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Llibres d'Art, Cinema i Música
T'apassiona el setè art? Tot el que té a veure amb la cultura? Si la resposta és sí, no et pots perdre la nostra gran selecció de llibres d'art, cinema i música. Compra llibres d'art, cinema i música online. En aquesta secció disposem d'una àmplia selecció de llibres d'art, cinema i música en diferents formats i en múltiples idiomes. Hi trobaràs lectures sobre diferents disciplines artístiques com interpretació, entre altres, sobre sèries de televisió i pel·lícules com Harry Potter, Joc de Trons, Star Wars o Stranger Things i sobre la història de cantants i grups de música com ara Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre molts altres.
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Dirigido tanto a amateurs como a profesionales. El conocimiento se puede adquirir a través de la memorización de conceptos y fórmulas. Sin embargo, la sabiduría es algo más profundo: es poner ese conocimiento en juego y pasarlo por el tapiz de la experiencia. En definitiva, no podemos aprender sin equivocarnos, la escritura de guion es una actividad eminentemente práctica. Los conceptos, si no se fijan en negro sobre blanco, irremediablemente se perderán... “como lágrimas en la lluvia”. La escritura de un guion cinematográfico es un todo orgánico, interdependiente e interrelacionado. Y ese es, inevitablemente, un proceso de aprendizaje. Este manual pretende ser sobre todo didáctico, pero puede servir de guía para autores que busquen nuevos procesos que les ayuden a desatascar la terrible sequía narrativa que nos acecha a todos. Siguiendo sus pasos quizás encuentren estadios de su guion que no conocían y que les sirvan de puente con el trabajo que lleven desarrollado. Los ejercicios que al final de cada capítulo han incluido los autores (extraídos de su experiencia durante años dando clases de escritura de guion) pueden ser muy útiles a formadores que buscan recursos didácticos para complementar la formación que imparten. Por último, este libro está también dirigido a cualquier amante del séptimo arte. Ampliará sus conocimientos sobre el lenguaje cinematográfico, haciendo su experiencia cinéfila más disfrutable. Múltiples anécdotas nos acercarán al lado más humano del proceso cinematográfico. Un libro, pues, destinado a convertirse en referencia ineludible en una materia tan compleja como apasionante.
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¿Qué es el arte y por qué, incluso sin entenderlo, a veces nos hiere, nos calma o nos salva? La herida del arte nace de una pregunta que atraviesa siglos y disciplinas, pero que aquí se formula desde un lugar íntimo, la experiencia emocional. A través de un recorrido que va desde las primeras manifestaciones artísticas hasta la cultura visual contemporánea, Raquel (Delgado de los Mozos) explora el arte no como objeto elitista ni como simple entretenimiento, sino como una forma profunda de comunicación humana.Apoyándose en la estética, la psicología, la sociología y la historia del arte, este libro propone una mirada accesible y honesta sobre por qué el arte sigue importando, incluso, o especialmente, en una época saturada de imágenes y ruido. Lejos de definiciones cerradas, estas páginas invitan a detenerse, a sentir y a recuperar la confianza en la propia mirada. La herida del arte no busca responder qué es el arte, sino acompañar al lector en el descubrimiento de aquello que una obra despierta cuando logra tocarnos. Porque, al final, el arte no se explica del todo, se experimenta. Y a veces, duele. Y a veces, ilumina.
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La primera exploración del arte contemporáneo en el extenso parque de esculturas al aire libre de Rowdy Meadow.Encargado por el mecenas estadounidense Scott Mueller, Rowdy Meadow es un innovador parque de esculturas en Hunting Valley, al este de Cleveland, Ohio, el mismo paisaje que rodea la visionaria casa de Mueller, inspirada en el cubismo checo. Ubicado en una propiedad de 60 hectáreas con antiguos huertos de manzanos, bosques escarpados, prados y barrancos, Rowdy Meadow es un parque de esculturas ejemplar, nacido del amor de Mueller por el arte y la naturaleza.La extensa red de senderos a través de bosques y prados revela una extraordinaria colección de esculturas contemporáneas ―actualmente más de sesenta obras al aire libre de cuarenta y cinco artistas―, posible gracias a la destacada colección de Mueller, la arquitectura paisajística de Reed Hilderbrand y encargos específicos para cada lugar.El parque cuenta con una variedad de obras de artistas destacados como Elmgreen & Dragset, Andy Goldsworthy, Anish Kapoor, Sol LeWitt, Virginia Overton, Richard Serra, James Turrell y Ai Weiwei, así como un búnker subterráneo para una instalación de Jonah Freeman y Justin Lowe.Más de 40 entrevistas, encargadas especialmente, acompañan las obras de los artistas. Estos atractivos textos ofrecen una nueva perspectiva sobre las prácticas de algunos de los artistas contemporáneos más prometedores de la actualidad y contextualizan sus piezas en Rowdy Meadow.Este primer libro sobre el parque de esculturas, captura la impresionante y extensa colección de esculturas que conforma Rowdy Meadow y cómo el arte se comunica con el entorno natural y lo enriquece.
