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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Sol de los insomnes, melancólica estrella cuyo rayo de lágrimas brilla trémulamente en la distancia mostrando la oscuridad que no puedes disipar, eres de igual manera un recuerdo en la alegría. Así el pasado brilla, luz de otros días que ilumina, pero no calienta, con sus débiles rayos. La tristeza vela para contemplar un rayo nocturno, distinto pero distante, claro, pero –,ah, tan frío. «Sol de los insomnes» Melodías hebreas constituye el único de los poemarios líricos del autor dotado de una unidad conceptual, al modo en que hoy los entendemos (y no, como entonces, como simple recopilación), y contiene varios de los poemas más celebrados, famosos y bellos del poeta: «Camina en la belleza», «La destrucción de Senaquerib», «Te vi llorar», «Luminoso sea el lugar de tu alma», «Arrebatada en la flor de la belleza», «Sol de los insomnes» o «No pronuncio, no escribo, no aliento tu nombre». Son piezas que forman parte del canon de la literatura lírica anglosajona y, por la gran influencia de esta, de la universal. Constituye, además, la última de sus obras antes de exiliarse de su patria para siempre. Coincide la publicación de estas Melodías hebreas con la celebración del bicentenario de la muerte de Lord Byron, figura clave y uno de los poetas más destacados del Romanticismo. Las Melodías hebreas se presentan por primera vez en castellano acompañadas además de la reproducción, por primera vez desde 1824, una de las partituras para los que estos poemas fueron compuestos.
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Cada casa que se levanta lleva en su interior una demolición No existe nuevo árbol donde no habite el germen de lo efímero Llámese rascacielos o mediagua Llámese hormigón armado o palito Llámese secuoya Casas en ruinas, hogares sin fuego, habitaciones con techos agujereados, suelos donde las canicas ruedan solas, muebles sin cajones, cabañas que son mansiones y mansiones frías, desoladas: Julio Espinosa Guerra ha escrito un libro donde se poetiza todo lo que queda cuando no queda nada. A través de ello, traza una cartografía de la necesidad, pero también de la persistencia, para reconstruir lo que aún sido, sigue siendo, pues solo desde ese lugar, desde el campo quemado, la semilla de la secuoya germina. Utilizando un lenguaje cotidiano, que levanta imágenes desasosegantes para habitar espacios que fueron reales, ahora inexistentes, Secuoya habla de lo efímero, pero, por sobre todo, de aquello que pervive más allá de lo que concluye y del horizonte por delante, que se descubre gracias a lo perdido, como un lenguaje que florece a partir de otro, que ha dejado de decir. Un libro donde el futuro es posible justamente porque antes se ha sobrevivido a la devastación y solo desde allí es posible renacer. Julio Espinosa Guerra (Santiago de Chile, 1974) ha publicado diversos libros de poesía, entre los que destacan NN (Gens, 2007, Premio Sor Juana Inés de la Cruz), sintaxis asfalto (Olifante, 2010, Premio Isabel de Portugal), La casa amarilla (Pre-Textos, 2013, Premio Villa de Cox) y De lo inútil (Candaya, 2017), las novelas El día que fue ayer (Mago, 2006) y La fría piel de agosto (Alfaguara, 2013), y las antologías La poesía del siglo xx en Chile (Visor, 2005) y Palabras sobre palabras: 13 poetas jóvenes de España (Santiago Inédito, 2011). Dirige el Estudio de Escritura y la Editorial MilMadres, en Zaragoza. En el año 2011 se le otorga el Premio Fundación Pablo Neruda, que reconoce el conjunto de la obra de un poeta chileno menor de cuarenta años.
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Ángel fieramente humano adensa tanta sabiduría extraída de toda la historia de nuestra poesía más alta que se ha constituído en un hito. Prólogo de Lorenzo Oliván.Cuando en 1950 se publican los poemas de Ángel fieramente humano, Dámaso Alonso escribe: «Este poeta tiene un extraordinario dominio de su palabra. Su verso es áspero, pero no por otra cosa, sino porque se corresponde con el derrumbamiento en huida». Poco después, irá entregando libros fundamentales como Ancia, Pido la paz y la palabra y, de manera póstuma, Hojas de Madrid con La galerna.Blas de Otero es sin duda uno de los poetas más importantes de la segunda mitad del siglo XX.Esta edición de Ángel fieramente humano, segunda entrega de la Biblioteca Blas de Otero auspiciada por la Fundación del poeta, se corresponde rigurosamente con la primera publicada por Ínsula en Madrid.
