los actores y actrices una fluidez expresiva que debe ser desarrollada.
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Las mascaronas eran mujeres de madera emplazadas en las proas de los barcos. ¿Por qué estaban allí, en un lugar en donde no había mujeres?Miles de mujeres esculpidas en madera poblaron las proas de los barcos hasta bien entrado el siglo XX. La gran mayoría desaparecieron en naufragios o desguazadas. Muy pocas se conservan. No existe en la historia del arte nada parecido: ¿qué otras figuras han sido tan condenadas al martirio del desastre? ¿A qué otros productos artísticos se les solicitó semejantes proezas?Hablamos de figuras sujetas a las máximas exigencias: con las pupilas bien abiertas, tenían que ser capaces de prever los peligros, de espantar las amenazas, de proteger a naves, cargamentos y tripulaciones, de representar a naciones, reyes, armadores y comerciantes, de recordar al hogar. Se les solicitó entrega abnegada en el matrimonio con su barco y con los hombres que había dentro. Y, al mismo tiempo, cada una de ellas estaba atada a una biografía precisa, al rostro concreto de una mujer, de una madre, una esposa o una hija, pero también al universo viril, patriarcal, mercantil y colonial del capitalismo marítimo.¿Qué función tenían en un espacio exento de mujeres de carne y hueso? Las mascaronas reflejan toda una política de género que las moldea y las inclina en las proas, y que da testimonio de un conjunto de patrones míticos, morales, religiosos, productivos, reproductivos, sexuales y laborales confeccionados en el mar sobre el cuerpo social femenino y que lo infectaron todo también en tierra. La historia de estas figuras, hoy tristemente pintarrajeadas en los museos, nos puede ayudar a comprender el modo en el que lo femenino se constituyó como política iconográfica de la modernidad.
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Un poderoso retrato de una comunidad en desaparición en Alejandría, Egipto, contado desde dentro.Combina fotografía, cartas personales y archivos para explorar la memoria y la pérdida.Esta publicación es el resultado del III Premi Mediterrani Albert Camus Incipiens, organizado por los Trobades & Premis Mediterranis Albert Camus de Menorca.Iniciado en 2016, el proyecto sigue -a través de la fotografía, archivos comunitarios, cartas manuscritas y testimonios- a los habitantes de Al-Max, un histórico barrio pesquero de Alejandría, Egipto, hoy amenazado por el desplazamiento. Mientras el desarrollo urbano borra su vida cotidiana y sus tradiciones, Mohamed Mahdy construye la obra junto a los propios residentes: las familias comparten archivos, escriben cartas de despedida antes de dejar sus hogares y participan en cómo se representan. El proyecto reflexiona sobre cómo la memoria, la identidad y el sentido de pertenencia perduran incluso cuando un lugar desaparece físicamente. El Premi Mediterrani Albert Camus Incipiens da voz a autores emergentes que encarnan la visión de Camus de ''dar voz a los que no la tienen''. En su tercera edición, el jurado -Mónica Allende, Carla Fibla y Tanya Habjouqa- seleccionó Here, the Doors Don't Know Me por el profundo compromiso de Mahdy con la comunidad, su narrativa visual innovadora y su sensibilidad al retratar historias compartidas.
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Los dóciles. Una posible obra de Societat Doctor Alonso
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Fotografiar desde dentro
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La dominación turística. Turismo insostenible
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¿Qué ocurre cuando decides dejar de agradar para empezar a sentir? Este es un libro valiente, íntimo y poderoso. La artista Sandra Delaporte abre sus diarios, muestra sus heridas y comparte sus poemas para contarnos -sin filtros- cómo se vive cuando el miedo, la dependencia emocional, la exigencia o el vacío ocupan demasiado espacio. Del barro al poema no es únicamente un testimonio o relato de dolor. Tiene algo de alquimia y transformación. Una voz que encuentra en la escritura un refugio, una amiga, un hogar. Con una mezcla única de lucidez, humor, vulnerabilidad y belleza, Sandra escribe para sí misma... y en ese gesto, acaba escribiendo para todos. Porque todos, en algún momento, hemos necesitado sentirnos menos solos. Se trata de un libro concebido como un itinerario de pequeñas conquistas, pero no es un libro de autoayuda. Este libro es para quien busca respuestas, para quien está cansado de huir, para quien quiere aprender a amar(se) sin dejarse atrás. Un acto de amor radical. Un viaje honesto, ferozmente humano y profundamente poético por las heridas que más duelen y las palabras que más sanan. No hay fórmulas ni promesas, pero sí algo mucho más valioso: una verdad contada con amor y palabras que curan. Del caos nace el verso. Del barro, el poema
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¡La historia del arte es tendencia! Un libro para divertirnos aprendiendo de la mano de una de las divulgadoras más queridas de las redes. ¿Sabías que en el Paleolítico ya practicaban el arte abstracto? ¿Y que las pirámides de Egipto no son ni las más antiguas ni las más colosales? ¿Me creerías si te digo que muchos de los artistas más admirados en la actualidad sufrieron un rechazo tras otro en su momento? ¿Te gustaría comprender, por fin, por qué el arte ha pasado de representar la realidad a trabajar con imágenes y artefactos que parece que solo entiende el propio artista? Soy Carla Serrano, historiadora del arte, y a través de estas páginas te voy a guiar para que veas que los movimientos artísticos no son solo un montón de cuadros en un museo, sino una ventana abierta a las emociones, las luchas y las revoluciones de cada época. Y lo voy a hacer muy rápido. Te proporcionaré pistas para que puedas distinguir fácilmente los diferentes estilos, conoceremos a los artistas más top de cada época, descubriremos pintoras o fotógrafas injustamente olvidadas, cuestionaremos algunos mitos y, además, te explicaré muchas cositas para que no te pierdas entre tantos movimientos artísticos y puedas ponerlo todo en su contexto. Desde las pinturas rupestres hasta el arte digital, este libro será la mejor introducción para comprender el arte de una forma lúdica, alternativa y muy divertida. No esperes más para aprender de una manera completamente nueva: aquí el arte se vive, se siente y se disfruta en cada página.
