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Llibres de disseny i arts decoratives
Descobreix la nostra col·lecció de llibres de disseny. Una àmplia i variada selecció de lectures per aprendre les tècniques professionals de pintura i dibuix. Converteix-te en un artista! Compra llibres de disseny online. En aquesta secció disposem d'una extensa selecció de llibres de disseny i arts decoratives. Lectures que et convidaran a aprendre a explicar històries i dibuixar, a crear objectes amb ceràmica, a escriure, a pintar a l'oli o amb aquarel·les, a fer maquetes, gravats, marqueteria, serigrafia o cal·ligrafia amb pinzell. Així mateix, hi trobaràs equips complets de dibuix, manuals de tècniques de dibuix i guies introductòries sobre tot tipus de materials, com ara esmalts ceràmics, llapis, pintures i tintes, entre altres.
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30 días de creatividad
Johanna Basford, creadora de los libros para colorear ''El océano perdido'', ''La jungla mágica'' y ''Ivy y la mariposa de tinta'', regresa con una nueva propuesta para desbloquear la creatividad que todos llevamos dentro, una guía que nos invita a experimentar y a descubrir los efectos positivos de la práctica creativa en nuestro estado de ánimo y bienestar. Con originales páginas para dibujar, consejos artísticos y guías para dibujar paso a paso, esta obra nos propone realizar una tarea creativa durante treinta días, a la vez que rinde homenaje a aquellas pequeñas cosas que nos llenan de alegría: relajantes campos de lavanda, deliciosos cucuruchos de helado, plantas en flor. Y, por supuesto, incluye páginas para colorear. Un viaje lleno de imaginación e ideas inspiradoras.¿A qui va dirigit el llibre 30 DÍAS DE CREATIVIDAD?Aquest llibre està dirigit a totes aquelles persones que desitgin explorar i desenvolupar la seva creativitat. Es presenta com una guia accessible per a principiants i experts per igual, oferint un mètode estructurat per a la pràctica creativa diària. El seu enfocament en el benestar i el gaudi del procés creatiu el fa ideal per a individus que busquen una activitat relaxant i estimulant. La inclusió de pàgines per a colorear el fa atractiu per a un públic ampli, incloent a qui gaudeix d'activitats artístiques com a mitjà de relaxació i expressió personal.Temes que tracta el llibre 30 días de creatividadEl llibre 30 DÍAS DE CREATIVIDAD proposa un viatge creatiu de trenta dies, convidant el lector a realitzar una tasca creativa diferent cada dia. A través d'aquest procés, s'exploren diversos temes relacionats amb la creativitat i el benestar:Desbloqueig de la creativitat: El llibre se centra en ajudar el lector a superar bloquejos creatius i a descobrir el seu potencial artístic. Es proporciona un marc estructurat per a la pràctica diària, fomentant la constància i l'exploració de diferents tècniques.Pràctica creativa diària: L'estructura del llibre es basa en la realització d'una activitat creativa cada dia durant un mes. Això fomenta la constància i la formació d'un hàbit creatiu.Efectes positius de la creativitat en l'estat d'ànim i benestar: El llibre destaca els beneficis de la pràctica creativa per a la salut mental i emocional. Es presenta l'activitat creativa com una eina per a la relaxació, la reducció de l'estrès i la millora del benestar general.Tècniques de dibuix i colorejat: S'inclouen consells artístics, guies pas a pas i pàgines per dibuixar i colorear, proporcionant eines pràctiques per a l'expressió creativa.Apreciació de la bellesa quotidiana: El llibre ret homenatge a les petites coses que ens envolten, com camps de lavanda, gelats o flors, convidant el lector a trobar inspiració en la bellesa del quotidià.Resum de crítiques, opinions i valoracions del llibre '30 DÍAS DE CREATIVIDAD'Encara no hi ha opinions o crítiques sobre 30 DÍAS DE CREATIVIDAD.
