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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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No es exagerado decir que de todos los libros de Lêdo Ivo es Rumor nocturno el que mejor resume todos los tonos de su poesía, y no son pocos. Lêdo Ivo es el atónito observador de los desmanes de la sociedad contemporánea, del sufrimiento de la naturaleza herida. Su poesía es un paisaje en el que la floresta resiste frente al avance de los yates abarrotados de banqueros, de las excavadoras, del desconcierto. Una poesía que sabe que en último término, pese a todo y con La Fontaine, todo el universo obedece al amor. Una poesía a la vez carnal y espiritual que sabe que hay preguntas que no tienen respuesta, pero también que el secreto de la vida es aprender a convivir con ellas, a ser nosotros mismos un equilibrio entre dos signos de interrogación.
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En un sencillo estuche de cartón, rojo y negro, cinco libritos, que contienen las valiosas palabras de cinco gigantes de la literatura del siglo xx. Se trata de una edición que recoge cinco escritos, en su día pronunciados como discurso, de una serie de autores ganadores del premio Nobel: William Faulkner, Pablo Neruda, Gabriel García Márquez, Doris Lessing y John Coetzee. Doris Lessing rememora su estancia en Zimbabwe y se lamenta de la falta de libros para los niños nativos. Gabriel García Márquez propone un viaje por la historia maldita de América Latina y hace un brindis por la poesía. John Coetzee compone una pequeña obra de ficción en forma de discurso que recuerda las mejores claves de su narrativa. El libro de William Faulkner contiene el discurso del Nobel, en que habla del esfuerzo humano, y su discurso pronunciado en el Delta Council. Mientras que Neruda, en su parlamento, habla de un viaje al sur de Chile, una experiencia que proporciona las «dosis necesarias» para la creación poética.
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ENTRE todos los poetas modernos, Charles-Pierre Baudelaire (París, 1821-1867) ocupa un lugar privilegiado. Es quien mejor ha sobrevivido a su tiempo y quien mayor influencia ha ejercido sobre la poesía posterior. Más allá de los indiscutibles valores éticos, estéticos y metafísicos, que ostenta en alto grado, Baudelaire consiguió imprimir un giro copernicano a la añeja actividad poética, acercando el escenario del arte al teatro de la vida. Su único libro de poemas, Les fleurs du mal, y su réplica en forma de poemas en prosa, Le spleen de Paris, que ahora presentamos a los lectores en nueva y acendrada versión, plasmaron literariamente ese cambio. El mundo de las grandes ciudades, el de los Tableaux parisiens, se convierte aquí en la preocupación dominante del poeta maldito, que nos legó algunos de los pensamientos más hondos y sugerentes sobre el mundo moderno. Después de las numerosas aportaciones poéticas y literarias de Baudelaire, ni la realidad representable, ni el sujeto creador, ni la obra creada, ni siquiera el lector de poesía, volverían a ser los mismos de antes.
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Tras su poemario Cuerpos perdidos en las morgues (Ultramarinos, 2018), que le valió a Xaime Martínez el Premio Nacional de Poesía Joven «Miguel Hernández», y después de haber tomado la decisión de consagrar su escritura a la lengua asturiana, el autor nos entrega —recurriendo de nuevo en cierto modo a los muertos— otra muestra de vitalidad poética, que desde ya merece hacerse un hueco entre lo mejor de las letras peninsulares recientes por su contribución al lenguaje.Radicado —porque no se puede mirar para otro lado— en el contexto presente del Movimientu pola oficialidá de la llingua asturiana, Xaime Martínez (Uviéu, 1993) recurre a la tradición del etnodrama, un concepto de la antropología teatral que, como sucede en este libro, escenifica la dimensión ritual de una identidad cultural, la asturiana en este caso.La reunión en torno al fuego de un poeta y una sarta de ilustres muertos (noche de Walpurguis tomada por el orbayo), una extravagante mascarada de invierno (con sonido Nueva Orleans de fondo: «my grandma and your grandma / Were sittin’ by the fire») y una epopeya zoomórfica protagonizada por el salmón «de las escamas de oro» son las tres partes de un cuadro que sigue apostando por la inteligencia proteica como forma de expresión de la energía popular.
