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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Aquest llibre vol ser una capsa de sorpreses. Hi trobareu una contextualització històrica sobre Sarral i el seu temple parroquial, però també un repàs sobre la majoria dels elements patrimonials d’aquesta població de la Conca de Barberà (celler noucentista, ermita dels Sants Metges, Sant Llorenç de Montbrió, presa romana…). Hi trobareu una descripció de l’església de Santa Maria, però també un llarg reguitzell de conceptes referenciats (ambó, lletania, crismó, dòric, pal·li…). Tres índexs temàtics permeten trobar amb rapidesa qualsevol noció o personatge, qualsevol refrany o tema. Finalment, un exhaustiu llistat de fonts consultades tanca aquesta obra original, on conviuen la monografia local i el treball més divulgatiu. Un plaer, doncs, per a qualsevol lector interessat en la nostra cultura.
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¿Cómo afecta el espacio a nuestro estado físico, psicológico y emocional? Ila Bêka y Louise Lemoine exploran esta cuestión a través de conversaciones amenas y dinámicas con doce arquitectos de renombre cuya obra se hace eco de la trascendencia de la percepción y la sensorialidad. Este libro recopila relatos de sensibilidad que revelan las fuerzas intuitivas e irracionales que intervienen en nuestra relación con el espacio. Doce conversaciones con: Tatiana Bilbao, Terunobu Fujimori, Jacques Herzog, Anne Holtrop, Junya Ishigami, Bijoy Jain, Ryue Nishizawa, Juhani Pallasmaa, Boonserm Premthada, Smiljan Radic, Kazuyo Sejima y Álvaro Siza.
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El famoso Miserere de Allegri, que solo podía ser interpretado y escuchado en la Capilla Sixtina del Vaticano por estar prohibido su uso fuera de ella bajo pena de excomunión, es una obra que ha suscitado una enorme curiosidad y atractivo para los europeos de la época, y especialmente durante todo el siglo XIX. Compuesto durante el papado de Urbano VIII (entre 1623-1644), solo había copia en el Vaticano. Posteriormente también hubo copia en la biblioteca del famoso músico e historiador Padre Martini de Bolonia, y en la corte del emperador Leopoldo I (1640-1705). El gran atractivo residía en la forma de la interpretación por los músicos de la Capilla Sixtina, que iba mucho más allá de la simple técnica de fabordón con que está compuesto el salmo. Lo importante eran los passaggi, las apoyaturas, adornos… que iban más allá de las notas.Ya en el siglo XVIII, pueden verse algunas copias fuera del Vaticano. Una de ellas es la que se conserva en el Archivo General de Palacio de Madrid en copia original venida del Vaticano, como un regalo hecho por el Papa Benedicto XIV al rey Fernando VI, según especifica más claramente una copia hecha para el monasterio de El Escorial.La presente edición recoge en facsímil la copia original venida de Roma y a continuación se presenta la partitura en edición moderna paralelamente a la versión que se conserva en El Escorial, que es a 4 voces, y probablemente realizada por el P. Antonio Soler.
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El libro celebra el 60 aniversario del mítico film, una de las grandes películas de la Historia del Cine. abordan los diferentes aspectos del film con multitud de foto.En el 60 aniversario del film Doctor Zhivago, el libro analiza los diferentes aspectos de la película: su gestación, el director, el original literario, el estilo formal, la banda sonora... Todo ello acompañado por un gran despliegue fotográfico.
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Este libro estudia la trayectoria de Dido Pequeño Teatro, compañía no profesional activa entre 1954 y 1965 en la España franquista. Por primera vez, se reconstruye de forma completa y cronológica el conjunto de sus funciones, lo que permite determinar con precisión su repertorio. A partir del análisis de los expedientes de censura conservados en el Archivo General de la Administración, se examinan su relación con el aparato censor y las condiciones en que desarrolló su actividad. El estudio aborda también la recepción crítica de sus montajes, con especial atención al Teatro del Absurdo y a la evolución de su acogida. Se demuestra que Dido fue una de las compañías no profesionales más prolíficas y duraderas de los años cincuenta y sesenta, con un repertorio mayoritariamente extranjero --europeo y estadounidense-sin descuidar a los autores españoles, de los que impulsó estrenos relevantes. La obra contribuye así al conocimiento del teatro alternativo y del papel de los grupos no profesionales en el siglo XX español.