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Barcelona és famosa arreu del món per la seva arquitectura modernista, però allò que no és tan conegut és que moltes construccions modernistes han anat desapareixent. En aquest quart volum es rescaten de l'oblit edificis i establiments de gran valor arquitectònic desapareguts de Sarrià i Vallvidrera.
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Fruit de diversos viatges a Austràlia als anys seixanta i setanta, el Museu Etnològic i de Cultures del Món de Barcelona conserva a les seves col·leccions municipals un dels millors conjunts de pintures sobre escorça aborigen australiana de tot Europa, que ara s'han estudiat i catalogat. Profusament il·lustrat, aquest llibre dona a conèixer per primer cop una selecció significativa d'aquestes pintures extraordinàries, en un viatge visual que ens transporta des de la pintura tradicional sobre escorça d'eucaliptus fins a la contemporaneïtat més global, crítica i actual.
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Bellas damas sin piedad
La vorágine vital y creativa de las mujeres surrealistas excede la problemática de género. Su manera de estar en el mundo derroca estereotipos adquiridos y, a un tiempo, custodia el seductor orgullo de su feminidad. Musas, sí, de presencia poderosa que inspira, instigadoras del prodigio y de una vida plena que no consiente desfallecimiento alguno ante convenciones castrantes. Amantes, también, que experimentan el amor erótico como timón de provocación y llave para el conocimiento interior, horizonte de apertura y no cárcel del deseo masculino. Pero, ante todo, creadoras, que se sumergen en las potencias oscuras del espíritu a la búsqueda de los deseos inmovilizados en el inconsciente, vértigo que subyace a toda creación surrealista.
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Pequeños Trozos De Ansiedad
Cortadas en pequeños trozos y dibujadas, las emociones son mucho más fáciles de digerir.
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Pérez Siquier
La obra de Carlos Pérez Siquier (1930) destaca en elpanorama español e internacional como pieza fundamental en la forja de la modernidad fotográfica y la profesionalización del medio en España, en primera instancia desde postulados próximos al neorrealismo y, másadelante, como pionero de la fotografía en color. Enambas vertientes, Pérez Siquier actúa desde una privilegiada posición liminal y con una mirada singular, plenamente consciente de su autoría a pesar de haber partido desde una concepción intuitiva de la fotografía, lejana de cualquier formación académica. Premio Nacional de fotografía en 2003, el fotógrafo ha creadoun corpus fotográfico que se adentra de manera tangencial y al tiempo profunda y mordaz en los debates desu momento.
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El llibre recull per primer cop el treball de disseny i construcció d'imatgeria festiva (dracs, gegants, capgrossos i bestiari festiu divers) dels tallers Sarandaca, Ventura&Hosta i Dolors Sans. Presenta les biografies, l'evolució dels tallers i les seves opinions sobre la festa popular mitjançant entrevistes en profunditat. S'exposen de manera detallada les tècniques i els materials de construcció. Completa el llibre un inventari dels aproximats 1.000 elements construïts pels tres tallers fins l'any 2018. També proposa una reflexió sobre la festa des d'una perspectiva etnogràfica, folklòrica i sociològica, amb articles de Bienve Moya, Amadeu Carbó, Xavier Cordomí, Paco Cruz i Jo Farb Hernández. Està il·lustrat amb 270 imatges, la majoria inèdites, de la imatgeria festiva dels tres escultors de la festa.
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Hola, Miró!!! Cuaderno de viaje de un ur
Swasky se encuentra con Joan Miró en la casa que el arquitecto Josep Lluís Sert proyectó para su amigo en Barcelona. A través de surecorrido por la Fundació Joan Miró de Barcelona y por algunos de los lugares fundamentales de la vida y obra de este gran
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Aquest llibre que va sobre Claude Monet, un dels pintors impressionistes més importants, ens ajuda a entendre i a conèixer l'artista i la seva obra així com: els seus interessos, els seus coetanis, els seus amics i com no la seva casa i el seu jardí aGiverny. Cada capítol és un relat independent perla qual cosala seva lectura no fa falta que sigui ordenada.