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Este libro reúne dos preciosos volúmenes, casi piezas de coleccionista, donde Javier Marías rinde homenaje a dos de sus autores predilectos: William Faulkner y Vladimir Nabokov. Este volumen reúne los dos libritos que Javier Marías dedicara, en el centenario de sus respectivos nacimientos, a los escritores que tal vez más influencia han ejercido en la literatura en español de la segunda mitad del siglo XX: William Faulkner y Vladimir Nabokov. Además de los personales ensayos y semblanzas con que les rinde homenaje, Marías nos permite ver aquí su importante faceta de traductor: sus versiones de la poesía de estos dos maestros son inigualables. Se incluyen, a modo de epílogo, un texto de Manuel Rodríguez Rivero sobre la ciudad natal de Faulkner, y la traducción que Félix de Azúa hiciera de dieciocho problemas de ajedrez concebidos por el propio Nabokov. Reseña:«Javier Marías, traductor de poetas como Stevens o Ashbery, quizá sea el traductor ideal de los versos de Faulkner.»Justo Navarro, Babelia, El País
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XXVII Certamen de Letras Hispánicas Rafael de Cózar en la modalidad de Poesía. Rubiel G. Labarta (Holguín, Cuba, 1988) ha publicado, entre otros, los libros de poemas Los hijos de Caín (Premio Pinos Nuevos, 2016), Las regiones devastadas (Premio Mangle Rojo, 2019), País de humo (Premio Hermanos Loynaz, 2019), Plan para dos (Premio Gesto/Cálamo, 2020), Madera (Premio Calendario, 2020), Inventarios y cartografías (Premio de la Ciudad de Holguín, 2020), La humana arquitectura (Premio Milanés, 2020), De regreso a la estación vacía (Premio Manuela López, 2020) y Apnea (Premio Poesía de Primavera, 2021).
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La chinche es una obra de teatro escrita en el año doce de la era soviética con la mirada puesta en un futuro socialista y con ese perfume a fracaso y desencanto que suele rodear lo ruso, una obra que, leída en la era del Covid y de la confusión del pasado, se revela extraordinaria en los matices y generosa en las invitaciones a discernir.
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Una obra de teatro en la que dos mujeres intentan huir de sí mismas durante las horas que contiene una noche.La fiesta es aún peor de lo que esperaban, así que tanto Leyre como Diana abandonan pronto el reencuentro de su antigua promoción del instituto, al que ni siquiera saben por qué han acudido. Apenas se conocieron en esos años pero, hartas de la explosión de nostalgia noventera, ambas encuentran en la necesidad de compartir taxi una excusa para no dar por terminada la noche.Sin rumbo ni intenciones fijas, acaban deambulando en busca de algún deus ex machina que les permita creer que el presente no está tan lejos del futuro idílico que les prometieron y que, a sus cuarenta y algo, se les sigue escapando.Escrita a pie de escena a partir de un taller con sus intérpretes, Esta sí tenemos que bailarla de Nando López es una obra de teatro tragicómica y canalla en la que dos mujeres intentan huir de sí mismas durante las horas que contiene una noche. Una comedia ácida llena de ritmo —de fondo resuena el eco de las canciones de Raffaella Carrà—, diálogos punzantes y momentos que van de lo íntimo a lo explosivo. Un viaje a través de bares y carreteras cinéfilas en el que sus dos protagonistas comparten madrugada a vueltas con sus dudas y sus ganas de vivirlo —y bebérselo— todo.