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FOTÓGRAFOS QUE CUESTIONAN LA REALIDAD Y NUESTRA PROPIA PERCEPCIÓN Esta colección de espectaculares fotografías, realizadas por artistas de todo el mundo, juega con nuestra mirada y desafía nuestra percepción delas cosas al cruzar la frontera entre racionalidad yrealidad. Muestra composiciones impactantes, a menudocómicas, oníricas o irónicas, pero siempre partiendode un punto de vista surrealista y sorprendente. Además de estimular nuestra curiosidad sensorial, estas imágenes retan también a nuestra mente. Desafían convenciones y significados racionales, y cuestionan tanto nuestra visión de la realidad como nuestra actitud hacia la fotografía entendida como medio para plasmar la realidad del instante. De esta forma, cada obraconsigue entablar un cautivador diálogo con el espectador. Cada una de las imágenes aquí recogidas creaun mundo psicodélico, mezcla de sueño y utopía, jugando con la ironía y los trucos publicitarios. 'Fotografía imposible' nos invita a observar estas fotografías y entender su mensaje, recurriendo para ello a unamirada renovada pero sin dejar a un lado nuestro ojocrítico.
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Barcelona és una ciutat escrita i reescrita pels seus habitants des de fa més de 2000 anys. L'escriptor Joan Barril ens convida a conèixer-la en un passeig amè i colorista, a través de la seva riquesa humana, artística i arquitectònica. Inclou desplegables panoràmics.
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En 1971, John Lennon y Yoko Ono concibieron y grabaron el álbum Imagine, aclamado por la crítica, en su casa de campo georgiana, Tittenhurst Park, en Berkshire, Inglaterra, en su estudio de vanguardia, así como en Record Plant, Nueva York. La letra de la
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En sus páginas, el músico, productor y docente Miguel Marcos Fernández, recorre de manera personal y colectiva el arte de escribir canciones, combinando anécdotas, referencias culturales, análisis musicales e incontables ejemplos que abarcan diferentes épocas, estilos y culturas, convirtiendo este libro en el único ensayo-manual de referencia en castellano sobre composición de canciones.Con más de veinte años de experiencia en la enseñanza musical, Miguel desmonta mitos sobre la inspiración y reivindica la rutina, la constancia y la experimentación como claves del proceso creativo. Su propuesta integra conocimientos técnicos con una mirada poética, reveladora y tremendamente inspiradora para enseñarnos a componer escuchando, imaginando y habitando el lenguaje musical con todos nuestros sentidos. El libro lo completa un epílogo con 500 ejercicios prácticos que servirán de mapa creativo para aquellos que se atrevan a emprender el camino hacia la canción perfecta.Sin requerir de conocimientos previos, este libro es un viaje iniciático para quienes empiezan a componer, pero también es una brújula valiosa para escritores de canciones experimentados, para músicos, docentes u oyentes curiosos que desean saber de dónde vienen las canciones. En definitiva, una carta de amor incondicional a la música.Prólogo de Guille Galván, escritor y guitarrista de Vetusta Morla.
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Freud sobre la arquitectura explica qué ofrece Sigmund Freud para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura, con ejemplos que van desde el Movimiento Moderno hasta la actualidad.Las observaciones de Freud sobre la mente humana y su influencia en la cultura y el comportamiento social han generado numerosos debates desde el siglo XIX. Sin embargo, lo que las ideas fundamentales de Freud ofrecen para comprender la creatividad y la experiencia de la arquitectura ha recibido muy poca atención directa. Esto se debe, en parte, a que Freud abrió la puerta a un lugar en el que la investigación convencional sobre arquitectura tiene poca fuerza: el inconsciente. Para complicar aún más las cosas, la obra de Freud es vasta y abrumadora. Freud sobre la arquitectura examina las ideas clave de Freud y cierra la brecha entre la arquitectura y la teoría psicoanalítica.En el libro se destacan las ideas de Freud sobre los cambios fundamentales en la infancia, cambios que modelan la psique adulta. También se explica cómo y por qué las fases del desarrollo pueden influir en las preferencias e inquietudes arquitectónicas del adulto, la intuición espacial y las creencias sobre lo que es adecuado y correcto en el proyecto de arquitectura. Por ello, Freud sobre la arquitectura será de gran interés para estudiantes, profesionales e investigadores de disciplinas tales como la arquitectura, el psicoanálisis y la filosofía.
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La figura de Walter Benjamin era poc coneguda o estudiada en el context universitari de l?Estat espanyol, per. esdeveniments com el Maig del 68 i la nova intel·lectualitat europea de la dècada dels seixanta van posar sobre la taula l?actualitat del seu pensament. Apassionat per la llengua i la literatura, Antoni Pous trià sis assaigs cabdals de l?obra de Benjamin referents a l?art, la literatura, la llengua, la traducció, la transformació de la ciutat de París i les masses del nostre temps. Emprèn una traducció agosarada sobre temes rellevants de la modernitat, un concepte força allunyat de la grisor que vivia el país sota el franquisme i, a més, ho fa amb l?intent de dotar la llengua catalana d?un cos de pensament universal contemporani del qual sempre ha estat mancada. El seu mèrit és ser-ne el pioner, afrontar les dificultats d?una tasca ingent, no sense defectes. Amb aquest llibre volem retre mem.ria a la lucidesa de Walter Benjamin i a la tasca pionera d?Antoni Pous.