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Com podem viatjar de la ciutat al camp en una tarda, sense agafar cap vehicle? Com podem endevinar què s’amaga entre les branques d'un bosc espès? Com podem trobar i perdre i tornar a trobar un gat sense moure’ns de lloc? De la mà de l’artista Antoni Tàpies farem un recorregut per algunes de les seves obres, ensopegarem amb un poeta que fa jocs de mans, i coneixerem una àvia i una néta que busquen un gat. Si no el perdem de vista destaparem els secrets amagats en les obres de Tàpies. I és que en l’art hi ha molta màgia per descobrir!
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Entre el 1869 i el 1878, Josep Mirabent, el pintor decorador més important de la Barcelona de la segona meitat del segle XIX, va pintar divuit raïms per encàrrec de l'Institut Agrícola Català de Sant Isidre. Són unes obres de gran precisió tècnica que avui es mostren com objectes d'art i de bellesa, però que també contenen un gran interès vitícola, perquè són raïms prefil·loxèrics pintats amb gran detall. Els raïms de Mirabent són un patrimoni cultural que el pas del temps ha convertit en un patrimoni vitícola d'interès nacional de primer ordre.
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Pablo Picasso. Estructuras de la invención. La unidad de una obra
Catálogo razonado de la renovada colección permanente del Museo Picasso Málaga, con los fondos del propio museo y de la Fundación Almine y Bernard Ruiz Picasso.Este libro es un exhaustivo recorrido por los diversos periodos creativos de Picasso, desde sus juveniles retratos familiares, realizados en Galicia, hasta las icónicas cabezas de toro conformadas a partir del sillín de una bicicleta o las esculturas surgidas de ensamblar distintos materiales. A lo largo de más de 200 obras que incluyen pintura, grabado, escultura o collage, el genio creativo de Picasso queda una vez más de manifiesto en este volumen, a la vez que los detallados textos de Michael Fitzgerald y Ross Finocchio, entre otros autores, dejan patente por qué el malagueño sigue siendo uno de los artistas más sobresaliente de todos los tiempos.
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Jaio eta mende bat geroago, Eduardo Chillidak oso presente jarraitzen du gure artean. Haren obrek ez dute gaurkotasun eta interesik galdu, eta haren idazkiek arteaz, filosofiaz, infinituaz, denboraz edo espazioaz aritzen diren gogoeten bidez inarrosten gaituzte oraindik. Chillidak bere buruaz zioen «galderetan aditua» zela, baina erantzunak ez zituen bere obran bakarrik ematen. Bere pentsamenduak gordetzen dituzten eta liburu honetan bildu diren hainbat testutan ere egin zuen.Chillidaren mendeurrena ospatu nahi duen haren idazkien edizio berezi honek Bernardo Atxagaren alegia eder bat ere biltzen du, eskultoreari eskainia, hala nola kronologia oso bat, haren bizitzako eta obretako irudi ugariz hornitua. XX. mendeko artista handienetako bat izan zena omentzeko eta haren pentsamenduaren eta obraren erabateko modernitatea gogoratzeko liburu bat.