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Un recetario para saborear las mejores escenas de esta serie magistral. La comida es una de las grandes pasiones de Las chicas Gilmore: Luke la prepara, Taylor la vende y Emily y Richard pagan el colegio de Rory para que esta y su madre vayan a cenar con ellos cada viernes. Te damos la bienvenida, pues, a este tour por el universo culinario de una serie de culto. Aquí encontrarás originales recetas del Café de Luke, la cocina de Sookie, la casa de Lorelai y Rory y de otros lugares de Stars Hollow y más allá. Desde bollos saludables sin nada, cortesía de la señora Kim, hasta sushi de postre para los más golosos, este libro incluye propuestas destinadas a deleitar todo tipo de paladares. Y el café perfecto, por supuesto. Así que ponte el delantal, enciende los fogones y prepárate para revivir los momentos más exquisitos en compañía de las inigualables chicas Gilmore.
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Nueva edición del Libro del Prado en un nuevo formato y con todas las imágenes actualizadas por el Archivo Fotográfico del Museo Nacional del Prado. El Museo del Prado es el libro definitivo para conocer a fondo la colección de una de las pinacotecas más importantes del mundo. Reúne en un solo volumen unas 400 obras presentadas al lector cronológicamente, desde las esculturas romanas hasta las últimas pinturas de Sorolla, ya en los comienzos del siglo XX. El libro propone un diálogo entre los más importantes artistas y las obras maestras que crearon, cómo unos inspiraron a otros de la misma época o posterior, los nexos existentes entre géneros y escuelas, por ejemplo entre el Renacimiento italiano y el flamenco, o entre artistas de la talla de Velázquez y Rubens, etc. Es a través de ese diálogo constante entre maestros y obras como este libro nos muestra la evolución del arte en pinturas, dibujos, esculturas y artes decorativas. Una valiosa lección de la historia del arte resumida en la colección que conserva el Prado, a su vez conformada a través de los gustos de la Corona española a lo largo de varios siglos de coleccionismo. El Museo del Prado es una publicación indispensable en la biblioteca de cualquier amante de la historia del arte, un libro con grandes fotografías que recorre una de las colecciones más impresionantes y completas del arte antiguo europeo.
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Photoshop es, sin lugar a duda, la herramienta más completa para la edición de imágenes, el retoque fotográfico y el diseño digital. Sus posibilidades son innumerables y abarcan un amplio espectro de aplicaciones: desde proyectos para Internet y desarrollos móviles hasta edición digital y retoque fotográfico. Se ha convertido en un recurso imprescindible para usuarios principiantes y profesionales.Este manual está dirigido a personas que nunca han trabajado con el programa o que solo lo han utilizado para tareas básicas. Por este motivo, comenzamos explicando conceptos fundamentales, como el uso de las capas y los pinceles, y las principales funcionalidades del entorno de trabajo. Entre las novedades más destacadas de las últimas versiones, sobresalen las opciones relacionadas con la inteligencia artificial, que van desde funciones sencillas, como la selección inteligente de objetos, hasta características más avanzadas y espectaculares, como la eliminación automática de elementos o el relleno generativo. Además, con herramientas como los nuevos «Neural Filters» cambiar rasgos faciales o expresiones será un juego de niños. Estas funciones demuestran todo el potencial de Adobe en el uso de la inteligencia artificial para realizar ediciones que, hace apenas unos años, habrían parecido imposibles.Si te apasionan la fotografía o el diseño, este manual te ayudará a elevar la calidad de tus proyectos e ideas.