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En este libro que el lector tiene en sus manos, cine, literatura y territorio se alían como mecanismos fundamentales para contar las historias. Diez relatos de largo alcance recorren Melilla, en sus espacios emblemáticos o discretos, con la mirada cirujana del cineasta para que las historias contenidas en la ciudad sucedan y el asombro consecuente ocurra. En estas piezas, que conforman un puzle coherente e iluminador, la aventura de hacer o respirar cine en Melilla se convierte en detonante de épicas a veces históricas, otras íntimas, afectadas por el otro e intuidas, al mismo tiempo, desde una soledad en la que todo el peso de los siglos se hace leve en dimensiones ocultas. Y como en los buenos libros, Melilla es la nave que te desplaza a cualquier parte sin moverte del sitio. Aquí sólo se puede ser viajero. Y contarlo. Cámara, Melilla, ¡Acción! reúne diez relatos de algunos de los mejores narradores actuales en español, bajo el espíritu de una ciudad fronteriza donde se intercambian ficción y realidad, vida y cine, en una sesión continua en la que la literatura nos sirve para explicar lo que la realidad apenas intuye. Contiene textos de Aloma Rodríguez, Rodrigo Blanco Calderón, Juan Manuel Gil, María José Navia, Juan Vilá, Aroa Moreno, Ángel Castro Maestro, Karina Sainz Borgo Miguel Ángel Oeste. Autor de las novelas, Bobby Logan, Arena (Premio Memorial Silverio Cañada), Vengo de ese miedo (Premio Finestres y finalista de la V Bienal Mario Vargas Llosa) y Perro negro, también escribe literatura infantil y juvenil como Carlota quiere leer, Sofía, la hormiga sin antenas y Carlota y la torre de los libros. Coordina distintas publicaciones que relacionan cine y literatura: Fundaciones mutantes, Cuentos de película, Banderas mutante, La vida alrededor, La vida después, Astronautas en la isla mínima, El cuaderno caníbal o Primera vez. Forma parte del Comité de Dirección de cine del Festival de Cine de Málaga y es director de la Semana de Cine de Melilla. Esta antología de cuentos, confeccionada y publicada con motivo de la 16 Semana de Cine de Melilla, ha sido posible gracias a la ayuda de la Consejería de Cultura de la Ciudad Autónoma de Melilla y de la UNED de Melilla.
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hemos descifrado nuestro primer te quiero para dejar de ser soñado en reinos lingüísticos ajenos le hemos dado la palabra a nuestro te quiero y las ocho letras anglosajonas me han parecido el más libidinal de los rezos Lengua, palabra y afectos son los claros protagonistas de estos poemas: una maraña de cuerpos y símbolos que traspasan barreras geográficas, culturales y temáticas. A medio camino entre la transcreación y la experimentalidad, Sofía Monzón abre la herida de la multiplicidad, las transformaciones y fragmentaciones producto de la inmigración, lenguas en contacto y una amalgama de ecos femeninos que dan vida a la propia voz de la autora en su viaje hacia nuevos futuros. La materialidad del presente y el pasado conectan en Los afectos multilingües para crear una nueva genealogía poética, una nueva forma de ser y de sentirse.
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Sempre és cada dia és una amalgama de relats i poesia, sobre blau i gris, de moments que van saltant a la ment de manera ràpida i desordenada, però prenent consciència del pas del temps i de la seva fragilitat. L'autor planteja aquest entrellat, a la vegada realista i abstracte, partint d'un conjunt de veus, noms i confidències que van veient la llum i les ferides de la memòria.
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Tan divulgadas y representativas como sus Rimas, las Leyendas de Bécquer constituyen la aportación más destacada de la narrativa castellana al Romanticismo en el siglo XIX. Partiendo de tradiciones o leyendas populares, recrean temas característicos de ese movimiento, como la búsqueda del ideal inalcanzable (El rayo de luna), lo misterioso (Los ojos verdes, El Miserere), lo sobrenatural (El Monte de las Ánimas, Maese Pérez el organista), lo fantástico (El gnomo), etc. Las seis leyendas que aquí presentamos, convenientemente adaptadas a los lectores más jóvenes, servirán para acercarse al mundo de Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870).
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Molière era el pseudònim amb què Jean-Baptiste Poquelin (París, 1622-1673) signava les seves obres. No únicament va ser un gran dramaturg sinó també un gran poeta i actor, que va interpretar moltes de les seves pròpies creacions. El personatge central d’,El malalt imaginari és Argan, un home sa que es pensa que està malalt, i que està tothora consultant els metges. Tanta obsessió té amb la seva salut, que pretén que la seva filla Angèlica es casi amb un metge. Ella s’,hi nega, ja que està enamorada d’,un jove que ha conegut pocs dies abans. Toneta, la criada de la casa, s’,empesca un pla per evitar el casament.
