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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Poesía y naturaleza se dan la mano en este bello libro de acuarelas y versos en donde la espiritualidad y el amor nos invitan a descansar en este jardín.Un jardín es un espacio donde vivir de otra manera. Más allá de la variedad botánica que lo conforma, de su diseño y ubicación, aparece un nuevo mundo donde entrar, un lugar lleno de olores, colores, raíces y ramas, musgos y rocas para nuestro propio disfrute. Espacios mansos y tranquilos donde encontrarnos con lo que verdaderamente somos, en un viaje a lo más íntimo de nosotros mismos.Este libro está lleno de estas incursiones viajeras dentro de un jardín cerrado que se constituye como el refugio de la poeta mediante un diálogo amoroso de naturaleza contemplativa con las plantas que cultiva, con cuyo crecimiento se sorprende y disfruta, se conmueve y avanza en cada espiral, en el movimiento de cada hoja, en el tierno matiz de las yemas, en lo efímero y perfumado de cada flor.María Ángeles Álvarez conversa con el jardín que a sus pies se abre cada día y que aparece reflejado también en las acuarelas que enriquecen la lectura de este poemario, sumando las imágenes a los versos.Palabras poéticas de naturaleza mística llenas de energía y verdad, como las plantas que crecen libres y radiantes. Palabras que trascienden lo contemplado llevando el lenguaje a un silencio de naturaleza espiritual, en una expresión lírica contenida y esencial.Además este libro viene acompañado por un audiolibro con el que podemos oír a la autora recitar sus propios versos, entrando con ella en el jardín, en el invernadero... Momentos de sosiego, naturaleza y poesía.
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América Trejo ha escrito un libro en el que el dolor se transparenta para dejarnos ver aquellas historias que lo provocaron. Como una voz conocida que nos susurra al oído, su poesía nos resulta familiar porque abre los armarios y las alacenas de la tristeza cotidiana. América recibió de su padre el amor por la poesía, un regalo más grande que la poesía misma. Tal vez por ello no hay un punto final en este libro, porque como la poeta escribe lo que nos atraviesa el pecho se queda para siempre. En Un medio de ti más un miedo de mí, el lector encontrará poemas llenos de sinceridad y dulzura escritos por quien ya sabe que el silencio a veces grita. Fernando Valverde
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«Aquel verano vi mi primer muerto, morado, hinchado, guapo aún, con los rizos revueltos. Ahogado en la laguna, aunque quizás estaba ya muerto cuando se puso de pie. Muerto antes que ahogado, esto decían los del pueblo. Yo lo sigo viendo muchas noches, hermoso, amoratado y frío. Fosforescente. Por las algas, supongo. Con el pelo apelmazado por los coágulos de sangre ya medio seca. Tumbado boca arriba con los brazos extendidos. La boca semiabierta y los ojos cerrados. Rígido como los álamos en invierno.
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Publicada por entregas en el periódico 'Niva' hace ciento veinte y cinco años, ''Resurrección'' (1899), además de última novela aparecida en vida de Lev Tolstói, es la tercera en ambición del escritor ruso, tras ''Guerra y paz'' (1869) y ''Anna Karénina'' (1877). Cumplidos los setenta años, Tolstói refleja su preocupación por la búsqueda de una sociedad más justa que corrigiese los privilegios de la aristocracia rusa sobre la población campesina, prácticamente esclavizada. Esa obsesión propia también la siente su protagonista, el joven príncipe Nejliúdov, quien asiste como miembro del jurado al juicio contra la que fuera un amor de juventud, Katia Máslova, que será condenada por envenenamiento a una cárcel siberiana. El remordimiento le llevará a cuestionarse las complejas relaciones de los poderosos con los más humildes y la incapacidad de estos para aceptar un cambio social en defensa de sus derecho
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Esta antología poética es una celebración de la vida y de la naturaleza. Escrita con un estilo sencillo y cargada de un sentido espiritual cercano al Zen.En las diecisiete sílabas de un haiku el poeta versado es capaz de capturar el mágico destello de un instante, recrear el encanto evocador de un paisaje con apenas unos trazos y condensar la abrumadora sensación de impermanencia que en ocasiones impregna el corazón humano. Fidel Sendagorta se adentra en las sendas del haiku con la sencilla humildad que solo poseen los verdaderos maestros y nos ofrece un poemario que se articula en un diálogo sincero y profundo con la naturaleza, el paso del tiempo y la apreciación de la belleza. De estilo sencillo, natural, sutil y austero, el haiku se aleja de conceptos abstractos para centrarse en los detalles de lo sensible, dejando a un lado el ego del poeta para dar paso a la contemplación pura conocida como aware.