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SEIBUTSU es un término japonés que significa “naturaleza muerta” y, simultáneamente, “cosa viva”. Aunque a cada significado le corresponde su respectivo ideograma, es esa doble y ambigua lectura desde donde se pueden interpretar las fotografías que contiene este libro.Estas imágenes nacen intuitivamente de una mirada íntima y cruzada a los pequeños objetos que están en el estudio del autor y a su relación y diálogo con un determinado contexto espacial de dos y tres dimensiones, entre el espacio real y el espacio pintado bidimensional en el que intervienen tanto pinturas propias como prestadas de artistas orientales a los que profeso admiración desde mucho tiempo atrás. Tras estas imágenes subyacen también categorías estéticas acuñadas en Japón durante su larga historia cultural relativas a lo austero, lo solitario, al paso del tiempo, al sentimiento de las cosas, al misterio y al valor de la ausencia.
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1937, bajo la sombra cada vez más negra del fascismo, Josef Capek firma una inolvidable alegoría gráfica, tan concisa como exacta, sobre la tentación totalitaria. Las botas del dictador no pisan, pisotean, destruyendo cuanto encuentran a su paso. Insospechada facultad, también vociferan, vomitan edictos, prohibiciones y gases mortíferos. Todo ha de doblegarse a su ansia de poder, hasta que el globo terráqueo sea un balón bajo sus suelas y den por ambicionar el mismo sol. Pero ¿quién las calza? Nadie, ellas hacen en realidad al dictador, solo la ignorancia de unos, la complicidad de otros, prestos a sacarles brillo, dan cuerpo a un gran vacío, simple muerte enmascarada.Josef Capek (1887-1945) fue una de las figura más destacadas de la cultura checa de entreguerras. Creador polifacético, firmó diversas obras de ficción, algunas en colaboración con su hermano, el célebre escritor Karel Capek (como ''El juego de los insectos'',1921), y abundantes textos sobre arte, en ese sentido, artista de vanguardia, también fue pintor, escenógrafo, ilustrador de libros y dibujante de prensa, publicando, durante la década de 1930, incisivas viñetas antifascistas, en periódicos como el diario ''Lidové noviny'' o en libros como ''Las botas del dictador'' (1937). Tras la ocupación alemana de Checoslovaquia, fue detenido por la Gestapo y confinado en sucesivos campos de concentración, falleciendo en Bergen-Belsen, poco antes de la Liberación.
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Dibujo anatómico para principiantes y profesionales Dibujo de la anatomía de la A a la Z, desde los primeros pasos, las figuras básicas y el trazo hasta las poses dinámicas y los personajes más interesantes. Con todos los fundamentos, consejos, trucos y ejercicios del profesional para empezar sobre seguro. Un excelente manual de consulta que incluye un repertorio de poses y conocimientos anatómicos sobre todas las partes del cuerpo. Este libro está dirigido a todas las personas a las que les gusta dibujar. Si estás empezando tu viaje creativo o si ya eres ilustrador profesional, este libro es perfecto para ti. Te ayudará a desarrollar tu imaginación y a plasmar tus ideas sobre el papel. Está dividido en bloques de teoría y ejercicios para que te sea más sencillo disfrutar de su contenido.
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* Una historia de la pintura accesible y entretenida. * Una presentación cronológica y de los artistas clasificados por movimientos, escuelas o estilos. * Focos temáticos para identificar los movimientos artísticos, reconocer los símbolos y descubrir los entresijos de los museos. Una historia de la pintura narrada a través de los artistas y sus obras, que se descifran paso a paso: salpicada de paréntesis instructivos y paralelismos gratificantes, para comprender cómo se ha construido este gran fresco universal ininterrumpido, desde Giotto hasta Banksy. Un trabajo clave que reúne los fundamentos y conocimientos que permiten descifrar una pintura cargada de referencias.