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An exceptional collection of feminist, blackly comic short stories from a thrilling new voice to the English language. Foregrounding the voices and experiences of women and children and veering from claustrophobic suburbia to untamed nature and its great vistas of desert and sky, hungry for what focuses on the terror of normality, prising back its veneer of respectability to reveal the hostility and menace seething beneath.
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Jardín de mi agonía desvela el perfume agrio de parterres en los que se cultiva el desprendimiento pero crece el desencanto y el dolor. Muestra el rosedal mustio de la otra vertiente de la existencia, con toda su verdad decadente. Muestra desolación. En él se enfatiza la entrega a la inercia de la vida, el desaliento y el desengaño, las sombras que han ido quedando cuando se ha despreciado el tiempo, todo lo que irremediablemente ha sido, con fecha de caducidad más que concluida. Jardín de mi agonía cataliza sentimientos y emociones que adquieren una desnudez inagotable pero con un horizonte definitivamente finito. Fragilidad y temor latente. El jardín en el que todos convergemos al final de nuestras vidas. Las lucernas se van agotando. La función casi terminada. Telón y olvido. «Es un libro sobre el dolor, pero todos lo son. Porque todas las historias son la misma historia. De contenido desabrido, ¿cuál no lo es?»
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Versión en inglés de POETAS DE MADRID, con Cervantes, Lope de Vega, Góngora, Quevedo, Valle-Inclán y Rubén DaríoThis is Madrid.Madrid. Homeric city, the cradle and grave of many of us that pour out the joyful days of youth among its streets and wineries, throughout its history it has accepted into its fold non-conforming poets from the four corners of the earth, because one is born a poet in his land, but one is made and perishes in Madrid.No matter where you are from, Madrid never leaves you indifferent, it always offers the rhapsodist who has moved to the capital in search of fortune, a lively space about which to write their verses. If our lives are the rivers as Manrique said, today the Manzanares river has been reborn and is full of life.Poets of Madrid is a generous title, as is Madrid. This anthology shows that the city drew them in from very distant places: Rubén Darío, for example, was born in Nicaragua, Valle-Inclán in Galicia, Góngora was Andalusian, Cervantes was born in Alcalá de Henares, thirty kilometres from Madrid, only Francisco de Quevedo and Lope de Vega were true Madrid natives.With this, we are trying to say that the presence of Rubén Darío in the anthology represents the percentage of the Hispanic American population who, proud of the city that embraces them, carries the same language in their voices, Góngora and Valle-Inclán, that of the surrounding areas, Cervantes, that of the city's close neighbours, and Lope and Quevedo, that of those born in Madrid. Because those us of from other parts of the globe were attracted to this city, which is no longer a Manchegan dump, for its courtesy and its lack of rejection, as a place known for its cosmopolitanism should be.
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Hereticum es una creación alternativa donde la simbología del bien y del mal se confunde entre plegarias, mitos y ecos de un lenguaje que se hace cuerpo. Estos versos hilvanan la esencia creadora del lenguaje, la violencia social, la desigualdad de género y el desastre ecológico, no sin dar una puntada de humor que invita al lector a convertirse en el sacerdote de una diosa olvidada.
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Personaje destacado de El Camino de Santiago es el camino de la vida (1998), tercer libro del autor de El jardinero (best seller internacional, con más de veinte ediciones en castellano), el peregrino loco es un sabio extraño y marginal que recorre la Ruta Jacobea desconcertando con sus ideas a peregrinos, hospitaleros y lugareños. Versión errante y enloquecida del célebre Nasrudín, protagonista de muchos cuentos del misticismo sufí, el peregrino loco es un personaje entrañable, que consigue poner en evidencia los absurdos de nuestra sociedad y de nuestra propia manera de pensar y de ver la realidad, todo ello desde una actitud ácida, burlona, aguda y socarrona, que gusta de la ironía y de la sátira, de la bufonada mordaz y corrosiva, y del equívoco. En 52 breves fragmentos, que se sitúan a todo lo largo del Camino de Santiago, el autor nos lleva de la mano de su demencial personaje para señalarnos, con un estilo no exento de humor, las incongruencias y los sinsentidos en los que fundamentamos nuestra existencia, y que sólo un loco, alguien que ha roto con los convencionalismos y las normas del «sentido común», puede resaltarnos y hacernos ver. El peregrino loco es un libro que le entretendrá y le hará pensar, que le seducirá y le hará reír, para terminar al fin tomándole cariño a su peculiar protagonista, personaje solitario, sabio e incomprendido. Ésa será la señal de que la locura divina ha comenzado a hacer mella en su alma pues, como dicen los sufíes, la sabiduría de Dios es locura para los hombres.