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Muere el mosquito, y canta la cigarra. Todo está en orden. * Salpica el tiempo en el borde del río. Niños jugando. * En el museo es un boceto más la mariposa. * Tañen a muerto, y vibra el crucifijo de la cocina. Estar ahora es una colección de haikus escritos entre 2017 y 2022. No del todo ortodoxos, son abiertamente bucólicos y personales. En ellos están los escenarios de la memoria, la conciencia de lo perdido y el paisaje interior del hombre que en su asombro e insignificancia algo tiene de sagrado. El poeta es por tanto poso en el presente de experiencias pasadas y cada haiku un silencioso instante de eternidad. Aitor Francos (Bilbao, España, 1986) es licenciado en Medicina por la Universidad del País Vasco, psiquiatra de profesión, ejerce en Madrid. Ha publicado los libros de poemas Igloo (2011), Un lugar en el que nunca he escrito (2013), Las dimensiones del teatro (2015), Filatelia (2017), Las gafas de Pessoa (2018), Un buzón en el desierto (2018), Memoria del adentro (2020), Parafernalia (2022) y Migas de sombra (2023).Tiene varios libros dedicados al género del aforismo: Fuera de plano (2016), Camas (2018), Aforo completo (2018), Tinta rápida (2020) y Quien escribe es otro (2022).Colabora de manera habitual en el suplemento Pérgola del periódico Bilbao.
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Relaciones amorosas y familiares, enigmas de la vida cotidiana, irrupciones de lo desconocido: con estos y otros elementos, Brenda Lozano elabora historias cuyos personajes resultarán a los lectores al mismo tiempo cercanos y enigmáticos, como suelen ser los amigos íntimos. «Nos estrellamos contra lo que más queremos.» Esta colección de cuentos reúne sucesos de la vida cotidiana que se encuentran con eventos inusuales. Por ejemplo, que una niña pequeña se ponga a dialogar con un policía y le haga preguntas de toda índole, en particular una sobre las piedras, por ejemplo, que una creciente manada de elefantes reconozca como parte de los suyos a un hombre. Y que una pareja se imagine historias a partir de los ruidos que escuchan en el vecindario. Hacia el final del volumen irrumpe un gorila de zoológico... Reseñas:«Un grupo de relatos siempre inquietantes y siempre sutiles.»Antonio Ortuño «Brenda Lozano es una espléndida escritora, brillante, divertida, sutilmente perversa, siempre conmovedora.»Francisco Goldman
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Así describe el poeta venezolano Rafael Cadenas (1930) el modo vacilante con que llegó al principio a la obra de Rainer Maria Rilke, protagonista absoluto de este libro que es a la vez homenaje, lectura crítica y testimonio de una afinidad electiva -y espiritual- que se ha prolongado durante décadas. La escritura de Cadenas, siempre intensa y austera, se afila todavía más en los poemas que articulan este diálogo conmovedor y lleno de fuerza con el autor de Elegías de Duino, uno de los poetas centrales del siglo xx.
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José Zorrilla recreó con deslumbrante maestría una figura de la literatura universal de dimensiones míticas: el personaje de don Juan, que nuestro autor bautizó como don Juan Tenorio. Siguiendo la tradición romántica, Zorrilla situó la acción dramática en la Sevilla del siglo XVI, y siguiendo también a sus modelos creó su versión del burlador de mujeres y desafiador de los muertos. Sin embargo, este don Juan de Zorrilla brilla con luz más intensa: doña Inés consiguió hacer de él, hombre sin escrúpulos, un hombre delicado y amante, y al ligar su destino al del pecador, logró su arrepentimiento póstumo.
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Los poemas recogidos en este volumen de Odas de Hölderlin abarcan seis años los que van de 1796, en que el poeta escribe el primer borrador de ''Los robles'', hasta 1802, en que compone los Cantos nocturnos, seis de los cuales -odas se incluyen en esta recopilación. Son años claves en su trayectoria, pues en ellos conoce y se enamora de su Diotima, ve publicado su Hiperión. debe abandonar Francfort y a su amada, fracasa en sus proyectos como editor de una revista literaria, viaja a Suiza y a Francia, manifiesta los primeros síntomas de su enfermedad y acaba conociendo la muerte de Susette y refugiandose en casa de su madre en Nürtingen. Son años en que trabaja febrilmente en sus poemas, revisándolos y reescribiendolos constantemente, y en que se alternan la composicion de elegías, cantos, y odas, que han sido las seleccionadas por Txaro Santoro para su trabajo de edición y traducción.Txaro Santoro, tras su infancia donostiarra, estudio germanística en Madrid y ha realizado una importante labor como traductora en colaboración con amigas y amigos. A ella se deben los Poemas de la locura de Hölderlin y los Poemas de Robert Louis Stevenson, ambos en colaboración con José Maria Alvarez, los Poemas de Nietzsche, con Virginia Careaga, todos ellos publicados en ''poesia Hiperión'', asi como numerosos textos de Bukowski y El Dios de las pequeñas cosas, de Arundhati Roy, premio Booker 1997, traducidos con Cecilia Ceriani. En las Odas de Hölderlin, su primera versión en solitario, quedan patentes la sabiduria y el buen hacer de Txaro Santoro como traductora de poesía.