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El arco iris del deseo glosa las diferentes técnicas que el gran pedagogo teatral brasileño ha desarrollado a lo largo de su dilatada carrera en la que se ha centrado en utilizar el teatro como instrumento de liberación personal que además es capaz de operar cambios profundos en la vida de los individuos.
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En una galaxia marcada por el conflicto ?donde los separatistas buscan dividir la República, los Rebeldes alimentan la esperanzabajo un Imperio opresor y la Resistencia trata de contener la influencia de un ascendente poder militar? son los individuos
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Estas páginas cuentan sin palabras la historia de un viaje por España, en el que su autor, el fotógrafo Fernando Manso, ha visitado rincones desconocidos y recónditos y los ha encerrado en las placas de su cámara de gran formato. Desde los puntos más apartados de Galicia hasta los de Almería, ha pasado por costas, desiertos y montañas, deteniéndose en viejas iglesias, castillos fantasmales o majestuosas catedrales, en bosques y gargantas, pozas naturales y minas de sal, en cementerios, baños árabes o ermitas excavadas en la roca. Fernando ha hecho de la luz en esos espacios la absoluta protagonista del viaje. Es una luz diferente pues ha prescindido de cielos azules y sol brillante -imagen a veces tan tópica-, de focos y flashes, para dar paso a visiones de lugares que aun conocidos se nos muestran con tan íntima verdad que apenas logramos reconocerlos. Gracias a su técnica, a su arte y a su paciencia para esperar la luz. Porque Fernando emplea todo el tiempo del mundo -ese es su lujo- en acercarnos a un patrimonio artístico, en ocasiones secreto y de difícil acceso, que hay que saber ver: espacios a menudo en riesgo de desaparecer que él desvela tras un detallado trabajo de investigación. Arquitecturas y paisajes, pues sabe que el paisaje natural es también patrimonio importante que se debe preservar con cariño y proteger de especulaciones, que nos pertenece a todos y de cuyo cuidado todos somos responsables. Y hemos de conocerlo. De ese viaje resulta esta obra, con imágenes de gran belleza reproducidas con una calidad excepcional, que nos pone delante una visión de España bajo otra luz.
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«Una biografía sensible y penetrante.» —Leonard Feather (‘Los Angeles Times’) «La mejor biografía de cualquier músico de jazz.» —Ralph Gleason Cuando Charlie Parker murió en 1955, alguien escribió en un muro de Nueva York una frase que se volvería leyenda: Bird Lives! Ross Russell convirtió ese grito en un libro imprescindible. ‘Bird Lives! El esplendor y los tiempos difíciles de Charlie Parker’ es mucho más que una biografía: es el retrato vibrante de un genio que reinventó la música del siglo XX mientras se consumía a sí mismo. Ross Russell –productor, testigo directo y profundo conocedor del mundo del jazz– narra desde dentro la vida extrema de Parker: el deslumbramiento creativo del bebop, las noches interminables, la velocidad vertiginosa del éxito y el precio brutal que exigía. Con una prosa eléctrica y precisa, cercana al ritmo y la improvisación del propio jazz, el libro captura el pulso de una época y la mente de un músico que vivió siempre al límite. Charlie Parker emerge aquí como mito y ser humano, como artista visionario y hombre frágil, y cada página transmite la pasión, la lucha y la música que hicieron de él una leyenda. Aclamado por críticos y músicos, ‘Bird Lives!’ sigue siendo una obra esencial para cualquier lector que quiera entender la vida y el legado del gran Charlie Parker. Leer este libro es escuchar a Parker tocar de nuevo: desafiante, electrizante, inolvidable… –y entender por qué, décadas después de su muerte, Bird sigue vivo.