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Pocos meses antes del 7 de octubre de 2023, Rola Sirhán (n. 1978), crítica literaria y poeta, se preguntaba sobre las consecuencias del desmesurado peso de la lucha y la resistencia en la cultura palestina. En su opinión, imperaba una lógica intelectual caduca: la «cultura del fusil y los fedayines» había fracasado a efectos emancipatorios, los que debe perseguir toda auténtica cultura. Había llegado, según ella, el momento de preguntarse qué cultura querían los palestinos de las nuevas generaciones.La poesía escrita por mujeres ofrece algunas respuestas. Una sería cierto romanticismo desengañado, del que se saca genio y grito: «Somos las que inculcaron a la tierra / el gusto por la sangre. / Somos las culpables», dice un poema de Jumana Mustafa. Otra, la reformulación del sujeto poemático de mujer, que puede ser o una prisionera en una cárcel de Israel, como en el poema de Dareen Tatur, o una «prisionera» en Gaza, como en los de Hind Joudah. Son poetas de la situación, de la circunstancia, poetas fuertemente emplazadas. La ironía, ácida, que en algunos casos llega al sarcasmo, atraviesa buena parte de esta producción, como herramienta de sanación, o de simple supervivencia: Mona Musaddar habla de la huella dactilar que dejan unas uñas pintadas al cavar una tumba, para Asmaa Azaizeh la historia es un perro encadenado a un árbol.El genocidio de Gaza, la limpieza étnica de Cisjordania, el apartheid en Israel, el olvido de los refugiados de los campamentos del Líbano, Siria y Jordania, la diáspora cronificada, marcan el presente palestino. Los motivos para la esperanza son escasos, casi inexistentes, y aun así la poesía palestina no se detiene. Hay espacio para el poema en prosa, en verso libre, con pie métrico: las palestinas, que siempre han rehusado ser buenas víctimas, tampoco se someten a la apisonadora global de lo poéticamente predecible, la conveniencia o la moda. Ni, a pesar de las dudas sobre el sentido de escribir en tiempos de genocidio, al silencio.
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En 1917, un an après sa blessure, un an avant sa mort, dans son uniforme bleu horizon qu’il continuait de porter, le front entouré d’un bandeau, Guillaume Apollinaire était devenu un personnage qui aurait bien étonné l’Apollinaire du début du siècle. Il s’était donné à la guerre comme à la poésie, avec sa fougue habituelle. Mais le fantaisiste, le bohème, n’était pas plus désireux de s’effacer devant l’écrivain officiel que de lui disputer la place. Laissant le poète grave s’exprimer dans les strophes de Vital Impedere Amori, il écrivit l’opéra bouffe que voici: Casanova.Le poète ne prétendit pas transcrire un épisode réel de la vie de Casanova. Il se contenta de situer l’action – une folle aventure d’un soir de Carnaval – à Venise.
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Hamlet, probablemente compuesta entre 1599 y 1601, transcurre en Dinamarca y relata cómo el príncipe Hamlet lleva a cabo su venganza sobre su tío Claudio quien asesinase al padre de Hamlet, el rey, y ostenta la corona usurpada así como nupcias con Gertrudis, la madre de Hamlet. La obra se traza vívidamente alrededor de la locura (tanto real como fingida) y el transcurso del profundo dolor a la desmesurada ira. Además explora los temas de la traición, la venganza, el incesto y la corrupción moral.
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El embarazo, el parto y el posparto son acontecimientos trascendentales en la vida y que a menudo suponen una oportunidad de introspección y transformación personal.Rimas en mi vientre es mi verdad expresada en poesía que nace de las luces y las sombras de este viaje sin retorno.Si decides abrir este libro, nuestras manos sostendrán el peso de los mismos versos, esos que arropan y que pican a partes iguales, y así haremos de nuestros caminos oportunidades para cuestionarnos, emocionarnos, aprender y acompañarnos.