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Giotto y sus obras de Padua
En 1860 la Arundel Society de Londres publicó, bajo el título The Frescoes of Giotto, la serie de grabados realizados a partir de las obras que el artista florentino pintara en la capilla de la Arena de Padua sobre el año 1305. El libro, que ofrecemos hoy por primera vez en español, incluía una larga reflexión en forma de introducción sobre la relación del arte de Giotto con otras creaciones anteriores y posteriores, además de comentarios a cada una de las láminas, realizados por John Ruskin, socio fundador de la Sociedad y uno de los intelectuales más prestigiosos e influyentes de finales del siglo XIX y principios del XX. Como historiador y crítico de arte, fueron seguramente sus viajes a Italia y el conocimiento de los viejos maestros (Giotto, Cimbaue, Fra Angelico, Tintoretto), junto a la lectura profunda de Dante, los referentes estéticos que marcaron los años en los que escribió estas fascinantes glosas a los frescos inmortales de Padua, que, más allá del mero relato histórico, consiguen poner de manifiesto la extraordinaria osadía de las composiciones, fijándose en detalles aparentemente menores que sin embargo abren nuestra percepción a cuestiones ocultas, mucho más significativas que el mero relato secuencial. Porque (como precisa con lucidez Andreu Jaume en el prólogo que abre esta edición) se trata de «preguntarse qué es lo que nos ha traído hasta aquí y por qué, qué es lo que separa al hombre representado por Giotto del hombre representado en el arte de nuestro tiempo, cómo funciona la imaginación en uno y otro extremo e intentar entender cuál es nuestro signo. Es ahí donde Ruskin vuelve a ser nuestro contemporáneo».
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Esenciales arte. Arte abstracto
Esta vibrante introducción narra la historia en constante evolución del arte abstracto, trazando su historia desde principios de la década de 1900 hasta el día de hoy. El arte abstracto, surgido de movimientos occidentales tales como el cubismo y el expresionismo, no tardó en convertirse en un fenómeno global que cambiaría todo el panorama del arte moderno y contemporáneo. Aunque la abstracción artística suele asociarse con la imprecisión y la complejidad teórica, hay muchos artistas a los que lo abstracto les proporciona nuevas formas de entender el mundo que nos rodea. El vívido relato de Stephanie Straine desmitifica la obra de más de setenta innovadores artistas, desde Wassily Kandinsky hasta Emma Kunz y Rana Begum, y nos ayuda a comprender mejor el enfoque que adoptaron. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. La sección de referencia cuenta con una cronología de las principales exposiciones de arte abstracto, lecturas recomendadas y un glosario de términos artísticos. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Impresionismo
El impacto inicial que provocó el impresionismo fue dando paso de forma paulatina a la aceptación y a la popularidad generalizada. Su infl uencia en el arte moderno es imponderable. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia fi gura un glosario indispensable de términos relacionadoscon el mundo del arte, un cronograma accesible y uníndice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionarátoda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un afi cionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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El trazo abierto
En nuestro siglo, las formas creativas y expresivas del dibujo se han multiplicado significativamente. La ilustración, el diseño, la gráfica descriptiva, el sketching, etc. parecen haber redescu¬bierto el dibujo, no solo como modo de representación, sino también como modo de acción, de acceso y relación con nuevas realidades. Los nuevos contextos de la ilustración gráfica, que vienen a ampliar aquellos en los que esta cumplía funciones editoriales, ornamentales, testimoniales, educativas, etcétera, se han vuelto especialmente noto¬rios dentro de las artes visuales, el diseño gráfico, el diseño industrial, de espacios, moda y arquitectura han rehabilitado el dibujo conce¬diéndole valor de relato, y volviendo así a proclamarse como arti del disegno, por su parte, dentro de los discursos del arte contemporáneo, el arte gráfico ha encontrado un espacio mucho más amplio, dejando atrás su tradicional estatuto de inconclusión o incompletitud. Todos estos desarrollos suponen modos de imbricación entre lo que podemos llamar dibujo-trayecto y dibujo-proyecto en tanto que ponen en rela¬ción las ideas que solo toman forma en la línea y desde la línea, y las ideas que se formalizan mediante la línea, el punto o el plano. En toda esta expansión de las formas y medios del dibujo las crea¬doras juegan un papel determinante. Existe cierta sincronía, cierta conexión lógica y efectiva entre esta emancipación del dibujo y la socialización de una nueva conciencia feminista, auténtico huma¬nismo de nuestro siglo. La autarquía del dibujo está necesariamente motivada por una liberación y transvaloración del acto mismo de dibujar, del gesto, de la acción y del cuerpo, y no solo por modifica¬ciones en las condiciones del medio (editorial, artístico, etcétera).