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El fin del arte. Identidad, militancia y sentido es un ensayo fragmentario y experimental, construido a base de textos tan creativos como subversivos detonados a partir de experiencias personales de la autora y que son vinculados con diferentes sucesos de actualidad relacionados con el arte, el mercado y la cultura visual, con la intención de revelar las actuales dependencias de los discursos socio-políticos hegemónicos en las prácticas artísticas contemporáneas. El libro analiza cómo la agenda política ha invadido el ámbito artístico diluyendo su autonomía y su potencial para la disidencia. La tesis principal es que el arte, atrapado en las guerras culturales, ha cedido a consignas ideológicas y militancias olvidando su naturaleza experimental e inútil, su sometimiento a la propaganda lo ha vaciado de sentido. Por eso el título juega con la ambigüedad de “fin”, tanto su finalidad como su posible agotamiento. Aunque el arte no puede morir, su desconexión con la realidad lo ha vuelto irrelevante. En el prólogo, Juan Soto Ivars afirma que la traición intelectual,“directamente ligada con la honestidad”, es lo que mejor define a la autora, por lo que no se puede esperar recorrer este libro sin sobresaltos. Y es que Abellán transita entre la narrativa, la exposición y el ensayo argumentativo sin perder su particular estilo, que oscila entre la ironía y la provocación, con el único propósito de reivindicar el pensamiento libre.
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«Los museos son lugares de placer. Nos atraen. Y no solo por su reputación, su valor simbólico o su peso cultural, sino, sobre todo, por sus características físicas. Los museos suelen ser islas de paz en el tráfago de las ciudades, por las que se puede caminar y charlar con sosiego, ofrecen constantes estímulos visuales, que pueden resultar tan euforizantes como un partido de voleibol de playa femenino (o masculino), acostumbran a tener bares tranquilos, jardines coquetos y librerías interesantes, llenas de objetos curiosos, donde tomarse un café, darse un baño de sol, tumbados en la hierba, o comprar algún hermoso volumen de arte o un imán para la nevera, y, en suma, ofrecen a la inteligencia y a la sensibilidad, ordenados y explicados, amplios aspectos del arte y la cultura humanos. Los museos procuran espacio para la aventura: en sus salas hemos hecho amigos, conocido a amantes, vivido momentos risibles o trágicos, hemos demostrado nuestra ignorancia o nuestra erudición, nos hemos carcajeado de los demás y de nosotros mismos, hemos pasado tardes de soledad y melancolía, y renovado nuestra fe en la capacidad del ser humano para sobreponerse, gracias al arte, a sus calamidades y su mezquindad. Los museos son campos de felices batallas, circos de muchísimas pistas que, a diferencia de los circos de payaso y domador, huelen bien, campos de carreras en las que nadie corre, salvo nuestra sensibilidad y nuestro pensamiento. Los visitamos, pues, antes que otros sitios, fascinados por los placeres que vayan a proporcionarnos, que sabemos numerosos. Y, como somos gente de letras, nos gusta, además, recoger nuestras impresiones —el recuerdo de esos placeres— en crónicas que disfrutamos poniendo a disposición de los demás.» [Del prólogo]
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'Fat Ferdy: City Houses'' es una celebración de la arquitectura residencial urbana contemporánea y de la creatividad con la que arquitectos de todo el mundo enfrentan los desafíos de construir hogares cómodos, funcionales y estéticamente impactantes en contextos urbanos complejos. A través de una cuidada selección de proyectos de casas construidas en ciudades densas y dinámicas, el libro pone en relieve las soluciones más ingeniosas para aprovechar al máximo parcelas reducidas, adaptar estructuras preexistentes o insertarse armónicamente en entornos históricos y modernos.Desde estrechos solares entre medianeras hasta viviendas verticales que aprovechan cada centímetro disponible, estos proyectos demuestran que las limitaciones pueden ser una fuente inagotable de innovación arquitectónica: dobles alturas, patios interiores, fachadas permeables, jardines en azoteas y soluciones flexibles de iluminación y ventilación natural.El libro explora también la relación entre lo privado y lo público, la manera en que una vivienda urbana se abre o se protege de su entorno inmediato, ofreciendo una fuente de inspiración tanto para profesionales del diseño como para aficionados a la arquitectura.