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Seiobo, una deidad japonesa que tiene en su jardín un melocotonero que florece cada trescientos años y cuyo fruto da la inmortalidad, decide volver a la Tierra en busca de un atisbo de perfección: la belleza, por fugaz que sea, revela lo sagrado, que a menudo apenas somos capaces de soportar. En su viaje, Seiobo explora el Japón que perpetúa algunos rituales desde hace siglos, contempla la pintura en la Rusia medieval o en la Italia del Renacimiento, escucha la música del Barroco y sobrevuela la Acrópolis de Grecia, la Alhambra de Granada o la Pedrera de Barcelona. Una obra melancólica y turbadora en la que Krasznahorkai indaga en el extraordinario consuelo de la belleza y nos ofrece su singular perspectiva de la inmanencia.
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EL GÉNERO MUSICAL MÁS RECONOCIBLE, EXTRAVAGANTE, BELLO Y ORDINARIO QUE HA DADO EL ROCK. El arranque de la década de los setenta trajo consigo el nacimiento del “glam”, una sorprendente e inimitable variante del rock que se materializó en tres elementos esenciales: la vestimenta, el uso del maquillaje para favorecer la androginia (al menos en sus inicios) y la teatralidad. También fue considerado un movimiento social, ya que incorporó en el discurso de la industria temáticas relacionadas con la ambigüedad sexual y los géneros fluidos. Esta es la historia de una época que, aunque efímera, permitió a los artistas crear propuestas muy singulares. La gran mayoría lo hicieron con absoluta libertad creativa, a través de personajes y estilismos únicos, aunque también fueron cuestionados por quienes querían mantener el virtuosismo y la formalidad técnica característica de la psicodelia y la contracultura. • New York Dolls: laca, “eyeliner” y mucho “rock’n’roll”. • Lady Gaga, la criatura del “shock pop”. • Mötley Crüe: el exceso por defecto. • La escandalosa e irreverente Jayne County. • Brakaman, vena y espíritu “art rock”. • Jobriath, el chico que ni pudo ni quiso ser estrella.
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El rock no nació un día concreto. Tampoco lo inventó una sola persona. Surgió en Norteamérica de la combinación de distintos sonidos como el blues, el jazz, el country o el rhythm and blues, entre otros. En los años cincuenta algunos músicos mezclaron esos géneros sin ser conscientes de que ese nuevo ritmo provocaría una gran revolución.HISTORIA ILUSTRADA DEL ROCK cuenta esa revolución: bandas, festivales, canciones y álbumes imprescindibles, tribus urbanas, soportes, estilos, medios de comunicación, discográficas... ¡Todo!
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En este taller de dibujo aprenderás a crear animales de todo tipo de forma sencilla y divertida: animales domésticos como perros y gatos, de granja como cerditos, ovejas o gansos, habitantes de bosques y praderas como jabalíes, osos, bisontes o alces, o de selvas tropicales como el tigre, el jaguar y el orangután... ¡y también animales fantásticos como dinosaurios y unicornios! Con instrucciones e ilustraciones paso a paso, Heegyum Kim te guiará para enseñarte cómo con simples formas puedes dar rienda suelta a tu imaginación y dibujar todo el reino animal. Y si necesitas más apoyo, ¡encontrarás un código QR con acceso a los videotutoriales de todos los animales!
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Jaime Urrutia comenzó a vestir camisas de lunares porque se las vio Jordi Vila, batería de Loquillo y Trogloditas. Edi Clavo, sus patillas, como las de Alberto García-Alix. Y, Ferni Presas, la inscripción ''Gnade Uns Gott'' en el bajo por la influencia del cine expresionista alemán. Los tres, tan parecidos y a la vez tan diferentes, formaron Gabinete Caligari en 1981 bajo la sombra del after punk y se separaron en 1999, terminando siendo una sombra de lo que fueron. Cómo perdimos Madrid es un compendio de hemeroteca, entrevistas y análisis crítico a través de los testimonios de los miembros de la banda, músicos, managers, allegados y otras figuras clave de la escena, como Carlos Entrena, Enrique Bunbury, Servando Carballar, Pito Cubillas, Lars Mertanen, Phil Manzanera, Javier Andreu, Esteban Hirschfeld, Mikel Erentxun... ''Camino Soria'', ''Que Dios reparta suerte'', ''Golpes'', ''La culpa fue del cha-cha-chá'', ''Cuatro Rosas'', ''El calor del amor en un bar''... Escribía José Ortega y Gasset que ''la historia del toreo está ligada a la de España, tanto que, sin conocer la primera, resultará imposible comprender la segunda''. Aplíquese pues la cita a Gabinete Caligari, que, castizos ellos, templaron con sabor las suertes del rock and roll.
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