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Oteiza y lo sagrado
Vaciarse de materia para llenarse de espíritu. La escultura no ocupa un espacio, sino que surge y se fundamenta en el vacío. La nada que eleva la piedra, que hace que pese hacia arriba. La habitabilidad y reunión de lo vivo con lo originario, con lo más antiguo que el propio tiempo. Las rocas que hablan y las palabras esculpidas. La propuesta estética, metafísica y vital del artista Jorge Oteiza, cuya obra abarca de las artes plásticas a la poesía, puede parecer compleja e inaccesible, pero todo va iluminándose si se tiene presente qué fue lo que la alimentó y sostuvo: lo sagrado.Fruto de un simposio coordinado por la Cátedra de Cultura Vasca de la Universidad de Navarra en el que se reunieron diversos especialistas en Oteiza, el presente libro coordinado por Gabriel Insausti desvela las distintas caras y direcciones que fue adoptando tanto su obra como su vida, y explica cómo ambas se relacionan y articulan.
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Interestratos / Estratuarteak
Interestratos es un proyecto expositivo y editorial que visibiliza nuevas maneras de formalizar lo escultórico a partir de las intervenciones de las artistas Nora Aurrekoetxea (Bilbao, 1989), Miren Doiz (Pamplona, 1980) y Marina González Guerreiro (A Guarda, 1992). Sus propuestas constituyen una aproximación a las nuevas maneras de articular y resignificar las obras de arte, cercanas a la huella de lo real y lo subjetivo y responden a la diversidad de materiales y modos constructivos que determinan las prácticas creativas contemporáneas.El título alude al concepto de `interestrato`, identificado por Gilles Deleuze y Felix Guattari en relación a las transcodificaciones, intersecciones y encuentros que se producen en los procesos de creación de nuevas formas. Tomando esta referencia como punto de partida, esta exposición indaga en la manera de abordar los encuentros entre objetos y materiales, entendiendo su articulación como un elemento pleno de significado y atendiendo así a algunas de las preocupaciones de la escultura contemporánea. Concebido como un libro objeto, este volumen contiene un desarrollo visual de las instalaciones realizadas por las artistas, junto con un texto crítico a cargo de J. P. Huercanos, comisario del proyecto y subdirector del Museo Oteiza.
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Pintura al aire libre para artistas
En Pintura al aire libre para artistas, la premiada artista y prestigiosa profesora de pintura Aimee Erickson le da las claves para aprender a capturar una gran variedad de efectos de iluminación y le ayuda a perfeccionar sus técnicas de pintura al aire libre con ejercicios prácticos. El libro se divide en los siguientes apartados: Materiales y equipo. Obtenga una visión general de todo lo que tiene a su disposición para no poner límites a su creatividad. Composición y valor. Explore los efectos de la proporción, el color, el valor, las líneas, los contornos, la forma y la textura. Color. Analice cómo los conocimientos y la intención, la paleta de colores y lo que ve (su perspectiva) se turnan para llevar las riendas del juego cromático, inventarse reglas y encontrar soluciones. Efectos de iluminación. Aprenda cómo las condiciones ambientales (cuánta luz hay y si esta es tenue, difusa, dorada, intensa, pálida o mortecina) influyen en todo lo que vemos y en nuestra forma de pintarlo. Diseño e idea visual. Descubra estrategias para desarrollar una idea visual, desde crear una serie de estudios hasta trabajar con la cámara de fotos o improvisar.
