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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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El bosque mágico es el espacio escogido por varios enamorados para buscar refugio y libertad. Pero una noche de verano aparece Puck, el duende malicioso, provisto de un poderoso filtro de amor con el que jugarà a confundir a los amantes creando equívocos muy divertidos.
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Fuenteovejuna es el fruto de un encargo de la Ópera de Oviedo, tan gozoso como turbador: transformar el clásico del Siglo de Oro sobre la rebelión de un pueblo contra su tirano en libreto de ópera, que se estrena, al tiempo de esta publicación, con la memorable partitura de Jorge Muñiz. Condensar trama, personajes y diálogos era obligado, y el ingente Fénix no daba alternativa: había que reescribir. Esa necesidad, que dejó atrás tantos versos felices, creó la virtud de liberar el núcleo dramático de Fuenteovejuna de las contingencias políticas del XV (y del XVII). No ahogar la voz propia al beber en fuente ajena era un reto serio tratándose del caudaloso Lope. Él sabrá perdonarme ciertas libertades. El tono de la obra es de medio carácter, al estilo de la comedia áurea o del dramma giocoso dieciochesco, y la inspiración es actual, pero sirve a la verdad histórica sin más anacronismo que su reescritura. El lenguaje busca un fraseo natural, libre tanto de los modos pasajeros del día como de los rigores retóricos del barroco, aunque disfruta con el juego combinatorio de métrica tradicional y estrofas clásicas. Todo verso aspira a ser cantado algún día. Los de esta obra nacieron para servir a la mejor música de hoy, ojalá sean dignos de ella. J.A. Javier Almuzara (Oviedo, 1969) ha publicado los libros de poemas El sueño de una sombra (1990), Por la secreta escala (1994), Constantes vitales (2004, Premio Emilio Alarcos), Caravana y desierto (2014, una colección de recreaciones líricas a partir de las rubayatas de Omar Jayyam), Quede claro: Antología poética 1989-2013 (2014, donde se incluye el poemario inédito Siempre y cuando), y A la de tres (2017, colección de haikus). Es también autor del dietario Letra y música (2001), de la prosa miscelánea Títere con cabeza (2005, Premio Café Bretón), y del libro de ensayos Catálogo de asombros (2012).
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Cada cançó és un record, la música del primer bes i també la de l'últim, les paraules d'amor que un capvespre d'abril ens van ajudar a enamorar algú, sense saber que després l'hauríem de suportar la resta dels nostres dies. Això suposant que aconseguírem enamorar-lo... Besos és molt més que una excel·lent diversió, com ressalta La Van-guardia, és una mostra d'humor intel·ligent que ha captivat milers d'espectadors i que ha rebut l'aplaudiment unànime de la premsa. «Té moments realment esplèndids» (El Periódico). «Una hilarant comèdia musical d'humor» (El Mundo). «Una dutxa d'aigua fresca i un èxit, més que cantat, cantadíssim» (Avui).
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Este libro coral es fruto del estudio y la discusión colegiada entre sus autores a lo largo de tres años. Se trata, a la vez, de un libro de crítica (literaria, audiovisual) y de teoría poética. Nuestro objeto de estudio es el universo ficcional de Patria (Aramburu, 2016 HBO España, 2020) y, al hilo de las necesidades de ese estudio particular, hemos revisado e inventado las categorías necesarias para una adecuada interpretación de las obras. Por ejemplo: utilizamos la noción de ''mímesis de vigencias sociales'' -entre ellas, la del silencio- para profundizar en el modo en que la serie y la novela nos permiten revivir y comprender la enrarecida atmósfera que se respiraba en el País Vasco durante los años del terrorismo. La recepción cultural de la inspiradora obra de Aramburu, las lecturas de la novela y de la serie televisiva y la reflexión teórica sobre los mundos posibles poéticos aparecen hermanados en estas páginas con dos objetivos: primero, contribuir a la gran conversación sobre el terrorismo de ETA y segundo, aportar una metodología para explorar y aprovechar el valor especulativo y práctico, las posibilidades de reflexión ética y social, de los mundos posibles poéticos.
