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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Fedra es la tragedia del amor prohibido. La de una mujer en cuyo corazón crece, invencible, una pasión castigada por el cielo y por los hombres. Le horroriza lo que siente hacia su amado, pero ya no es dueña de sí, es un animal enloquecido. Ha elegido morir por apartarse de su hijastro, pero lo ve en todas partes, en cada sombra ve la imagen de un hombre al que no puede nombrar.Hécuba es la tragedia de la venganza. La de una anciana que nació en un palacio, esposa de un rey y madre de hombres llamados a ser reyes, y que hoy solo espera ser arrastrada como esclava hacia tierra extranjera. Pero precisamente cuando es más débil, se levanta fortísima y devuelve un golpe tan brutal como el que ella recibió, erigiéndose en acusador, juez y verdugo.«Dos mujeres dolientes que sienten, sufren y toman las riendas de su destino, que laten llenas de vida. El perfecto equilibrio entre ternura y desgarro. Eros y Tánatos». Antonio López Fonseca
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En 1970, las compañeras de clase Elvira Fontao y Rosa Lires han vuelto a encontrarse. Han pasado décadas desde los años en que compartieron escuela. Ahora, mujeres adultas, este encuentro les ha servido para olvidar por unas horas el mundo en blanco y negro en el que viven. Pero la reunión tiene una desafortunada causa: el entierro de la que fue su maestra, María Barbeito. Elvira y Rosa recuperarán un diálogo perdido que evocará, a través de la palabra y el juego, aquella escuela de la Segunda República que les abrió los ojos a un mundo libre. Un futuro que quedó sesgado por la guerra y por la dictadura franquista. Las alumnas es un ejercicio entre el arte dramático y el documento histórico, una reivindicación de la escuela laica, libre y transformadora de la Segunda República que reconoce el trabajo de aquellas maestras que lucharon por una educación moderna e igualitaria. La literatura dramática de Paula Carballeira evoca el objetivo del espíritu teatral: el de no olvidar, el de recordar y traer el pasado al presente.
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Ifigènia reescriu les tragèdies que va compondre Eurípides a partir de la figura d'Ifigènia, l'adolescent que a l'inici de la Guerra de Troia ha de ser sacrificada perquè un oracle determina que només així els vents bufaran a favor dels vaixells hel·lens. Mentre Agamèmnon, el seu pare i comandant de l'exèrcit grec, es debat entre matar-la o no matar-la, les tropes es desesperen acampades a la platja. Temen quedar-se sense menjar, l'estiu és a tocar, l'atmosfera és sufocant i la impaciència no deixa de créixer... Eurípides. Amb Èsquil i Sòfocles, del qual fou contemporani i competidor, és considerat un dels tres grans poetes tràgics de l'era clàssica. Eurípides participà activament en la renovació dels gèneres que tingué lloc a la Grècia del segle v aC. Escriví unes noranta obres i obtingué quatre premis. Incomprès en vida, les seves obres tingueren contínues reposicions després de mort i exerciren una gran influència sobre els dramaturgs llatins.
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La última obra de MaiakovskiEstrenada el 30 de enero de 1930 en Leningrado y el 16 de marzo en Moscú, esta obra será la última de Maiakovski, y el motivo directo de su suicidio pocos días después, el 14 de abril.Su sátira del burocratismo, de la charlatanería, la fanfarronería o del oportunismo que el sistema soviético venía propiciando, redoblada su crítica con un complejo y futurista juego de espejos, no fue bien recibida ni por el público ni por la crítica ni por las autoridades.
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Actualmente, ''Bodas de sangre'' es una de las obras más representadas y conocidas no solo de Federico García Lorca, sino del teatro español del siglo XX. Tragedia de ambientación rural, profundamente lírica y simbólica, presenta al espectador un fresco vivo de las pasiones humanas en torno al eje mítico de la vida y la muerte.