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A propósito de la Sexta extinción que amenaza la biodiversidad del planeta, el biólogo Edward O. Wilson aconsejaba en su ensayo  Half-Earth: Our PlanetÆs Fight for Life  (2016) proteger la mitad de la superficie de la Tierra como reserva natural l
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Vida i obra de Picasso.
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Lee Strasberg fue una de las más importantes figurasdel teatro del siglo xx, director artístico del Instituto de Teatro Lee Strasberg y del Actors Studio, maestro de algunos de los mejores actores del mundo, y destacado actor a la vez (millones de personas lo recuerdan en la película El padrino II). Es incuestionable que el trabajo más importante de Strasberg fue su contribución a la teoría y la práctica de la interpretación. Ahora, en este legado póstumo que ha dejado alteatro, Strasberg explica, por primera y única vez en letras de imprenta, el arte de la interpretación enla forma en que él llegó a entenderlo. Comenzando con sus primeras experiencias propias y su descubrimiento del problema central del actor -lograr la firmezade la inspiración-, Strasberg analiza el trabajo delgran director y actor ruso Konstatín Stanislavski, ymuestra cómo él y otros agregaron a ese trabajo el desarrollo del sistema conocido como el Método. Rico enanécdotas históricas y personales, no es solo un libro para actores sino para cualquiera que esté interesado en el arte y la creatividad.
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'Máquinas de sueños'' sigue la evolución de la música hecha con máquinas en el Reino Unido desde los primeros experimentos vanguardistas después de la Segunda Guerra Mundial, pasando por la psicodelia, el art rock y el synth pop, hasta la música electrónica de baile, el sampling, el tecno y sus infinitas ramificaciones. Además de contar la historia de los pioneros, documenta las escenas y los movimientos del underground que forjaron la apasionante y heteróclita cultura de la música electrónica en sus décadas de formación, que fue un caldo de cultivo para la experimentación y las nuevas ideas sobre la sexualidad y los roles de género, entre otros muchos aspectos. A partir de entrevistas con los principales protagonistas y una exhaustiva investigación, ''Dream Machines'' explora géneros tan diversos como el space rock, el tecnopop, el ambient, el dub, la música industrial, el rock progresivo, el electro, el hip hop, el Hi-NRG y el house, poniendo de relieve cómo los cambios en la sociedad y los avances tecnológicos conformaron la música electrónica británica. 400 Blows, 808 State, A Guy Called Gerald, Adrian Sherwood, Basil Kirchin, Big Audio Dynamite, Bomb the Bass, Bourbonese Qualk, Brian Eno, Bronski Beat, Cabaret Voltaire, Chris and Cosey, Clock DVA, Coil, Coldcut, Curved Air, Daniel Miller, Daphne Oram, David Bowie, Delia Derbyshire, Dennis Bovell, Depeche Mode, Desmond Leslie, Ernest Berk, F. C. Judd, Freeez, Gary Numan, Gong, Hawkwind, Heaven 17, Jah Shaka, Janet Beat, Japan, Joe Meek, John Baker, John Foxx, Kate Bush, Landscape, LFO, M/A/R/R/S, Mad Professor, Mark Stewart, Massive Attack, Mastermind, Muslimgauze, New Order, Nitzer Ebb, Nocturnal Emissions, Nurse with Wound, Orbital, Ozric Tentacles, Pet Shop Boys, Peter Gabriel, Peter Zinovieff, Pink Floyd, Portion Control, Psychic TV, Ron Geesin, Roxy Music, S'Express, Simple Minds, Smith & Mighty, Soft Cell, Soul II Soul, Stock, Aitken & Waterman, Tackhead, The Beatmasters, The Human League, The JAMs, The KLF, The Orb, The Wild Bunch, Thomas Dolby, Thomas Leer & Robert Rental, Throbbing Gristle, Tricky, Tristram Cary, TW Funk Masters, Ultravox, Vice Versa , Visage, White Noise, Whitehouse, Zorch...