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Parte de lesiones reúne cinco ficciones teatrales de María Velasco cuidadosamente escogidas, todas ellas estrenadas entre 2014 y 2021:Escenas de cazaLa espuma de los díasLíbrate de las cosas hermosas que te deseoLa soledad del paseador de perrosTalaré a los hombres de sobre la faz de la tierraY un apéndice que recoge tres textos breves a modo de rasguños, esguinces, torceduras. Es decir: Agora(fobia), Suite TOC Núm. 6 y FAM.Diferentes mundos en uno solo de una autora de culto que transitan entre lo narrativo y lo dramático, lo sintomático y lo patológico, la curiosidad, el gozo. Un despliegue de múltiples vértices para abordar sin rodeos qué sentidos atraviesan hoy cuestiones como la familia, la tradición, el duelo, el dinero, la intimidad, la autocensura o el colonialismo en las relaciones sentimentales…Así, con un humor, a veces sombrío, y una inteligencia cortante, María Velasco escribe historias abiertas en canal en las que conviven tanto los extremos como su punto medio, momentos de reflexión y de furia. O, como lo expresó Alejandra Pizarnik, con cuya poética dialoga este libro: «He aquí lo difícil, caminar por las calles y señalar el cielo o la tierra».
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Como repetidamente declaró Federico García Lorca,Yerma es una tragedia con un solo tema (la mujer estéril) y un carácter en progresivo desarrollo. Através del largo tiempo dramático, Yerma lucha desesperadamente con su verdad, que cada vez se vuelve másconflictiva y no ceja en ello hasta consumarla. La resolución final -la muerte del marido- es la última defensa de su sueño imposible y una afirmación rotundade su destino trágico ante la ciega fatalidad.
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Sin duda una de las más famosas y mejores obras de William Shakespeare (1564-1616), '' El mercader de Venecia '' se estructura en torno a la anécdota del fracaso de un aval y la sanguinaria reclamación del usurero Shylock, y la relación amorosa entre el noble Bassanio y Porcia, rica y hermosa huérfana. Pese a estar teñida del antisemitismo propio de la época, el judíoShylock se revela como uno de los grandes tipos shakespearianos y el personaje de más fuste y vigor de laobra. Y si las tres parejas de amantes que acaban felizmente unidas en el último acto representan el ladoamable del drama, para nuestros tiempos -apunta en suprólogo Vicente Molina Foix- son los personajes delarruinado y derrotado Shylock y de Antonio, '' el mercader de Venecia '' , tan desdichado al final con suganancia como el judío con su pérdida, los auténticosprotagonistas del mismo.
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Enrique Jardiel Poncela es un personaje sorprendente por sus claroscuros, su ingente producción literaria, su renovador sentido del humor y los grandes éxitos y fracasos que cosechó, tanto en vida como después de su muerte. Ya lo resume su epitafio, no sin ciertas dosis de reproche y de humor negro: ''Si buscáis los mayores elogios, moríos''. ''Eloísa está debajo de un almendro'' está considerada como una de sus mejores obras. Sus hilarantes situaciones y sus personajes trastornados crean un divertido retrato de lo absurdo que trasciende las barreras del tiempo, convirtiéndola en todo un clásico del teatro de humor.
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Enrique Jardiel Poncela figura a la cabeza de los comediógrafos renovadores del siglo XX. Tras décadas de marginación, sus obrasse leen, vuelven a los escenarios y recuperan el reconocimiento que alcanzaron en su tiempo. Angelina o el honor de un bri
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Si Teatro 1989-2014 recoge buena parte de las obras de mayor extensión de Juan Mayorga y Elipses sus ensayos, Teatro para minutos reúne todas sus piezas brevesescritas hasta la fecha. Un total de cuarenta y cuatro textos, varios de ellos inéditos, muy diversos ensus asuntos y lenguajes. Son formas breves que abrengrandes territorios. Pues, como ha señalado Mayorga,igual que «la importancia de un cuadro no se mide por la cantidad de pared que ocupa, sino por la fuerzacon que tensiona esa pared, tampoco el valor de una obra teatral depende de su extensión, sino de su intensidad». Teatro para minutos es un atlas cuyos mapasnos ayudan a orientarnos en las regiones más extrañasde nuestro tiempo.