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Ya no soy el conejito que se comía las uñas es el primer libro de poesía de Ollin García Pliego (México, 1991). En sus páginas, el autor trata temas de valor universal tales como la infancia, el crecimiento, el trauma y la enfermedad haciendo uso de un lenguaje íntimo y cotidiano. En diálogo con poetas y escritoras como Emily Dickinson, Sylvia Plath, Alejandra Pizarnik, Yolanda Pantin, Marta Sanz y Roberto Bolaño, el autor nos transporta a geografías diversas como Estados Unidos, México y Francia, países en donde reflexiona sobre sus propias experiencias clínicas, familiares, literarias y amorosas. De esta forma, Ya no soy el conejito que se comía las uñas ofrece una visión del mundo en donde se aprende del dolor ocasionado por la pérdida de seres amados y en la cual se superan enfermedades vividas por el autor (y millones de personas) como el COVID-19. Así pues, la sensibilidad del poeta indaga en lo más profundo de la experiencia humana, es decir, en esas situaciones de enfermedad y dolor desde donde logra escapar de las garras de la muerte. De esta manera, los versos de Ollin García Pliego le ofrecen al lector una mirada resiliente del mundo en donde es posible volver a comenzar.
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A veces me pregunto en qué terminará todo esto, / o si va a terminar. / Es verdad que no me hago esa clase de preguntas / ya, muy a menudo. En estos versos de Nos vemos en las grietas, de Patrícia Olascoaga, se condensa la verdad de la poesía que la autora destila, como razón y vida de la sociedad que la condiciona. Es su pensamiento escrutando los días, las vicisitudes, el sentido de un compromiso ético que escribe con la pluma del testimonio. Viene a decirnos la canción de la felicidad y también del desasosiego. Como un rayo que parte en dos el pensamiento sereno. Como la luz que nos abre, entre verso y verso, a sujetar con las manos la capacidad de ser entre los otros, como una antorcha de palabras.
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El amor es la fuerza muy poderosa que desde siempre nos da impluso. De él se escribía desde los tiempos antiguos. Los poetas dedicaron innumerables páginas a sus amores: algunos estuvieron llenas de sufrimiento y dolor, otras, de ansiedades, felicidad y entusiasmo.
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Esta edición reúne, por primera vez, los siete poemarios de Marina Romero nunca reeditados y prácticamente desconocidos para el público español. Publicados desde 1935 hasta 1999, entre España, treinta años de exilio en Estados Unidos y veinte de regreso, fueron editados por instituciones y editoriales dedicadas, ya en su tiempo, específicamente a rescatar voces marginales como era la suya, en tanto que mujer intelectual y exiliada republicana. Se rescatan así las experiencias amorosa y exiliar que atraviesan sus versos desde la delicadeza más bella hasta una crudeza desgarradora, a veces simultáneas. Romero traza un doble duelo: por la patria y la amante perdidas y jamás reencontradas. De la evolución estética de Romero podemos deducir el principal patrón de su época, que va desde las poéticas de principios de siglo xx hasta la poética propia del exilio y la del regreso a una patria que marca un nuevo estadio para el sujeto: el de exiliado doble, de la España que conoció y del país que la acogió durante tres décadas y ahora se abandona. Rescate de la poesía jamás reeditada de una mujer intelectual, republicana y exiliada en Estados Unidos, cargada de sencillez y complejidad conceptual, de delicadeza y desgarro. Marina Romero (Madrid, 1908-2001) fue autora de poesía y literatura infantil. La suya se inscribe en la historia cultural de la mujer moderna española de principios de siglo XX, intelectual, feminista, republicana y emancipada, en torno a instituciones como la Residencia de Señoritas y una red femenina internacional de intercambios y apoyo. Exiliada en Estados Unidos, fue catedrática de Literatura Española en Douglass College (New Jersey). Allí mantuvo sus vínculos de juventud con otros exiliados republicanos: mujeres de la Residencia, las familias García Lorca, de los Ríos, Zulueta, los poetas Jorge Guillén, Pedro Salinas, etc. Regresó a Madrid en los años 70 para descubrir, quizás, que nunca se regresa al sitio del que se fue arrancada. Lucía Cotarelo Esteban es Doctora en Filología Española por la Universidad Complutense de Madrid y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona. Miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL), se especializa en la historia cultural y la poesía del exilio republicano en Estados Unidos, a la que la experiencia y obra de Marina Romero pertenecen. A este respecto, publicó el volumen Spain in the Hudson. Los poetas del exilio republicano español en Estados Unidos (2022). Actualmente, focaliza sus estudios en mujeres intelectuales y artistas exiliadas en el mismo país.