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Si la conquista de la costa fue una cuestión defensiva hasta la pax romana cuando surge la búsqueda del otium, en adelante, y en la arquitectura moderna específicamente, las mismas pautas y principios, que aluden al encuentro de los sentidos con el medio, guían la ocupación del litoral.A través de las estrategias proyectuales que comparten algunas casas de vacaciones para su integración en el paisaje, se exponen aquí los conceptos que manejan los arquitectos frente al horizonte del mar, y sus lecciones.Itinerarios por arquitecturas del siglo XX, cuando la residencia individual para el tiempo de ocio finalmente se democratiza: experimentos con el lenguaje de su tiempo y formulaciones de ese objeto de deseo para el disfrute del mar, siguiendo los condicionantes topográficos y visuales de cada lugar, incorporan la moderna relación interior-exterior de espacios al abierto que acrecientan la libertad y logran el goce del paisaje.Las decisiones de cada arquitecto permiten comprender cómo la casa busca el placer del ocio frente al mar y fluyen en expresiones del deseo de experimentación en una época de cambio de ideales.El Mediterráneo es un legado que ha definido un nuevo modo de habitar trascendiendo su propia geografía.
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La Galería de las Colecciones Reales exhibe una selección del prodigioso compendio de colecciones artísticas reunidas por los sucesivos reyes de España a lo largo de los últimos cinco siglos y que, desde la Segunda República, pertenecen al Estado español.
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Como las buenas secuelas, Más Superhéroes en Hollywood continúa justo donde lo dejamos en el primer volumen. Han sido un par de años complicados en los que el cine se ha visto muy afectado por la pandemia, pero en los que también se han probado nuevos formatos de estreno y en los que las plataformas digitales de streaming se han convertido en una pieza clave en esta industria. Y en este contexto, en Más Superhéroes en Hollywood vamos a repasar todos los estrenos de cine de superhéroes desde 2020 y los primeros meses de 2022, llegando incluso hasta The Batman. Pero también habrá espacio para incluir las series de Disney Plus del universo de Marvel Studios, y para echar un vistazo al futuro que se nos viene durante los próximos años. Todo esto y mucho más en estas páginas, así que, bienvenidos a Más Superhéroes en Hollywood.
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A través de su estilo decorativo inconfundible, el artista checo y maestro del art nouveau Alfons Mucha (1860-1939) definió la estética de fin de siglo. Sus sugerentes composiciones de motivos ornamentales, flores y bellas mujeres de evocadoras tonalidades melocotón, oro, ocre y oliva se convirtieron en paradigmas de los años de la Belle Époque. La obra de Mucha dejó su impronta en las ilustraciones, los carteles, las postales y los anuncios de su época. Sus llamativos carteles de la actriz Sarah Bernhardt se hicieron especialmente famosos. Junto a su delicada obra decorativa, Mucha también enarboló fuertes convicciones políticas. A través de su monumental ciclo Epopeya eslava expresó su apoyo incondicional al paneslavismo, que propugnaba la independencia política de las naciones checa y eslava del Imperio austrohúngaro. Este libro, realizado con la colaboración de la Fundación Mucha, ilustra las obras principales y presenta todas las facetas artísticas de Mucha, desde motivos decorativos hasta ilustraciones de libros, pasando por carteles, fotografías y pinturas monumentales.
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La iglesia parroquial de La Mata, en el municipio asturiano de Grado, cobija en su interior un sarcófago de piedra de grandes dimensiones y cronología románica. Este trabajo está dedicado a identificar a quién pertenecía esa sepultura y a explicar cómo condicionó a lo largo de los siglos la evolución arquitectónica de aquel tiempo. Crónicas redactadas en el siglo XII lo atribuyen a uno de los primeros obispos de la sede de Iria Flavia, del que las noticias más antiguas decían que había fallecido en Asturias. Pero la leyenda forjada en el entorno de la catedral de Oviedo explicaba su muerte y su enterramiento en circunstancias milagrosas y le terminó atribuyendo una condición de santo que nunca salió del ámbito local. A partir de ahí, la leyenda de Santo Dolfo siguió copiándose en sucesivas historias y el sarcófago pétreo de La Mata terminó convirtiéndose en objeto de culto en la parroquia y su entorno, del que aún a principios del siglo XX se recordaban algunas manifestaciones. Acondicionado primero a los pies de un templo románico del que aún se conserva la portada primitiva con capiteles esculpidos, la evolución de su fábrica hasta las restauraciones más recientes, ha ido acompañada de sucesivos traslados de un sepulcro que sigue siendo su elemento más singular. Este libro se publica en conmemoración del décimo aniversario de la declaración de Los Caminos de Santiago del Norte como Patrimonio Mundial de la Humanidad por la Unesco
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Lazkano, Interesado en la integración de la Pintura en la Arquitectura, ha realizado numerosas exposiciones individuales en EE. UU., Suiza, Yakarta, España e Italia, entre las que destaca la gran exposición retrospectiva del 2010 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Sus obras figuran en importantes museos de todo el mundo, además de en importantes colecciones particulares, y ha llevado a cabo importantes obras de grandes dimensiones en distintos espacios públicos tanto de nuestro país como del extranjero.