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Bajo el forro de terciopelo de una caja de prismáticos apareció el dietario que Jules Ainaud escribió durante su estancia en Valencia, entre mayo y julio de 1870. Ainaud fue un empleado de Jean Laurent, fotógrafo de la casa real. El dietario hace posible identificar el orden y sentido de las fotografías que realizó, que están incluidas en este libro. También nos permite revivir historias de amor y de muerte que se sucedieron en la Valencia en la segunda mitad del siglo XIX, y reflexionar sobre la función de la imagen en el mundo contemporáneo.
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Tienes en tus manos una guía de viajes única e intransferible, porque en cuanto la leas y te apuntes a cualquiera de los itinerarios que proponemos, la experiencia que vivirás será diferente a la de cualquier otro lector y ya no volverás a ser el mismo. Te proponemos conocer 80 países a través de la serie que mejor los refleja. Podrás conocer: la casi inaccesible Coreadel Norte a la que accederás solo con carnet de seriéfilo alistándote en sus servicios militares, los másherméticos del mundo, una perspectiva única del «paraíso del ISIS» desde los Emiratos Arabes de la que poco se habla, o los Estados Unidos siendo un prófugo chileno convertido en hincha de rugby de los Panthers.Si quieres vivir las experiencias de viaje más insólitas desde tu propia casa, esta es la guía que necesitas.
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Latinas, imparables y dueñas del popDivas latinas del pop de la A a la Z celebra a las voces femeninas que han marcado generaciones y conquistado escenarios globales. Desde el reguetón hasta el flamenco, estas artistas rompen barreras con cada verso y ritmo. Nombres como Aitana, Becky G, Bad Gyal, Camila Cabello, Lola Índigo, Karol G, Nathy Peluso y tantas otras han marcado la historia del género con su voz y su talento. Este libro es un vibrante homenaje ilustrado a las estrellas que han hecho del empoderamiento, el arte y la cultura latina su bandera. Leyendas, iconos y nuevas promesas que han dejado huella… y aún no han terminado de brillar. Descubre, página a página, a las verdaderas reinas del pop en español.
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Desde su irrupción con ''Video Games'' hasta la madurez creativa de Norman Fucking Rockwell!, Blue Banisters o Did You Know That There's a Tunnel Under Ocean Blvd, Lana Del Rey ha construido una de las mitologías más complejas, incómodas y fascinantes del pop contemporáneo. Amada y criticada a partes iguales, su figura desafía los códigos del mainstream, expone las grietas del romanticismo moderno y convierte la melancolía en un lenguaje generacional.En Lana del Rey: mitología de un icono pop, Marcos Gendre y Adriana Díaz trazan una radiografía profunda y apasionada de una artista que ha sabido resistir al linchamiento de la crítica, a la cultura del consumo rápido y a las imposiciones de la industria. A través de un análisis que conecta música, cine, literatura y cultura popular, el libro explora la evolución de una obra marcada por la contradicción, la vulnerabilidad y la búsqueda de una verdad artística propia.Este no es un libro sobre hits ni sobre cifras, sino sobre identidad, fracaso, belleza y redención. Un ensayo que entiende a Lana Del Rey como heredera de la gran canción americana y, al mismo tiempo, como una anomalía irrepetible en la era del algoritmo.
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Barcelona és un mosaic de paisatges i ambients: el port i la Rambla, el circuit gòtic de Ciutat Vella, l'Eixample, el Modernisme i Gaudí, l'urbanisme olímpic, els museus i les escultures, l'oci i la nit… Un complet reportatge visual complementat amb mapes generals i temàtics de la ciutat. Gaudiu Barcelona ara també en un nou format més gran, nou disseny i noves fotografies.
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Triangle Postals
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Escotes subidos, piernas tapadas, vestidos por bañadores... Durante la dictadura del general Franco, el cine fue probablemente el arte más censurado. Se prohibían películas y se cortaban escenas, pero tan importante como controlar los propios films era hacerlo con la publicidad cinematográfica. Una industria de gran tradición en nuestro país que se vio afectada por el régimen y sobre la que la censura se cebó especialmente. Pero no solo era erotismo lo que los censores habrían de controlar. Grandes estrellas de Hollywood que abrazaron la causa republicana vieron como sus nombres desaparecían de los carteles de cine españoles mientras títulos que pudieran dar lugar a dobles intenciones no deseadas eran cambiados. La censura local, la conocida como ''la censura de la censura'', también jugó un papel importante. Despistes, incoherencias, meteduras de pata... todo esto y mucho más es lo que recoge el presente volumen. Centenares de carteles y fotografías componen un libro en el que podemos ver siempre la imagen previa a la censura y la resultante de la misma. Todo un disfrute para los amantes del cine, para los curiosos, para los coleccionistas de rarezas y para todo aquel que quiera conocer un pedacito, visualmente fascinante, de la historia de España.