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Los dibujos
Sobre todo en sus primeros años, Franz Kafka dibujó intensamente y con ambiciones artísticas. A su muerte, sin embargo, no solo quiso destruir su legado literario, sino también todos sus dibujos. Después de que su amigo Max Brod lograra salvar muchos, la mayor parte de ellos se mantuvo oculta durante décadas. Aquí se publican por primera vez completos, y hacen visible a un segundo Kafka más allá de su faceta de gran escritor.
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Isidoro Valcárcel Medina. Conversaciones
Isidoro Valcárcel Medina nació en Murcia en 1937 y es sin duda uno de los artistas conceptuales españoles de mayor altura de pensamiento y visión, tierra adentro y allende los mares. La extensión de su obra tiene el valor incalculable de su intangibilidad: inmensa. El presente volumen -compuesto por tres conversaciones que tuvieron lugar entre los años 2003 y 2017, las dos primeras en el programa La Estación de Perpiñán de la radio del Círculo de Bellas Artes de Madrid- es a la vez una introducción y un intento de ahondar en un conocimiento singularmente lógico, realista y tópico, términos que en Valcárcel Medina se acompañan de sus dobleces de sombra, humor y descoyuntamiento.
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Manga. Del cuadro flotante a la viñeta japonesa
'Manga. Del cuadro flotante a la viñeta japonesa' es una extensa monografía sobre el manga japonés incidiendo especialmente en el ámbito sociológico. A lo largo de 600 páginas se aborda no sólo la morfología, sintaxis y categorización del cómic manga, sino también su recorrido histórico, si factor de influencia y repercusión en el seno de la sociedad nipona y su imbricación en otras manifestaciones culturales, así como su importante valor de mercado en todo el mundo. Este libro es el resultado de una profunda
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RUBENS Y MONTEVERDI EN MANTUA
En 1600 Rubens conoció a Claudio Monteverdi, miembro de la capilla ducal. Durante los años que compartieron en la corte de Mantua, el pintor y el compositor desplegaron su arte en un momento crucial tanto de la música como de la pintura. A través del aná
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El Secreto De Antoni Tàpies
Si bien existe una importante constelación de ensayosque abarcan la trayectoria de Antoni Tàpies y que analizan sus obras polisémicas, la génesis de su proceso creativo sigue guardando secretos. Massimo Recalcati no pretende rastrear las influencias que impregnanla producción de Tàpies ni tampoco quiere poner a prueba las teorías avanzadas por los historiadores del arte. Recalcati aporta una relectura del gesto creativo, del estilo inconfundible y del proceso de subjetivación del maestro catalán desde la perspectiva del psicoanálisis lacaniano. El filósofo italiano trata dereconstruir el paradigma secreto del artista que busca crear desde la nada al mismo tiempo que recrear supropio pasado renovándolo. Cada artista se encuentralibre y vinculado, abierto y constreñido, expuesto ala contingencia de su acto singular y ligado a la inexorabilidad necesaria de la repetición. Éste es el «paradigma Tàpies» que Recalcati desvela en estas páginas. Un libro breve y original que sigue de cerca la intensa dialéctica que se desarrolla entre memoria y olvido, repetición y libertad, y que conduce al artista catalán a inventar una nueva y singular poética: «la poética del muro.»