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Lo bastante pequeño como para llevar en el bolsillo, pero lo suficientemente riguroso como para dar respuestas a todas sus preguntas, Cómo leer iglesias es un libro del que no pueden prescindir los aficionados a la arquitectura y a la historia, los turistas o los fieles interesados en descifrar los estilos y los símbolos de las construcciones religiosas. Cada edificio contiene pistas en su diseño que no sólo identifican su estilo arquitectónico, sino también quién lo concibió, a qué clase de congregación iba destinado y las razones de su construcción. Esta guía, tan amena como práctica, es la clave para interpretar el estilo, la historia, la evolución y el significado social de los edificios religiosos. No se limita estrictamente a las iglesias, sino que también ofrece información sobre abadías, capillas y monasterios, entre otros. El libro comienza ofreciendo una visión de conjunto de los distintos tipos de edificios, estilos y materiales, mientras que en capítulos sucesivos examina los elementos arquitectónicos individuales y considera su variedad a través de los tiempos y en distintos lugares. Todas las entradas están ilustradas con grabados de época y planos. Tomando como ejemplo una multitud de manifestaciones arquitectónicas eclesiásticas y sus detalles, esta completísima obra le desvelará las elevadas y glorificadas circunstancias que llevaron a los constructores de las iglesias a ejecutarlas.
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La originalísima propuesta que Ricardo Aguilera desarrolla en este libro abre una vía inédita en la literatura musical al seleccionar 50 canciones para relacionarlas con otros tantos hechos históricos. Algunos grandes, otros pequeños. Todos parte de una centuria tan agitada como fue la pasada. Son composiciones, alentadas por unamuy encomiable y desprejuiciada amplitud demiras sonoras, abiertas a los géneros y las latitudes. Conformando con ellas un texto que invita a viajar a través de la Historia, la música y los océanos.50 canciones para entender el siglo XX se sustenta en una enriquecedora, cuidada y rigurosa documentación. Sin embargo, Aguilera elude los formalismos con un estilo cercano, directo, desenfadado y no exento de sabias y agradecidas dosis demordacidad, ironía y humor. Su claridad narrativa y el ritmo ágil consiguen que cada uno de estos cincuenta capítulos—a los que se agregan dos epílogos—se devoren como pequeños ensayos que, sin duda, invitan a la reflexión. Y, por supuesto, a la escucha. La revolución mexicana, la Guerra Fría, el inicio del selloMotown o las dictaduras latinoamericanas se entrecruzan con la eclosión del turismo en España, una canción japonesa que (con trampa) se coló en las listas occidentales, el apartheid sudafricano, las luchas por los derechos civiles, la denuncia de las fake news cincuenta años antes de que se inventara el término, un rockero italiano denunciando la especulación urbanística o el París ocupado por los nazis.Historias de la Historia adosadas a canciones de, pongamos por caso, Leonard Cohen, Adriano Celentano, los Kinks, Bob Dylan, los Rolling Stones, Édith Piaf, las Crystals, James Brown, Joan Manuel Serrat, los Beatles,Woody Guthrie, Duke Ellington, Chuck Berry, Elvis Presley, Charles Aznavour, Chicho Sánchez Ferlosio, Bruce Springsteen, Miriam Makeba, Leño, Billy Bragg, Rubén Blades, Lou Reed, Billie Holiday o John Lennon.