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Cuando leemos Los últimos días de la Humanidad, que es un Apocalipsis cómico y patético del horror de la Primera Guerra Mundial, reír es... una forma de llorar y, así mismo y sobre todo, de tomar conciencia de la gravedad de estos problemas, y más cuando se hace una lectura actual de la obra, desde el conocimiento histórico de que la humillación que sufrieron los alemanes en el Tratado de Versalles fue una causa muy importante de que naciera el huevo de aquella serpiente del nazismo que definitivamente estalló en 1939 con el comienzo de unos nuevos últimos días de la Humanidad (Segunda Guerra Mundial), que acabaría en el doble espanto de Hiroshima y Nagasaki, ya profetizado de algún modo en la obra de Karl Kraus. Kraus nos introduce su obra con palabras como éstas: Los actos más inverosímiles aquí presentados ocurrieron realmente ... Los diálogos más increíbles que aquí se mantienen fueron dichos palabra por palabra ... Dejes y acentos recorren rechinando el tiempo y se van inflando hasta convertirse en el coro de este sacrificio cruento ... La gente que vivió entre la humanidad y la ha sobrevivido termina reducida a sombras y marionetas, larvas y lémures, máscaras de este carnaval trágico.... ¿De qué se trataba en aquella guerra y en todas las habidas desde entonces? El drama, dice Kraus, ha sido ideado para su puesta en escena en un teatro del planeta Marte: el público de este mundo no sería capaz de soportarlo. Porque era sangre de su sangre, y el contenido era el de todos estos años irreales, impensables, inasibles para una mente despierta, años en que unos personajes de opereta interpretaron la tragedia de la humanidad.
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El amor de Don Perlimplín (1931) -prohibida por la censura-, El público(1933), Así que pasen cinco años (1931), Diálogos y Declaraciones .Segundo volumen que agrupa farsas, comedias, piezas chispeantes oamargas, que muestran la trayectoria hacia futuros clásicos de laenvergadura de Bodas de sangre y Yerma .
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Escritas en el mismo periodo, alrededor de 1892, poco después de la separación del autor de su primera mujer, las dos obras de este volumen tratan de las relaciones conyugales cuando interviene un tercer elemento. Según Strindberg, la pasión, las riñas, los celos y el miedo a perder al otro son indispensables para que la vida matrimonial funcione, y así los hombres y las mujeres se ven «condenados a desgarrarse mientras les quede una chispa de vida». Sin embargo, si existe un tercero, representado en la primera obra por Axel, un amigo común de la pareja protagonista, se empieza de verdad a jugar con fuego, como indica el propio título, y se quiebra la armonía. En El vínculo, en cambio, el tercero en disputa es el hijo de los cónyuges: con el enfrentamiento en la audiencia de un juicio entre una pareja de nobles que se está separando, Strindberg escenifica su propio divorcio y el temor a perder la potestad sobre sus hijos y que estos puedan ser educados por otro hombre.
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Pocos personajes del teatro universal han conseguido la popularidad de Don Juan, que, convertido en un mito universal, encarna muy diversas pasiones humanas y suscita problemas ideológicos de toda índole. Si en el folclore europeo se documentan tradiciones del convidado de ultratumba y tampoco faltan precedentes literarios del tipo del burlador de mujeres, es innegable que la figura concreta capaz de engendrar una larguísima descendencia en muchas literaturas y géneros es El burlador de Sevilla, que Tirso de Molina alumbró en una creación genial. Se ha convertido ya en tópica hablar de las imperfecciones de la comedia y de su ruda improvisación. En la edición de Ignacio Arellano, profesor de la Universidad de Navarra, el lector podrá encontrar un texto depurado en el minucioso cortejo de fuentes, un análisis de los complejos problemas de génesis y autoría, el resumen de las principales líneas interpretativas y, en fin, una demostración crítica de la espléndida eficacia escénica y poética de la obra.
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La obra que tienes entre las manos es la ganadora del Primer Premio de Textos Escénicos LEB-CTMT con la colaboración de la AAT, escrita por la dramaturga Cristina Hermida. El jurado destacó su capacidad para generar una dramaturgia a partir de la crónica de la semana en que una autora, urgida por los plazos, se encierra a escribir una obra. La ironía y la ternura de la voz narrativa en su encierro doméstico dialogan con un exterior que asoma y nombra (muchas veces por ausencia) lo que la protagonista anhela y sabe casi imposible: una pausa en el frenesí de este tiempo poscapitalista que habitamos.En palabras de Eva Mir, prologuista: «Esta es una obra en gerundio, una obra sobre la propia construcción dramática que nos arrastra porque nos habla sobre aquello a lo que nos vemos arrastradas: los tiempos de las convocatorias, de las entregas, de la conciliación, de la compra diaria, de la búsqueda de piso, del proyecto de vivir en el campo, del cuidado de nuestras hijas las plantas, de todo aquello que pasa mientras intentas escribir».