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Entre letras encierro tormentas, en busca de que no vuelvan a apagar el fuego. Y entre versos vive ese recuerdo que deseo que nunca vuelva a ser la historia. Te invito a ser nube y entrar en mi cabeza salvaje, que truena y aún anhela que algún día la ausencia se vuelva eléctrica.
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Escena cotidiana. Prolongación del dolor explora zonas oscuras en un diálogo a dos voces: una se expresa en segunda persona, la otra está ausente y bien podría ser la persona que lee. En el fondo, se trata de dos figuras que pueden leerse como partes de una misma personalidad escindida, una suerte de 'yo' que dialoga consigo mismo en un juego de espejos y disociaciones. A través de un lenguaje fragmentado e introspectivo, se aborda la experiencia del autodesprecio. La estructura circular y repetitiva del texto explora una serie de sucesos traumáticos que apenas se mencionan salvo en contadas ocasiones, invitando al lector a sumergirse en una reflexión que trasciende lo anecdótico para encontrar, en la salida de sí, una verdad incómoda y, al mismo tiempo, liberadora.
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Alcaide ha dedicado toda su obra poética a la indagación sobre el sentido del amor en la sociedad contemporánea. La pareja es una especie siempre en peligro...Mala land es a la vez la confirmación de todo lo anterior y un punto de inflexión. Lo que el propio autor ha llamado el paso de “los enemigos exteriores del amor” a los más temibles “enemigos interiores”: la rutina, la falta de tiempo, el paso de este, la familia...Con un estilo directo y descarnado lleno de sutiles referencias culturales (desde la omnipresente Biblia hasta la canción de autor), el poeta ya no es aquel joven que defendía su amor como solitario y anacrónico caballero frente a todo. Por la cota de malla se cuelan las dudas, las hiedras del tedio y ve más enemigos dentro que fuera.Mala land es también la crónica de la vuelta a la ciudad que lo vio crecer, una reconquista imaginaria de la mujer que quizás nunca perdió pero que tal vez pierda en el siguiente libro.
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El agua empapa la tierra. Las raíces de los árboles y los matorrales que forman una maraña en el subsuelo, la sostienen, todo forma parte de un equilibrio primigenio. Pero la montaña se quema, las máquinas cortan de un tajo la roca para trazar la carretera, el musgo y las raíces desaparecen y continúa lloviendo. Lo hace hasta que la tierra se hace blanda, algo se quiebra y una masa inmensa se derrumba monte abajo. Y en ese movimiento gigantesco lo arrastra todo a su paso. Es el argayu, metáfora que acecha nuestras vidas, tamizadas por las renuncias, temores, goces y fracasos. Este Argayu/Derrumbe es una apelación a la memoria viva de un mundo rural que se desvanece. Un derrumbe que sobrecoge desde su verdad más íntima.
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En la Duna Blanca es un poemario que explora las profundidades del amor, la pérdida y la memoria, fusionando la tradición elegíaca española con una sensibilidad contemporánea y un lenguaje exquisitamente trabajado. Desde playas inciertas y cuerpos entrelazados hasta la fragmentación existencial en poemas con estructuras, que no de contenido, de haikus bilingües, el libro construye un universo donde lo íntimo se vuelve universal y lo efímero se eterniza en la palabra. La obra se sostiene en metáforas de gran fuerza expresiva: la «duna blanca» como paisaje mutable y espacio de memoria, el «naufragio» como símbolo del desamparo amoroso y el «faro en Casablanca» que evoca la luz eterna y el abrazo anhelado. Las imágenes dialogan en un lenguaje sensorial y simbólico que convoca tanto el cuerpo como el alma. Mediante la musicalidad delicada de sus versos, el uso consciente de símbolos naturales (agua, viento, fuego, ceniza) y la integración de formas clásicas y contemporáneas el autor crea una voz poética única, que hace de la búsqueda de la belleza su fin primordial y convierte la lectura en una experiencia profundamente humana y estética.