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TODO LO QUE TE GUSTARÍA SABER SOBRE LOS GRANDES FESTIVALES DEL ROCK Descubre las interioridades de Woodstock, Monterey, Rock in Rio, Reading, Live Aid, Isla de Wight, Glastonbury, etc. Este es un libro sobre los festivales y conciertos más decisivos en la historia del rock a ambos lados del Atlántico. El autor ha sido capaz de recopilar toda la información posible al respecto, los comentarios de quienes asistieron a esos eventos y eliminar cualquier tipo de sesgo redactado por el crítico de turno. Sin duda, la lectura es imprescindible para quienes quieran conocer cómo fueron en realidad esos conciertos. Acompañar la lectura de la lista de reproducción en Spotify o de los vídeos en Youtube es el mejor complemento para una experiencia única. • ¿Es cierto que Leonard Cohen actuó en el Isla de Wight en pijama, sin afeitar y recién levantado de la cama? • ¿Sabías que The Beatles decidieron no actuar en Woodstock al exigir Lennon que actuase con ellos Yoko Ono? • ¿O que Glastonbury no pudo celebrarse en 2012 alegando que fue imposible encontrar baños portátiles debido a la celebración de los Juegos Olímpicos en Londres? • ¿Por qué Sisa no pudo actuar en la primera edición del Canet Rock? • ¿Es cierto que a Metallica le lanzaron una cabeza de cerdo en el Monsters of Rock Donington?
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Asignatura aprobada, A love story es una declaración de admiración y amor a una de las películas menos conocidas de la filmografía de Jose Luis Garci. Una reflexión sincera y amena sobre una película que se adentra en el terreno del sentimiento, el amor, el desamor, la amistad y la esperanza. Asignatura aprobada es una de las películas más personales y apreciadas por el director, que le valió ganar su primer Goya y que representó a España en los Oscar de 1987.
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John Berger deia que l'art no serveix per explicar el que és misteriós, però sí que serveix per descobrir-ho. En aquest llibre Josep M. Fonalleras comparteix amb el lector el que ha vist abans i després de la mirada a les obres d'art que l'acompanyen. «El Pantheon és una construcció humana, com aquell art de Rafael que suplanta la natura, va més enllà de l'evidència, crea un nou referent. S'interroga i ens interroga, forma part de les nostres vides i ens obliga a una mirada diferent. Compartida o solitària. Sortint del Pantheon, em penso que encara es pot anar al Settimio a menjar uns espaguetis amb sostre de tòfona blanca i un polsim de pecorino. No es pot exigir res més. Ni a l'art ni a la vida»
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El ball és molt més que una combinació de passos i figures com explica 100 històries sobre el ball que t'agradaria saber, una passejada desenfadada i distinta per algunes pàgines rellevants de la història del ball. Sigui de tipologia cortesana, religiosa,
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José Jiménez ha llevado a cabo una exhaustiva tarea de revisión y anotación de los textos, fijando la terminología para su mejor comprensión en nuestra lengua.Duchamp supo anticipar los nuevos horizontes el arteen el mundo actual. En su trabajo las obras, las imágenes y los objetos elegidos, los textos, y su desdoblamiento en un alter ego femenino como Rose Sélavy, se integran en una misma unidad.
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En 1987, Nike lanzó el anuncio que cambió la industria publicitaria para siempre: era el primero en incluir una grabación original de The Beatles. ¿La canción elegida? «Revolution». Su compositor, John Lennon, ya había muerto, pero los tres miembros del g
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Descobreix com una nova generació d'arquitectes transformen la crisi en oportunitat: sostenibilitat, realisme i innovació des de Catalunya i les illes Balears. Aquest llibre és una mostra que documenta i reflexiona sobre l'arquitectura emergent a Catalunya i les illes Balears després de la crisi del 2008. Recull una selecció de projectes significatius que exemplifiquen una nova actitud arquitectònica: compromesa amb el territori, els recursos locals i les necessitats socials. Amb textos dels comissaris Carme Ribas i Joan Roig, i també amb aportacions d'altres experts, el llibre ofereix una mirada profunda i crítica sobre com els nous arquitectes han adaptat la seva pràctica a un escenari canviant, tot apostant per una arquitectura realista, austera i amb valors. Fotografies, plànols i textos crítics que combinen rigor acadèmic i atractiu visual. Imprescindible per a professionals i estudiants: una eina de referència per a arquitectes, urbanistes, docents i investigadors.