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva sobre todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituirla intensidad emocional ligada al teatro tradicionalpor el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este volumen, correspondiente al noveno de la serie que recoge su «Teatro completo», incluye dos obras escritas entre 1940 y 1943: '' La evitable ascensión de Arturo Ui '' (una sátira de Adolf Hitler) y '' Las visiones de Simone Machard '' . Traducción de Miguel Sáenz
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La obra revolucionaria que cambió el teatro del siglo XX y allanó el camino para el Premio Nobel del autor en 1934. Publicada en 1921 y representada desde entonces incontables veces en todos el mundo, Seis personajes en busca de autor presenta a un grupo de personajes que irrumpen en el ensayo de una obra teatral en busca de un autor que pueda contar su historia completa y darles un sentido y un final. Exploración de la teoría clásica de la representación, la obra cuestiona la idea misma de la verdad en el arte y desafía las convenciones teatrales tradicionales. La acompaña en este volumen Enrico IV, una pieza que, a partir de la locura de su protagonista, explora temas como la identidad y la construcción de la realidad, animando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza de la ficción. Ambas están consideradas obras maestras del teatro del siglo XX y han influido en generaciones de dramaturgos y narradores posteriores.
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Representantes en la Tierra de una irrealidad llamada Dios: un diálogo clarificador en la sala de espejos.El papa y un cardenal, amigos de juventud, mantienen un diálogo en el que no faltan críticas a determinadas actuaciones de la Iglesia. La figura de la joven Hermana Teresa romperá el esquema del debate. Su identidad provoca un zamarreo emocional en los interlocutores. La charla íntima continuará después entre ellos, rompiendo verdades consolidadas que son sustituidas por su mero reflejo. Una conversación entre hombres de poder, que saben...
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En Luces de bohemia nos propone Valle-Inclán un recorrido por el Madrid sombrío de principios del siglo XX, de la mano del poeta ciego Max Estrella y su perro, el buscavidas Don Latino. El prisma desde el que el autor concibe la obra es el esperpento, que consiste en la deformación sistemática de la realidad, y la degradación de una situación, hasta que llega a ser ridícula. Valle-Inclán hace una crítica feroz de todos los eslabones de una sociedad enferma, uniendo a los personajes en un grotesco baile de máscaras, donde se tratan los más altos temas filosóficos, artísticos y metafísicos, que resultan tan profundos como risibles, mientras la muerte flota en el ambiente, impregnando con su aroma los rincones de ese Madrid hambriento, corrompido y cansado.
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Una mirada a los desastres de la guerra de Troya (y de todas las guerras) a través de la historia de amor de Aquiles y Patroclo. No estoy aquí para contar la guerra de Troya. Esta es la historia de mi carne, allí donde coincidieron la muerte y el amor.Tomando como punto de partida el canto XVI de la Ilíada, el dramaturgo Alberto Conejero, ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática en 2019, nos brinda una aproximación personal e íntima al poema de Homero, una nueva mirada vivida y contada desde un personaje secundario en el relato habitual, tan discutido como fascinante y misterioso: Patroclo, el «más amado» por Aquiles.En mitad de tanto fuego que enlaza diversas épocas y donde aparecen referencias y citas de, entre otros, Safo, Pedro Lemebel, Anne Carson o Luis Cernuda es un alegato antibelicista y una muestra más de la impotencia del arte ante la guerra, un oratorio por las víctimas que habla de conceptos como el poder, la pasión, la violencia o la patria.La obra es también un intento de contar la historia de otro modo, que es imaginar el futuro de otro modo. El rescate de una alegría posible. El canto de un personaje que aquí es, ante todo, carne enamorada y deseo. Un deseo libre y disidente.Porque yo no estoy aquí para hablar del «compañero devoto», ni «del más querido entre los soldados», yo estoy aquí para reventar los eufemismos, para hablar del amante insaciable.