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Jean Genet descubre la obra de Rembrandt durante sus estancias en Londres en 1952, Ámsterdam en 1953, luego Múnich, Berlín, Dresde y finalmente Viena, en 1957. La idea de un libro sobre el pintor le acompañará durante décadas, pero no completará el proyecto. En septiembre de 1958, L’Express publica una selección de extractos de un libro anunciado por la editorial Gallimard que no llegará a publicarse, «El secreto de Rembrandt». Tal vez demasiado absorbido por su teatro, Genet posterga el momento de dar por terminado el texto o de rehacerlo y, en abril de 1964, abatido por la muerte de su amigo Abdallah, destruye el contenido de una maleta llena de manuscritos. Sobreviven únicamente dos fragmentos, publicados en mayo de 1957 en la revista Tel Quel con el título «Lo que quedó de un Rembrandt cortado en cuadraditos iguales y tirado por el retrete». En esta edición se reúnen por primera vez los dos textos en forma de libro, junto con una selección de imágenes pensada para acompañar la mirada de su autor, una mirada absolutamente singular y desconcertante que va más allá del análisis historiográfico, técnico o psicológico para adentrarse en el terreno de la fibra, la carne y la substancia de los sentidos.Jean Genet (París, 1910-1986) fue un novelista, dramaturgo y poeta francés cuya obra expresa una profunda rebelión contra la sociedad biempensante y sus costumbres. A los diez años cometió su primer hurto y, tras varios robos y fugas, lo internaron en la colonia penitenciaria de Mettray. Fue ladrón, chapero, presidiario, desertor, mendigo y activista de diversas causas, como las del movimiento radical de los Panteras Negras. Gran escritor, admirado por figuras como Jean-Paul Sartre o Jean Cocteau, hoy está considerado uno de los autores esenciales de la literatura europea del siglo xx.
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Barcelona ha estat al llarg del temps una ciutat festiva on la música i el ball han format part important del seu oci. El llibre de Ferran Aisa és una crònica intensa d'aquesta Barcelona bulliciosa i festiva que, a través de societats de tota mena, ha fet de la vida un lloc també per divertir-se i per gaudir de la sensibilitat humana. ''Barcelona balla'' presenta dos segles de societats, balls i músiques a la capital catalana, i ho fa desenvolupant l'esperit lúdic dels barcelonins. Al llarg del llibre som testimonis de com la societat civil organitza els seus saraus per damunt de les classes socials, des de l'aristocràcia fins als hortolans i de la burgesia a la classe treballadora. ''Barcelona balla'' fa un recorregut pels salons aristocràtics, els primers envelats, els cafès-concert, els cabarets, les sales de ball, les discoteques i, entre altres espais, les sales de concert. El llibre també és testimoni de les modes musicals i dels balls que apareixen al llarg dels segles XIX i XX: vals, rigodon, cancan, xarleston, jazz, swing, bolero, mambo, rock and roll, twist... I dels artistes que ofereixen el seu do musical en directe als espais lúdics de la ciutat, com ara Carlos Gardel o els Beatles i tants i tants músics i cantants que han ajudat a posar la banda sonora a la vida de diverses generacions de barcelonins.
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Por primera vez, se publica en bilingüe un libro que ahonda en la obra de Frans van de Staak, un «cineasta de cineastas», un eslabón perdido en la historia del cine.En el cruce entre el cine narrativo, la poesía experimental, el teatro de vanguardia, las artes plásticas, la música de improvisación y la losofía del lenguaje, Frans van de Staak (Ámsterdam, 19432001) ocupa un lugar único en la historia del cine.Desde los textos de Baruch Spinoza, Hubert Poot y Wallace Stevens a las frases hechas del lenguaje ordinario, las películas de van de Staak aíslan y reinterpretan la sensualidad de los signos de la vida moderna, de la in exión de una voz a la manera de anudarse los cordones de un zapato. A partir de sus propios escritos, entrevistas y materiales preparatorios de sus proyectos, este libro invita a recorrer el fulgurante conjunto de su filmografía, que testimonia una originalidad radical en su concepción de las posibilidades del cine.
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Una monografia sobre una de les figures més excepcionals de la pintura catalana del segle XIX i la seva relació amb la ciutat on va néixer, Reus. El llibre se centra principalment en l'etapa de formació i els primers èxits de Marià Fortuny Marsal (Reus, 1838 - Roma, 1874), el pintor més reconegut de l'art vuitcentista català, així com en la relació que va mantenir en aquest període amb la seva ciutat natal, aspectes molt poc tractats per la historiografia sobre aquest artista. El llibre dona a conèixer un gran nombre de notícies inèdites sobre les seves primeres exposicions i fa una revisió exhaustiva de la relació de l'artista amb la seva ciutat d'origen, que resulta fonamental per resseguir la trajectòria de Fortuny i la construcció de la seva imatge llegendària.