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A modo de testamento poético, el gran maestro Ángel García López cuestiona en este nuevo libro la deriva lamentable emprendida por la poesía española última, donde falsos poetas han usurpado las riendas de la lírica. Apoyado en una declaración del también poeta y editor Abelardo Linares: «La casa de la Poesía es una casa en la que los okupas han echado a los poetas y se han quedado a vivir ahí», 'Testamento hecho en Wátani' levanta los faldones a la falacia para descubrir esa triste realidad. Y lo hace con esa poesía proteica que es capaz de recrear el lenguaje y convertir el verso en una creación magistral donde confluyen armónicamente la forma y el contenido.
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Marialuz Albuja Bayas (Quito, Ecuador, 1972). Poeta y narradora. Es graduada en Estudios de la Cultura y Literatura Hispanoamericana. Ha publicado cinco libros de poesía y dos novelas. Su obra ha sido parcialmente traducida a varios idiomas. Ha recibido el premio Dámaso Alonso a la creación literaria (Madrid), y quedó finalista de la convocatoria iberoamericana José Santos Chocano (Perú). También ha escrito cuento y dramaturgia. Doble filo es un poemario compuesto de tres secciones: Autorretrato, Lengua y Arma, todas ellas 'de doble filo'. La voz poética se manifiesta con fuerza y autenticidad en cada sección, sin ser la misma y, sin embargo, manteniendo una unidad en el impulso que no decae y en la exploración del lenguaje que no se acomoda a fórmulas ni permanece estático. En 'Autorretrato', la voz dialoga con el símbolo materno. Estos textos nacieron de la escritura paralela de un monólogo teatral y en ellos se mezcla la poesía con la ficción narrativa. Los textos que integran 'Lengua' transitan por el proceso de creación de lugares, afectos, significados y significantes. Finalmente, 'Arma' cierra la obra con el riesgo que implica, en nuestros días, escribir sobre el amor sin decir lo que ya se ha dicho.
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Los poemas de Germain Droogenbroodt tienen una serena profundidad de significado y experiencia, una cualidad sin paragón en la poesía mundial contemporánea. Sólo Tagore, en la India, se acerca en la forma en que el poeta cosmopolita medita sobre las palabras. Además de poemas filosóficas, peculiar de su personalísima poesía, el poemario Reflexiones poéticas contiene también profundas reflexiones sobre el presente y el futuro del hombre. ''Sus poemas me fascinaron. Son profundos, originales, universales''. CLARIBEL ALEGRÍA, POETA NICARAGÜENSE ''Es muy interesante cómo la sencillez de su poesía abre caminos intensos y profundos. También me parece sumamente interesante su visión poética de la realidad, una realidad imantada por un pensamiento espiritual y superior''. ENRIQUE SOLINAS, POETA ARGENTINO ''Le agradezco por compartir sus encantadores pequeñas gemas brillantes de sabiduría espiritual''. R.K. SINGH, POETA HINDÚ
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Un poemario que habla de la soledad, pero también de la confianza en el amor como salvación.Soy la pieza que no encaja en ningún puzle, una máscara que oculta un vacío, mi propio enemigo... Soy la eterna lucha entre la razón y el corazón. Las cadenas que me atan han dejado en mí cicatrices invisibles que llevo como si fueran trofeos de batallas ganadas y amores perdidos. Solo alguien muy especial podrá salvarme de perderme en la soledad. ¿Serás tú esa persona?