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Escritor ganador del Premio Princesa de Asturias de las LetrasEstamos en el corazón de Europa, durante la Segunda Guerra Mundial. Hay niños jugando a la peonza, un vendedor de globos, dos jóvens que discuten en un banco, una estación de tren, una rampa que se eleva hacia una especie de hangar... Y ese delegado de la Cruz Roja que esta noche va a escribir un informe sobre lo que está viendo. Él es los ojos del mundo.«La indagación de Peter Weiss, Shoah de Claude Lanzmann y Himmelweg de Juan Mayorga son obras mayores donde se pone a prueba la posibilidad de la representación de Auschwitz. Los tres aceptan que no todo se puede representar, ni se debe, aunque se pudiera. Cada una tiene su singularidad estética, pero todas coinciden en su vocación política». Reyes MateCon Himmelweg, su obra más traducida y representada internacionalmente, queremos celebrar el Premio Princesa de Asturias de las Letras concedido a Juan Mayorga.
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Edició i estudi d'una obra de teatre fins ara inèdita, escrita pel pollencí establert a Barcelona Ramon Picó i Campanar i estrenada el 19 de març de 1869. Es tracta d'un drama històric ambientat en un castell de la Catalunya medieval.
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Edición de Fausta AntonucciA los veintinueve años, y tras haber compuesto un buen número de obras para los corrales de comedia, Pedro Calderón de la Barca logró una pieza de capa y espada modélica: La dama duende, amenísimo juego de amores, dudas, osadías y desplantes, cifrados en la tramposa alacena que preside y engrana una acción dramática magistral en su progresión y que se alimenta sobre todo de la confusión y el engaño. En la presente edición de la Biblioteca Clásica de la Real Academia Española, Fausta Antonucci ofrece una anotación exhaustiva de la pieza y un estudio minucioso de su recepción e interpretaciones, presididos por un texto depurado hasta el menor detalle, para el que ha considerado todos los testimonios impresos y manuscritos del siglo XVII, que dan cuenta de la enorme fortuna de la obra tanto sobre las tablas como en las prensas. Ese éxito resiste al paso del tiempo y todavía hoy La dama duende es uno de los títulos más conocidos, estudiados y representados de la obra cómica de Calderón.
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Renata, en plena crisis existencial, engatusa a Rita y a Greta para que acudan a visitarla al viejo caserón heredado de su madre en un remoto pueblo catalán. Veintiséis años atrás, las tres fueron responsables del primer gran éxito del dramaturgo escocés Malcolm Logan, ahora no son nada. Quiere el destino que mientras se teje este reencuentro coincidan dos hechos más. Por un lado, el célebre dramaturgo, de siempre un lobo estepario que huye de la sociedad, decide retirarse en la cumbre de su carrera para irse a vivir al bosque. Por otra parte, Jonás, hipnotista experto, acaba de vivir, junto a su ayudante Valentina, un suceso trágico que lo mantiene pendiente de un juicio. Cuando las tres amigas y los dos fugitivos coinciden en la taberna del pueblo, Renata no tiene la menor duda: ese hombre de semblante atormentado es Malcolm Logan y hay que convencerlo de que escriba para ellas su último y definitivo éxito. Por su parte Jonás, en plena crisis de identidad, no dejará pasar esa oportunidad de convertirse en el célebre y enigmático genio.
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Días antes de la celebración de la ceremonia de los Oscar de 1961 —la cuarta y última ocasión en la que fue nominado—, Montgomery Clift prepara en un apartamento del Upper East Side su regreso a los escenarios teatrales con La gaviota de Chéjov. Ha decidido escapar por fin de los mandatos de los estudios cinematográficos y de la persecución de la prensa, pero antes tendrá que saldar las cuentas pendientes con el pasado: el accidente de tráfico que rompió su máscara de galán, los fantasmas familiares y el deseo que no se atreve a decir su nombre. Por esta pieza teatral se pasean algunos de los dioses caídos del Olimpo de Hollywood (James Dean, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor o Marlon Brando) desde la mirada lúcida y alucinada del propio Clift.
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Una reflexión sobre la maternidad en general y la gestación subrogada en particular.Mater dolorosa es una reflexión sobre la maternidad en general y la gestación subrogada en particular. Las protagonistas de esta obra son las dos caras de una misma moneda, las dos caras de una historia atravesada por los deseos que nos mueven, que nos arrastran. Pero ¿dónde nacen esos deseos? ¿Cuánto tiempo hace que la maternidad no es un anhelo propio? ¿En qué momento se convirtió en un deseo impuesto? ¿Queda alguien realmente libre para desear?