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«La magia es vista como una capacidad innata de la humanidad que siempre vuelve a emerger, especialmente tras largos períodos de racionalismo, y que ni la religión, ni la ciencia ni la política consiguen erradicar jamás.» Nadia Choucha, Surrealism and the OccultDurante años, El arte mágico de André Breton fue un auténtico libro de culto, objeto de deseo de los bibliófilos parisinos. Publicado en 1957 por el Club Français du Livre en una tirada limitada, a ojos de su autor representaba el anhelo de toda una vida: nada menos que una historia universal del arte, desde sus orígenes prehistóricos hasta nuestro tiempo, acompañada de una iconografía irreprochable, de la que estaba convencido que sería uno de sus mensajes más duraderos.La particularidad de esta historia, cuyas notas y documentos visuales había ido acumulando a lo largo de los años, es la de estar contada con las premisas delsurrealismo. Por sus páginas desfilan: el Bosco, Brueghel, Uccello, Durero, Grünewald, Altdorfer, Holbein,Arcimboldo, Caron, Desiderio, Blake, Füssli, Goya, Friedrich, Böcklin, Gauguin, Gustave Moreau, Rousseau,De Chirico..., sin olvidar el arte religioso de lasmás diversas épocas y culturas del mundo. Toda esta fabulosa corriente visual, compuesta por más de doscientas reproducciones de gran calidad, constituye el último sueño de Breton. El volumen se cierra con una interesante e insólita sección de ciento cincuenta páginas sobre el valor y la significación de lo mágico ennuestra época, en forma de encuesta realizada a personajes de la talla de Martin Heidegger, Octavio Paz,René Magritte, Georges Bataille, Claude Lévi-Strauss,Julien Gracq, Benjamin Péret, Pierre Klossowski, Roger Caillois, Juan Eduardo Cirlot, Leonora Carrington,Julius Evola, Maurice Blanchot, René Nelli... Unade las figuras más representativas de las grandes pulsiones artísticas y literarias del primer tercio delsiglo xx es sin duda André Breton (1896-1966). Bretoncreía que el ser humano es como un animal encerradoen una jaula, dando vueltas y vueltas sobre sí mismo,y asumió una suerte de pasión amorosa por la purezasalvaje, por la desnudez original, donde la vida vuelve a ser lo que era, realidad viviente, no una mera exterioridad cuantificable sin sustancia ni contenido.Y pensó que esto sólo puede cumplirse si la potenciadel deseo nos conduce a las raíces más profundas y auténticas de la Imaginación. De ahí que terminara proclamando que «solamente es bello lo maravilloso», como da buena muestra el río de imágenes que seleccionótan cuidadosamente para este libro.
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“El pensar de manera “dramatúrgica” es una forma de conocimiento con los mismos derechos que el pensar filosófico o el político”.En este libro, Dürrenmatt ofrece una serie de reflexiones sobre el arte del teatro. Cuestiona el sentido del teatro argumentando que en nuestra época la única forma posible es la comedia y no la tragedia, a la que ya no tenemos derecho.Tampoco el escenario es un campo de batalla para fines teóricos, ideológicos o didácticos. “Describo seres humanos”, nos señala, “no marionetas, una trama no es una alegoría, fabrico un mundo, no una moraleja”. Señala además que el teatro contemporáneo tiene dos caras: por un lado, es un museo, por otro, un laboratorio.Si es verdad, como Dürrenmatt cree, que el mundo en el que vivimos ya no es uno solo, que únicamente se pueden insinuar y poner en escena fragmentos de él, entonces habrá que admitir que ya no existe un estilo, sino diversos estilos, y que el teatro contemporáneo solo puede ser experimentación.El lenguaje de la libertad es el de la ironía, y esto lleva a Dürrenmatt a ensalzar lo burlesco, “una de las grandes posibilidades de la concreción”, y la sátira, “un arte que es preciso esencialmente porque exagera”.“Escribo conociendo lo absurdo de este mundo pero sin desesperar”, dijo refiriéndose a sus comedias satíricas y poco moralistas en las que, a menudo, se mezcla lo cruel con lo grotesco.