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Una fábula sociofantástica y psicológica, una bellísima reflexión sobre la enfermedad y lo corrompido. El gran escritor mexicano Juan Villoro inició su andadura novelística en 1991 con El disparo de argón, que obtuvo el inmediato respaldo de la crítica y se tradujo al alemán y al francés. Dos temas articulan la sugerente trama de esta novela: la mirada y la ciudad. Un espacio definido les sirve de vínculo: la clínica oftalmológica del doctor Suárez, versión mexicana de la célebre Clínica Barraquer en Barcelona. Casa de los signos, el edificio levantado por Suárez pretende servir a la vista y a la visión, a la salud y las formas trascendentes que entran por los ojos. Pero este ideal ocurre en un México convulso, donde el tráfico de órganos es una activa variante de la economía informal. El sueño ha sido pervertido y Suárez no puede ser localizado, el gran profeta de la vista se ha vuelto invisible. Su discípulo Fernando Balmes debe buscar el hilo que lleve al maestro. Todo lo que pasa por sus ojos -la ciudad, la clínica, los otros- se somete al rigor del oftalmólogo hasta que algo nubla su horizonte: una mujer altera el cristal con que mira el mundo y una trama de sombras lo adentra en un país donde la urgencia no es curar los ojos sino venderlos.
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Poesía reunida de uno de los poetas peruanos más importantes e influyentes de la actualidad.Condensación y proliferación, tensión y atención a las palabras: la poética de Roger Santiváñez conmueve e inquieta a un mismo tiempo por su decir siempre en los bordes de lengua. Y es que ese trabajar en el borde de la lengua de bordar, bordear las palabras es para Santiváñez una man(i)era de subvertir los códigos literarios y sociales, de subvertir la autoridad del lenguaje. De ahí su gran libertad, el vuelo alto de su escritura, el riesgo. Es en ese «escribir contra la lengua y no con la lengua», al decir de Montalbetti, que se da, precisamente, la virtú de Comunión de los santos: apuesta estética, ética, política y erótica, que se entreteje en la textura de sus versos.
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Desde los poemas de Baltadzhieva se divisa la Vía Láctea. Por eso, la primera condición que ponen al lector es que tome conciencia de su insignificancia y la segunda, que ame, pese a todo, la realidad terrena. En sus versos, la justicia que siempre es poética respira por la herida de lo esencial: esa verdad tan sencilla que ninguna palabra puede atrapar, pero hace latir el corazón del lenguaje.
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Princesa estrábica busca es una colección de dieciséis poemas recopilados en el tiempo y que se revelan simultáneamente con el autor. Es un libro que nació como un juego entre amigos escritores, en la Medellín insensata de la década de los dos mil, mientras que un grupo de escritores noveles compartía el sueño de verse como autores publicados y felices. Princesa estrábica busca puede ser el nombre de una mujer que se establece en las entrelíneas de sus poemas: Hannah Achenbach, las prostitutas, las tías solteras, la misma princesa. Es una búsqueda constante de la verdad o un hallazgo en el nombre de otros, Calventoso, Espinal o un pingüino fracasado de apellido Peñuela. Este libro es el resultado de la necesidad de seguir observando a la vida, la vergüenza y la muerte más allá del mito del poeta snob, que logra verse claramente reflejado en las páginas que hoy son suyas, querido lector, y que en unos años recordaremos como ''cursilería pura, sin foreplay. Very, very easy sin que sea porno.''
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Yo puede morir entre nosotrosy en manos de mi textoyo quiere renunciara la sombra de ser hombreal asombro de ser hambreEn La jaula del hambre, el yo reconoce y padece el límite de su decir: el poema funciona como un artefacto destinado al deslumbramiento de su propio fracaso.
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Durante toda mi vida me pregunté el porqué de mi pasado o el porqué de las circunstancias que vivía. Ahora, con otra perspectiva, me doy cuenta de que todo el amor, el dolor, la felicidad, la tristeza, la ilusión o las decepciones me acabaron formando. Desde siempre he sentido que el amor me salía del pecho y, aunque a veces haya tratado de taparlo o dejar de sentirlo, al ?nal me di cuenta de que algo que nos hace sentir vivos no deberíamos esconderlo. Para mí el amor somos y seremos las personas.
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PRIMER VOLUM DE LA POESIA COMPLETA DE VALERIÀ PUJOL. Valerià Pujol crea la seva obra poètica entre els anys setanta i els vuitanta. Tot i ser considerat un renovador de la literatura catalana, avui dia els vuit llibres són difícils de trobar fins i tot a les biblioteques. Ara, coincidint amb l'Any Valerià Pujol, presentem el primer volum de la seva poesia completa. Com diu David Castillo al pròleg: «Pujol sempre tenia el lector agafat de la mà, tal com feia als que vam tenir la sort de ser-ne amics». Deixeu-vos portar, doncs, per la seva poètica. * La recuperació de l'obra de Valerià Pujol posa en valor per als lectors d'avui una figura central en la renovació de les lletres catalanes de finals del segle XX, una època de profundes transformacions polítiques i socials on la cultura hi va tenir un notable protagonisme.