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Con la presente edición del Teatro completo de César Vallejo, que permite, por primera vez, la consulta de la edición facsimilar y dactilográfica, realizamos un extenso recorrido que se inicia con Los topos y termina con La piedra cansada. En total son doce obras póstumas en las que las influencias de autores como Piscator, Eisenstein, Kirshon o Tairov van a ser decisivas a la hora de dar respuesta a una nueva concepción de los espacios escénicos, al igual que ya estaba operando desde su poesía ese «asalto al lenguaje», «el habla plural» que le convertiría en uno de los herederos de la universalidad.
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José Luis Alonso de Santos es, sin duda, uno de los autores más representativos del nuevo teatro español. Después de una amplia experiencia en el teatro independiente, se incorporó al comercial obteniendo grandes éxitos refrendados luego en varias adaptaciones cinematográficas. Toda la crítica coincide en elogiar su facilidad para volcar en la vida escénica tanto el lirismo de sus recuerdos autobiográficos (El álbum familiar) como su visión tragicómica de los nuevos marginados (Bajarse al moro). La capacidad de observación, el sentido del humor y el lenguaje coloquial han convertido a esta última obra en un clásico, leído y representado en muchos países como testimonio de la nueva realidad del teatro español.
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Mi adorado Juan, de Miguel Mihura (9788468213484).De la colección Aula de Literatura de Vicens Vives, para Lengua y literatura de Educación Secundaria Obligatoria.
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PREMI DE TEATRE CIUTAT D'ALZIRA PALANCA I ROCA Què fan, en una casa vella que té un pati amb una figuera, un invàlid en cadira de rodes, una cega i un sordmut? No, no és cap acudit macabre. Tampoc és una pel·lícula o una novel·la d'intriga. Però Iceberg permet humor i misteri perquè és un calidoscopi de fragments vitals que, amb molt poques peces, sembla haver estat encaixat perfectament per un guionista sorneguer de cinema negre per a sorprendre'ns al màxim. És una faula actual sobre uns personatges en decadència i a la deriva, sobre la mentida, la veritat, l'aparença, la realitat, el canvi de valors, la deshumanització...
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Teatre reunit (2010-2021). Aquest volum aplega algunes de les obres que Joan Yago ha escrit al llarg d'una dècada, de vegades en solitari i sovint en estreta complicitat amb la seva companyia, La Calòrica. Des de la comèdia, els seus textos s'acosten a les debilitats de la societat que estem construint entre tots, les injustícies que conviuen amb un sistema que s'anomena democràtic i la responsabilitat que pertoca a cadascun de nosaltres de canviar les coses. Temes com el capitalisme, la monarquia, el sistema neoliberal, el canvi climàtic, la precarietat laboral o la insatisfacció de tota una generació viuen sota les obres de Yago, com si fossin una terra malalta que el dramaturg dinamita des de sota, capgirant l'ordre establert, fent-los treure el cap i remenant-ho tot, posant les coses de manifest.
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Un grup d'amics queda per sopar, una nit d'estiu, en una casa amb terrassa. Entre els assistents, amb els seus petits problemes quotidians, s'hi percep una mena d'excitació incòmoda. Hi ha un al·licient afegit a la reunió: la possibilitat de jugar amb una taula a la qual alguns atribueixen poders extraordinaris que li permeten saber-ho tot i que pot arribar a indicar, per exemple, les lletres que componen la paraula mort.
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Ritmo trepidante, humor y descaro se unen en esta obra ambientada en la Sevilla de principios del siglo xvii para hacernos partícipes de los claroscuros que se esconden en el oficio del comediante.
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Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Maragall a casa és un espectacle creat per Josep M. Jaumà a partir dels articles, poemes i correspondència del poeta Joan Maragall que es representa des de l'any 2011 al menjador de la seva casa de Sant Gervasi, des d'on l'actor Jep Barceló, sota la direcció de Dolors Vilarasau, ens explica les seves vivències, els seus somnis, el seu ideari. Els versos, articles, discursos i cartes de Joan Maragall (Barcelona, 1860 - 1911) van suposar un canvi de rumb en la literatura, en el pensament i, en general, en la cultura catalana. Ja amb el seu primer recull de poemes i amb els primers articles al ''Diario de Barcelona'' va aconduir els seus lectors des del floralisme historicista i rural de la Renaixença a la modernitat de la vida quotidiana a ciutat. Maragall cresqué alhora que creixia l'Eixample barceloní i -atès que l'atzar li oferí aquesta possibilitat- es proposà educar la nova burgesia industrial i comercial que s'hi instal·lava. Va obrir-li horitzons més enllà dels diners i de les ostentacions socials, va fer-li descobrir l'ordre i la bellesa de la natura, el poder de la paraula i de l'art, la força de l'esperit que li permetria enfrontar-se al demà. El fet que vint anys dedicats quasi exclusivament a aquest propòsit tinguessin el final tan tràgic del juliol de 1909, degué ser per a ell un cop molt dur. Envellí ràpidament i morí dos anys després. El centenari, any en què es creà l'espectacle, va ser una bona ocasió, no tan sols per celebrar l'alta qualitat del que (malgrat els obstacles de l'època) arribà a assolir, sinó també per comprovar una vegada més la vigència actual del seu pensament i de la seva actitud, enfrontats encara avui a obstacles potser més poderosos dels que li tocà viure. L'home Maragall i la seva obra continuen essent un referent literari, moral i cívic indispensable per a nosaltres, per al país.