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AMB UNS DIÀLEGS FLUIDS I UNES ESCENES REALS O VERSEMBLANTS, TONI CABRÉ S'ENDINSA EN ELS RECORDS DE ZWEIG,I ENS DESCOBREIX EL PERSONATGE EN UN MOMENT DE CONFLICTE PERSONAL, QUAN LA POR L'EMPENY A EMPRENDRE LA SEVA FUGIDA. L'obra teatral Zweig, la fugida impossibleescenifica el periple personal i literari del gran escriptor Stefan Zweig quan, acorralat per l'expansiódel nazisme, ha d'abandonar la seva Àustria natal i refugiar-se a Londres, Nova York i, finalment, Petrópolis, al Brasil. Un itinerari vital apassionant que explica a les seves intenses memòries _El món d'ahir_,que serveixen de base per a aquesta emotiva recreaciódramàtica. Amb uns diàlegs fluids i unes escenes reals o versemblants, Toni Cabré s'endinsa en els records de Zweig, en les seves contradiccions, en la seva passió per la gent, per l'escriptura i per Europa. I ens descobreix el personatge en el moment de màxim conflicte personal, quan el desencís l'aclapara i la por l'empeny a emprendre la seva fugida, una fugida queesdevé un impossible. Amb aquest volum, Quaderns de la Font del Cargol vol recordar la figura d'un dels escriptors europeus més valuosos del segle xx, del quales commemora el 80è aniversari de la seva mort el febrer de 2022. * Amb aquest volum, Quaderns de la Font del Cargol vol recordar la figura d'un dels escriptors europeus més valuosos del segle XX, del qual escommemorarà el 80è aniversari de la seva mort el febrer de 2022. * Entre les obres teatrals premiades deToni Cabré destaquen: _Estrips _(1987_)_, _Navegants_(1999) o_ Les verges virtuals _(2014_)._ En aquestamateixa col·lecció ha publicat _La peixera _(2018), sobre la selva laboral.
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Cimbelino és una de les grans obres del període final de William Shakespeare. L'obra va ser ja en el seu moment una de les preferides de grans escriptors com Bernard Shaw (que fins i tot va rescriure l'obra al seu deliciós Cymbeline refinished), Tennyson o Lytton Strachey. Recentment redescoberta per la crítica anglosaxona, en ella Shakespeare desplega ja els recursos dels quals es va servir per a les seves altres dues obres de suprema maduresa: La tempesta i el Conte d'Hivern. Les tres juntes formen el gruix dels anomenats romanços shakespereans, obres noves en què experimenta amb nous recursos i formes dramàtiques. A Cimbeli observem el gust per la sofisticació i les ostentació imaginatives portades a l'extrem: l'artifici teatral en la forma més joiosa. Ambientada en una Britània preromanitzada vagament irreal, les convencions del conte de fades, les intrigues pel poder i el tema etern de la gelosia i la fidelitat amorosa s'entreteixeixen amb virtuosisme genial fins a arribar al veritable gran final de l'última escena: en només quatre-cents versos se succeeixen més de vint revelacions d'identitat i escenes de reconeixement. Abans, però, els personatges (i l'espectador/lector amb ells) hauran presenciat prodigioses aparicions divines, visites de fantasmes, enverinaments i batalles. Presideix totes les peripècies la bella figura d'Imogènia, princesa de Britània, que sobresurt per dret propi a la supèrbia galeria de personatges femenins imaginats per Shakespeare i que per a Wordsworth era, ni més ni menys, «la dona per sobre de totes les dones de Shakespeare».
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La teniente Teresa Fernández trabaja muy duro para lograr ascender en el ejercito. Ha hecho de su trabajosu prioridad vital. Por eso, cuando su desempeño llama la atención del teniente coronel Castaño, recien llegado a la base, no puede menos que sentirse halagada. Sin embargo, lo que empieza como admiración profesional pronto se tornará en unas muestras de afecto quesobrepasan los límites marcados por Teresa. Ante eltono cada vez más íntimo y acechante de su superior,nuestra protagonista deberá elegir entre guardar silencio o denunciar lo sucedido, aunque eso suponga arriesgarse a perder todo por lo que ha luchado. Una guerra invisible lleva al campo de la literatura dramática el acoso sexual y laboral que sufren muchas mujeresen el seno de instituciones patriarcales como el ejercito, y las consecuencias que puede tener para las víctimas la denuncia de estas prácticas.