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Banksy
Bansky es lo más parecido al Che Guevara que nos ofrece el siglo XXI. Excepto, por lo que sabemos, que nunca cursó medicina, participó de la Revolución Cubana, ni viajó al Congo ni a Bolivia. El lector encontrará en este libro, amorosamente reunida, la ún
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El Hombre que camina
El hombre que camina es posiblemente la escultura más célebre del siglo XX, del escultor Alberto Giacometti. Franck Maubert rastrealas circunstancias en las que la escultura fue concebida y nos descubre que la obra ha trascendido su época y dialoga tant
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Bárbara y guerrera
Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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Los no llamados por su nombre: Matthias Grünewald, el pintor
Meister Mathis, Mathis Grün de Eisenach, Mathis Godhart (o Gothardt) Nithart (o Nithardt), Matthias Grünewald, el pintor (y también, quizá, el ingeniero, el fabricante de jabones, el conocedor de alquimias) son algunas de las señales que han velado y velan todavía al hombre que pintó el imponente Retablo de Isenheim a principios del siglo, en una Europa diezmada por la pobreza, la guerra y la peste, en la que tronaban las revueltas de campesinos, el comercio de bulas era moneda corriente y la Reforma echaba a andar. El políptico, con sus escenas sucesivas, estaba destinado a causar el estremecimiento de los enfermos que acudían en río al hospital que los antonianos habían abierto en Isenheim: detenerse ante el cuerpo retorcido y masacrado de la Crucifixión, la música angélica de la Natividad, un san Antonio tentado y vejado, o el triunfo de la Resurrección debía propiciar la curación a sus males –las fiebres y la lepra, el fuego de san Antonio, la sífilis, la epilepsia–. Aquella primera conmoción, tras siglos de oscuridad en los que se multiplicaron los supuestos nombres del pintor y se difuminó su rastro en los archivos, rebrotó en los pinceles de los expresionistas, en una Alemania que tejía nuevos sudarios. Ramón Andrés recorre el retablo y nos acompaña por sus detalles, nos anima a escuchar su música y traza el meridiano que lo une a nuestro tiempo, en un ejercicio de la mirada que es también amor a la lentitud del paseo y de la lectura.
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Tvboy: La Calle Es Mi Museo
Un libro que recoge lo más significativo de la obra de TVBoy, el artista urbano que además de reconciliar artísticamente a rivales políticos y futbolísticos, con sus obras denuncia la contaminación o la situación de los refugiados, o defiende los derechos de lacomunidad LGTB. Más allá de un libro de arte,es un retrato de personajes contemporáneos, desde una mirada muy especial, y que conecta muy bien con elpúblico joven. En estas páginas, el autor hace una reflexión irónica sobre cómo ha cambiado el culto a los iconos. De las figuras religiosas de antes alos músicos, los influencers o los futbolistas de hoy. También reflexiona sobre el valor del arteurbano, que siendo efímero puede llegar a millones depersonas gracias a las redes sociales, y que se convierte en el arte más democrático, pues convierte a las calles, a los muros, en galerías de arte accesiblesa todo el mundo.
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Llibre sobre joiería contemporánia. 35 joies d'una col·lecció privadaLa joieria contemporània està cada cop més ben representada a les col·leccions de museus d’art i disseny d’arreu del món. Tot i que aquestes institucions digitalitzen parcialment les seves col·leccions per fer-les accessibles a escala mundial, no sempre és tan evident que es puguin trobar joies contemporànies a les seves exposicions públiques permanents. Per aquest motiu, l’exposició d’obres mestres dels anys 80 als 90 a la Hannah Gallery ofereix una oportunitat valuosa per conèixer d’una manera inusualment propera l’època més emblemàtica de la joieria europea contemporània. L’exposició aplega 35 obres de una col·lecció privada.
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Des de la seva creació la Biblioteca Museu Víctor Balaguer ha comptat amb un dipòsit important de quadres procedents del Museu del Prado. Inaugurada el 1884 a Vilanova i la Geltrú, en pocs anys comptava ja amb una cinquantena d'obres que complementaven les col·leccions pròpies. Al llarg d'aquests 136 anys la presència de peces del Prado ha estat constant i amb obres realment destacades, com _L'Anunciació_ d'El Greco o el _Dos de maig_ de Sorolla, al costat de pintures de Murillo, Ribera, Juan Bautista Maíno o Goya. El llibre mostra les peces que actualment estan en dipòsit a la Biblioteca Museu, producte d'aquesta llarga i fecunda col·laboració amb el Museu del Prado, i que el 2019 van formar part d'una exposició amb gran èxit de públic. També hi ha una edició en castellà a Lectio Ediciones.