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De qué se esconden las tortugas recoge quince relatos breves protagonizados por mujeres que pertenecen a distintas realidades familiares, En cada una de las historias nos adentraremos en el mundo interior de estas mujeres, donde no tienen cabida las impostaciones ni las correcciones sociales, donde se pueden mostrar tal como son, en total libertad dentro de su secreta intimidad, ajenas a la mirada exterior y a sus inseparables prejuicios, La suma de estas voces construye una mirada poliédrica sobre la familia, ese caparazón en el que, a veces, nos refugiamos, y, otras, en cambio, se convierte en una amenaza,
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Mark Strand (Prince Edward Island, 1934-Nueva York, 2014), Premio Pulitzer en 1999 por su libro Tormenta de uno, y Wallace Stevens en 2004, es uno de los poetas estadounidenses más importantes del siglo XX. Heredero de Stevens y emparentado con la Escuela de Nueva York, Strand es un poeta realista que nunca olvida el cuidado del lenguaje ni la continua reflexión sobre la forma. Su capacidad para indagar en los paisajes del inconsciente con las herramientas más lúcidas del realismo lo distinguen tanto de sus antecesores como de sus compañeros de generación. Strand es único en su tiempo no solo en el contexto estadounidense sino en el de la poesía universal. Su obra transcurre en un territorio poético que él mismo identificó como «el yo, los límites del yo y los límites del mundo: esa tierra sombría entre el yo y la realidad». Ningún sitio adonde ir recoge una amplia selección de la obra poética de Mark Strand, desde el inicial Durmiendo con un ojo abierto (1964) hasta su último libro, el conjunto de poemas en prosa titulado Casi invisible (2012). Su poesía, de aparente claridad, construye un mundo en el que se superponen los estratos de lo visible y lo invisible, donde conviven tanto la vida vivida como todas aquellas soñadas o abandonadas por el camino. El personaje de sus poemas habita la banalidad del mundo sin estar del todo presente en él, porque percibe todos los otros mundos posibles. Uno de los rasgos característicos de la poesía de Strand es que no busca un final que sea un cierre rotundo, sino otro que sea una apertura inagotable de sentidos.
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Un homenaje y una reescritura de El Diván del Tamarit de Federico García Lorca, libro fundamental de la poesía española del siglo XX.Reinterpretar El Diván del Tamarit cobra un especial sentido en el día de hoy, según la mirada de la poesía contemporánea. El autor, Ernesto Pérez Zúñiga, lo hace a la luz de un espejo cóncavo, que invierte aquello que refleja, según la inspiración otra grande de las letras españolas, Valle Inclán. Se trata de invertir el orden establecido por uno de los poetas más desestabilizadores de nuestra literatura y proponer una nueva lectura de su obra, pero siempre respetando la esencia de su legado. Los poemas están reescritos invirtiendo el orden de las palabras y el orden de los versos.
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Una comedia del autor de de la distopía ''Nosotros''Conocido sobre todo por su novela distópica de 1921 Nosotros, Zamiatin (1884-1937) fue también autor de relatos y de obras de teatro, caso de esta comedia, estrenada en 1925, en la que juega con la fanfarronería y la presunción de la sociedad rusa y, por extensión, soviética.Por su inconformismo y su sentido de la sátira, pronto quedará censurado y relegado en su país del que, no obstante, podrá salir en 1932. Zamiatin puede considerarse uno de los primeros disidentes soviéticos.
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Libro excepcional por su acrisolada perfección y por su insólito lugar dentro de la poesía española del último medio siglo, Manual de eternidad parece surgir de la nada para aspirar apremiantemente a la categoría de clásico. De la nada porque su aliento narrativo parece enraizar en la épica, en un limbo casi anterior a la literatura, de donde también brota un humor raro, sin parentescos líricos aparentes, y en el que rastreamos, sin embargo, ofrendas a todas las tradiciones literarias, del clasicismo a la modernidad, reflejadas tan pródigamente como en una galería de espejos. No nos asombra que el producto de un escritor casi inédito descanse en un pedestal tan sólido y claro, porque es evidente desde los primeros versos que el autor está dotado de una gran erudición y de un talento fuera de lo común, casi de chiste, casi de cómic. Pero los versos mismos nos asombran infinitamente, en sucesivas lecturas, hasta fundirse con el propio asombro en un todo diáfano, sin sombras. No nos hemos parado a preguntarnos qué habría sido de la poesía de Arturo Pascual de no haber fallecido prematuramente, porque en este libro cabe todo él. Quizá sí nos preguntemos dónde termina «lo anterior» al libro, sus fuentes más ignotas, y en ese viaje al centro del poeta se condensa el enigma de este Manual tan vibrante como mudo, tocado por una gracia anterior a casi todo.