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En Ciclo de resurrecciones, Angélica Liddell explora, con prodigiosa transparencia y desde un punto de vista pasional, el lado luminoso de la existencia al tiempo que indaga en el sentido de lo sagrado y meditasobre el amor, el silencio de Dios, la vanidad, el poder del sexo sobre la voluntad, las transformacionesmágicas de los cuerposà Una forma de «mística salvaje», ajena a toda ortodoxia y religión.
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Escrita por Federico García Lorca, Bernarda Alba es una obra teatral en tres actos. En la casa de Bernarda vive ella, una mujer que ha enviudado por segunda vez, con sus cinco hijas y dos criadas. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Ès l'hivern de 1464. El cavaller Joanot Martorell està a punt d'enllestir el Tirant lo Blanc. Ha treballat anys, de manera incansable, en la novelúla de la seua vida, on ha deixat escrites les seues pors i les seues esperances. En aquest monòleg, escoltem la seua veu, barrejada amb la història de Tirant i Carmesina, la nit abans de lliurar el manuscrit a Martí Joan de Galba. Al capdavall, també per als cavallers, les batalles més importants i definitives són les que lliurem amb nosaltres mateixos.
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Lope de Vega nos ha dejado acaso la más famosa delas poéticas de su época, el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609), considerado también como el primer manifiesto del teatro moderno. Crucede caminos entre un pasado de cambios y tentativas,un presente de logros y evidencias y un futuro de indudables repercusiones, el Arte nuevo no sólo resume un pulso dramático y una posición estética y vital, sino que también logra captar la esencia de un mito en vida que parece consagrarse a golpe de una espectacular biografía.
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Giordano Bruno publica las primeras obras que han llegado hasta nosotros en París en 1582. Se trata de los tratados mnemotécnicos latinos De umbris idearum (dedicada al rey Enrique III, que le nombrará ''lecteur royal'') y Cantus circaeus, de la presentación de la combinatoria luliana en De compendiosa architectura et complemento artis Lullii y de una comedia Candelaio / Candelero. Candelero no es solo la culminación de la comedia italiana del Renacimiento, siguiendo la senda de Maquiavelo (La Mandrágora) y el Aretino, en una triple trama ambientada en la Nápoles contemporánea, sino que es una amarga crítica de la corrupción de la sociedad europea, presentada como una jungla en la que nada es lo que parece, en la que la ostentación de sabiduría esconde necedad y locura, donde la justicia está ausente y a lo sumo es ejercida por una turba de ladrones y pícaros disfradados de agentes de la justicia para conseguir desplumar a los necios. Con ello Candelero constituye una obertura teatral de los diálogos filosóficos que, poco después y en un escenario en buena medida teatral, presentarán la reforma moral, política y religiosa de la sociedad europea a partir de la recuperación de la verdadera imagen del universo y de su relación con la divinidad.
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La dama boba ha sido una de las piezas dramáticas de Lope de Vega que ha mantenido una estimación y valor permanentes en el género de capa y espada.Dentro de una sencillez de trama y una comicidad espontánea, el amor se erige en fuerza motriz de la acción y es capaz de abrir el entendimiento de Finea, la dama boba, que a través de su enamoramiento se afirmaa sí misma y logra sus objetivos galantes, en contraste paralelístico con su culta hermana Nise.
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Del laberinto en el que estuvo sumida la Castilla del siglo XV surgió otro, ahora en verso, que Juan de Mena presentó en 1444 al entonces monarca Juan II como un plan de acción política para la reforma del reino. Ese ''Laberinto de Fortuna'' constituye una pieza mayor en el canon de la literatura española, que se mueve entre las últimas inercias medievales y un primer Renacimiento propiamente hispánico. Mena lo concibió con una conciencia humanística y una decisiva dimensión experimental. En su afán por imitar la epopeya clásica, diseñó una lengua poética que se alejaba del uso común para dotar al castellano de una dignidad pareja a la del latín. Su éxito fue enorme y se mantuvo en el tiempo, como muestran los numerosos manuscritos en los que la obra nos ha llegado, los comentarios de Hernán Núñez o el Brocense o su presencia, aún viva, en la polémica gongorina. Esta edición crítica y modernizada pretende ofrecer una lectura clara y accesible de ese ''Laberinto'', que se presenta como un desafío sugestivo y extraordinario para los lectores del siglo XXI.