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¿A quién pertenecen los mármoles del Partenón o el busto de Nefertiti? La historia de cómo el imperialismo y el colonialismo llenaron nuestros museos. Detrás de muchas de las obras que admiramos cuando visitamos el Louvre, el Museo Británico o el Met de Nueva York se oculta un pasado incómodo. Son piezas que desaparecieron de su lugar de origen, arrancadas de templos, tumbas o palacios, y que hoy se siguen reclamando. Durante siglos, los grandes museos reunieron objetos procedentes de todos los rincones del planeta convencidos de estar preservando el patrimonio de la humanidad. Pero tras esa apariencia de universalidad se esconde una historia de conquistas, expolios y apropiaciones que todavía proyecta su sombra sobre nuestras instituciones culturales. Este libro sigue el rastro de seis piezas emblemáticas —de los mármoles del Partenón al penacho de Moctezuma, los bronces de Benín y el busto de Nefertiti— para contar, con rigor y claridad, cómo llegaron a las salas de exposición en las que reposan y para abrir el debate sobre su restitución. «¿Y si la identidad de los museos más importantes del planeta descansara sobre piezas que no deberían custodiar? El temblor que sacude a una de nuestras instituciones clave amenaza con alterar para siempre la visión que tenemos de nosotros mismos. Este libro lo cuenta. Y sus conclusiones son perturbadoras.» Javier Sierra, escritor «Estas historias relatadas con maestría revelan un panorama muy inquietante: una letanía de codicia, deshonestidad, manipulación y apropiación indebida a escala internacional. Arte secuestrado lanza una llamada clara y apremiante: ¡por favor, devolved lo antes posible estas obras maestras a los lugares a los que realmente pertenecen!» Paul Cartledge, catedrático emérito de Cultura Griega de la Universidad de Cambridge «Arte secuestrado ofrece, a partir de casos de estudio, un panorama problemático sobre la cultura que ''nos pertenece'' y la necesidad de lo que podríamos llamar una justicia post-patrimonial. Rastrear los olvidos usurpadores del Museo contribuye, como ejemplarmente hacen Catharine Titi y Katia Fach Gómez en este lúcido y riguroso libro, a tener una memoria crítica y a respetar otras formas de mirar.» Fernando Castro Flórez, crítico de arte y profesor de la Universidad Autónoma de Madrid
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Catàleg de l'exposició que se celebrarà en Fundació MAPFRE, Madrid, del 23 de setembre de 2022 al 8 de gener de 2023 i en el KBr. de Barcelona, en 2023.L'exposició té com a objectiu presentar, per primera vegada a Espanya, una exhaustiva retrospectiva de l'obra desenvolupada per aquesta artista alemanya que, al llarg de la seva carrera fotogràfica -que va començar tard, en 1929, quan ja tenia trenta anys, i es va estendre fins al final de la dècada de 1950-, es va centrar en nombrosos i variats temes.
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Peter Halley (Nueva York, 1953) se dio a conocer a mediados de los años ochenta en Nueva York como impulsor del movimiento neoconceptualista. ''Escritos sobrearte'' ofrece al lector la primera traducción al español de una selección de sus ensayos más innovadores,así como una muestra de algunos de sus escritos más personales, como su primer encuentro con Andy Warhol
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Tanto las periferias urbanas como el papel que han jugado sus habitantes en la definición del hábitat y de las formas de residencia merecen una observación crítica en el ámbito de la arquitectura y los estudios urbanos. Las periferias son contextos habitualmente marcados por un carácter de singularidad y complejidad, atractivos desde la perspectiva de las microhistorias implicadas, elocuentes respecto a la evolución de las comunidades sociales que las pueblan y peculiares cuando analizamos los factores que han determinado sus formas de crecimiento o sus vínculos con los contextos urbanos existentes. Son territorios que anticipan la necesidad de una comprensión difusa de la vivienda, atenta a las coordenadas de escasez, incertidumbre o contingencia que operan en la arquitectura residencial contemporánea.
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Voici quatre‐vingts planches, de dimensions moyennes, feuilles volantes, destinées à circuler commodément, des espèces de placards de satire et de fantaisie. Elles ont été exécutées de 1793 à 1797, à une époque où l’Europe se débat dans les convulsions de la fin d’un monde. Leur titre, Les Caprices, pourrait faire croire qu’il n’y ait là que le passe‐temps d’un grand peintre. Mais, derrière ce mot innocent, se dissimule une virulence occulte, si bien que le sens de certaines planches nous paraît encore aujourd’hui très énigmatique.
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El intento de este libro es el historiar la comedia española del siglo XVII. El punto de arranque es estrictamente la comedia de Lope, que continúa con el desarrolo posterior de la fórmula lopiana, hasta su agotamiento con la muerte de Calderón, y la obra de algunos siginificados dramaturgos posclderonianos en los últimos años del siglo XVII.
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