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'Versos para América Latina'' es un puente que une a los países de América Latina ensalzando su espíritu y sus raíces en un solo canto emocional, poético e inteligente.Versos para América Latina es una antología emocional, sensible e inteligente. Por sus páginas deambulan multitud de temas de forma más o menos velada, aunque destacan algunos, como el análisis introspectivo de las emociones y los sentimientos, el amor, las relaciones humanas, la reflexión existencial, la naturaleza y la nostalgia, entre otros. Resalta especialmente por su lenguaje sencillo, cotidiano y vital y por la extraordinaria capacidad del autor para describir sentimientos, emociones y reflexiones en pocas palabras.
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En este libro se presenta la alianza de una palabra austera, cercana al minimalismo, con imágenes intensas y fulgurantes de la mejor tradición expresionista que dialogan con los mitos y la historia. El resultado es un libro casi testamentario, que mira al mundo con esperanza y convencimiento, sin deponer la voluntad utópica que tiene siempre la mejor poesía.
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¡Qué hermosa es la caída de la tarde, la luz del cielo en tierras como estas, oh, Italia, paraíso de exiliados! ¡Tus cordilleras, mares y viñedos, las torres que rodean tus ciudades! Qué dicha disfrutar de aquella vista bajo tu cielo. En el lugar preciso donde descabalgamos, los criados de Máddalo esperaban con la góndola. Igual que un peregrino se detiene para poder gozar de un buen paisaje, así nos demoramos a admirar el crepúsculo, el cielo entre Venecia y el Lido reflejado en la laguna…, *** Julián y Máddalo es un poema del gran poeta romántico inglés Percy Bysshe Shelley, quien imagina una conversación entre él mismo (optimista e idealista) y su amigo Lord Byron (pesimista y escéptico) sobre la condición humana y la posibilidad de remediar los males de la sociedad. A instancias de Byron, visitan a un interno en el manicomio de la laguna veneciana, cuyo atormentado monólogo contrasta con la conversación fluida de los dos amigos. Julián y Máddalo invita a reflexionar sobre el valor de la palabra en las interacciones humanas, y lo sombrío de la existencia cuando el diálogo deviene imposible. Esta versión, que sepamos, es la primera que aparece en español y trata de rendir homenaje a estos dos poetas en el bicentenario de la muerte de Byron y de la publicación de los Poemas póstumos de Shelley en 1824, donde por primera vez apareció publicado Julián y Máddalo.
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El teatro de Valle-Inclán, muy renovador y avanzado para su época, es considerado hoy como uno de los más importantes del siglo XX en la literatura castellana. La cabeza del dragón, que se inscribe en el género de la farsa (de ahí su título original: Farsa infantil de la cabeza del dragón), es una buena muestra de ello. Con el humor característico de ese tipo de obras, se presentan en escena una historia y unos personajes llenos de gracia e imaginación: un príncipe que se disfraza de bufón, un duende, una infantina a punto de ser devorada por un dragón…, Pero La cabeza del dragón anticipa también el teatro basado en la deformación grotesca de personajes y situaciones por el que es conocido su autor.
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Don Juan Tenorio es sin duda la obra más popular del teatro español del siglo XIX. Su argumento responde plenamente al modelo de teatro romántico de la época: misterio, duelos, desafíos, escenas nocturnas, raptos, enigmas, muerte, el mundo de ultratumba…, La obra está ambientada en el siglo XVI, en Sevilla, y tiene como protagonistas a don Juan, prototipo universal del hombre seductor y libertino, y a doña Inés, que simboliza el amor puro e idealizado del Romanticismo. Desde su estreno en 1844, Don Juan Tenorio, convertido ya en un clásico, se representa todos los años en alguna localidad española.
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Romeo y Julieta ha mantenido plena vigencia desde la primera vez que fue representada, ya que trata, al igual que el resto de obras de su autor, de un tema universal, en este caso el de los obstáculos que deben vencer los amantes cuando pertenecen a familias enfrentadas. Esta obra fue escrita en 1597 por William Shakespeare, quien suele ser considerado el más grande dramaturgo de todos los tiempos.
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