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El castigo sin venganza destaca en el canonde las lecturas indispensables del teatro de Lope deVega. Amor, muerte y honor son los tres grandes ejesque mueven la acción de la obra y que desencadenan el ''castigo'' del título. Secreto férreamente guardado, este castigo y su singular ''sin venganza'' nos sitúan ante una toma de conciencia de una nueva forma de comedia y de un espectador que la admira y la aplaude.
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Considerada una de les obres més reeixides de l'autor, Els vells presenta la història de dos treballadors, en Joan i en Valeri, que són acomiadats de la fàbrica tèxtil on treballen a causa de la seva edat avançada i es veuen abocats a la tragèdia d'haver de cercar desesperadament un nou mitjà de subsistència. A partir d'aquest plantejament, Iglésias ens ofereix un quadre detallat de la vida de la societat menestral de finals del segle XIX i dóna veu a la figura de l'obrer català. L'obra esdevé així l'altaveu d'un drama col·lectiu -la vulnerabilitat de la classe treballadora, les seves dificultats a l'hora de reclamar millores laborals i la manca de solidaritat per part dels seus iguals- que ressona encara avui.
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Queralt Riera ens presenta un exercici teatral en forma de dos monòlegs paralúlels, pràcticament idèntics, en el quals Hamlet i Ofèlia ens desgranen, a poc a poc i de manera crua però innocent, les seues doloroses vides. Una peça escrita amb vocació d'inc
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Joe Keller és un empresari d'èxit que ha fet fortuna durant la Segona Guerra Mundial fabricant peces d'avió, tot i que arrossega un passat turmentós marcat per la desaparició del seu fill Larry i la mort de vint-i-un pilots a causa d'unes culates defectuoses. El seu soci va ser condemnat a presó i l'amor que naixerà temps després entre els fills respectius obrirà velles ferides i traurà a la llum secrets que desencadenaran la catàstrofe. Arthur Miller escriu una tragèdia contemporània al voltant de la culpa que qüestiona els valors del somni americà alhora que exalta la força de l'idealisme juvenil per construir un món nou sobre la runa del mercantilisme capitalista.
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El médico de su honra y El alcalde de Zalamea encabezan, junto con La vida es sueño, el canon de la dramaturgia seria calderoniana. Si en la primera de estas dos obras se reivindica el derecho de los villanos al honor –un honor que es dignidad de la persona, y que se conquista con el esfuerzo, el trabajo y la virtud–, en El médico de su honra se muestran los efectos devastadores del necesario mantenimiento del honor estamental. Ambas tragedias, que por eso lo son, dramatizan los resultados de los abusos de poder y el precio que el vasallo (el individuo, en una perspectiva más moderna) tiene que pagar para oponérseles.Los estudios de Fausta Antonucci (El médico de su honra) y de Juan Manuel Escudero (El alcalde de Zalamea) profundizan en las muy diversas interpretaciones que han recibido las dos obras, de las que se ofrece en este volumen un texto depurado y anotado a la luz de las últimas aportaciones críticas.
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¿Existe una lectura correcta de un texto clásico? Pienso que no, que justamente un clásico es aquel que permite infinitas lecturas, y que es por tanto inagotable. Volvemos a los clásicos porque nos siguen interpelando. Volvemos a Chéjov porque nos habla no tanto de allí (la Rusia prerrevolucionaria) y entonces (finales del siglo xix), como del aquí y el ahora. Cada lectura de un clásico es una nueva prueba, una nueva pregunta que se lanza al texto. Según lo que preguntes, según donde pongas el foco, contesta cosas distintas. Cada lectura que hacemos hoy de un clásico es una conversación con el texto original. Si es así, ¿por qué deberíamos preguntar a un texto solo de una manera? Mi acercamiento es doble. Dos miradas distintas, dos reflejos de mi interés y de mi amor por el Tío Vania original. Ahora pueden leerse aquí los dos acercamientos, las dos miradas sobre el clásico. Dos textos que a veces dialogan y otras se contradicen, que contienen fragmentos repetidos, ecos, que a veces permanecen muy cerca del original, y otras se alejan hasta que casi no queda rastro. Dos caminos entre tantos posibles.