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Decía Emil Cioran que la expresión nos descarga del peso de nosotros mismos: la escritura es una liberación donde cada cual se cura de la vida como puede. Este libro se presenta así como un esfuerzo aparentemente inútil: cruzar la distancia que el amor, por muchas circunstancias, a veces no puede salvar. Sus poemas se asemejan, pues, a esos cabos impotentes, vencidos en la madera del muelle. Las páginas de este poemario se construyen sobre una de las formas que el amor adopta en nuestra tradición poética desde Garcilaso a Pedro Salinas: el vano, no como pérdida o carencia, sino como memoria frecuentada y espacio de encuentro. Más allá del amor lamentado, sus versos tratan de alcanzar el anhelo que permanece en el alma del hueso. Cada poema es acompañado de una imagen que unas veces ha sido estímulo y otras reflexión. Algunos textos llevan una breve, pero esencial, respuesta musical: composiciones del propio autor que actúan como un eco que prolonga el verso en una discreta resonancia, muda -si el lector así lo desea-, o cauce irracional para su interpretación. Por ello, tanto la música como estos versos tratan de ofrecer al lector un silencio introspectivo donde se eleva y resuena el poema, quizá de modo efímero, pero siempre más allá de su encarnadura en la palabra. Un libro donde el poema recorre caminos de ida y vuelta entre la música y la palabra: surge así la poesía a través de una voz personal con una identidad muy especial. Juan José Pastor Comín (Cuenca, 1974) es Catedrático de Universidad del área de Música en la Universidad de Castilla-La Mancha. Premio Nacional Extraordinario Fin de Carrera (MEC) y Premio Extraordinario de Contrapunto y Fuga (2001), ha sido profesor visitante en la Sorbonne, Paris-IV, Texas A&M University, University of Nottingham y Ruprecht-Karls-Universität de Heidelberg. Posee tres tramos de investigación y uno de transferencia, y ha sido investigador principal de cuatro proyectos del Plan Nacional y cuatro autonómicos. Sus publicaciones han sido reconocidas por su enfoque interdisciplinar sobre las relaciones entre Música y Literatura, desde el Siglo de Oro hasta nuestros días. Ha coordinado siete grupos de investigación de distintas universidades y del CSIC en el proyecto Música, literatura y poder en la España moderna: estudios interdisciplinares, del programa estatal Redes de Investigación, y desarrolla un proyecto Prueba de Concepto. Entre sus libros académicos destacan Cervantes: Música y Poesía (2007), Loco, trovador y cortesano. Bases materiales de la expresión musical en Cervantes (2009), Cinco viajes musicales por la literatura de la España moderna (1496-1645) (2019), Y la música se hizo verbo... Imágenes poéticas de Beethoven (2021), Escrito en el margen: Música, Literatura y Pensamiento (2023) o Pace non trovo. Historia de la interpretación musical de Petrarca (2024).
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La poesía de Fernando Riva (Perú, 1979) se instala en el borde del precipicio en una búsqueda de lo sublime que toma plena conciencia de la muerte. Su sentido trágico, lejos de acabar en una melancolía enfermiza, es una afirmación de la vida en su sentido místico. Con un preciosismo formal cada día más extraño, Riva nos enfrenta a las grandes preguntas del alma durante una extensión de la gracia que sólo el amor puede conceder a los sufrientes.
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Como también hizo en otras ocasiones, a la hora de escribir ''La bella malmaridada'' Lope de Vega se inspiró en la tradición, fuente inagotable de leyendas, fábulas y canciones alimentadas por el imaginario colectivo. No se trataba de adocenar el ingenio a lo ya creado, sino de asegurarse el aplauso refugiándose en la cultura popular, como puede hacer hoy en día el cine con la novela o el cómic, es decir, de buscar un sustrato familiar para cualquier espectador, rústico o letrado, cuyo subconsciente se activaría de inmediato al reconocer el argumento, incitando su predisposición hacia una historia que había escuchado, leído o incluso tarareado en algún otro momento de su vida. El pasado, por tanto, se utiliza como un puente hacia el presente gracias al poder de la nostalgia. Sin duda, para semejante propósito no existiría mejor paradigma a finales del Quinientos que el tema de la malcasada, tan arraigado en lo popular que probablemente no tenga parangón en todo el Siglo de Oro. Un argumento devenido en moda poética que había eclosionado de forma definitiva a mediados del siglo XVI impulsado por los cancioneros musicales.
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