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Globalistas utópicos
El presente libro ofrece una perspectiva realmente nueva a la hora de abordar el análisis de la producción artística de los últimos cien años, ya que, al margen de cuestiones estilísticas, estudia el trabajo de algunos de los creadores más relevantes del pasado siglo (Tatlin, Picasso o Beuys lo son, sin lugar a dudas) en el que se encarnan ideas de revolución y transformación humana y social: esto es, la creación artística como algo más que un mero espectáculo de índole estética. De la Revolución rusa al reciente mundo globalizado, pasando por la Guerra Fría, en los distintos capítulos Jonathan Harris explora la idea de que el linaje globalista-utópico en el ámbito del arte sigue dividido entre su anhelo de libertad y una identificación cada vez más profunda con lo espectacular como artículo mercantil y de consumo, una encrucijada fundamental para entender no sólo la evolución y el significado de la vanguardia artística sino la situación actual de una creación sometida a (y desnortada por) los designios del dios Mercado. Estamos, pues, ante una crítica innovadora y bastante esclarecedora del arte contemporáneo y de sus instituciones.
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Picasso contra la muerte
Uwe Fleckner nos presenta la visión política y comprometida, desde el análisis profundo de la iconografía y la composición, de la producción artística de Pablo Picasso.En 2023 se conmemora en todo el mundo el 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso, el pintor más importante del siglo XX. Mientras las exposiciones y las publicaciones, principalmente en España y Francia, destacan los polifacéticos aspectos de su arte, este libro se centra en un aspecto particularmente significativo de su repercusión: el compromiso político de su obra y la acogida universal de la misma.El presente volumen reúne una serie de artículos en los que se aborda al Picasso «político»: desde la incautación de su temprana obra maestra La bebedora adormecida (1902) en Alemania, hasta la «iconización» del Guernica (1937), del que se descubre en este texto una interpretación iconográfica completamente nueva pasando por el análisis de la única obra de teatro de Picasso, El deseo atrapado por la cola (1941), que se interpreta como la reacción ante la Ocupación Alemana en París.Desde una perspectiva metológica, el libro, escrito por uno de los mejores conocedores del arte moderno, se caracteriza por el minucioso estudio de documentos desconocidos, así como por un análisis profundo de la iconografía y la composición de importantes obras maestras de Pablo Picasso.
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El último Picasso
Durante los últimos seis años de la vida de Pablo Picasso, Roland Dumas fue su abogado y su amigo. Más allá de esta relación íntima, Picasso también le encomendó la misión de supervisar el destino del Guernica tras su muerte, en particular el traslado del cuadro a España cuando las condiciones políticas fueran las adecuadas. Conocedor de la vida privada del artista que había depositado en él toda su confianza, Dumas conserva numerosos recuerdos de esa época, anécdotas inéditas y abundante documentación. Por primera vez, el historiador del arte Thierry Savatier tuvo acceso a todos los archivos de Roland Dumas sobre Picasso. Durante sus conversaciones, los dos autores se acercan al genio a través de la obra del artista, la gestación del Guernica y la abundante creación de los últimos años. Estos diálogos revelan también aspectos menos conocidos, como la relación de Picasso con los maestros del pasado y sus contemporáneos, sus opiniones políticas, el lugar a menudo controvertido que ocupó su última esposa, Jacqueline, los procesos en los que estuvo involucrado o los tumultuosos episodios de su sucesión. De estos intercambios entre un historiador y un gran testigo surge el perfil, a veces inesperado y siempre fascinante, del último Picasso.
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Rembrandt és un geni intemporal que explora nous camins, obre finestres desconegudes en el món de l'art i relliga els valors europeus. És per això que,sobretot en aquests temps de desconcert, és urgent fer-ne memòria i homenatjar-lo com cal. Mirar Rembrandt vol posar en relleu l'obra d'aquestholandès genial que ens continua mirant i interpel·lant. I nosaltres, sabrem mirar-lo?
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