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Us presentem la primera part de l'obra completa: The Ruffian on the Stair, Entertaining Mr. Sloane i Loot. Amb versió original anglesa i català.Tot i haver estat un autor prolífic, Joe Orton té una obra necessàriament breu set peces teatrals, uns quants guions televisius, un diari i algunes novel·les incompletes, però va influir molt en la literatura anglesa posterior a la generació dels Angry Young Men. Entre 1965 i 1967 i després de malviure i de passar una temporada a la presó, va esdevenir un dels dramaturgs més populars de Londres. Sorprenia, feia riure i alhora escandalitzava amb les seves comèdies negres, cíniques, excessives, ferotges, molt critiques amb el poder i la societat i despietades amb les misèries de la seva classe social, la popular. Homosexual subversiu, en les seves obres desafiava la moral que criminalitzava la diversitat sexual i reivindicava els seus orígens obrers, però sense cap militància en cap dels dos sentits: de fet, tractava sense pietat tant la classe treballadora com els seus personatges gais.
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Ignacio Amestoy, Premio Nacional de Literatura Dramática, presenta aquí dos nuevas obras, una tragedia y una tragico-media, con prólogo de Jorge Urrutia: ''Te quiero, Miguel'' dramatiza la pasión amorosa del poeta Miguel Hernández y Josefina Manresa, un amor que será angustioso durante la Guerra Civil y agónico tras la victoria franquista, hasta llegar a la tragedia. Muestra de su teatro documento (que ya empleó en ''Gernika, un grito. 1937'' o ''Dionisio Ridruejo. Una pasión española'', nº 162 y 184 de esta misma colección), Amestoy rescata el diálogo entre los protagonistas y finalmente el grito hecho teatro de una mujer a la que la muerte de su amante arranca del mundo. ''Aquiles tiene un problema'', siguiendo a Javier Gomá, plantea la equivalencia entre la actitud del héroe troyano en los brazos protectores de su madre y la de muchos jóvenes actuales en los más o menos confortables hogares de sus progenitores. Las tensiones del Banco Central Europeo, el trajín de los iPad de Apple, Hegel, Bruselas o el Central Park neoyorquino serán el moderno escenario de sus batallas. Ignacio Amestoy Egiguren pertenece, con Alonso de Santos, Cabal y Sanchis Sinisterra, a la denominada Generación del 82, o de la Transición. Es doctor en Estudios Teatrales (UCM), profesor titular de Literatura Dramática en la RESAD, de la que fue director, y secretario general del Círculo de Bellas Artes. Galardonado en dos ocasiones con el Lope de Vega, en 2002 se le concedió el Premio Nacional de Literatura Dramática por Cierra bien la puerta, pieza que forma, con Rondó para dos mujeres y dos hombres, Chocolate para desayunar (ambas en el no 368 de esta colección espiral/teatro) y De Jerusalén a Jericó, una tetralogía sobre la mujer en el siglo xxi.
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Morales Lomas, creador de Caníbal Teatro, es uno de los dramaturgos con más proyección en este siglo XXI. Su dramaturgia, que sigue la estela de grandes maestros como Plauto, Lope de Rueda, Valle-Inclán, Arrabal, Beckett, Ionesco, Adamov, Fo, Pinter…, persigue renovar esta visión en el siglo XXI. En el estudio inicial, el dramaturgo Rafael Ruiz Pleguezuelos considera que el legado de Morales Lomas, por su calidad, cantidad y ambición, es un conjunto admirable, una suerte de comédie humaine teatral enraizada en el absurdo y lo grotesco. Su gran tema es el respeto a la libertad individual. Prácticamente todas las piezas aquí contenidas denuncian a su manera las consecuencias de cuestionar, coartar y reducir la libertad del individuo, sin importar quién lo haga. Su teatro es un acto de resistencia frente a cualquier forma de opresión que restrinja la libertad individual.