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En Deesses per nassos, Demèter i Persèfone decideixen desobeir la imposició per la qual mare i filla s'han de separar cada tardor. Persèfone no tornarà als inferns i les dues deesses s'amagaran de la policia de l'Olimp entre els humans i aterraran en distintes èpoques i distintes cultures. Amb els ingredients i l'esperit desimbolt propis de la comèdia, es va perfilant en l'obra una revisió de la història de la humanitat i dels seus valors.
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Cuenta Tefi de Paz que lo suyo con Remigia Echarren fue un flechazo. Empatizó con ella por ser mujer circense y de Pamplona. Se quedó dentro de ella, como una luciérnaga revoloteando en su corazón. ¿Quién era Remigia? ¿Una mujer funambulista? Una historia tocaba en la puerta y en esas llegó una pandemia mundial. En medio del silencio su nombre resonó de nuevo con más fuerza: ¡Remigia, Remigia, Remigia! ¿Quién anda ahí? Abre, soy yo, La reina del Arga.La reina del Arga es una obra de teatro escrita y dirigida por la actriz y payasa Tefi de Paz. En ella se cuentan las aventuras de 'La Remigia', una funambulista valiente, creativa y sobre todo mujer en un reino de hombres como era la Pamplona de finales del siglo XIX. Se sabe poco de ella. Tefi resquebrajó los cimientos de la memoria local sacó brillo a algunos hallazgos, a gentes que sí oyeron hablar de ella, a sus hazañas, a sus propuestas, a su capítulo final.
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Atribuido a Tirso de Molina y datado en torno a 1630, El Burlador de Sevilla, pese a todas las polémicas y controversias, tiene el honor de ser el primer hito en la fecunda y fascinante vida de un mito universal: Don Juan. En este drama fundacional se encuentran los tres rasgos que caracterizan la estructura donjuanesca: el héroe transgresor, el grupo femenino y la muerte. invariantes míticas que serán desarrolladas, transformadas o subvertidas, siguiendo cauces de las más diversas poéticas, por su larga y copiosa descendencia. Este héroe mítico, nacido en el corazón del Barroco español y mecido por los aires de la Contrarreforma, contiene, aunque todavía en germen, todos los sentidos que irá adquiriendo con el tiempo: el rebelde social, el seductor, el hombre enfrentado a Dios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural, con la muerte.
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El botí (Loot), 1967, ens fa viure les peripècies d'un taüt i els seus ocupants intermitents: el corresponent cadàver i el substanciós botí fruit de l'assalt a un banc. Completen el seguici funerari, i no precisament esperant rebre el condol, el fill que no lleva l'ull del fèretre, l'amic que l'ajuda, el pare que controla les corones, la infermera que procura per la salut espiritual dels pacients i el policia exemplar, gràcies al qual, finalment, qui no la fa, la paga.
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Paco de Lucía duerme en su habitación infantil con su hermano Pepe. De repente, entra el Levante y se lo lleva volando en un viaje iniciático que le permitirá conocer a Camarón de la Isla, Enrique Morente y Carmen Linares, con quienes visita a un peculiar Mago de Oz que les permita conocerse a sí mismos y fundar las bases del Nuevo Flamenco. A lo largo de este sendero de baldosas amarillas recorrido por bulerías y tangos se enfrentarán a pruebas que medirán su valor, su fortaleza y su amistad, con la Bruja Buena del Sur mirando y velando por ellos a lo largo de todo el camino. ¿Te animas a conocer Flamenkoz?
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