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El teatre culte en català va tenir un desplegament singular a Menorca entre la segona meitat del segle XVIII i la primera del segle XIX. Aquest volum presenta les traduccions teatrals que va dur terme el gramàtic, poeta i prosista maonès Antoni Febrer i Cardona.
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Versos con ranas, con lluvia, con viento, versos en la playa y versos a la luna o a la tormenta: en este libro, Gloria Fuertes te hace reír y disfrutar hablando del tiempo.
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Henrik Ibsen nació el 20 de marzo de 1828 en Skien, al sur de Cristianía, llamada hoy con su nombre más antiguo: Oslo. Alternó sus residencias en Noruega —su patria—, Alemania, Italia y, desde 1892, ya no se movió de Cristianía, donde murió en 1906. Hasta el final de su vida Ibsen marcó las llagas morales de su pueblo y de la humanidad, sin hacer caso de las voces contrarias. Desenmascaró a sus adversarios en Un enemigo del pueblo (1883), planteó la lucha entre la verdad y la mentira en El pato silvestre (1884), y la de los valores ciertos o aparentes en Casa de muñecas (1879), determinó las causas del tormento fisiológico y espiritual en Espectros (1881), en Hedda Gabler (1890) buceó en el abismo del alma femenina como foco de un problema general, debatió en La dama del mar (1888) el determinismo y el libre albedrío, formulando sugestiones novísimas, y deslumbró con la imaginación envolvente de Peer Gynt (1867), donde resuenan los ecos de las fantásticas leyendas nórdicas.
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Este perro inteligente, rápido, deportivo y juguetón posee una fidelidad inquebrantable. Su porte elegante, los trazos afinados de su perfil y, sobre todo, sus características manchas negras sobre un manto blanco hacen de él un animal universalmente conocido. Esta obra ofrece un recorrido completo y práctico sobre todos los aspectos: origen e historia, estándar, perfil psicológico, adiestramiento, cría y cuidados.
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La infancia a veces no es un lugar idílico al que regresar, sino una madriguera infestada de monstruos. Este poemario arranca con una niña perdida y termina con una vuelta a casa de los padres. A eso que otros llaman casa. En medio, ocurre la vida. Es decir, el paso del tiempo, el desengaño, la pérdida, el aprendizaje y la huida, con tal de buscar un lugar propio en el que subsistir. Hay cosas que solo pueden decirse a través de la poesía.La infantesa de vegades no és un lloc idíl·lic al qual retornar,sinó un cau tot ple de monstres. Aquesta col·lecció de poemes comença amb una nena perduda i acaba amb un retorn a casa els pares. A això que d’altres en diuen casa. En mig, passa la vida. És a dir, el temps, el desencís, la pèrdua, l’aprenentatge i la fugida per tal de buscar un espai propi en el qual sobreviure. Hi ha coses que només poden dir-se mitjançant la poesia.
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Este es un libro donde las palabras sobreviven bajo el agua, donde el lector podría ''escuchar la angustia de la sed''. Aquí los poemas se desplazan de muchas maneras, caen como cuerpos líquidos, en verso y en prosa. Alejandro Sánchez construye una atmósfera igual a una corriente interna, que anuncia un salto urgente desde las profundidades y las honduras de lo que se nombra. El silencio toma la forma del agua. Los poemas fluyen con la textura de la libertad. Se abren y se bifurcan en la hoja. Muy bien lo dice el autor: ''aprendí a bucear en silencio''. Y allí nos enfrentamos, como lectores, a un diálogo que configura un mismo universo, donde el lenguaje nos advierte de un inevitable naufragio.
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Labirintoan galduta dabiltzan pertsonaia ugari biltzen dituzte poemok. Minik gabe bizitzeko nahia. Bizipenak geureganatzeko eta argazki bihurtzeko egindako ahalegin antzuak. Norberaren «errelatoa», eta kolektiboa. Kontakizun bateratuaren porrota. Norberaren porrota. Artea eta sinesmenak helduleku gisa. Eguneroko bortitzaren hamaika aurpegi.