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«No puede sorprender que, para una peripecia vital tan tormentosa y desgraciada como la de Caravaggio, los historiógrafos del siglo XVII más novelesco y del más romántico siglo XIX se las ingeniasen para transformar cada paso, desde sus inicios, para usarlo con fines a un retrato que resultase de lo más popular (lo que para ellos sonaba a “plebeyo”), es decir, apto para explicar la desprejuiciada y, se decía, “indecorosa” naturaleza del artista. Fue así como Caravaggio, ya desde niño, en Lombardía, se transmutó en el hijo de un albañil, en mezclador de argamasa y preparador de colas para los encaladores milaneses. Para el resto de su vida, sobre todo durante los años de Roma, Nápoles y Malta, no había ciertamente necesidad de cargar las tintas, cosa que sin embargo no se dejó de hacer y hasta su muerte, por razones de correspondencia simbólica, complaciéndose en adelantar en un año la fecha real de ésta.» Así empieza el ensayo de Roberto Longhi sobre la figura de Caravaggio, tan moderna como enigmática. Sirviéndose de su singular capacidad para imitar voces, Longhi se cuela en la vida del pintor como si hubiese sido su contemporáneo, un amigo íntimo incluso. Repasa sus encargos, explora sus obras maestras, trazando astutas e inesperadas correspondencias entre ellas y la vida del artista. Caravaggio trabaja a un ritmo vertiginoso, con una rapidez y facilidad pasmosas, desde la adolescencia hasta el desorden de sus últimos días romanos, y pasará buena parte de su vida como artista nómada y fugitivo de la justicia. Setenta años después de su publicación, el ensayo de Longhi sigue considerándose una contribución esencial a la bibliografía sobre el pintor, por ser el primero en brindar una visión de contexto de su obra y posiblemente por ser, hasta la fecha, el crítico que ofrece una mirada más limpia, una lectura más sobria e incontaminada, de la trayectoria y la producción del gran maestro.
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La presente edición recoge el conjunto de los versos que el P. Antonio Soler escribió para el órgano en el monasterio de El Escorial. Los versos de Regina caeli y Te Deum ya habían sido editados por este mismo autor.Los versos para la Misa se editan ahora por primera vez y suponen una enorme aportación a la obra organística del P. Soler, no solo porque no eran conocidos, sino por ser un conjunto de tres juegos perfectamente ideados y simétricos en su conjunto.Cada juego de versos, escritos para las partes del común de la misa, consta de 19 versos, correspondientes a las partes de los Kyries (4), Gloria (8), Sanctus (3) y Agnus Dei (3) más uno para el final llamado Coreado y que, en realidad, no podría llamarse verso, porque no alterna con ningún otro canto, sino que sirve para cerrar el final del acto, teniendo un carácter improvisatorio muy destacado. Un total de 57 versos.Una característica importante del conjunto consiste en que se indican siempre el tempo y los registros del órgano, que suelen coincidir casi exactamente en cada uno de los juegos, consiguiendo una perfecta unidad y equilibrio.La estructurada mente de Antonio Soler muestra con esta obra una nueva aportación para el conocimiento de la historia de la música en el monasterio de El Escorial, obra que tiene su más exacta presentación con la música de los cantorales escurialenses y su estilo de interpretación.
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La historia del arte de vanguardia durante la primera mitad del siglo XX su puso, entre otras consideraciones, el relevo de Europa (y París como su in discutible capital artística) por Estados Unidos (con Nueva York ocupando esa misma centralidad). Para que se produjera ese cambio de epicentro fue decisivo el intercambio, entre ambos lados del Atlántico, de obras, artistas, críticos, galeristas, directores de museo y coleccionistas. En dicho proceso, tres artistas españoles (Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró) tuvieron una máxima relevancia, llegando a encarnar no sólo muchos de los “ismos” de vanguardia sino, sobre todo, una actitud vital, un modo de entender esos tiempos de utopía y crisis. En este libro se reúnen algunos de los episodios más destacados de esa llegada a Estados Unidos, entre los extremos de la polémica y del aplauso incondicional.
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Catálogo de la exposición que se celebrará en KBr. Fundación MAPFRE, Barcelona, del 20 de febrero al 18 de mayo de 2025, y en Sala Recoletos, Fundación MAPFRE, MadridEl presente volumen acompaña a la exposición homónima con la que Fundación MAPFRE recorre los veinte años de trayectoria del fotógrafo José Guerrero (desde el 2002 hasta la actualidad), cuyo corpus de trabajo gira en torno a la representación y percepción del paisaje y la arquitectura a través de la imagen fotográfica.Incluye reproducciones de todas las obras presentes en la muestra. Destaca la incorporación de Fez (2024), conjunto de fotografías fruto del encargo directo de Fundación MAPFRE.La publicación ofrece ensayos críticos a cargo de la reputada especialista en Fotografía y comisaria del proyecto, Marta Gili, de Marta Llorente, arquitecta y catedrática de Teoría e Historia en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, y de Lorenzo Bruni, crítico de arte y comisario independiente.