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SARGENTO. ¿Tú eres aquél que durante la dominación roja incitabas a la gente, en los mítines, a destruir iglesias, a quemar sacerdotes, a sacar los ojos a los guardias civiles, a profanar imágenes, etc. etc.? JOSÉ LUIS.Sí, yo soy aquel que hablaba en los mítines, pero que no decía nada de eso, sino que había que ganar la guerra para que el pobre tuviera pan, el trabajador, trabajo, el campesino, tierra, el pueblo, libertad y cultura. (César M. Arconada, 1.º de Mayo en España, acto tercero) César Muñoz Arconada (Astudillo, Palencia, 5 de diciembre de 1898-Moscú, 10 de marzo de 1964), vinculado inicialmente a las vanguardias deshumanizadas de los años veinte, se convirtió desde 1931 en un escritor comunista militante. Autor antes de la guerra civil de novelas de títulos tan expresivos de la lucha de clases como Los pobres contra los ricos (1933) o Reparto de tierras (1934), de libros de poemas (Vivimos en una noche oscura, 1936) y de obras de teatro (Tres farsas para títeres, 1936), durante la guerra civil publicó Romances de la guerra (1937) y escribió la novela Río Tajo, Premio Nacional de Literatura 1938 en la zona republicana, que no llegó a editarse. Atravesó enfermo la frontera francesa a finales de enero de 1939 y estuvo internado en los campos de concentración de Argelès y Saint Cyprien. Liberado gracias a la solidaridad del escritor francés Louis Aragon, en mayo de 1939 pudo exiliarse en la Unión Soviética. Instalado definitivamente en Moscú, colaboró en revistas como La Literatura Internacional, de la que en 1943 fue nombrado redactor-jefe, y publicó ensayos, libros de cuentos (España es invencible, Cuentos de Madrid) y obras de teatro como la ópera antifascista Nueva Carmen (1944). Fiel al dogma estético estaliniano, practicó en la mayoría de sus obras un riguroso realismo socialista, insólito en la literatura de nuestro exilio republicano de 1939. Un realismo socialista del que constituye un buen ejemplo este 1.º de Mayo en España, obra dramática inédita hasta hoy.
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Ella no creía en el matrimonio por amor. A él solo le importaba su invernadero y mantenerse fuera de la sociedad. ¿Serán capaces de mantenerse firmes en sus ideales?A pesar de ser la mayor de sus hermanos, entre los planes de Elizabeth no encajaba un matrimonio inminente. Tenía claro que, a largo plazo, era lo lógico para una mujer de su clase, y en ese siglo, pero, al igual que estaba convencida de ello, también sabía que nunca se casaría por amor. Había presenciado el sufrimiento de su madre tras la muerte de su padre, y se juró a sí misma que jamás se enamoraría.Con lo que no contaba, era con los tejemanejes de su abuelo.De la noche a la mañana su futuro la situó lejos de Londres para casarse con... ¿el duque de Peachwood?Un hombre que, desde el fallecimiento de su esposa e hijo, en extrañas circunstancias, no había vuelto a aparecer en sociedad. Se había recluido en el campo y no se relacionaba con nadie.Su única obsesión, según los cotilleos de los salones londinenses, eran los melocotoneros que tenía en su invernadero.
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La obra más emblemática de Pedro Calderón de la Barca. Edición de Enrique Rull, profesor de literatura española de la Universidad Nacional de Educación a Distancia El gran teatro del mundo demuestra la pericia de Pedro Calderón de la Barca en géneros dramáticos tan diferentes como el auto sacramental, la comedia filosófica y el drama de honor. Representado y traducido innumerables veces, en todo tiempo y lugar, este auto sacramental ha superado los condicionamientos estéticos de la época en que fue escrito para extender con fuerza un mensaje conocido desde los clásicos latinos: la vida no es más que una representación en la que nuestro papel está determinado y en la que lo importante es «obrar bien». Esta edición al cuidado de Enrique Rull, profesor de literatura española de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, incluye una introducción que contextualiza la obra, un aparato de notas, una cronología y una bibliografía esencial, así como propuestas para fomentar el debate en torno a la lectura.
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Esta adaptación de Cyrano de Bergerac mantiene la esencia del original, pero con un argumento muy actual. Marc, un joven para quien Internet es la única realidad, emprende un viaje vital en el que aprenderá a valorar experiencias que no viviría nunca en la pantalla de un ordenador. Una obra que combina espíritu aventurero, luchas de espadas, comedia y nuevas tecnologías.