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Este volumen XIII de la Obra de Fernando Pessoa, que ABADA viene publicando en edición bilingüe y anotada, es el sexto dedicado a su trabajo ortónimo (concretamente al escrito entre los años 1931-1934), y se acompaña en esta ocasión de un breve pero atractivo y sugerente prólogo del traductor, Juan Barja. «El 1 de abril de 1931 es un día marcado -y sin duda con su piedra blanca- en la poesía pessoana, un día fasto y significativo. Si en la 'revelación' de 1914, diecisiete años antes, el poeta había encontrado de pronto el ''drama em gente'' -el dramatis personae- y el modo de ser y de actuar -en el doble sentido de este verbo- en la poesía portuguesa de los otros tres nombres de su nombre -a saber, Caeiro, Campos, Reis, como personajes de papel y en su papel de personajes-, ahora encuentra la definición detallada y concreta - calculada- de lo que llama ''Autopsicografía'', término por él compuesto e ideado que contiene la idea del secreto total de su escritura, en la que encontramos que Pessoa -el que llaman el ''Pessoa mesmo''- es en realidad otro heterónimo del que es, simultáneamente, ese 'mismo' que 'él' es y no es». (Juan Barja).
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En Estudi de les humitats, Víctor Benavides Escrivà converteix l’arquitectura i les patologies d’una casa en metàfora d’una identitat col·lectiva en crisi. Els murs que degoten, les esquerdes i les eflorescències esdevenen correlat d’una memòria fràgil, d’uns vincles que es trenquen i d’un món que cada vegada se’ns mostra més inhabitable. Amb una veu poètica precisa i fonda, aquest llibre cus la intimitat familiar amb la història compartida, i fa de l’aigua —que tot ho impregna— una imatge de persistència i de resistència.
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Tiernos y simpáticos versos de la genial gloria Fuertes que nos enseñan que si uno quiere, puede. Un pato, un pájaro, un pulpo, un pollito, un ciempiés... todos consiguen lo que se proponen. Y tú también puedes, si quieres, reír, aprender ortografía, y mucho más.
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A poesía que se compila nestas páxinas está alicerzada, xa desde o debut da autora, no regreso á súa orixe, tanto na paisaxe rural da infancia e da mocidade coma, de xeito especial, nas raíces familiares, o que a poeta chama ''a casa dos pais ''. Son tamén versos nos que, xunto ás palabras ditas, cobran unha relevancia non menor as que quedan sen dicir, cando os silencios pasan a xogar un papel primordial nas escollas da memoria. Sucede iso, nomeadamente, mais non só, cando o instante da escrita se sente enneboeirado polas dúbidas existenciais. Desde os seus tenteos abrolla entón un clima onírico e cunha forte carga simbólica que pide, para ser gozado en todos os seus ricos matices,unha lectura atenta. Poderase así ir desentrañando a auténtica identidade dun eu lírico que avanza entre o magma propio do pulo creador e un ritmo de estraña fascinación. Traducida e prologada con admiración e grande acerto polo tamén poeta Xavier Rodríguez Baixeras, esta antoloxía en edición bilingü,e asturiano-galego é a primeira selección da obra de Lourdes álvarez que se publica noutra lingua peninsular.
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Caer al cielo es un muestrario de saltos y golpes. Un poemario que juega entre la niñez y la adultez, en un tono elegante y lírico, rozando una serie de emociones inevitables del pasar de los años. En cada poema vive el sonido que hace un cuerpo al caer sobre otro cuerpo, o sobre la nada.Patricia Conor presenta estos poemas que se animan al vértigo, para transformar la caída en lo deslumbrante. Cómo entender el mundo, cómo despedirse de un ser amado, cómo descubrirse en el deseo, cómo aprender la lucha, la lucidez.
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Duérmete tú y duerme a tus muñecos con estas preciosas nanas que te cuenta Gloria Fuertes. Duerme también con sus versos a los monstruos y animales que estén despiertos, a la gata Chundarata o al lirón Careto, al mono bonito o incluso ¡al Coco!
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.