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Este catálogo ilustra la pintura de ELOY MORALES (Madrid, 1973), uno de los pintores más influyentes del realismo español del momento, un creador polifacético que da testimonio en todas sus obras de su temple, de su proeza técnica y de su preocupación por la verdad y la captura de lo esencialmente humano. Eloy Morales consigue que sus cuadros vibren como pedazos de realidad robados a la vida. Se mueve con comodidad en diferentes registros de la figuración. Sus obras no dejan escapar al observador. No imponen nunca una verdad. Simplemente la brinda con honestidad. Sus personajes nos devuelven la mirada. Sus paisajes nos acogen. El MEAM, la casa de la figuración internacional, trae orgulloso esta exposición a Barcelona para compartir de nuevo el talento de este pintor de gran calado que sigue inspirando a tantos dentro y fuera de España.
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Nuevo volumen de la colección de catálogos razonados del Museo del Prado, tras El Greco, Pintura holandesa, Las miniaturas en el Museo del Prado y Luca Giordano. Este catálogo estudia las pinturas realizadas en los Países Bajos durante el siglo XV que custodia el Museo del Prado, incluyendo las de artistas activos en el XVI pero vinculados con el quehacer del siglo anterior. Se trata de un momento trascendente para la cultura artística occidental, que alumbra la obra de creadores revolucionarios, como Jan van Eyck, Rogier van der Weyden o el Maestro de Flémalle, la de los maestros que siguieron su estela, como Dirk Bouts, Hans Memling o Hugo van der Goes, y la de otros autores de menos fama pero de producción igualmente notable. La pintura flamenca temprana es célebre no solo por su delicadeza técnica e intensidad narrativa, sino por la dificultad que entraña interpretar los asuntos representados. Además, la ausencia de documentación cierta sobre sus creadores, de muchos de los cuales se ignora hasta su identidad, y la escasez de datos sobre las propias obras, hacen que su estudio sea uno de los más complejos pero también más atractivos de la historia del arte. Esta publicación actualiza el conocimiento de esas obras y sus autores en el Museo. Se catalogan creaciones individuales, trípticos completos o escenas fragmentarias de unos veinte artistas, de quienes se ofrece una sucinta biografía con sus obras seguras y clave para atribuir las que se examinan, sean estas autógrafas, de taller o de seguidores. A los datos y el análisis histórico y artístico de cada una se añade un exhaustivo estudio técnico, fundamental para precisar conclusiones, incluyendo la revisión de atribuciones tradicionales y la propuesta de la más certera autoría para pinturas que hasta hoy se tenían por anónimas. Su autor, José Juan Pérez Preciado, técnico del Museo en el Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte, ha llevado a cabo este trabajo en colaboración con el Gabinete Técnico y Laboratorio del Museo y con la asesoría científica de Lorne Campbell, reconocido experto en la pintura de los Países Bajos, que escribe la introducción sobre el temprano interés que esas bellas creaciones despertaron en España.
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Dirigido tanto a amateurs como a profesionales. El conocimiento se puede adquirir a través de la memorización de conceptos y fórmulas. Sin embargo, la sabiduría es algo más profundo: es poner ese conocimiento en juego y pasarlo por el tapiz de la experiencia. En definitiva, no podemos aprender sin equivocarnos, la escritura de guion es una actividad eminentemente práctica. Los conceptos, si no se fijan en negro sobre blanco, irremediablemente se perderán... “como lágrimas en la lluvia”. La escritura de un guion cinematográfico es un todo orgánico, interdependiente e interrelacionado. Y ese es, inevitablemente, un proceso de aprendizaje. Este manual pretende ser sobre todo didáctico, pero puede servir de guía para autores que busquen nuevos procesos que les ayuden a desatascar la terrible sequía narrativa que nos acecha a todos. Siguiendo sus pasos quizás encuentren estadios de su guion que no conocían y que les sirvan de puente con el trabajo que lleven desarrollado. Los ejercicios que al final de cada capítulo han incluido los autores (extraídos de su experiencia durante años dando clases de escritura de guion) pueden ser muy útiles a formadores que buscan recursos didácticos para complementar la formación que imparten. Por último, este libro está también dirigido a cualquier amante del séptimo arte. Ampliará sus conocimientos sobre el lenguaje cinematográfico, haciendo su experiencia cinéfila más disfrutable. Múltiples anécdotas nos acercarán al lado más humano del proceso cinematográfico. Un libro, pues, destinado a convertirse en referencia ineludible en una materia tan compleja como apasionante.
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