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La dictadora es la obra del intraexilio, que describe la vecindad consuetudinaria entre las familias del destierro. Una convivencia que dio lugar a relaciones amistosas o a enemistades que tienen tanto o más que ver con el transcurrir ordinario que con las ideologías. Así, La dictadora recrea el conflicto generacional, intrafamiliar, del que fue testigo la autora, María José de Chopitea, entre (presuntamente) la intelectual Margarita Nelken, dibujada como «la dictadora», y su nieta Margarita Salas, a quien llamaban Cuqui, con quien vivía. Desavenencias entre ambas motivadas por el noviazgo de Cuqui con el hijo del dramaturgo Cipriano Rivas Cherif, quien fuera a su vez cuñado de Manuel Azaña. La familia Rivas Cherif-Azaña y la familia Nelken presentaban dos líneas políticas dispares, que ocasionaron posturas enfrentadas que se perpetuaron en el exilio incluso, cuando ambas familias, en México, vivieran en el mismo portal y la misma escalera. El conflicto familiar surge porque las nuevas generaciones no quieren heredar diferencias pasadas que les impidan vivir su día a día con desencuentros irreconciliables. María José de Chopitea, la narradora del intraexilio, describe en La dictadora el devenir humano, alejado de idealismos, de la comunidad desterrada. María José de Chopitea y Rossel. La escritora del intraexilio, fue una autora, editora y traductora española nacionalizada mexicana en 1946. Necesitamos romper el olvido y silencio en el que permanece su obra en nuestro país para mostrar la importancia testimonial de sus obras Lazos de infancia (1950), Sola (1959), Guieshuba. Jardín del Istmo (1960), La dictadora (1963), e In Memoriam (1965). Ella describe el devenir de la comunidad exiliada en su día a día: el amor, los excesos, las enemistades y la interacción cotidiana de los descendientes, ya mexicanos. Josebe Martínez es profesora titular en la Universidad del País Vasco. Ha sido profesora titular en California State University. Entre sus obras sobre exilio, además de numerosos artículos internacionales, cabe destacar Las intelectuales, de la Segunda República al exilio (2002, Premio Nacional de Investigación Isidra de Guzmán), Escritoras, guerra civil y memoria (2007), Las santas rojas: exceso y pasión en Clara Campoamor, Victoria Kent y Margarita Nelken (2008), la edición de Mada Carreño Los diablos sueltos (2019), la edición de las obras de Margarita Nelken La mujer ante las Cortes Constituyentes y Maternología y puericultura (2021).
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Tras haber obtenido en mayo de 1635 la licencia para la Parte XXI, el 21 de junio Lope la obtuvo para la Ventidós parte perfeta, que no llegaría a ver publicada, pues murió el 25 de agosto. No sabemos si fue el mismo dramaturgo quien escogió los textos allí reunidos, la duda se impone a la vista del caso de Amor, pleito y desafío, bajo cuyo título se publica por error Ganar amigos, de Juan Ruiz de Alarcón. Todas las piezas que integran el volumen fueron compuestas entre 1615 y 1631, y es llamativa la ausencia de tragedias y tragicomedias, así como la preponderancia de comedias palatinas, alguna de ellas con ribetes historiales (La primera información, La mayor vitoria, La carbonera, El labrador venturoso, Amor, pleito y desafío, Nadie se conoce), y de comedias urbanas (Amar sin saber a quién, No son todos ruiseñores, Amar, servir y esperar, Quien todo lo quiere). La docena de obras se completa con dos comedias de tema religioso, una hagiográfica (La vida de san Pedro Nolasco) y otra bíblica (Los trabajos de Jacob).
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Las piezas teatrales del XV Certamen de Teatro Dramaturgo José Moreno ArenasUn certamen que ha situado a Albolote en el panorama teatral español y lo ha elevado a categoría internacional [...] Tanto es así que si nombramos hoy en día Almagro, Mérida, Ciudad Rodrigo, Chiclana de la Frontera o Albolote, nos viene a la memoria, además del encanto y la personalidad de dichos lugares, el teatro, que con sus congresos y encuentros dan la altura y el interés necesarios para atraernos al aprendizaje y al divertimento.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
